Barreira Arte y Diseño

Está abierto el plazo de Inscripción para el Curso 2010-2011
Puede visitarnos en la página web http://www.barreira.es y consultar nuestra Oferta Académica, así como descargarse de la Secretaría Virtual los formularios de Inscripción, Requisitos de Admisión así como Plan de Estudios.Le informamos que puede solicitar una Beca del Ministerio de Educación en la página web http://www.educacion.es/horizontales/servicios/becas-ayudas-subvenciones/para-estudiar/artisticas/beca-artisticas.html
Tenemos programado para el mes de mayo, unas  Jornadas de Puertas Abiertas, los días  22 y 29 de mayo.
También si lo desea, estaremos encantados de atenderle personalmente, solicitando cita previamente llamando al Departamento de Información al teléfono 961130354.
Ciclos Formativos de Grado Superior Diseño en Proyectos y Dirección de Obras de Decoración Gráfica Publicitaria Diseño en Estilismo de Indumentaria Diseño en Mobiliario
Ciclos Formativos de Grado medio Arte Final Sombrerería
Esperamos que venga a visitarnosAtentamente

Barreira Arte y Diseño
c/ San Jacinto 1 – 3, bajo
46008 Valencia
Tel.: 96 113 03 54
Fax.: 96 113 03 59
barreira@barreira.es
http://www.barreira.es

Entrevista a Jonatan Catalán

Animaholic suma una nueva entrevista a su ya amplia librería de entrevistas a personas relacionadas con el mundo de la animación.

En este caso la persona entrevistada es Jonatan Catalán:

“Generalmente a la iluminación en 3D no se le suele conceder toda la importancia que realmente tiene. En un entorno tridimensional donde las luces y las sombras tienen más importancia a la hora de definir el espacio físico que en el mundo plano del 2D, no existen muchos estudios ni reflexiones serias sobre el tema. En Animaholic tampoco le hemos dedicado el suficiente espacio y prueba de ello es la poca cantidad de entrevistas dedicadas a profesionales relacionados con la iluminación.

Nuestro entrevistado de hoy, Jonatan Catalán (Valencia, 1983) es un joven freelancer apasionado de la animación 3D, a la que lleva dedicándole más de diez años de trabajo. Es una de las cabezas pensantes detrás del valenciano Keytoon Animation Studio y aunque también tiene experiencia como modelador, su excelente trabajo como iluminador y texturizador en “Alma” de Rodrigo Blaas es la que ha motivado esta entrevista. Con él conversaremos sobre la importancia de la luz en la animación 3D”.
Sigue esta excelente entrevista desde aquí.

El corto “Alma” (para verlo en HD id directamente a la web de vmeo y ponedlo a pantalla completa):

Alma from Rodrigo Blaas on Vimeo.

Tu corto en un mes en Off Valencia

Este es un curso para todos aquellos que les gusta el cine y sueñan con tener su propio corto. Gente que, no necesariamente, tiene unos conocimientos técnicos. Y tampoco quiere dedicar varios años a adquirirlos. Gente que simplemente tiene unas inquietudes, una idea y quiere darle forma.

Si es tu caso, no lo dudes, éste es tu curso.

Porque se trata de un curso puramente práctico en el que, por supuesto, te enseñaremos las bases teóricas del cine, pero lo haremos mientras las pones en práctica. Y porque no te llevará mucho tiempo. Sólo un mes. Cuatro semanas en las que trabajarás junto a los profesores de la escuela y, tras las cuales, podrás presumir de tener tu propio cortometraje.

Reuniones informativas generales los días 13 y 20 de mayo
a las 20,30 hrs, en la escuela.

Off Teatro y Cine

C/ Turia 47.

46008 Valencia. Tlf. 96 384 11 85 -

off@offvalencia.com

Recurda que ya han abierto el periodo de inscripción para los cursos continuos, los ciclos formativos y los cursos de verano

Concurso Diseño Mobiliario

GANDIA BLASCO convoca el V Concurso de Diseño de Mobiliario.

Los concursantes pueden presentar sus proyectos hasta el 15 de julio de 2010.

Las bases del concurso se pueden descargar en www.gandiablasco.com

Diseño Social: Taller gratuito; Alicante

El taller gratuito, impartido por En+ (Positivo) dará un repaso a las claves para el diseño y aplicaciones imprescindibles dentro del marco de la comunicación social y de proyectos solidarios, respondiendo a dos preguntas fundamentales: ¿Cómo comunicar en positivo? ¿Qué hace bueno un mensaje social?

El objetivo del taller es dotar a los participantes de las herramientas básicas para la mejora en la comunicación y diseño de sus mensajes. Además, En+(positivo) lo ha dividido en módulos temáticos que tendrán un claro enfoque práctico e interdiscplinar.

Partes del taller:

Que es el diseño social
Introducción al Diseño Social y ejemplos prácticos de su aplicación en campañas de sensibilización y activismo social.

Comunicar en positivo
Aplicar una línea de pensamiento positivo en la comunicación y diseño del mensaje.

Que hace bueno un Mensaje Social
Presentación de modelos de campaña. Análisis del Diseño y la Comunicación.

Analizar nuestros mensajes
Estudio personalizado de los mensajes sociales que cada participante realiza o quiere realizar.

Taller práctico
Aplicación de las herramientas que ayuden a los participantes a mejorar sus mensajes.

Asesoramiento online*
*Se facilitará a los participantes en el taller el email de asesoramiento y consultas relativas a la posterior aplicación práctica de los conocimientos adquiridos.

En+

En+ (positivo) es una asociación que tiene como objetivo principal poner en contacto a diseñadores con inquietudes sociales con asociaciones que necesitan de su asesoramiento para lanzar su mensaje a la sociedad. Junto al desarrollo de proyectos para ONG’s.  En Positivo sigue una linea de análisis e investigación para la mejora de la comunicación y el diseño social generando grupos de investigación y cursos de formación especializados en el diseño y la comunicación social.
–
Asociación EN POSITIVO :: Comunicación y Diseño Social para ONGs

http://enpositivods.wordpress.com
http://twitter.com/social_design
http://www.facebook.com/socialdesign

Premios Valencia Crea 2010

Un año más la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Valencia organiza una nueva edición del certamen de creación joven VALENCIA CREA, por eso y a través de esta carta te invitamos a participar en esta undécima edición en la que continuamos apoyando y promocionando a jóvenes artistas.

Anímate, uno de ellos podrías ser tú, así es que si tienes entre 18 y 35 años puedes presentar tu obra en cualquiera de las siguientes categorías:

-        Diseño interactivo/en la red

-        Arquitectura

-        Videoarte

-        Diseño Gráfico

-        Fotografía

-        Música

-        Comunicación Corporativa

-        Diseño gastronómico

-        Diseño de Interiores

-        Moda para Adultos

-        Moda Infantil

-        Cómic

-        Diseño de Producto

-        Corto

Por cada categoría se otorgará un “Premio Valencia” al que puedes optar si estás empadronado en Valencia o estudias actualmente en un Centro Educativo o Universitario de la Ciudad, y un “Premio Nacional” al que puedes optar si has nacido o eres residente en España.

Para cualquier información puedes consultar las bases que adjuntamos, nuestra página web www.juventud-valencia.es, llamar al teléfono de información del Ayuntamiento de Valencia 010 o al 963525478 Ext. 7101 ó 7151.

También puedes contactar con nosotros a través de la siguiente  dirección de correo electrónico: valenciacrea@valencia.es

Arte Salvado; Valencia

Del 30.03.10 al 30.05.10

Cartografías de la creatividad; Valencia

En la última década, la Comunidad Valenciana ha vivido un momento de esplendor creativo en el ámbito de las artes plásticas con el surgimiento de una nueva promoción de artistas y la consagración internacional de diversos creadores pertenecientes a generaciones anteriores. La exposición “Cartografías de la creatividad. 100% valencianos” aborda precisamente este panorama actual del arte valenciano, entendido desde una perspectiva amplia que abarca todo tipo de manifestaciones plásticas, desde las artes habitualmente objeto de exposiciones como pintura, dibujo, escultura, fotografía o instalación, hasta otras modalidades que han gozado de una menor atención desde el punto de vista institucional, como el graffiti, las nuevas tecnologías, la moda, el diseño o incluso, el mundo de las fallas, específicamente valenciano.

La muestra “Cartografías de la creatividad. 100% valencianos” presenta obra de cien artistas vinculados a la Comunidad Valenciana y representativos de las diferentes disciplinas, desde jóvenes creadores emergentes a figuras con una trayectoria nacional e internacional ya consolidada. El objetivo de este proyecto expositivo, que se encuentra ahora en Valencia,  en el Centro del Carmen, es iniciar una larga itinerancia por diversas salas de exposiciones de otros países.

Del 12-Feb-10 al 02-May-10

Centro del Carmen.
C/ del Museo, 2. Valencia.
De martes a domingo, de 10 a 20 horas

Fuente:www.clubdecreativos.com

Concurso diseño Crea el mundo Deego Toys

El próximo, jueves, 15 de abril empieza una nueva convocatoria para el concurso de diseño de ambientes para Art Toys organizado por Deego Toys. El objetivo es crear un ambiente, escena o composición en la que figuren los personajes Deego Toys de una forma animada para la creación de nuevos soportes.

“Recrea, inventa, imagina y traza un ambiente, una escena, una composición de la que forme parte alguno de los personajes de Deego Toys, juega con ellos, dales vida, anímalos y distribúyelos por todo el espacio según dicte tu imaginación, déjala volar y plasma tu locura.”

El plazo de presentación de las obras finaliza el 15 de mayo y hay tres categorías de premios: primer premio valorado en 400€ (300€ en metálico y 100€ en material Deego Toys) y dos accesits que recibirán material de Deego Toys valorado en 100€ aprox. cada uno.

Las bases del concurso las pueden descargar en el siguiente enlace:
http://www.deegotoys.com/archivos/BASESCONCURSO.pdf

Mas información:
http://www.deegotoys.com/deego/event/concurso-crea-el-mundo-deego-toys
http://www.facebook.com/deegotoyspain
http://www.flickr.com/photos/deegotoys/4501984257/

Ximo Lizama: ‘new media art’; Valencia

HEREDEROS del autómata, en los robots la humanidad proyecta sus ambiciones, sus defectos y sus miedos. ¿Está en ciernes una suerte de tecnohumanismo? Hans Moravec, uno de los mayores científicos del área, entiende que en el curso del siglo, alrededor del 2050, la especie humana será despojada y tal vez sustituida por toda una generación de robots inteligentes, en la perspectiva no muy distante, de un mundo posbiológico.

PERO, ¿QUÉ ES UN ROBOT?

Un robot es una construcción, una máquina, un mecanismo artificial, que carece de alma, goza del poder de moverse por si misma y no se enferma ni muere; es concebido y fabricado para efectuar una tarea normalmente ejecutada por un ser humano.
A diferencia de los autómatas, los robots llevan implícito algo de lo ominoso: en el caso, el temor a que se independicen del ser humano, a que le superen, a que lo maten. ¿Las máquinas tomarán el lugar del hombre?
Hal, imaginado por Stanley Kubrick en el filme 2001: Odisea del espacio, libera reflexiones algo simplistas sobre la humanidad, pero mata secretamente a los hombres de la tripulación para obedecer a su propia lógica de androide, que considera superior a la de los humanos.
En la leyenda del Golem, pero también en Un mundo feliz, de Aldous Huxley, o en Blade Runner, la mayoría abdica y el hombre no tiene otra solución que la de volverse contra una máquina dominadora.
Quien conformó los robots (del verbo eslavo robota, “trabajo obligatorio”; la palabra es empleada para designar a un “trabajador artificial”) fue el dramaturgo checo Karel Capek. En su drama R.U.R. (Rossum Universal Robots, 1921) aparece la primera fábrica de robots en serie. La serialización les hacía perder la individualidad: los robots dejaron de ser aquellos seres mecánicos semi-mágicos pero personalizados que realizaban deseos humanos. El autómata todavía estaba vinculado a lo mágico; el robot, que no tiene por qué ser antropomorfo, era estrictamente racional, funcional y productivo.
Capek introdujo en la literatura, androides que se rebelan contra sus creadores, y no por azar. ¿El libro de Capek es acaso un símbolo de lo que acontece en el mundo contemporáneo? ¿Representa quizá un amargo esbozo crítico del problema, hoy en auge, de la desocupación? Cabe recordar que en 1929 había comenzado la depresión norteamericana, que recién se encaminaría a una solución con el presidente Roosevelt en 1933, y que en ese mismo año el ascenso de Hitler a canciller de Alemania al tiempo que clausuraba los desastres económicos que minaron a la frágil República de Weimar, iniciaba otros peores.

¿ANGELES? NECESARIOS

Recientemente, los robots llegaron al arte: la idea es usar como recurso de expresión artística todas las tecnologías, de las más simples a las más sofisticadas. Y en el arte actual los robots han sido utilizados por los artistas con una intención frecuentemente crítica respecto de la propia cibernética, o para ironizar los comportamientos sociales del hombre, e incluso con una finalidad lúdica o humorística.
Hoy Ximo Lizana nos propone esculturas robóticas, a las que denomina Ángeles Robóticos. Ángeles que ejecutan operaciones a través de ordenadores.
¿Ángeles robóticos? Acaso la voluntad de representar a los ángeles con figura de hombres (apenas Rembrandt los reemplaza por luz) no sea sino la respuesta al deseo de angelizar a la humanidad o, también, al de humanizar a la divinidad. Ximo Lizana introduce un atisbo de heterodoxia.
¿Se trata de seres encarnados o desencarnados? ¿Ángeles robóticos o robots angélicos? En todo caso, su obra podría ser considerada como expresionista: a pesar del recurso a la tecnología, lo que prima es la emoción.
En todo caso también su obra abre a la pregunta acerca de si en la sociedad actual, “sociedad de control”, sigue teniendo vigencia la temática de los ángeles. Todo induce a pensar que los ángeles continúan siendo necesarios y nada les disputa su lugar en el imaginario humano.

La exposición que se presenta en el IVAM incluye 33 obras, fotografías y robots, fechadas entre 2001 y 2009. El catálogo de la muestra reproduce todas esta obras además de textos del comisario de la exposición, Ángel Kalenberg, la Directora del IVAM, Consuelo Ciscar, María García-Abadillo y Natalia Gómez.

Ángel Kalenberg

Catálogo on-line

Del 31 de marzo al 27 de junio de 2010.

IVAM CENTRE JULIO GONZÁLEZ
Guillem de Castro, 118 – 46003 VALENCIA

Tel. 96 386 30 00 – Fax 96 392 10 94

E-mail: ivam@ivam.es

Arte oriental de Cai Xiao Song; Valencia

La Solidez del Tiempo; Arte oriental de Cai Xiao Song

IVAM. Institut Valencià d’Art Modern
4 marzo – 2 de mayo de 2010

Comisarios:  Wang Ming An y Jin Na

del 04/03/2010 al 02/05/2010

Centro Julio Gonzalez – Galería 8

Catalogo On-line de la Exposición

Nacido en 1964, Cai Xiao Song pertenece a la generación posterior a la Revolución Cultural. China abre sus puertas a Occidente en los años setenta, cuando Xiao Song es un adolescente de doce años. Entre 1987 y 1991 realiza sus estudios de arte en la universidad de Bellas Artes de Shanghai. Allí recibe una educación artística restringida a la pintura tradicional china y a la pintura académica europea del siglo XIX. A pesar de ello, desde su graduación en 1991 y durante los once años posteriores hasta 2002, Xiao Song persigue otros objetivos que quedan reflejados en sus obras. Podemos distinguir tres grupos.

Un primer grupo obras, conformado por pinturas al óleo y acrílico, son retratos distorsionados, casi irreconocibles, de Mao que tanto Xiao Song como otros tantos pintores de su generación realizaron para satisfacer la demanda del mercado occidental. Un segundo grupo está integrado también por pinturas de caballete compuestas únicamente por texto puro, por palabras en chino e Inglés. Xiao Song piensa que las palabras son los medios de expresión más directos que existen. Elige palabras comunes y a través de ellas y sus asociaciones expresa su punto de vista sobre la sociedad y la política del momento. Pero, sin embargo, pronto siente que este método de pintura tradicional es muy limitado en posibilidades visuales. Así inicia un nuevo camino basado en objetos encontrados que saca de contexto y carga de simbología. Xiao Song presenta una obra en una exposición en la que 25 artistas trabajan sobre la idea de un “banco”. En ella asimila el significado de la palabra “banco” en inglés británico (posición de los miembros en el parlamento) con el significado simbólico de un banco o una silla en chino “Wei Zi” (cargo), pintando sobre él las cinco estrellas del Pentágono sobre la bandera nacional china. Con ello quiere simbolizar a su nación bajo el liderazgo del Partido Comunista Chino.

El punto de inflexión para Xiao Song llega en 1998. Decide completar sus estudios durante un año en Francia. Una vez llega a París cambia de planes y pasa diez meses viajando por Europa. Tras su regreso a China deja de producir todo tipo de arte y se dedica con intensidad a la caligrafía. Su objetivo es la reflexión. Para Xiao Song, China no debería convertirse en otra Europa occidental, debe convertirse en una nueva China, recobrar su carácter propio. Por esta razón en el año 2002 decide trabajar y producir la tradicional pintura de montaña y agua “Shan Shui”. Su objetivo es transformarla y convertirla en un nuevo símbolo para China, pero desde la utilización de los medios ancestrales y tradicionales. Dentro de ese contexto se encuentra su trabajo actual, de hecho hay dos pinturas “Shan Shui” en la muestra.

La exposición está compuesta por un conjunto de seis obras que Xiao Song llama “Stones”, dos pinturas tradicionales chinas de montaña y agua (Shan Shui), una instalación de caligrafía titulada “Década”, otra conformada por ocho “stones” cuya combinación forma el Mapa de China y, por último, una contribución especial a esta exposición: el mapa de España y el murciélago símbolo de la tradición e historia valenciana.

“Decada” es una instalación que recoge diez años de la caligrafía de Cai Xiao Song en un espacio de 5 x 6 metros y que consta de 100 piezas. En la instalación, cada carácter chino tiene su propia forma y significado, aunque, genera uno nuevo cuando se alía con los demás que le rodean. Es como si habláramos de nuestras vidas, de cada una de nuestras vivencias y sus interconexiones. El artista utiliza estas disposiciones aleatorias para reflejar la incertidumbre y lo desconocido del mundo, para mostrarnos su relación con el arte durante toda una década. Sin embargo, el espectador también puede establecer sus propias conexiones. Es como si se detuviese el tiempo para dar paso a la reflexión. Según palabras de Consuelo Císcar, las instalaciones caligráficas de Xiao Song se apropian de una lírica armoniosa y una creatividad, colmada de belleza, tradición y modernidad. Esa herencia milenaria, ubicada en el presente histórico global, nos lleva a descubrir como la artesanía y el arte conceptual sintonizan de una manera tan precisa.

Cada una de sus “Stones” está integrada por dos piezas de metacrilato, entre las que se introduce un trozo de seda con piedras pintadas en él a base de tinta china y agua. Estos dos elementos aparentemente opuestos -seda y piedra-, son hábilmente vinculados a través de pares de contrastes: la suavidad frente a la dureza, las líneas frente a las curvas, la ligereza frente a la pesadez, y el trabajo humano frente a la creación natural. Cai Xiao Song trata de formar vínculos de interdependencia entre elementos que utiliza y a su vez entre las diferentes piezas individuales producidas y al hacerlo crea una especie de collage. De este modo también opone el medio ancestral de la pintura china al medio contemporáneo occidental creado por Braque y Picasso, el collage. Por otra parte, la simplicidad y sutileza de la transparencia nos da a conocer lo que siempre será estático y permanente, independiente del paso del tiempo. Dentro de esa línea, ocho de esas piezas se combinan para formar el mapa de China. Tanto las piedras como la seda son elementos propiamente chinos y con ellos pretende definir a China como una nación de arte. Mientras la atención del mundo entero se centra en el poder político y financiero de China, Cai Xiao Song sugiere la percepción de China como un mapa de arte.

En el arte Cai Xiao Song encontramos un punto de encuentro entre las culturas de oriente y occidente. Ambas aparecen definidas por lo que son, sin interferencias, conservando sus propias señas de identidad. Xiao Song a través de la reinterpretación, convierte los tesoros de la técnica del arte tradicional en símbolos de una nueva visión de la cultura china.

Seminario de la UE, Industrias Creativas;VAL

19 de abril 2010

Salón de Actos -IVAM

La Comisión Consultiva de las Transformaciones Industriales (CCMI) del Comité Económico y Social Europeo va a examinar la situación de las industrias creativas y culturales en la Unión Europea, que hoy por hoy deben responder a un entorno en rápida evolución. Esta audiencia estará organizada por la CCMI en colaboración con la Comunidad Valenciana, y tendrá lugar en el IVAM (Institut Valencià d’Art Modern).

El objetivo de la audiencia (cuyo programa provisional puede consultarse en línea) será debatir las particularidades de las industrias creativas y culturales, además de entender la dinámica de cambio en este sector.

Los oradores participantes han sido seleccionados para ofrecer una visión clara de las principales cuestiones que afectan a las industrias creativas y culturales y presentar varios sectores a través de una serie de estudios de caso.

Nos complace invitarle a esta audiencia pública. Si desea asistir, sírvase registrarse, en aras de una mayor eficacia, cumplimentando el formulario de inscripción en línea. (http://www.eesc.europa.eu/sections/ccmi/Hearingsandconferences/valencia/index_en.asp)

Para asegurar la buena organización de la audiencia, le rogamos que se registre antes del 9 de abril de 2010. Si el número de inscripciones fuera mayor que el número de plazas en la sala de conferencias, las plazas se asignarán por orden de llegada de las solicitudes.

Certamen de creación joven Valencia Crea

Un año más la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Valencia organiza una nueva edición del certamen de creación joven VALENCIA CREA, por eso te invitamos a participar en esta undécima edición en la que continuamos apoyando y promocionando a jóvenes artistas.

Anímate, uno de ellos podrías ser tú, así es que si tienes entre 18 y 35 años puedes presentar tu obra en cualquiera de las siguientes categorías:

-        Diseño interactivo/en la red

-        Arquitectura

-        Videoarte

-        Diseño Gráfico

-        Fotografía

-        Música

-        Comunicación Corporativa

-        Diseño gastronómico

-        Diseño de Interiores

-        Moda para Adultos

-        Moda Infantil

-        Cómic

-        Diseño de Producto

-        Corto

Por cada categoría se otorgará un “Premio Valencia” al que puedes optar si estás empadronado en Valencia o estudias actualmente en un Centro Educativo o Universitario de la Ciudad, y un “Premio Nacional” al que puedes optar si has nacido o eres residente en España.

Para cualquier información puedes consultar las bases que adjuntamos en este documento bases_vcrea en castellano y valenciano/catalán, la página web www.juventud-valencia.es, llamar al teléfono de información del Ayuntamiento de Valencia 010 o al 963525478 Ext. 7101 ó 7151.

También puedes contactar con nosotros a través de la siguiente  dirección de correo electrónico: valenciacrea@valencia.es

Esperamos poder contar con tu participación en el certamen VALENCIA CREA 2010 y te deseamos el mejor resultado posible.

De Gaudí a Picasso en el IVAm;Valencia

El Modernismo constituye sin duda uno de los aspectos más interesantes del amplio proceso de modernización que, durante el período de entre-siglos, transformó profundamente el panorama del arte europeo y dejó una huella decisiva sobre todas las formas de expresión artística, desde la música a la pintura, desde las artes gráficas y la arquitectura, a la poesía y el teatro.

De Gaudí a Picasso centra la mirada sobre el arte catalán, prestando especial atención la obra de juventud de Picasso y Julio González, artistas que se formaron durante el Modernismo y llegaron a ocupar un lugar destacado en la historia de la pintura y la escultura del siglo XX.  Se hace una excepción, sin embargo, con Gaudí, cuya presencia es indispensable en la apreciación del Modernismo; de ahí que la exposición preste una

atención especial a Julio González y Joan González,  y analiza temáticas tales como Casas y Rusinyol, pintores de la vida moderna; El Simbolismo en Cataluña; El fenómeno Gaudí; Mir y Anglada Camarasa; Nonell y el miserabilismo;  Picasso y la comunidad catalana en París;  La inflexión clasicista y el final del Modernismo.

Las 125 obras que reúne la exposición proceden de diversos museos, fundaciones, entidades públicas y privadas, y coleccionistas particulares, como el MNAC, Museo Picasso, Museo de Monserrat, Real Càtedra Gaudí de la UPC; Fundació Caixa Catalunya; Junta Constructora del Temple de la Sagrada Familia; Colección Masaveu, Colección Cau Ferrat de Sitges, Fundación Francisco Godia,  Museo Reina Sofía, Colección  Thyssen-Bornemisza, El Prado,  y el IVAM, entre otros.

El catálogo de la exposición reproduce las obras expuestas y publica textos de Daniel Giralt-Miracle, Francesc Fontbona, Mercé Doñate, Marilyn McCully, Tomas Llorens y Boye Llorens.

El modernismo catalán fue un episodio intenso y corto de la historia cultural: su vigencia plena cubrió unos veinte años, desde mediados de la década de 1880 hasta mediados o finales de la primera década del siglo XX. Y fue un episodio intenso, que dejó una marca profunda en la memoria colectiva y quedó registrado en todos los relatos de la historia cultural española y catalana de la era contemporánea, sin duda una de las razones encuentra en su asociación con el nombre de dos creadores de fama  universal, Gaudí y Picasso.

La importancia de la arquitectura y de las artes decorativas para la imagen del modernismo es una consecuencia natural del carácter de las transformaciones económicas y sociales de la época en que se produjo. El desarrollo urbano de Barcelona tuvo un peso decisivo en la génesis del movimiento, condicionó su marco sociocultural y aportó muchos de sus contenidos. La sociedad catalana, que se industrializó en la segunda mitad del siglo XIX, sobre todo en la época de la Restauración, fue una condición y un factor fundamental de ese proceso por el papel creciente de la ciudad como centro nacional e internacional de comercio y comunicaciones.

Con la segunda generación, se aborda en la exposición la influencia de la corriente espiritualista en el desarrollo del Modernismo. Asociada en parte a la actividad del Cercle Artístic Sant Lluc, al que perteneció Gaudí, esta tendencia renegó del progresismo materialista y el positivismo que inspiro los inicios de la Belle Epoque y empleo los recursos del simbolismo, que se extendía desde el norte de Europa, para forjar la imagen más distintiva del Modernismo.

La tercera y última etapa del modernismo estuvo protagonizada por artistas jóvenes (Mir, Anglada, González, Sunyer, Nonell, Picasso…), una generación que maduró, avanzado el siglo XX, adoptando unas posiciones en las que no se aprecia ya ningún rastro del entusiasmo decimonónico por la vida moderna que había marcado los inicios del movimiento modernista. El modernismo podría abordarse como la expresión de una crisis social que marcó la vida social, no sólo europea, sino también, y de modo particular y con rasgos diferenciadores, española y catalana

El entusiasmo modernista se disipó rápidamente en Barcelona a lo largo de la primera década del siglo XX. Este declive preside la trayectoria de los artistas de la segunda generación modernista y marca sus eventuales y futuras aportaciones a las vanguardias del siglo XX. La gran figura emergente de esos años es sin duda Picasso. En torno a él se congregan otros jóvenes artistas como Hugué, Canals, Sunyer o los hermanos Joan y Julio González, residentes todos ellos en Paris, a los que en los medios artísticos de la capital francesa se conoce como “la bande catalane”.

El último gran pintor modernista fue Nonell. Compañero de generación de Picasso y Julio González, su obra representa la manifestación mas clara del miserabilismo, con un lenguaje sintético que se despliega en paralelo con el primer expresionismo europeo.

Esta temática miserabilista se extiende entre otros artistas y tiene una importancia fundamental para la época azul que contribuiría a inscribir a Picasso en las vanguardias.

La finalizar la primera década del siglo  XX surgiría un cambio profundo de sensibilidad, que se orientaba hacia el clasicismo y constituyó una ruptura clara con el Modernismo. Este giro supondrá la substitución del Modernismo por el Noucentisme como tendencia dominante en la cultura catalana durante los primeros años de la segunda década del siglo XX.

Con motivo de la exposición el IVAM ha organizado el taller didáctico “De Gaudí a Picasso” que tendrá lugar del 15 de marzo al próximo 27 de junio.

De Gaudí a Picasso. IVAM (Institut Valencià d’Art Modern).

Del 15 de marzo al 27 de junio de 2010.

IVAM (Institut Valencià d’Art Modern)

Guillem de Castro, 118
46003 Valencia

Horario:
De martes a domingo: 10.00 – 20.00
lunes cerrado

Entrada general: 2,00

Congreso Internacional de Arquitectura Blanca; Valencia

La Cátedra Blanca CEMEX de Valencia, fruto del convenio entre la Universidad Politécnica de Valencia (UPV) y la Fundación CEMEX España, organiza en Valencia el IV Congreso Internacional de Arquitectura Blanca (CIAB 4), que tendrá lugar del 4 al 6 de marzo en el Paraninfo de la Universidad.

Arquitectos como Rudy Ricciotti, Sol Madridejos, Félix Solaguren-Beascoa, Matija Bevk, Manuel Aires Mateus y Guillermo Vázquez Consuegra entre otros, darán a conocer sus experiencias a través de sus obras más emblemáticas proyectadas con nuevos tipos de hormigón, como el autocompactante o el hormigón reforzado con fibras metálicas.

Además, este año en la apertura del congreso CIAB 4 se realizará un homenaje a la obra de Miguel Fisac, Premio Nacional de Arquitectura en 2003, con la inauguración de la exposición ‘Cuatro Obras’.

Apertura del congreso e Inauguración de la exposición ‘Cuatro Obras’

• Día: Jueves 4 de marzo
• Hora: 10:00 horas
• Lugar: Sala de exposiciones de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia.

El arte español en el exilio 1939-1960;Valencia

Después de la alambrada. El arte español en el exilio 1939-1960,  analiza,  por primera vez en profundidad,  los distintos exilios geográficos, sociológicos, ideológicos y estéticos que desgarraron e impregnaron el arte español del siglo XX. La exposición, comisariada por Jaime Brihuega, reúne casi doscientas obras  de medio centenar de artistas que evidencian la importancia de la cultura artística del exilio y su aportación fecunda a las nuevas tierras de acogida. La muestra también ahonda en las claves temáticas y formales del imaginario artístico del exilio, así como en los elementos que asociaron o disociaron el arte producido antes y después de la contienda fratricida.

Como el resto de nuestro acontecer histórico y cultural, el arte español del siglo XX quedó violentamente fracturado por el conflicto bélico de 1936 y su fatal desenlace, partiéndose en dos hemisferios cronológicos claramente diferenciados y separados por la guerra civil. Los efectos de tal corte se acrecentaron más aún, si cabe, como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial. Con ella se perturbó también el hilo conductor de la cultura artística internacional y se congeló momentáneamente el marco de referencias que había venido presidiendo la modernización de la cultura artística española durante todo el primer tercio de siglo.

El aislamiento internacional de la España de la Autarquía terminó de sellar con rigor el muro de esta frontera del tiempo histórico.  En medio de tales circunstancias, tras la victoria de los sublevados, muchos españoles fieles a la República se vieron forzados a abandonar el territorio nacional. Entre ellos un buen número de artistas que, por razones políticas o de asfixia cultural, debieron exiliarse y se dispersaron por varios rincones del planeta.

El espacio cronológico que plantea la exposición tiene como límites simétricos los años 1939 y 1960, dos hitos claros en el proceso evolutivo del arte español. La primera fecha marca el final de la guerra civil y el comienzo del exilio mientras que la segunda señala el inicio de modernización que comenzó a manifestar el  arte en la España gobernada por Franco. Sobre este segmento histórico se despliega una reflexión estética e ideológica acerca del arte del exilio español en su conjunto, abordando la naturaleza de las transformaciones experimentadas por los lenguajes visuales que los artistas transterrados llevaban como equipaje al abandonar España y ahondando  en la tensión que se produjo entre la persistencia (o desvanecimiento) de la memoria del origen y su metamorfosis a partir de la irrupción del nuevo paisaje histórico, cultural y estético que supusieron los nuevos contextos.

La muestra reúne casi doscientas piezas que han sido cedidas para la ocasión por más de 70 colecciones públicas y privadas de dentro y fuera de nuestras fronteras. El conjunto de la obra expuesta -en cuya elección ha primado la excelencia artística o su intensidad semántica- articula un paradigma estético abarcable y operativo de cara a la inserción del arte del exilio en el imaginario colectivo.

La restricción en el número de artistas representados obedece a la intención de huir de la minuciosidad erudita por lo que se ha seleccionado al medio centenar de nombres historiográficamente más consolidados. De ellos, se exponen no sólo algunas de las obras que realizaron durante su exilio sino también algunas de las piezas que crearon durante el periodo republicano con el objetivo de dotar al espectador de una mirada activa que le haga reflexionar sobre la mutación de los paradigmas argumentales y estéticos del arte español de los años treinta o, por el contrario, sobre el espejismo de su continuidad. La exposición ofrece, además, la posibilidad de ver por primera vez en España algunas obras de Remedios Varo, El Tiforal 1947; Julián Castedo, Moreno, Villa Nocturno 1950-1952; Alberto, Manuela Ballester, Retrato de Totli, 1949; José Bardasano, Fernández Balbuena, García Narezo, Elvira Gascón, Cristo, c. 1957; Rodríguez Luna, Maruja Mallo, Gausachs, Martín Durbán, Maternidad, 1943; Clavé, Óscar Domínguez, Feliú Elías, García Lamolla, Pérez Rubio.

Las obras se han agrupado en torno a dos grandes territorios geográficos sobre los que se diseminó nuestro exilio artístico:

1. El exilio en el continente europeo:
París. A pesar de la ocupación nazi y de comenzar a perder luego el liderazgo como centro mundial del arte contemporáneo, siguió representando una meca para los artistas del exilio español. Pero el caso de Francia y, fundamentalmente el de París, requiere un tratamiento especial, pues muchos artistas que no viajaron a España después de la guerra estaban ya instalados de antemano en la capital francesa y prácticamente no tenían protagonismo directo en la vida artística de la España republicana (Picasso, Julio González, Bores, Viñes, De la Serna, Dalí.). En estos casos, e independientemente de sus ideas y comportamientos políticos, no puede hablarse estrictamente de artistas transterrados. En cambio, sí hemos de considerar de alguna manera exiliados políticos a aquellos que, residiendo más o menos habitualmente en París, pero teniendo importantes vínculos con la vida cultural española, decidieron desconectarse de ella y no pisar territorio español hasta pasado largo tiempo. Por eso, sumando el transterramiento propiamente dicho y el “de facto”, los artistas exiliados en Francia componen un plantel considerable: Esteban Francés, Timoteo Pérez Rubio (irá también a Suiza y a Brasil), Manuel Viola, Joan Rebull, Antonio Clavé, Baltasar Lobo, Honorio García Condoy, Feliú Elías, Óscar Domínguez, Ángel López Obrero, Antoni García Lamolla, Leandre Cristòfol (también en Marruecos), entre otros, que están presentes en este capítulo de la exposición.

Londres, por su parte,  supuso una residencia fugaz para José María Ucelay y Gregorio Prieto, mientras que la Unión Soviética representó una circunstancia intensísima en la vide de Alberto, proporcionándole elementos para un diálogo entrañable entre la memoria de España y la asimilación de la nueva realidad geográfica y cultural y de Julián Castedo.

2. El exilio en el continente americano:
México. Fue uno de los escenarios más intensos.  Entre los artistas más importantes de este destino del exilio cuyas obras están presentes en la exposición cabe mencionar a Aurelio Arteta, Antonio Ballester, Manuela Ballester, José Bardasano, Salvador Bartolozzi, Enrique Climent, Roberto Fernández Balbuena, José García Narezo,  Elvira Gascón, Ramón Gaya, José Moreno Villa, Josep Renau, Antonio Rodríguez Luna, Miguel Prieto, Arturo Souto y Remedios Varo.

El exilio en el Cono Sur americano. Es el segundo destino que congregó a más artistas dentro del exilio de ultramar, sobre todo Buenos Aires. Este apartado de la exposición reúne obras de Rafael Alberti, Manuel Ángeles Ortiz, Manuel Colmeiro (que en 1948 se trasladó a París), Maruja Mallo (que también estuvo en Chile) y Luis Seoane.

Otros destinos del exilio transoceánico. El resto de los destinos de encuentro de América Central y del Sur, como Cuba, República Dominicana, Venezuela, Puerto Rico o Guatemala, supusieron escenarios de menor intensidad que no llegaban a componer “colectivos de exilio”. En cambio, Nueva York se mostraba ante los ojos de los artistas exiliados como un nuevo y deslumbrante epicentro de la creación artística mundial.

Este apartado reúne obras de Eugenio Granell quien residió en Santo Domingo, Guatemala, Puerto Rico y USA; Cristóbal Ruiz, que vivió en Puerto Rico (además de pasar por París y Nueva York); Ramón Martín Durbán, residió en Venezuela; Josep Gausachs y  Vela Zanetti en Santo Domingo (el segundo también en Nueva York). En Estados Unidos fijaron su residencia principal Esteban Vicente, Luis Quintanilla (en 1957 se trasladó a París) y Joan Junyer (primero había estado en Santo Domingo).

Además se ha producido para esta exposición un cortometraje cinematográfico  sobre el exilio español realizado  por el cineasta Joan Dolç, así como dos collages antológicos (un audio musical y un vídeo cinematográfico) realizados respectivamente con obra compuesta por nuestros músicos y cineastas en el exilio.

Del 25 de febrero al 25 de abril de 2010
Comisario: Jaime Brihuega, Profesor Titular de Historia del Arte Contemporáneo, Universidad Complutense (Madrid)
Coordinación general: Norberto Piqueras Sánchez
Organiza y produce: Universitat de València, Universidad de Zaragoza, Universidad de Córdoba, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC)
Colabora: Bancaixa

Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
C/ Universitat, 2
46003 València
Tel. 963864377
www.uv.es/cultura
www.secc.es

Horario de visita:
De martes a sábado de 10 a 14 horas  y de 16 a 20 horas
Domingos de 10 a 14 horas

ENTRADA LIBRE

Fuente:Exitmail

Final Concurso “Custom Paper Toyz 2″

El próximo Viernes 5 de Marzo se pondrá punto y final al segundo concurso de personalización de toys de papel convocado por la revista A Little Beat y el colectivo artístico Most Wanted Paper, en colaboración con Carhartt Streetwear y Artvisual.

Tras varios meses de votaciones en la página web del concurso, el próximo Viernes 5 de Marzo en Flow (Valencia) a partir de las 22h, se conocerá al único ganador de la presente edición de Custom Paper Toyz, que será premiado con 500 € en metálico en una velada amenizada musicalmente por Plan B y GNZ.

Se trata de la segunda entrega de un concurso, que en su anterior edición tuvo como ganador al artista croata Marko Zubak, y que, como en la primera edición, ha recibido numerosas propuestas de multitud de países.

La temática de esta edición del concurso está inspirada en los Jíbaros, tribu de la selva amazónica conocida por el arte indígena de la reducción de cabezas. Así surge “Jíbaro: cabezas reducidas” y el Paper Toy que los participantes debían personalizar: una cabeza con su nariz, representadas por un trapecio y un triangulo tridimensionales, que conservan la sencillez de la plantilla propuesta para la primera entrega de este concurso.

Todavía estás a tiempo de votar por tu toy favorito en www.custompapertoyz.com, donde también puedes descargarte de forma gratuita las plantillas de los muñecos participantes en el concurso, en formato PDF, para que puedas montarlos tú mismo.

Infórmate y vota por tu toy favorito en www.custompapertoyz.com

Viernes 5 de Marzo de 2010

22h a 03:30h en Flow (Plaza Honduras 35, Valencia)

Entrada gratuita

Entrega premio “Custom Paper Toyz 2 – Jíbaro: Cabezas Reducidas”.

Dj´s PLAN B + GNZ

Organiza:

www.alittlebeat.com

www.mostwantedpaper.org

Presentación de comunicaciones para el 4º Congreso Internacional de Tipografía

La convocatoria está abierta a diseñadores, estudiantes, investigadores y académicos que pueden presentar sus trabajos, ya sean de aplicación práctica o artículos de investigación, de acuerdo a las áreas temáticas del Congreso.

Fecha límite: 28 de febrero 2010

Tipos de trabajo con los que se puede participar:

- Resultados definitivos o preliminares de trabajos de investigación.

- Comunicaciones relacionadas con reflexiones sobre experiencias prácticas.

- Trabajos referidos a estudios de casos.

- Comunicaciones relativas a opiniones basadas en experiencias.

- Informes sobre el desarrollo de sistemas concretos o metodologías específicas que han mostrado eficacia en su aplicación.

- Revisiones y reflexiones sobre trabajos publicados en un área determinada.

- Comunicaciones en relación con el desarrollo de conceptos teóricos o metodológicos.

- Presentación de innovaciones de productos, procesos, métodos o metodologías.

Líneas temáticas:

- Caligrafía.

- El dibujo en el proceso de diseño de tipografía.

- Tipografía e ilustración: la letra como imagen dibujada.

- Lettering

- La escritura manual como elemento de diseño.

- El impacto de la tecnología en el dibujo de la letra.

Instrucciones generales

- Enviar un resumen de la comunicación (máximo 500 palabras) a la siguiente dirección de correo electrónico: info@adcv.com, antes del 28 de febrero. Deberán incluirse los siguientes datos, en un documento Word o en formato RTF:

* Autor (Nombre y apellidos)
* Empresa o institución
* Dirección para correspondencia
* Teléfono
* e-mail
* Tema de la comunicación, indicando la línea temática en la que se circunscribe.
* Resumen de la comunicación

- Se aceptarán un máximo de dos trabajos por autor.

- Deberán ser contribuciones originales, producto de la investigación o de la práctica del autor.

- Los trabajos recibidos serán seleccionados por el Comité Científico.

- El Comité se reserva el derecho de rechazar todas aquellas propuestas que no cumplan con los requisitos indicados o que no alcancen el nivel de calidad requerido.

- No se aceptarán trabajos enviados fuera de plazo.

- De ser aceptado el resumen por el Comité, el autor deberá presentar el contenido completo en el plazo que se le indicará.

PUBLICACIÓN

Aquellas comunicaciones presentadas que cumplan con los requisitos de calidad exigidos por el Comité Científico, se publicarán en el libro de Actas del Congreso.

COMITÉ CIENTÍFICO

Juan Arrausi, Santi Barjau, Albert Corbeto, Sebastián García Garrido, Dimas García Moreno, Laura González Díez, , Xurxo Insua, José Luís Martín Montesinos, Pedro Pérez Cuadrado, José Ramón Penela, Josep Maria Pujol, Julio Sanz.

Fuente: www.congresotipografia.com

Fotografía, diseño gráfico y compromiso en el MuVIM;Valencia

La fotografía histórica de la vida cotidiana, el diseño gráfico y el compromiso social centrarán ´Farem 2010´, la programación que el Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat (MuVIM) ha presentado para este año y que abarca un total de 20 exposiciones además tres ciclos de cine, 26 talleres didácticos, , y cuatro congresos, jornadas de reflexión y otras actividades culturales.
La muestra fotográfica “Fragments d’un any”, organizada por la ‘Unió de Periodistes Valencians’, recoge el trabajo de los fotoperiodistas durante 2009, mientras “Jardines de arena” recupera cien instatáneas inéditas realizadas entre 1859 y 1902 que se exponen por primera vez en Europa.
La obra de Lászlo Moholy-Nagy que marcó movimientos revolucionarios y novedosos en otros campos del arte, será otra de las propuestas fotográficas junto a ´Tender puentes´, un diálogo fotográfico entre el siglo XIX y la actualidad en el que profesionales de prestigio como Joan Fontcuberta, Roland Fischer, Bleda y Rosa, y Javier Brazuelo revisan lugares captados durante los dos últimos siglos.
El MuVIM coordinará también una nueva edición del proyecto bienal bautizado como ´Fotogràfica´ que este año sugiere los trabajos de Eugene Salignac en “New York Rises” y Bernad Plossu con “Valencia color, en directo”.

El diseño es otra de las apuestas del museo o para esta temporada que acoge las cinco exposiciones “Artel. Arte de uso diario (1908-1935)”, que en colaboración con el Museo de Artes Decorativas de Praga, explora los esfuerzos creativos de la asociación a través de objetos decorativos, pequeños y funcionales. También “Masonería e Ilustración” enseña, por primera vez en España, una amplia selección de objetos, pertenecientes al Museé de la Franc-Maçonneire de París complementados con grabados y libros.
El MuVIM denuncia además el peligro de las minas antipersonas en “Nieva tinta” de Fernando Medina e intenta sensibilizar a la sociedad sobre la problemática del sida a través del arte en “Mirando desde fuera”, uniendo de esta manera, arte y compromiso social.

Por último este año se contará con un debate sobre la “Estética de la memoria” que relacionará cuestiones del espíritu, imagen, arte y política el 8,9 y 10 de marzo; “Estereotipos interculturales germano-españoles” (26, 27 y 28 de abril); “Michael Foucault: un pensador poliédrico” (15, 16 y 17 de noviembre); y “Arte, maestros y museos” que el 1, 2 y 3 de diciembre reflexionará sobre “qué han de hacer los maestros y los especialistas en muesos antes y después de llevar a los niños al museo”.

www.muvim.es

Nueva escuela de animación en Valencia

Primerframe es una escuela de animación que nace de la ilusión de un grupo de profesionales de primer nivel por crear un centro de calidad, acorde con las necesidades de los alumnos y las empresas que buscan nuevos talentos.

Es por ello por lo que nuestros cursos están siempre impartidos por profesores con amplia experiencia profesional y actualmente en activo en el sector, capaces no solo de transmitir los conocimientos que han ido adquiriendo a lo largo de los años, sino de supervisar la calidad de los ejercicios de los alumnos a un nivel profesional.

No enseñamos a los alumnos basándonos en manuales, ni formamos operarios de un software determinado, ya que ningún certificado por muy oficial que sea puede garantizarte un puesto de trabajo. Las empresas lo único que desean ver es la calidad del trabajo que ha realizado aquella persona que quieren contratar. Por ese motivo nuestros cursos están basados en los ejercicios en los que el alumno irá trabajando y logrando objetivos.
A lo largo de los cursos, principalmente del Máster en Animación 3D, ayudamos a que el alumno. Hoy en día la especialización es lo más buscado en las principales compañías, por lo que descubrir y potenciar el talento del alumno es algo fundamental para que destaque en lo que mejor se desenvuelva, reconozca la disciplina en la que más destaca y tenga más fácil una salida profesional.

Nuestro principal objetivo es que los alumnos terminen cada curso con una galería personal de la mayor calidad posible, original y única. Para ello contarán con la supervisión directa de varios profesores, tanto en la clase como online, gracias al sistema de correcciones on-line que dispone PrimerFrame.com

La matrícula ya está abierta y podrás encontrar más información aquí o en la web de la propia escuela

Fuente:PrimerFrame + D-News

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