Ilustraciones de Miguel Calatayud; Valencia

Desde el portal gràffica informan de la siguiente exposición en el MuVim de Valencia:

La exposición antológica dedicada a Miguel Calatayud, que se inaugura hoy jueves 17 de febrero a las 20.00, se sitúa dentro del programa del MuVIM que tiene como objetivo la difusión de las obras que más han determinado el cartel y el libro ilustrado desde comienzos del siglo XX a la actualidad.

La muestra incluye 382, propiedad del autor, representativas de su trayectoria artística a lo largo de más de 40 años.

La exposición da a conocer el particular enfoque estético y conceptual de Miguel y se vertebra en cuatro bloques temáticos: cómic, carteles, libros infantiles y colaboraciones en medios impresos nacionales y extranjeros

Miguel Calatayud está considerado como uno de los protagonistas de la renovación plástica española originada en la década de los setenta del pasado siglo. Sus dibujos, de estilo muy reconocible, los ha creado a partir de una experimentación personal, en la que ha sabido conjugar las aportaciones de los grandes ilustradores tradicionales y las soluciones gráficas desarrolladas por los artistas de vanguardia, para crear una de las obras más consistentes dentro del actual mundo del cartel y de las publicaciones ilustradas.

En sus comienzos, Miguel Calatayud reflejó la influencia de Heinz Edelmann y los diseñadores alemanes del momento para evolucionar, como le sucedió a Vladimir Lebedev, el gran renovador del libro ilustrado en 1920, hacia un estilo propio, en el que han tenido cabida las infinitas aportaciones del arte de vanguardia y, asimismo, la riqueza gráfica y literaria de los pliegos de cordel y de los grabados populares de los siglos XVIII y XIX. Así, en los trabajos de Miguel Calatayud se pueden detectar elementos procedentes del cubismo, del expresionismo y del surrealismo, junto a otros que remiten a la estética de las aleluyas, a las conocidas estampas de Épinal, coloreadas a mano con acuarela, y a las magistrales alegorías y juegos del grabador Baltasar de Talamantes.

Miguel Calatayud ha recibido, a lo largo de su trayectoria profesional, numerosos galardones, entre otros, el Premio Lazarillo de Ilustración (1974), el Premio Ministerio de Cultura a las Mejores Ilustraciones de Libros Infantiles y Juveniles (1989 y 1991), el Premio a la Mejor Obra en el XVI Salón del Cómic de Barcelona (1998) y forma parte de la Lista de Honor Andersen (1976) y la Lista de Honor IBBY (1986). En 2009 recibió el Premio Nacional de Ilustración por el conjunto de su obra.

Más información en MuVim

Reabre el Centre d’Art d’Alcoy

El 28 de diciembre de 2010, el edificio modernista del Monte de Piedad inicia su última aventura respetando la función para la que fue construida y que no es otra que servir a la ciudadanía. Y así, nace de la mano de Caja Mediterráneo el CADA, el Centre d’Art d’Alcoy. En el CADA se compartirán nuevas experiencias expositivas, culturales y sociales. Es un centro de arte necesario y añorado en el que tiene cabida cualquier expresión artística, tanto clásica como vanguardista.

Pero es preciso retroceder en el calendario para comprender la existencia del CADA. Porque fue el 22 de septiembre de 2000, dentro de los actos de conmemoración del 125 aniversario del Monte de Piedad y Caja de Ahorros de Alcoy, se reúne en Alcoy el consejo de administración de CAM, y entre los distintos acuerdos que se adoptan, se decide “promover la creación de un Instituto Mediterráneo de Arte Moderno, para todo el ámbito operativo de CAM, cuyo centro será Alcoy, lo que se plasmaría en la ubicación de un museo de dichas características en esta ciudad”.

Este convenio será una realidad gracias al acuerdo firmado con la Conselleria de Cultura de la Generalitat Valenciana, a través del cual se crea un Centro de Arte en el que se exhibirán muestras del primer nivel. El CADA también se convertirá en un centro que aglutine una ambiciosa programación cultural coordinada y programada por la Obra Social de Caja Mediterráneo, dando cabida a cualquier expresión artística.
El CADA se crea para la exposición del arte más actual y moderno, pero también para alternarlo con aquellos movimientos artísticos de otras épocas que, por su interés y relevancia, puedan ser del interés general.

La distribución del CADA
El edificio modernista del antiguo Monte de Piedad de Alcoy cuenta con más de 4.000 metros cuadrados de superficie y se divide en tres grandes plantas. La planta baja y la segunda altura estarán gestionadas por Obra Social CAM. En la baja, también, podremos encontrar dos salas que rememoran la Historia de Caja Mediterráneo y del edificio. Esas dos salas son La del Consell y de La De Juntas, que formarán parte del proyecto RAICES de Caja Mediterráneo con el que recupera y rememora la historia  y los orígenes de la entidad.

La planta primera estará gestionada por el Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana. Por allí pasarán las exposiciones de primer orden que se programen desde este estamento dentro de su completo circuito.

Una de las novedades más destacadas de CADA es la creación en la segunda planta de la Sala Net Art, un espacio pensado para las creaciones vanguardistas como el video-art, espacio sonoro, video-danza y  performance. Las mismas dependencias contarán con un estudio de grabación, dos salas de talleres y un salón de actos con capacidad para 180 personas dotadas con traducción simultánea, video conferencia y las instalaciones tecnológicas más avanzadas.

Entre los objetivos fundacionales, CADA programará actividades que provoquen notoriedad e interés en el público objetivo complementarias e interrelacionadas incidiendo en la formación e interactividad con la comunidad autónoma y los agentes culturales nacionales e internacionales. Los eventos convocados se orientan hacia la diferenciación por la vía de la especialización y la innovación. El apartado de formación se centrará especialmente en las nuevas tecnologías.

100 anys lluitant per un món sense lepra;Valencia

Del 2 de diciembre de 2010 al 27 de febrero de 2011

El Instituto acoge la exposición Fontilles, 100 años luchando por un mundo sin lepra, que integra dos muestras que ofrecen dos miradas diferentes pero complementarias sobre la historia de Fontilles desde sus inicios en 1909 hasta la actualidad. La exposición, coordinada por el Vicerrectorado de Artes, Cultura y Patrimonio de la Universitat de València, nos ayuda a entender trayectorias tan dilatadas y la vitalidad que continúan mostrando proyectos como el de Fontilles.

La primera exposición está organizada por el Centre d’Estudis i Investigacions Comarcals Alfons el Vell de Gandia, que se quiso sumar a la celebración del centenario con la organización de una exposición fotográfica donde se muestran los presupuestos filantrópicos, asistenciales y científicos que guiaron los inicios del proyecto en las décadas de 1910 y 1920. La exposición, titulada La leproseria Sant Francesc de Borja. Els inicis d’un projecte centenari, ha sido comisariada por Josep Bernabeu-Mestre y Teresa Ballester Artigues, y la conforman más de cincuenta imágenes que provienen mayoritariamente del fondo fotográfico Tivoli de Alcoi. Muchas de ellas fueron realizadas por los fotógrafos Isidro Laporta y Josep Tomás y permiten una aproximación a la transformación que mostraron las infraestructuras y el espacio físico que configuraban el Fontilles de la primera etapa, las características de los enfermos y las variedades de lepra que padecían, el tipo de asistencia que recibían, o las normas que marcaban la vida cotidiana de los enfermos de lepra recogidos en la colonia-sanatorio que recibió el nombre de San Francisco de Borja. En la exposición también se pone de manifiesto la dimensión epidemiológica que mostraba el problema de la lepra y el aparato propagandístico que permitió difundir el proyecto y recaudar las limosnas y los donativos necesarios para construir el sanatorio.
La segunda muestra, organizada por la Asociación Fontilles, comisariada por Nuria Blaya y Daniel Benito y patrocinada por Bancaja, se articula en torno al espíritu y a los objetivos que impulsaron la fundación del sanatorio, y cien años después siguen impulsando la labor de la asociación: terminar con el estigma de la lepra, ofrecer asistencia a los enfermos, y desarrolar actividades de investigación y formación. La exposición trata de acercar al espectador, a través de este recorrido, la vertiente más humana de Fontilles. Es ésta una muestra que quiere ofrecer una visión optimista acerca de una de las enfermedades más temidas de la historia, recordar que puede curarse, pero también que hay lugares donde todavía queda mucho por hacer. La muestra pretende destacar la labor de Fontilles que, cien años después, continua, dentro y fuera del valle, su lucha por un mundo sin lepra. Fontilles tiene historia, pero no es historia.

Se pueden concertar visitas guiadas, llamando al teléfono 96 386 49 22.

Sales d’Exposicions – Palau de Cerveró
Pl. Cisneros, 4
46003 Valencia
Tel. 96.392.62.29
www.uv.es/cultura
www.ihmc.uv-csic.es

Cartel Semana Santa Burriana 2011

1. OBJETO

1. Es objeto de las presentes bases establecer el procedimiento que ha de regir el concurso del diseño del cartel anunciador de la Semana Santa 2011 que editará y distribuirá este Ayuntamiento.

2. El ganador del concurso otorgará al Ayuntamiento la cesión de los derechos de reproducción y transformación de la obra.

2. RÉGIMEN JURÍDICO DEL CONCURSO

En lo previsto en las presentes bases se estará a lo dispuesto en la Ley 30/2007 de 30 de octubre de Contratos del Sector público y, en cuanto a la cesión de los derechos de explotación de la obra, a lo previsto en el RD Legislativo 1/1996, de 12 de Abril, por el que se aprueba el texto refundido de la Ley de Propiedad Intelectual.

3. CUANTÍA DEL PREMIO

1. Se establece un premio de 400 euros.

2. Se aplicarán las retenciones correspondientes de acuerdo con lo dispuesto en el artículo 99 del Reglamento del Impuesto sobre la Renta de Personas Físicas.

4. PARTICIPANTES EN EL CONCURSO

1. Podrán participar en el concurso las personas naturales a partir de 16 años, españolas o extranjeras, con capacidad de obrar.

2. Las personas menores de 18 años no emancipadas, deberán aportar una autorización de los tutores legales en la que se exprese que autorizan al menor a presentarse al concurso y que autorizan la cesión de los derechos de reproducción y transformación de la obra.

3. No será necesaria a autorización de cesión en el caso de menores de 18 años emancipados que vivieren independientemente de los padres o tutores o con autorización de la persona o institución que los tenga a su cargo.

5. JURADO DEL CONCURSO

1. La composición del jurado será la siguiente:

• Presidente: el Concejal delegado de Cultura.

• Secretario: un funcionario del área de Cultura, con voz pero sin voto.

• Vocales: un profesional de las artes plásticas, el presidente de la Junta de Hermandades y Cofradías de Burriana y un miembro elegido entre ellas, un profesional del diseño, Consiliario de la Junta de Hermandades y Cofradías.

2. Los vocales serán designados por la Alcaldía Presidencia, a propuesta del Concejal de Cultura. La citada resolución se publicará en el tablón de edictos del Ayuntamiento.

3. El Jurado adoptará sus decisiones o dictámenes con total independencia, sobre la base de los diseños que le sean presentados y atendiendo únicamente a los criterios indicados en estas bases.

6. CARACTERÍSTICAS DE LOS DISEÑOS

1. Los participantes gozarán de completa libertad para escoger el tema, aunque siempre será representativo y relacionado con la Semana Santa de Burriana y los Pasos que la representan.

2. Los carteles, originales e inéditos, adoptarán la forma vertical, montado sobre soporte rígido (bastidor o cartón pluma), preparado para la exposición, en tamaño A3 (29,7×42 cm). Sin márgenes. Combinada con la composición del dibujo figurará el escudo de la Ciudad y la inscripción “Setmana Santa 2011. Burriana.”

3. Los originales ejecutados a mano y con libertad de procedimiento, excepto el “collage” con imágenes de otros autores, se hará de manera que su reproducción no ofrezca difi cultades y no exija más de cinco tintas, quedando excluidas las doradas y plateadas, así como los colores fluorescentes.

En caso de utilizarse el ordenador, se presentará una copia a color de alta resolución del cartel, montada sobre soporte rígido y, en caso de ser premiado, el autor estará obligado a presentar un disco (magneto óptico, CD, DVD, etc.) y el programa utilizado. Asimismo, aportará una segunda prueba tamaño DIN A4 con la misma calidad que el original. En caso de contener imágenes pixelizadas (TIFF, EPS, BMP…), éstas deberán estar en alta resolución, es decir, a 300 píxel por pulgada al tamaño de impresión. El autor será responsable de la correcta realización de los archivos informáticos aportados. En ningún caso se admitirá el escaneado o uso de fotografías e imágenes de otros autores.

7. CRITERIOS PARA LA SELECCIÓN DEL DISEÑO

• Originalidad

• Impacto visual

• Eficacia anunciadora

• Calidad gráfica

• Transmisión de la idea reflejada

• Condiciones de reproducción y edición

8. DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR POR LOS PARTICIPANTES

a) Fotocopia del Documento Nacional de Identidad (DNI) o del pasaporte.

b) Las personas menores de 18 años no emancipadas, deberán aportar una autorización de los tutores legales en la que se exprese que autorizan al menor a presentarse al concurso y que autorizan la cesión de los derechos de reproducción y transformación del diseño.

9. FORMA DE PRESENTACIÓN DE LOS DISEÑOS Y DE LA DOCUMENTACIÓN

1. Cada participante podrá presentar dos obras como máximo; admitiéndose obras en colaboración – en el supuesto de presentarse obras en colaboración, para la cesión de los derechos de reproducción y transformación se requerirá el consentimiento de todos los coautores.

2. Las obras se presentarán de manera anónima y por lo tanto no podrán ser presentadas con la firma del autor ni con cualquier otro signo que pudiera identificar al autor de la misma. No obstante y una vez resuelto el concurso, el ganador deberá firmar la obra.

3. Junto con la obra se presentarán, en un sobre cerrado, la documentación que se expresa en la base séptima y un documento en el que se haga constar: nombre y apellidos, número de Identificación Fiscal (NIF), domicilio (calle, plaza,…) y número, localidad, teléfono de contacto. En el sobre tampoco podrá figurar ningún dato o signo que pudiera identificar al autor de la obra.

4. Las obras, junto con el sobre indicado en el apartado 2 de las presentes bases, se presentarán en el Centre Municipal de Cultura La Mercé, desde el día 9 de diciembre hasta el 13 de enero de 2011.

10. FALLO DEL CONCURSO

1. El fallo del concurso lo realizará el Jurado. El fallo se hará público el día 14 de enero anunciándose en el CMC La Mercé.

2. El fallo del Jurado podrá proponer que se declare desierto el concurso, si a su juicio y motivadamente, ninguno de los trabajos presentados tuviera la calidad suficiente.

11. PAGO DEL PREMIO

Una vez conocido el fallo del Jurado, el órgano competente del Ayuntamiento concederá el premio. Se establece como condición indispensable la obligación del ganador del concurso de asistir al acto de entrega del premio.

12. EXPOSICIÓN DE LAS OBRAS PRESENTADAS

1. Todos los participantes se comprometen a ceder temporalmente las obras para que el Ayuntamiento pueda exponerlas en el Centre Municipal de Cultura La Mercé.

2. Finalizada la exposición, los participantes podrán recoger sus obras en el plazo de un mes. Pasado este período el Ayuntamiento no está obligado a conservarlas.

Más información:  Ajuntament de Burriana

Duduá, módulo-mobiliario-tipogràfico

Una mesa con inspiración tipográfica es la última creación de mobiliario ecológico de los diseñadores valencianos Sanserif Creatius, un equipo especializado en el desarrollo de muebles y productos sensibles con el medio ambiente. Su última creación es Duduá, un módulo con forma de “n” que puede desempeñar múltiples funciones auxiliares y que sigue su filosofía de incorporar productos basados en materiales industriales al hogar y la oficina.

Duduá es un comodín para los decoradores que, en su formato original, puede actuar como una taburete o una mesa auxiliar, según ha señalado la directora de Sanserif Creatius, Ana Yago, que ha explicado que la pieza nace con vocación de multiplicarse en el espacio y adquirir nuevas funciones tal y como se añaden unidades a la composición inicial.

Así, por ejemplo, Duduá puede convertirse en una bancada sin límite o en un contendor vertical u horizontal, adoptando múltiples formas que permiten desde la disposición simple de los elementos en cubos, hasta configuraciones innovadoras en las que generamos formas que crecen por la pared como una enredadera o que dibujan iconos de la cultura pop como los temibles alienígenas pixelados del Space invaders!

Fieles a los valores medioambientales y sociales que integran habitualmente en sus diseños, Duduá se ha planteado inicialmente en cartón ondulado como parte de la colección de nuevos materiales para el hábitat que se presentó en la última edición de la Feria Hábitat Valencia, como parte de la exposición Three Little pigs.

De hecho, el trabajo de Sanserif Creatius se ha centrado en el denominado “diseño social” que pretende, no solo aportar soluciones a las necesidades que demanda nuestra sociedad, sino también transmitir valores que refuercen la cooperación, el respeto y la convivencia.

Una de las virtudes de piezas como el módulo Duduá es que interactúan con otros materiales y se reinterpretan así mismas, según ha explicado Ana Yago, que ha recordado que, por ejemplo, éste módulo ha dado origen a una colección de mesas al convertirse en el soporte de un sobre de cristal, en el que los módulos Duduá pueden integrarse horizontal o verticalmente, o mediante formas geométricas que le aportan diversas funcionalidades.

Mostra d’Art Públic; Valencia

Art Públic/Universitat Pública. XIII Mostra d’Art Públic de Joves Creadors

Mostra d’intervencions artístiques de caràcter efímer als espais públics del Campus dels Tarongers.
Projectes seleccionats: In Memoriam,de Alejandro Bonnet de León. No me drogues, de Fr. José Celis Alemán. Secret box: confiesa un secreto, de Juan Antonio Cerezuela Zaplana. Temporal, de Fr. Lucas Simón. Cura sanita, de Pilar Boullosa Álvarez. Un mundo feliz, de Sara Sanz Herguedas y Miguel Ángel Moya. Oceano campus. Atrapados en una red no virtual, de Teresa Valdaliso Casanova (projecte web de creació en espai digital virtual).
Campus dels Tarongers. Avinguda dels Tarongers s/n.

Inauguració: Dilluns 18 d’octubre a les 12.30 h., entre l’Aulari Nord i la Facultat de Dret.

Del 18 al 22 d’octubre.

Organitza: CADE.

Col·laboren: Facultat de Dret, Facultat de Ciències Socials, Biblioteca de Ciències Socials Gregori Maians.

Art públic/Universitat pública es una muestra de arte público para jóvenes creadores, esta decimotercera edición presenta las intervenciones de los artistas seleccionados, incorporando específicamente una línea de apoyo a la videocreación e interpretando internet como un espacio público en un contexto de interacción. La exposición, concebida como una manifestación altamente efímera, situada en el Campus dels Tarongers de la Universitat de València, transforma el espacio público en un lugar de relación entre las jóvenes propuestas artísticas, los universitarios y la sociedad que los envuelve.

Del 18 al 22 de octubre de 2009
Inauguración 18 de octubre, 12:30 h.

Comisario: José Luis Pérez Pont
Artistas seleccionados:

1. Sara Sanz / Miguel Ángel Moya. Un mundo feliz.

En un mundo tan complejo como en el que hoy vivimos, lleno de información y de costumbres globalizadas, corremos el peligro de dejarnos llevar por la inercia de la sociedad a la que pertenecemos, sin cuestionamientos. Como ocurre en la novela de Aldous Huxley, “Un mundo feliz” (1932), los peores vaticinios se han cumplido. Una posición crítica ante la realidad se hace indispensable.

2. Fran Celis. No me drogues.

De las enfermedades no contagiosas, la enfermedad mental es la que más protagonismo está cobrando en nuestra sociedad, sin embargo apenas se conoce el funcionamiento de la mente. El aumento de la dosis suele ser la prescripción habitual ante los síntomas físicos que manifiesta el paciente. Dormir los síntomas no es curar la enfermedad, como entretener a la población no es lograr su bienestar.

3. Alejandro Bonnet de León. In memoriam.

Se alude al recuerdo de aquellos aparatos que ayudaron a nuestro fracaso, manteniéndonos en un mundo ilusorio, aislado de la realidad, en el que no es necesario pensar. Nos sumergimos en un mundo virtual, en el que la distancia que proporciona el medio nos permite abandonar la poca humanidad que preservábamos.

4. Francisco Lucas. Temporal.

El proyecto gira en torno al esfuerzo humano aplicado a la producción de riqueza: el trabajo. Cuando en España rozamos los cinco millones de parados, se han normalizado dinámicas laborales que desembocan en precariedad. Los titulados universitarios españoles de entre 25 y 34 años representan la tasa de paro más alta de Europa. ¿Qué está pasando?

5. Teresa Valdaliso. Oceanocampus. Atrapados en una red no virtual.
http://www.oceanocampus.com/

Con este proyecto se plantea la realización de una red virtual no interactiva en la que se verá reflejada la red real, interactiva. La participación física de los alumnos del Campus, identificándose metafóricamente con diferentes especies marinas según sus comportamientos, se verá reflejado en el espacio virtual.

6. Pilar Boullosa. Cura sanita.

Para la artista, las prendas de vestir son como tiritas y vendas que intentan sanar las cicatrices físicas y psicológicas derivadas de los complejos o los malos tratos. Su ropa recién lavada quiere airear esos “trapos sucios” de la sociedad, invitando a reflexionar sobre la acción de vestirnos.

7. Rodrigo Lombardo. Homemade energy system.

Esta instalación utópica reflexiona acerca de los sistemas energético que se están utilizando en la actualidad, poniendo el foco de atención en la falta de protagonismo que todavía tienen los suministros de energía no contaminante. Si dejáramos los intereses económicos de lado, seríamos capaces de encontrar el bien común y reestablecer el orden ambiental.

8. Juan Antonio Cerezuela. Secreto Box: confiesa un secreto.

El confesionario se convierte en este proyecto en un lugar en el que cada persona puede crear una ficción de sí mismo, constituyéndose a la vez como un lugar de encuentro, de juego, de intimidad. El resultado final es una especie de “cadáver exquisito” surrealista, en el que las historias y los personajes se suceden uno tras otro.

Convocatoria 2011. Bases en www.uv.es/cade a partir del 15 de noviembre.

Marco Decorativo para Proyecciones de Sanserif Creatius

Un marco decorativo que establece los límites de la proyección de imágenes o fotografías en nuestra pared es la última propuesta para espacios actuales del estudio de diseño Sanserif Creatius.

MyScreen en una pieza que delimita el ángulo de nuestra pantalla virtual para garantizar que el espacio que utilizamos cuando proyectamos sobre una pared o superficie elegida de una oficina o casa quede claramente delimitado, según ha explicado la diseñadora Ana Yago.

MyScreen es un producto que viene a solventar una necesidad que está empezando a surgir en los espacios contemporáneos, en los que el antiguo televisor o las pantallas de Plasma o de LCD han pasado a la historia, siendo el llamado “Home Cinema” –uso de un proyector o cañón de vídeo sobre una gran superficie vertical- un sistema emergente para el visionado de imágenes o audiovisuales.

Este sistema nos permite elegir el tamaño de proyección que queremos y disfrutar de un formato cuatro veces mayor que el que puede ofrecer una pantalla estándar, según ha señalado Ana Yago, que ha señalado que MyScreen permite cubrir la necesidad de decorar el vacío de la superficie vertical elegida para la proyección, evitando al mismo tiempo que ese espacio pueda ser invadido.

En este sentido, MyScreen se configura como una pieza realizada en un solo troquel y con forma de escuadra o esquinara similar al del marco de un cuadro y con diversos trabajos gráficos y formales. Para facilitar su uso, y mantener la limpieza espacial, se presenta en dos unidades, que se sitúan en ángulos opuestos de nuestro espacio de proyección, quedando así perfectamente delimitada la pantalla virtual.

Para Ana Yago, MyScreen evita que los espacios pensados para el hábitat se vean invadidos por elementos que no concuerdan con el mobiliario y la decoración elegida para el hogar, o que reducen la funcionalidad del espacio de trabajo, como una pantalla de proyección, incluso aunque ésta sea enrollable de techo o pared, porque influyen en la estética de la habitación donde se encuentre, mientras no se utiliza.

Y, como ejemplo, la directora de Sanserif Creatius ha recordado que una pantalla de proyección de un tamaño corriente tiene unas dimensiones de 200 por 180 cms, además de los elementos accesorios, soportes y las necesidades de instalación.

De hecho, Ana Yago ha recordado que uno de los principales problema para acomodar la proyección sobre una pantalla estándar se debe a los formatos -4:3, 16:9, etc.- que nos impiden que la superficie útil sea del 100%, quedando marcos blancos –en pantallas íntegramente blancas- o negros –cuando éstas los incorporan-.

Multifunción y nuevos diseñadores

Por otra parte, MyScreen tiene ventajas adicionales, ya que puede utilizarse como contenedor o estante auxiliar, permite disponer de un espacio transitorio para el mando o los materiales de proyección elegidos, y no corre el riesgo que tiene una pantalla estándar de malas formaciones como consecuencia de su manipulado – especialmente rasgaduras en los laterales inferiores, junto al contrapeso-.

La pieza, presentada recientemente en la exposición Three Little Pigs de Feria Hábitat Valencia, forma parte de la exposición colectiva Diseñadores Valencianos que puede visitarse en Arquitécnica Ruzafa (C/Puerto Rico, 28 · Valencia), en la que se ha reunido a algunos de los principales nuevos referentes del diseño de la Comunidad Valencia.

Junto a Sanserif Creatius, que también presenta la versión slim y colgable del GrandPa Clock, destacan piezas de Yonoh, Nadadora o Marcus Michalski, entre otros. Esta muestra colectiva permanecerá abierta al público hasta el próximo 28 de octubre, dentro de los actos externos que se han vinculado a la segunda edición de la Valencia Disseny Week (VDW).

Fuente: sanserif.es ·

t. 963 466 406 · 627 760 487

La imagen mundializada; Valencia

II Jornadas de investigación.
11 y 12 de noviembre de 2010.

Coordinadores: Carmen Senabre / Ricard Silvestre / José Luis Pérez Pont.

Estas Jornadas de investigación analizan la problemática que ha propiciado un nuevo modelo de internacionalización del arte y una mundialización de la cultura, ambos, aspectos básicos de los actuales comportamientos artísticos tanto en el contexto valenciano como internacional, siendo tal vez precedentes de una iconicidad global.

En este sentido, las características y efectos sociales, artísticos y culturales derivados de la globalización visual, generado por las intervenciones, instalaciones, el arte de acción y las realizaciones artísticas -en donde los instrumentos relacionados con los mass media o las nuevas tecnologías se postulan como el mecanismo fundamental para su praxis creativa- plantean la posibilidad de una nueva reflexión.

La celebración de este encuentro de profesionales de primer orden en el ámbito de investigación de la cultura visual, tiene como objetivo profundizar en las consecuencias socioculturales que se derivan de la globalización de la imagen y su democratización, en lo que respecta a la capacidad individual de producción icónica originada a partir de la última revolución tecnológica en este campo.

Presentación del libro: Arte Contemporáneo y público. ¿Una relación imposible?

10 h. La construcción de la imagen global.
Antoni Muntadas. Artista.
Modera: José Luis Pérez Pont.

11,30 h. Pausa-café

12 h. El cine como primer lenguaje visual globalizado.
Aurea Ortiz. Profesora de Historia del Arte de la Universitat de València.
Modera: Rian Lozano.

17 h. El arte de los 90 como detonante para la creatividad del siglo XXI. Nexos, coincidencias y vínculos.
Ricardo Forriols. Profesor de Historia del Arte en la Universidad Politécnica de Valencia y crítico de arte.
Modera: Joan Robledo.

19 h. ¿Es real la realidad en los tiempos de la Postmodernidad? Arte, Comunicación y Sociedad en los inicios del Siglo XXI.
Blanca Muñoz. Profesora de Teoría Sociológica Contemporánea, Sociología del Conocimiento y Sociología de la Cultura de Masas en la Universidad “Carlos III” de Madrid.
Modera: Carmen Prats.

11,30 h. Pausa-café

12 h. Nuevos Lenguajes, Nuevos Públicos.
Álvaro de los Ángeles. Profesor del Departamento de Comunicación Audiovisual, Documentación e Historia del Arte de la Universidad Politécnica de Valencia.
Modera: José Luis Giner.

19 h. A partir de la presentación del libro: Filosofía y tiempo final de E. Subirats, se celebrará una mesa redonda junto con Anacleto Ferrer y Amparo Zacarés, profesores de la Facultad de Filosofía de la Universitat de València.

20.30 h. Clausura.
Carmen Senabre / Ricard Silvestre / José Luis Pérez Pont. Coordinadores de las Jornadas.

MATRÍCULA:
Unitat de Suport als Instituts de Blasco Ibáñez.
Avda. Blasco Ibáñez, 32 (1ª planta). Facultad de Filología.
Se facilitará información a través del correo electrónico:
m.teresa.lopez@uv.es y del teléfono: 96 386 40 31.
Para aquellos alumnos de la Universitat de València que soliciten la convalidación de créditos, el importe de la matrícula es de 39 € a ingresar en la cuenta:

CC.: 0049-5457-28-2116095178

El plazo de matrícula finaliza el 5 de noviembre.

Las personas interesadas que no deseen  créditos, podrán inscribirse gratuitamente facilitando nombre, apellidos y DNI a través del siguiente correo electrónico hasta completar el aforo:

jornadesartcontemporani@gmail.com

Dirigido a:
Estudiantes de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades, Comunicación Audiovisual, Ciencias de la Información, así como artistas, críticos de arte, comisarios, directores de museos y centros de arte, gestores culturales, periodistas y público en general.
Certificado de asistencia.

LUGAR DE CELEBRACIÓN:

MuVIM

SALÓ  D’ACTES DEL MUSEU VALENCIÀ DE LA IL·LUSTRACIÓ
Quevedo, 10
46001 Valencia

http://jornadesartcontemporani.blogspot.com

Fuente:Exitmail

Detras del Jardín; Valencia

Fashion Art; Valencia

El día 8 abrió sus puertas en la “Ciutat de les Arts i les Ciencies” de Valencia Fashion Art, un proyecto de Manuel Fernández que permanecerá en exposición hasta el 10 de octubre de 2010 y que ha contado con la colaboración de artistas plásticos españoles e iberoamericanos.

Fashion Art – La esencia del arte en un trozo de tela

En alianza con pintores españoles, Manuel Fernández lleva a cabo una experiencia única. Una propuesta donde la moda y el arte se unen en un mismo trozo de tela para intercambiar información y para crear un nuevo lenguaje.

Por un lado, él ha creado una colección de trajes lienzo que cumplen la función de un soporte tridimensional, por otro, los pintores han plasmado en la tela con su estilo, su técnica personal y su manera de comunicar. Cambiando en esta conjunción nuestra visión del cuerpo y el volumen, multiplicando los ángulos de admiración de una obra de arte.

La alianza arte-diseño ha creado un nuevo lenguaje estético, donde el artista es el protagonista y el diseñador su hilo conductor.

Fashion Art se ha exhibido ya en:

-            Museo de Bellas Artes de Buenos Aires (2002)

-            Museo de Artes Visuales de Montevideo (2003)

-            Museo de Las Condes. Chile (2003)

-            Museo Nacional de Bogotá (2003)

-            Museo de Antioquia-Medellín (2003)

-            Museo de la Tertulia. Cali (2003)

-            Claustro de Santo Domingo. Cartagena de Indias (2003)

-            Museo Antropológico de Arte Contemporáneo. Guayaquil (2004)

-            Palacio de la Minería. México DF (2004)

-            Museo Interoceánico del Canal de Panamá (2005)

La exposición Fashion art nace de la iniciativa del diseñador español Manuel Fernández con el deseo de ofrecer a los artistas más sobresalientes del panorama español un soporte nuevo y excepcional para que cada creador pueda realizar una obra única. El soporte no es otro que un vestido diferente para cada uno de los integrantes del proyecto, que Manuel Fernández diseña y confecciona tras un importante intercambio de ideas con el artista para que la adaptación entre diseño de moda y obra plástica sea total.

La idea de intercambiar el Arte con otras disciplinas no es nueva, pues de todos es sabido que las vanguardias artísticas históricas no solo lo intentaron, sino que en buena medida, obtuvieron importantes logros al tratar de acercar el arte a la vida cotidiana y como ejemplo inevitable, podemos citar la Bauhaus. Pero también es verdad que posteriormente, y sobre todo en nuestro país, el mundo de la creación se encerró en sí mismo y anda cada uno en lo suyo sin demasiada comunicación entre las distintas disciplinas que lo componen. Una de las artes que podríamos agrupar entre las “condicionadas” es la creación de moda, o mejor dicho: de esas prendas que irremediablemente forman parte de todos en cada instante de nuestra vida. Es frecuente frivolizar sobre esta actividad creativa, que difiere poquísimo en lo fundamental del resto de las artes plásticas (concepto, volumen, forma, color), la diferencia en este caso sería la condición de utilitaria, de objeto de uso cotidiano, pero si convenimos que el arte es importante para el ser humano y para su desarrollo sería deseable que todo lo que lo rodea respondiese en la medida de lo posible a la condición de artístico.

Este preámbulo no es en modo alguno para justificar el soporte sobre el que los artistas que tengan a bien participar en esta muestra realizaran su obra, muy al contrario el diseñador de moda Manuel Fernández no pretende nada más que ofrecer a los artistas un soporte diferente y novedoso para realizar una obra de arte que no se limite al plano, que pueda ser observada desde diferentes ángulos, donde el volumen sea real y no un engaño para el ojo y que en el caso del artista que lo desee pueda ser contemplada también sobre el que en un principio sería su destino: un cuerpo de mujer. El soporte que ofrece a cada artista es un vestido con las técnicas, medidas y texturas aptos para su fin primero; sin embargo esa cualidad no quiere decir que el artista tenga que limitarse en absoluto a dicha condición y si alguien entiende que su obra requiere no ser utilizada o que su tratamiento determine la característica de imponible esta en su pleno derecho, pues uno de los principios que definen la exposición es la total libertad para el artista, por entender que en cualquier caso la aportación plástica está por encima de cualquier otra condición, incluida la utilitaria.

Tras el paso de Fashion Art por cada uno de estos museos, Manuel Fernández ha ido incorporando artistas de cada país al proyecto, creando una nueva visión y enriqueciendola con una gran variedad de propuestas creativas que a su vez dejan huella para otras iniciativas.

PINTORES ESPAÑOLES

Agustín de Celis, Agustin Ibarrola, Antonio Belmonte, Antonio Girbes, Anzo, Cardarelli, Carlos Costoya, Carpurnio, Ceesepe, Chillida Belzunce, Critina Duclós, Cristina Navarro, Dario Basso, Diego Moya, Elena Negueroles, Equipo Límite, Eva Davidova, Elvira Granados, Facundo Fierro, Fuentes Fuensanta Salas Pombo, Fernando Verdugo, Genovés, Gabriel Carrascal, Horacio Silva, Hortelano, Jaume de Laiguana, Joaquín de San Juan, Jose San leon, Jarr, José Ibarrola, José Manuel Ciria, José María Báez, José María Soria, Juana Andueta, Juanjo Castillo, Lucía Cruzat, Morea, Manolo Rodríguez, Manolo Valdés, Lucia Cruzat, María Teresa de Vega, Miquel Navarro, Olga Andrino,Ripollés, Sigfrido, Teresa García López, Ouka Lele, Úrculo, Uiso Alemany y Willie Márquez.

PINTORES LATINOAMERICANOS

CHILE: Ivan Daiber-Eulalia Carrrasco.

ARGENTINA: Carlos Gorriarena,Pablo Siquier, Jose Luis Anzizar, Martín di Girolamo, Genoveva Fernandez, Pancho Luna.

ECUADOR: Oswaldo Viteri,Enrique Tabara, Jorge Velarde, Paco Cuesta,Pamela Hurtado, Peter Mussfeldt, Mariela Garcia Caputi, Wilson Paccha.

MEXICO: Guillermo Ceniceros, Esther Gonzalez, Gabriela Muñoz.

PANAMA: Olga Sinclair, Eduardo Navarro, Trujillo,Tabo Toral, Antonio Alvarado, Nelsi Nilson.

COLOMBIA: Maripaz Jaramillo, Pilar Copete, Pepe Gonzalez, Vivian Forster, Ana Isabel Diez, Marta Sánchez, Genaro Mejia, Daniela Mejia, Santiago Uribe Holguin, Pedro Ruiz, Margarita Mesa, Camilo Calderon, Guillermo Cardenas, Luis Luna, Santiago Cardenas, Franklin Aguirre, Ivan Rickermann, Rosario Heins, Diego Pombo.

Fashion Art. Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia

Exposiciones en el MuVIM; Valencia

Jardines de Arena. Del 22 Julio al 12 Octubre

Entre 1859 y 1905, un grupo de fotógrafos profesionales de gran talento se asentaron en ciudades como Estambul, Smyrna, Luxor, El Cairo, Túnez, Beirut, Damasco y La Meca, iniciando con ello la documentación fotográfica de Oriente Próximo. La construcción visual de esta región se hizo a caballo entre el pasado arqueológico, el imaginario orientalista y el futuro industrial del siglo xx. Fue asimismo fruto del esfuerzo común de diversos grupos étnicos y su mezcla de creencias religiosas: los más de doscientos ochenta fotógrafos comerciales activos en la zona en la segunda mitad del siglo XIX, de origen armenio, egipcio, inglés, turco, francés, griego, alemán, italiano, persa o árabe, reflejaron con un nuevo medio y desde distintas perspectivas la eterna fascinación ejercida por Oriente Próximo, sus culturas y sus gentes.
Es de extrañar que en los últimos treinta y cinco años, en los que ha habido un verdadero redescubrimiento de la fotografía del siglo XIX, no se haya realizado ninguna exposición ni ninguna publicación sobre la fotografía comercial en Oriente Próximo. Por ello, el proyecto Jardines de arena, dirigido por Canopia en colaboración con la editorial Turner, y comisariado por el historiador de la fotografía y conservador de museo Clark Worswick pretende llenar ese vacío, con una selección de obras de gran calidad realizadas por fotógrafos comerciales activos en Oriente Próximo en el siglo XIX. Estos pioneros consiguieron, a través del recién nacido medio fotográfico, atrapar la esencia de una tierra mitificada por la sociedad occidental. El libro Jardines de arena cuenta con la colaboración del historiador de la fotografía y Oriente Próximo Issam Nassar y la experta en orientalismo Patricia Almárcegui. Las imágenes proceden de los fondos de la Colección Clark & Joan Worswick.

El espíritu futurista en la publicidad italiana.

Selección del Massimo&Sonia Cirulli Archive. New York ( 27 de mayo al 12 de octubre).

La exposición, organizada por el MuVIM y Caja Mediterráneo,  se centra en el futurismo y su influencia en la publicidad italiana de la época. Uno de los movimientos de vanguardia más interesantes, que se desarrollaron entre la primera y la segunda década del siglo XX en Italia. Se muestran más de 80 obras, de entre las cuales destacan carteles de gran formato, esculturas, libros, manifiestos, publicaciones y demás obra gráfica, collages y dibujos de los autores más representativos de este movimiento (Alberto Bianchi, Aldo Mazza, Alfredo Cavadini, Antonio Maraini, Carlo Bompiani, Carlo Carrà, Federico Seneca, Filippo Tommaso Marinetti, Fortunato Depero, Giacomo Balla, entre otros).

El futurismo fue lanzado y promovido por Filippo Tommaso Marinetti quien, apremiado por la rápida transformación social que se estaba produciendo, propugnó una amplia revolución cultural que ilustra en el Manifiesto del futurismo publicado en febrero de 1909. Un año después del primer Manifiesto, aparecen los dos manifiestos de la pintura firmados por Umberto Boccioni, Carlo Dalmazzo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini. Y tras la pintura, la atención de Marinetti y de quien lo acompaña se concentra en la música (1911), en la escultura y la literatura (1912), en la fotografía (1913), en el teatro (1913 y 1915), en la arquitectura (1914). Y no faltan proclamas que van más allá del arte y de las artes, deteniéndose en aspectos de la vida social, como la condición femenina (1912), el lujo, la política (1913) y la ciencia (1916).

Todas las diversas experiencias adquieren un carácter unitario cuando, en 1915, Giacomo Balla y Fortunato Depero publican el manifiesto Reconstrucción futurista del universo, en que se evidencia como el espíritu futurista está destinado a permear  todos los aspectos de la sociedad. Y aquí es donde se inserta la muestra El espíritu futurista en la publicidad italiana. Selección del Massimo & Sonia Cirulli Archive, New York, que da cuenta de las novedades que la poética futurista introdujo en el cartelismo publicitario, llevando a la calle invenciones, mensajes, imágenes ciertamente más avanzadas de lo que la gente común estaba habituada a ver. Y el dinamismo típico de la investigación futurista, que asume el mito de la velocidad y el progreso de la tecnología como momentos fuertes de una sociedad que mira al futuro, se convierte en momento de estímulo, de provocación y de arrojo.

Una visión amplia, pues, que narra el devenir de la sociedad a través de una mirada que, aún con intenciones comerciales, ha sido posible gracias a la lucidez de artistas que supieron leer sus tiempos con un vigor narrativo y evocador que con toda seguridad producirá un fuerte impacto.

Nevando Tinta. Fernando Medina (hasta el 12 de octubre).

Nunca pensé en ser diseñador. De pequeño soñaba con ser marino. Y lo fui, pero sin tocar ningún puerto lejano. En mis 30 años de profesión como diseñador he realizado todo tipo de proyectos, procurando mantener un espíritu abierto y una fuerte curiosidad por conocer la manera de trabajar el diseño en otras culturas. Muy pronto descubrí que el concepto era la fuerza motriz del diseño y trabajé siempre bajo el principio: las ideas primero.

Cuando cerré mi estudio de diseño en Madrid en 1985 para ir a residir a Montreal, sentí que tenía que investigar en una línea más personal, fuera de los condicionamientos de los encargos de los clientes. Como inicio de esta nueva etapa, diseñé para The Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York una colección de objetos, entre ellos “The MoMA Clock Kit”. Siguió después un trabajo más amplio y variado sobre los relojes, que se materializó en una colección de 50 relojes, realizados en cartulina y con mecanismos de cuarzo, que titulé “PaperTime”. Otro proyecto personal experimental ha sido “KromaTriom”, un estudio sobre la influencia del color en el ser humano, que incluye aparatos y objetos.

Años más tarde, en 1996, ya en Francia, decidí volver a los fundamentos del diseño para comunicar ideas y pensamientos a través de conceptos gráficos. Adopté entonces un compromiso con la sociedad como diseñador, prestando atención a temas que considero necesario poner en evidencia: las minas antipersonas, la paz, la guerra, la ecología, etc.

En 1997, para realizar el proyecto “Nevando tinta”, encontré un soporte conveniente, un papel irrompible, blanco, poroso, sobre el que utilizo la ancestral y modesta tinta.  Como acabado, arrugo manualmente el papel. “Nevando Tinta” es así una exposición de acrobacias visuales, cavilaciones con pincel y tinta, carentes de ayuda electrónica y medios tecnológicos. Se expuso por primera vez en 1999, en la Galería de Pentagram Design de Londres y, posteriormente, en Cádiz (2001), Jerez (2002) y Sevilla (2002).

No podría definir si lo que estoy haciendo es arte o diseño. Quizás es la fusión de los dos.

MuVIM
+34963883757
C/Quevedo, 10
46001 Valencia
francisco.molina@dival.es
www.muvim.es

Próximas Exposiciones IVAM;Valencia

07/09/10 al 24/10/10

PRÓXIMAMENTE: JOSÉ VILLA

Nacido en 1950 en Santiago de Cuba, Villa se mueve entre el minimalismo y la abstracción matérica, dando como resultado una escultura sobria y sencilla, con gran poder de síntesis y un tipo de composición que tiende a equilibrar los extremos de mesura y violenta expresividad de formas y terminaciones. Se trata de un escultor con gran capacidad de trabajo, conocedor de las posibilidades de expresión de los materiales, de los que obtiene una fuerte comunicación estética, lograda a través de un riguroso dominio de la técnica para otorgar a la forma resultante un concepto geométrico muy personal y a menudo sorprendente. De ahí que en una buena parte de sus obras resalte el carácter totémico y la verticalidad, lo que las convierte en monumentales aunque sus dimensiones no lo sean logrando una imagen inconfundible y absolutamente personal que convierte el totémico de la mayoría de su producción en su seña de identidad. La monumentalidad en la obra de Villa es por tanto, más un concepto que una dimensión, pues piensa la escultura como aspecto de la cotidianidad como acompañamiento de la vida diaria que crean una sensación de recogimiento, de silencio y a la vez de fuerza y conciencia de la belleza en su estado puro.

09/09/10 al 21/11/10

JOSÉ BEDIA. ENTRE DOS MUNDOS

Como los grandes artistas, José Bedia (La Habana, Cuba, 1959), construye espejos en los que nos podemos ver con muy diferentes aspectos y así aprender un poco más de nosotros mismos. No es aventurado llegar a decir que su objetivo se sitúa en enriquecer a las personas ayudándolas a comprender que hay muchas formas de vida diferentes y que de todas se aprende a construir seres humanos en plenitud.

LA COLECCIÓN STEIN

Félix Candela (Madrid, 1910-Durham, Carolina del Norte, 1997) es uno de los arquitectos internacionales más importantes del siglo XX. Con motivo del Centenario de su nacimiento, en 2010, dicha muestra organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales SECC, en colaboración con el IVAM, tiene como objetivo principal celebrar la conmemoración de su nacimiento con una gran exposición que refleje un legado excepcional de sus ideas innovadoras y la sencillez de ejecución en su construcción caracteriza sus obras.

Por ello, el corpus expositivo estará compuesto de imágenes (planos, fotografías, diseños, dibujos), maquetas (con una selección de proyectos), multimedia y materiales utilizados con el objetivo de rendir homenaje a la vida y obra de Félix Candela, analizando también a sus maestros y a sus discípulos, y siempre dando gran importancia a la didáctica para que su aportación a la arquitectura e ingeniería mundial pueda ser entendida por todos los públicos.

28/10/10 al 16/01/11

LA COLECCIÓN JUDITH ROTHSCHILD FOUNDATION CONTEMPORARY DRAWINGS COLLECTION

Fruto del Convenio de Colaboración con el MOMA, esta muestra integrará una selección de obras de las más de 2.600 piezas que componen la Colección, centra en el trabajo de artistas que viven y trabajan en lo que se ha conocido como las cuatro ejes principales de la creación –Nueva York, Los Ángeles, Londres/Glasgow y Belin/Colonia/Dusseldorf-, pero que también incluye artistas de más de 30 países de Europa, Latinoamérica y Asia.como, entre otros, Jasper Johns y Ellsworth Kelly, Joseph Beuys, Philip Guston, Ray Jonson, Anish Kapoor, Brice Marden, Franz West y Hannah Wilke, Kai Althoff, Lee Bontecou, Vija Celmins, Richard Hamilton, Eva Hesse, Martín Kippenberger, Roy Lichtenstein, Agnes Martín, Elisabeth Murray, Neo Rauch, Cy Twombly y Hannah Wilke

09/11/10 al 02/01/11

OBRA SOBRE PAPEL EN LA COLECCIÓN DEL IVAM

La Colección Permanente del IVAM da coherencia histórica a los esfuerzos creativos y a los logros estéticos de los distintos lenguajes y manifestaciones artísticas, por lo que en sí misma se ha convertido en una destacada referencia del arte moderno y contemporáneo al abarcar épocas, conceptos y lenguajes diversos que permiten reconocer la trascendencia del arte contemporáneo en la configuración de la modernidad tanto en el ámbito nacional como en el internacional. Dada su importancia, la colección del IVAM, se presentará este año, bajo el epígrafe “Obra sobre papel en la Colección del IVAM” siguiendo la ordenación en ejes artísticos centrados en la fotografía, las instalaciones y nuevos medios, el pop art, la abstracción y la escultura.

11/11/10 al 02/01/11

PAOLO RIANI

La arquitectura de Paolo Riani bebe en las fuentes de la cultura, de las pasiones, de los instintos, de la intelectualidad más selecta al tiempo que se alimenta de los detalles, de las raíces y de un futuro inmediato que está por venir.

Y son sus ojos, como el objetivo de su cámara, los que seleccionan y engrandecen lo que se presenta accidentalmente ante ellos, permitiéndole disfrutar sin descanso y con extrema intensidad.

Su eclecticismo delicado con el lugar y con las costumbres del lugar, tal y como se reflejará en esta muestra, contrasta en positivo con las “arquitecturas de autor” que suelen caracterizar la obra de estos sólidos personajes más frecuentes que conocidos o reconocidos en el panorama internacional.

Taller de Animación y Stop Motion

La animación forma parte de la cultura popular en todo el mundo: largometrajes, cortometrajes, sit-coms, publicidad, videojuegos, banners, piezas experimentales… está por todas partes!

Durante el curso nos introduciremos en este mundo tan variado como pintoresco, pero sobre todo, profundizaremos en la técnica del Stop Motion, una de las más intuitivas y exquisitas. Tanto que hasta los realizadores de ficción se sienten atraídos por ella, como es el caso de Wes Anderson y su Fantastic Mr. Fox

Y lo más interesante es que además de ver animación, la crearemos. Realizaremos una pequeña pieza animada que nos permitirá descubrir desde dentro, los procesos de rodaje de una “peli” de animación.

Todo ello dirigido por una de las fundadoras de la productora de animación stop motion Citoplasmas. Productora independiente empeñada en reciclar, reutilizar y experimentar y desde la Universitat d’Alacant

7ª Edición del curso: del 6 al 10 de Septiembre de 2010, de 9:00 a 13:00 h.

Matrícula abierta desde el 20 de Mayo de 2010

No te escondas 4

Dorianne continúa la saga más laureada del manga español en el 2009, la historia adquiere ya tintes más serios, y los acontecimientos se suceden con rapidez en esta nueva entrega. No te escondas 4.

De forma inesperada, Zenón descubre parte de su verdadero pasado, ese que su madre adoptiva le escondió siempre.
Confuso y enfadado empieza a cuestionarse quién es realmente, quiénes eran sus padres y cómo llegó a perder la memoria y el ojo derecho.
Ángel por su parte, obsesionado con retener a Zen a toda costa, toma una decisión que cambiará la vida de ambos y no como a él le gustaría. Para empeorarlo más se dejará llevar por su mal genio, cometiendo un error con Daniel que empeorará la situación.

Sobre la autor:
Laura Bartolomé, artista nacida en Valencia hace 30 años, aficionada al dibujo y la literatura desde muy pequeña, cursó estudios de Diseño gráfico y de Técnico superior de Ilustración en Castellón. Ha ganado diversos premios de cómics cortos experimentales, 3 premios nacionales de manga, auto publicado cómics y novelas como Susurro de Besos, Juegos de seducción, La flor del mal, Ángeles y Vampiros, etc…
Debutando en el panorama editorial con el género que más le gusta, el homoerótico, con la editorial Nowevolution y su obra “No te escondas”. En la actualidad sigue dibujando No te escondas y preparando nuevos proyectos, además de trabajar con Ediciones Babylon, como editora.

Título: No te escondas 4
Autor: Dorianne (Laura Bartolomé)
Género: Cómic homoerótico
Tamaño: 19 x 13,5
Páginas: 128
Encuadernación: Rústica con solapas
Colección: Art nowe 10
Zonas de interés: Yaoi, comic, historia de amor,
manga, erotismo.
EAN: 978-84-937199-7-5
PVP: 6 €
nowevolution

Paco Roca realiza la cuarta guía del cómic de KREA

El reconocido ilustrador Paco Roca será el encargado de realizar la cuarta guía del cómic escolar que anualmente edita KREA Expresión Contemporánea, proyecto cultural impulsado desde la Obra Social de Caja Vital Kutxa.

Así, el ilustrador valenciano, Premio Nacional del Cómic en 2008 por su obra ‘Arrugas’, toma el relevo de prestigiosos dibujantes de historietas  como Mauro Entrialgo, Abarrots y Joaquín Reyes, los autores de las anteriores guías del cómic publicadas por KREA. La guía, que se enmarca dentro del programa educativo de KREA, se presentará a principios de 2011 en la entrega de premios del Certamen de Cómic.

Se trata de la ‘Guía básica del cómic: trucos y consejos para mejorar tus historietas’,  un pequeño manual, que con un lenguaje claro y sencillo, pretende acercar el cómic a los más jóvenes explicándoles cómo pueden mejorar sus creaciones artísticas en esta disciplina.

La guía se edita en tres idiomas – euskera, castellano e inglés – y sus cerca de 9.000 ejemplares se distribuirán por centros educativos, bibliotecas, asociaciones y centros culturales internacionales. Asimismo, estará disponible en versión digital en la página web de KREA Expresión Contemporánea www.kreared.com.

Completan este programa el Certamen de Cómic, que durante sus 27 ediciones ha mantenido el objetivo de fomentar la creación artística entre los más jóvenes, premiando la calidad artística e innovación sin olvidar espacios para la participación y difusión. Asimismo, el centro de creación ha desarrollado diversas iniciativas relacionadas con el denominado noveno arte, como exposiciones, cómic-murales, la organización de un taller sobre la unión entre cómic y poesía o la participación el pasado mes de mayo en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona. Para ello, colabora con asociaciones profesionales como Atiza o la Asociación Profesional de Ilustradores de Euskadi.

Un dibujante de historietas de prestigio
Paco Roca (Valencia, 1969) es un dibujante e ilustrador que además de crear cómics, trabaja como ilustrador en diferente ámbitos. También dibuja portadas de revistas y diseña animaciones.

En 2008 gana el Premio Nacional del Cómic por su novela gráfica ‘Arrugas’, un trabajo publicado en 2007 por la editorial francesa Delcourt y que es considerado como uno de los 20 mejores cómics editados anualmente en el país galo. En 2008 también recibe sendos reconocimientos en el Salón del Cómic de Barcelona (Premio al mejor guión y Premio a la mejor obra); otro del festival de Lucca; y dos premios Dolmen. A consecuencia de todo ello, la obra superaba las 30.000 copias vendidas un año después de su lanzamiento y ha cosechado un gran éxito de crítica en España.

Tal es así, que la productora coruñesa ‘Perro Verde Films’ ha adquirido los derechos para la adaptación cinematográfica de ‘Arrugas’ en una película de animación que dirige Ignacio Ferreras y que tiene a José Sacristán en la voz del protagonista. Mientras tanto, Roca ha publicado tres álbumes más: ‘Las calles de arena’, “El Invierno del Dibujante” y, con Miguel Gallardo, ‘Emotional World Tour’.

Paco Roca ilustratzaile ospetsuak KREA Adierazpen Garaikideak, Caja Vital Kutxaren Gizarte Ekintzak sustatutako proiektu kulturalak, urtero argitaratzen duen ‘Komikiaren gida’-ren laugarren edizioa egingo du.

Horrela, ilustratzaile valentziarrak Mauro Entrialgo, Abarrots eta Joaquin Reyes bezalako marrazkigile ezagunen errelebua hartuko du, KREAren aurreko komikiaren giden egileak, hain zuzen. Komiki gida KREAren hezkuntza programaren barne dago eta 2011ko hasieran aurkeztuko da Komiki Lehiaketaren sari banaketan.

‘Komikiaren oinarrizko gidaliburua: zure komiki-zerrendak hobetzeko trikimailuak eta aholkuak’ izenburupean, hizkera argi eta erraza erabiltzen du eta gazteenei hurbildu nahi die komikia, diziplina honetako beren arte-sormenak nola hobe ditzaketen azalduz.

Hiru hizkuntzatan – euskara, gaztelania eta ingelesa – argitaratuko da gidaliburua eta ia 9.000 ale ikastetxe, liburutegi, elkarte, eta nazioarteko kultur zentroetan zehar banatuko dira. Era berean, bertsio digitala ere badago, eta hori, KREA Adierazpen Garaikidea-ren web orrian www.kreared.com egongo da ikusgai.
Modu honetan, KREA Adierazpen Garaikideak komikiaren alde egiten duen apustuarekin jarraitzen du, non bederatzi eta hamazazpi urte bitarteko gazteei zuzendutako hezkuntza-programa nabarmentzen den. Honen xedea sorkuntza eta irudimena suspertzea da eta bere baitan sartzen da aipatutako gidaren argitalpena.
Programa honen baitan aipatzekoa da Komiki Lehiaketa, jada 27.edizioa ospatu duena eta gazteen artean sorkuntza artistikoa suspertzea xede duena. Horrez gain, sormen-zentroak bederatzigarren artearen inguruko hainbat ekintza antolatu ditu, hala nola, erakusketak, komiki-muralak, komikia eta poesiaren arteko batasunaren inguruko tailerra edo pasa den maiatzean Bartzelonako Nazioarteko Komikiaren Erakusketan parte-hartzea. Horretarako, elkarte profesionalekin lan egiten du, Atiza edo Euskal Irudigileen Elkarte Profesionala-rekin, esaterako.

Istoriotxoen marrazkilari prestigioduna
Paco Roca (1969, Valentzia) marrazkilari eta ilustratzaileak, komikiak egiteaz gain, ilustratzaile lanak egiten ditu alor ezberdinetan. Horrez gain, aldizkarien azalak marrazten ditu, baita animazioak ere.

2008an Komikiaren Sari Nazionala irabazi zuen ‘Arrugas’ eleberri grafikoari esker. Lan hau 2007an argitaratu zuen Delcourt argitaletxe frantsesak eta herrialde horretan urtero kaleratzen diren 20 komiki onenen artean egon zen. 2008an ere Bartzelonako Nazioarteko Erakusketan hainbat sari jaso zituen (Gidoi onena eta Obra onenaren saria); baita Lucca Jaialdian eta Dolmen Jaialdian ere. Honen eraginez, lana kaleratu zenetik urte bat pasa zenean 30.000 kopia inguru saldu zituen eta Espainiako kritikaren onespena jaso zuen.
Izan ere, ‘Perro Verde Films’ ekoiztetxe galiziarrak ‘Arrugas’ zinemara eramateko eskubideak erosi ditu. Animaziozko filmea Ignacio Ferrerasen zuzendaritzapean egingo da eta protagonistaren ahotsa Jose Sacristán aktorearena izango da. Bien bitartean, Rocak hiru bilduma gehiago argitaratu ditu: ‘Las calles de arena’, “El Invierno del Dibujante” eta Miguel Gallardorekin ‘Emotional World Tour’

Wang Xieda en el IVAM; Valencia

La primera exposición en un museo europeo del artista chino Wang Xieda, reúne 14 dibujos y 12 esculturas en un recorrido por su la producción artística que nos permite apreciar la plástica de este artista que se aleja de la tradición figurativa y los límites de las estructuras artísticas tradicionales. Siu obra se a adentra conceptualmente en técnicas escultóricas innovadoras. La obra de Wang Xieda, encuentra su equilibrio al combinar las técnicas clásicas en tinta y papel de las artes caligráficas tradicionales con una abstracción escultórica que recuerda a las vanguardias de occidente.

El catálogo editado con motivo de la exposición reproduce las obras expuestas y publica textos sobre el artista de la directora del IVAM, Consuelo Císcar, del director del Z-Art Centre of Shanghai Gong Yunbiao y del Comisario de la exposición Li Xu, además de una crono-biografía del artista.

Wang Xieda (Liaoning, China 1968) es un escultor atípico que también expone sus dibujos, obras de gran tamaño, presentadas en papel de arroz y carboncillo sobre lienzo. Aunque sus moldes de bronce pueden remitir a los espectadores occidentales a las formas atenuadas e igualmente “dibujadas” en el espacio de Giacometti o David Smith, la escultura de Wang se deriva, dice, del maestro La primera exposición en un museo europeo del artista chino Wang Xieda, reúne 14 dibujos y 12 esculturas en un recorrido por su la producción artística que nos permite apreciar la plástica de este artista que se aleja de la tradición figurativa y los límites de las estructuras artísticas tradicionales. Siu obra se a adentra conceptualmente en técnicas escultóricas innovadoras. La obra de Wang Xieda, encuentra su equilibrio al combinar las técnicas clásicas en tinta y papel de las artes caligráficas tradicionales con una abstracción escultórica que recuerda a las vanguardias de occidente.

El catálogo editado con motivo de la exposición reproduce las obras expuestas y publica textos sobre el artista de la directora del IVAM, Consuelo Císcar, del director del Z-Art Centre of Shanghai Gong Yunbiao y del Comisario de la exposición Li Xu, además de una crono-biografía del artista.

Wang Xieda (Liaoning, China 1968) es un escultor atípico que también expone sus dibujos, obras de gran tamaño, presentadas en papel de arroz y carboncillo sobre lienzo. Aunque sus moldes de bronce pueden remitir a los espectadores occidentales a las formas atenuadas e igualmente “dibujadas” en el espacio de Giacometti o David Smith, la escultura de Wang se deriva, dice, del maestro  calígrafo del siglo cuarto Wang Xizhi. Esta transformación de lo bidimensional en tridimensional es análoga al empleo de sus propios dibujos de 1,2 metros de altura como el punto de partida de sus esculturas de menor tamaño: las representaciones abstractas de toros, pájaros o figuras humanas. También son un vivo recordatorio de que los dibujos pueden proporcionar una perspectiva cercana e íntima del pensamiento del artista -y, a veces, hasta una oportunidad de asomarse a su inconsciente.

En los últimos veinte años, Wang Xieda que vive y trabaja en Shanghái, se ha dedicado al estudio del texto y la caligrafía; el artista no es un mero admirador de la China antigua sino de todas las civilizaciones antiguas del mundo. Tras años de estudio, descubrió que muchos de los pictogramas de las primeras civilizaciones humanas compartían similitudes. Los pictogramas eran el medio más común para representar la naturaleza sintetizando las formas abstractas en sencillas metáforas. En todas las formas visuales, las líneas son el lenguaje de comunicación y diseminación más básico y eficaz. Los caracteres chinos, una suerte de una prolongación de los jeroglíficos que se han utilizado durante la civilización humana, siguen vigentes hoy en día. Los antiguos caracteres chinos empezaron a cristalizarse hace 6.000 años durante la etapa Banpo. El primer sistema textual completo apareció en la historia china durante la dinastía Shang en el siglo XIV a. C. Al igual que en el resto de civilizaciones antiguas, los caracteres originales partían de representaciones de imágenes naturales; este hecho dio pie a una teoría sobre el arte tradicional chino que asegura que  la caligrafía y la pintura comparten el mismo origen.

Las obras recientes de Wang Xieda han mostrado un estilo antiguo y un ritmo elegante, evocador de los orígenes estéticos de las civilizaciones antiguas.

Recurriendo a líneas sencillas y sin pretensiones, sus esculturas y pinturas construyen moldes concisos e imprevisibles. En estas formas visuales, como los tótems primitivos y las primeros símbolos caligráficos, Wang explora un sentimiento abstracto y puramente estético, controlando a la perfección la armonía de las dimensiones y creando un ritmo de espacio apropiado. La resonancia momentánea que se produce cuando el creador y los espectadores ven una cierta eterna belleza de concisión es la razón por la que muchos espectadores se enamoran de las obras de Wang Xieda.

Frente a los cambios del siglo XXI, las tradiciones culturales de las naciones deben encontrar un nuevo lenguaje contemporáneo para no perder el compás de las nuevas expresiones estéticas. Esta es la única forma de que las generaciones más jóvenes estudien y hereden las tradiciones de forma voluntaria. Como artista, Wang Xieda ha estado trabajando para buscar la experiencia artística y humana común. Estos esfuerzos no pretenden reiterar el pasado sino emplear la simplicidad y la amplitud del arte antiguo para su recreación. Es su clara interpretación del lenguaje antiguo con la sintaxis de hoy la que expresa sus experiencias y emociones personales, lo que hace que su arte sea contemporáneo e intemporal. En entornos complicados y variables podemos percibir una confianza serena y natural en las obras de Wang Xieda, como ejemplifica su competente expresión de la estética nacional. Esta exposición en el IVAM es la primera muestra individual de  Wang  fuera de China, esperamos que su obra sea valorada y bien entendida por los espectadores occidentales.

Catálogo on-line

WANG XIEDA
IVAM Institut Valencia d’Art Modern
27 julio – 29 agosto de 2010

Noches en el CAC; Malaga

El Centro de Arte Contemporáneo permanecerá abierto hasta las 00.00 horas con visitas guiadas programadas para todas las noches de verano de los viernes. Esta actividad se enmarca dentro de las Noches Victoria, que tendrán lugar cada viernes en la cafetería del CAC Málaga, Victoria Lounge, con la presencia cada semana de un dj que amenizará la velada.

CAC Málaga, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga
Alemania, s/n. 29001 Málaga | Tel.: +34 952 12 00 55
www.cacmalaga.org

Suma y sigue: Diseño Valenciano; MAD

Suma y sigue tiene como objetivo poner de relieve la importancia del diseño y mostrar la rica aportación de los diseñadores valencianos y su influencia en el trabajo de profesionales y empresas de todo el mundo, así como un reconocimiento a las empresas que han hecho del diseño un instrumento de diferenciación y competitividad y por tanto, destacar la apuesta del diseño como una garantía de desarrollo económico y social.

Suma y sigue hace alusión a la revista del mismo nombre, editada en Valencia en los años 60, que debe considerarse como el punto de arranque del diseño valenciano. Alude también a la idea de continuidad, de evolución, de proceso en marcha, de proyecto colectivo. Así ha crecido el diseño en Valencia desde su consolidación definitiva hace ahora unos 25 años. En los años ochenta: cuando España se reinventa mirando a Europa y el diseño encuentra su caldo de cultivo en unas instituciones obligadas a renovar o crear su imagen pública, en una cultura que debe recuperar su posición natural en el mundo, en un tejido empresarial que necesita ser más competitivo y en unos medios de comunicación deseosos de presentar una realidad diferente, la de un país democrático, joven, dinámico, en transformación. Son las condiciones necesarias para que el diseño se consolide como actividad profesional y productiva en la Comunitat Valenciana.

Círculo de Bellas Artes

C/Alcalá 42

C.P. : 28014

tfno. 913892500 ext. 402/401

www.circulobellasartes.com

Cursos Arte y Diseño en Barreira Valencia

Ya se puede descargar el folleto con la programación de cursos para Julio de 2010. En el documento en PDF encontrará más información sobre los cursos que listamos a continuación. [DESCARGAR PROGRAMACIÓN]

• Iniciación a la fotografía digital.
• Clases de Dibujo Técnico personalizada.
• Dibujo artístico: Dibujo del natural, color, cuerpo humano, etc.
• Cómic.
• Photoshop.
• Illustrator.
• Prueba de Acceso.
• AutoCAD 2010.
• 3Ds Max.
• Diseño Web con Dreamweaver y Flash.

Barreira

c/ San Jacinto 1-3 bajo • 46008 Valencia

barreira@barreira.es

o en el  96 1130354

www. barreira.es

Una historia de confluencias y divergencias; BCN

El CCCB y el Departamento de Cultura y Medios de Comunicación de la Generalitat de Catalunya presentan, del 26 de mayo al 12 de septiembre de 2010, la exposición «BVP», comisariada por Ignasi Aballí, Melcior Comes y Vicent Sanchis. La muestra es una aproximación a las confluencias y divergencias de tres ciudades mediterráneas: Barcelona, Valencia y Palma.

Se trata de tres ciudades que en muchos momentos han ido de la mano o han transitado sobre las mismas líneas de fuerza, lo que resulta patente al evaluar su historia y al pensar de qué forma han evolucionado en los últimos siglos. Así, más allá de la lengua común, hallamos una arquitectura y un urbanismo parecidos, una geografía humana perfectamente equiparable y una estética urbana que las hermana, aunque siempre han conservado cada una de ellas sus particularidades, pasando por épocas de distanciamiento y de confrontación.

La exposición muestra la situación presente de Barcelona, Valencia y Palma, desarrollando dos aspectos fundamentales: el paisaje urbano y el paisaje humano.
La exposición se estructurará a partir de los siguientes apartados:

La ciudad del futuro

Lengua

Ciudad espectáculo

Ciudad fea: corrupción urbanística y turismo

Ciudad hedonista

Ciudad medieval

Vídeo “Barcelona-València-Palma: en construcción”

• CCCB Lab
• I+C+i
• KOSMOPOLIS
• NANO
• NOW
• PUBLIC SPACE
• XCÈNTRIC
• CCCB 99-06

Montalegre, 5 – 08001 Barcelona – Telf. 93 306 41 00 – Fax 93 306 41 01 – global@cccb.org

Centre de Cultura Contemporània de Barcelona

Página siguiente »