El viaje de los invisibles/ikusezinen bidaia; Uharte

Euskera-Castellano
2007-tik aurrera, urtetik urtera, Uharte Buldain Fundazioak ziklo baten alde egiten du apustu, non erakusketa plastikoa aktibitate programa batek indartzen duen, eta hitzaldiek, mahai inguruek, proiekzioek eta abarrek osatzen duten.
Zergatik?

Bere izpirituaren funtsa, sortu zenetik, arte garaikidea publikoari erakustearena izan delako.

Fundazioaren proiektua martxan jartzen denetik, 2003-ko otsailaren 19-an, bere eraikuntza adierazgarrian elkarrekin bizi dira arte garaikidearen lanak, arte nafarra batez ere, eta bere fundatzailearen obra, Patxi Buldainena alegia. Modu honetan, Alfredo Sadaren gorgonek Patxiren somierrei so egin diete, Anton Mendizabalen pilotariek Figura espazioan lanaren puntutxoekin jolastu dute, eta Buñuel-en Ahantzitakoak Buldainen 27-ko belaunaldiare-kin batera ikusgai izan dira.

Oraingoan, Patxi Buldainen izpiritu ibiltaria Ricardo Laspidea, Javier Iriarte eta Daniel Purroy-ren begiradetan islatzen da. Ezezagunak beren jaioterrian, Patxi urte luzez izan zen bezala. Ez da soilik bidaia hiru artista hauek batzen dituena, baita gizatiarrarekiko interesa ere, inguratzen zaizkien pertsonen gainekoa alegia.
Ezin buka daiteke sarrera hau, trukean ezer eskatu gabe, bere ibilbide osoanzehar Fundazioari laguntza eman dioten pertsona eta instituzioak eskertu gabe, bai eta, egunetik egunera, espazio hau gero eta ezagunago eta errespetatuago izatea ahalbidetzen dutenei ere.

Desde 2007, anualmente, la Fundación Huarte Buldain apuesta por un ciclo en el que la exposición plástica esté reforzada por un programa de actividades que cuente con conferencias, mesas redondas, proyecciones, etc.
¿Por qué?

Por que su espíritu ha sido, desde sus orígenes, el de acercar el arte contemporáneo al público.
Desde que surge el proyecto de la Fundación, el 19 de febrero de 2003, en su emblemático edificio cohabitan el arte contemporáneo en general, especialmente el navarro, y la obra de su fundador, Patxi Buldain. De esta manera, las gorgonas de Alfredo Sada han mirado a los somieres de Patxi, los pelotaris de Antón Mendizábal han jugado con los puntos de la Figura en el espacio, y Los Olvidados de Buñuel han convivido con la Generación del 27 de Buldain.
En esta ocasión, el espíritu viajero de Patxi Buldain se refleja en las miradas de Ricardo Laspidea, Javier Iriarte y Daniel Purroy. Desconocidos en su tierra, como lo fue Patxi durante muchos años. No sólo les une el viaje, también su interés por lo humano, por aquellas personas que les rodean.
No puede terminar esta introducción sin agradecer su colaboración a las personas e instituciones que, de forma desinteresada, han acompañado a la Fundación en su andadura, y a las que, día a día, hacen posible que este espacio sea cada vez más conocido y reconocido.

PDF con información sobre los autores y el centro: losInvisibles.

Fundación Huarte Buldain
Leandro Azcárate 1, Huarte, Navarra
Tel. 948 330 360
Martes – viernes 18:00 a 21:00
Sábado 11:00 a 14:00 y 18:00 a 21:00
Domingo 11:00 a 14:00
Lunes cerrado
fundacionpatxibuldain@yahoo.es
www.fundacionpatxibuldain.com

Uharte Buldain Fundazioa
Leandro Azkarate 1, Uharte, Nafarroa
Tel. 948 330 360
Asteartea – Ostirala 18:00-etatik 21:00-etara
Larunbata 11:00-etatik 14:00-etara eta 18:00-etatik 21:00-etara
Igandea 11:00-etatik 14:00-etara
Astelehenetan itxita
fundacionpatxibuldain@yahoo.es

www.fundacionpatxibuldain.com

Tutorial. De la materia a la ilusión digital 2ª

Encontrarás la primera parte de este tutorial de Ricardo Laspidea, así como los archivos necesarios en esta entrada

14-Seleccione de nuevo un área lo suficientemente grande que integre toda la costura junto con bastante carne para que podamos realizar la fusión sin problemas, ya ocultaremos todo lo que sea necesario con la máscara (mas vale que sobre que no que falte, dice un sabio refrán) Arrastre y coloque esta área seleccionada en una capa superior del documento que estamos trabajando, (si no ha cambiado el nombre será “eskua”)

15-En este caso debemos prestar especial atención a la volumetría de la fisonomía de la pierna, entender el volumen y la forma que debe adoptar el cosido que circunda al muslo. Una vez lo tenemos claro, modelamos la costura con el filtro licuar ayudados por la maya para ver la deformación que va a sufrir. Aconsejo que utilice un pincel de 70 aproximadamente.

16-En este pantallazo puede apreciar el aspecto que puede tener la máscara de capa destinada a ocultar zonas de carne de cerdo que se fusiona paulatinamente con la humana, y cómo podemos definir con mucha más precisión algunos contornos que devuelvan nitidez a la imagen.

17-Haremos ahora la costura de la espalda, para lo que buscamos una costura que ya nos ofrezca al menos parte del cosido en un pronunciado escorzo. Para ello utilizaremos la imagen llamada “costura 6”. En este caso también tendremos que modelar mucho la imagen licuándola, así que para empezar intentaremos que coincida la mayor parte posible con su disposición final al colocarla. Esta puede ser la parte más posterior de la espalda.

18-La deformación que debemos conseguir puede parecer una exageración. Con este ejemplo puede hacerse una idea de la cantidad de licuado con el que debemos forzar la imagen.

19-De nuevo aplicamos una máscara de capa a esta última costura para fusionarla mediante diferentes veladuras de grises y manteniendo siempre las cuerdas y las perforaciones bien nítidas. Prestaremos especial atención a aquellas zonas que han sido peor tratadas por el filtro “licuar”, como es la zona dorsal en este caso.

20-Hagamos ahora un ejemplo de ajuste de color de mucha precisión: Para minimizar el sonrosado de la carne de cerdo de la zona lumbar, subiremos muy sutilmente la curva de los verdes “G” fijando en las zonas claras y oscuras unos puntos con igual valor de entrada y salida, mientras que subimos las zonas medias mediante un punto con el valor de entrada 124 y de salida 132. Sirva de ejemplo de la sutileza con la que debemos trabajar.

21-Usamos la imagen “costura7” para el cosido del cuello del mismo modo que hemos hecho hasta ahora. Transformamos, giramos, escalamos, ajustamos curvas (oscurecer bajando la curva de RGB) y aplicamos una máscara de capa para poder fusionar controlando cada zona intentando que parezca que la costura se oculta debajo del pelo de la cabeza.

22-Volvemos a utilizar la imagen “costura6”, por su perspectiva, para seleccionar trozos de costura que nos sirvan para hacer los pequeños cosidos de las puntas de los dedos de la mano grande de arriba. Tendremos que modelar la forma curva otra vez con el filtro licuar. Seguidamente fusionamos las costuras con los dedos mediante máscaras y ajustes de color seleccionando zonas si es necesario.

23-Abra la imagen “cuerda1” y “cuerda2”, seleccione tiras de cuerda lo más largas posibles y vuélquelas sobre la imagen que trabajamos. Empalmaremos trozos y los colocaremos a modo de hilos manejadores de la marioneta. Irán desde las costuras de los dedos de la mano hasta las costuras de la marioneta así que han de ser de grosores similares a las cuerdas de los cosidos.

24-Mediante ajustes como curvas, brillo-contraste, etc, corregiremos el color de la cuerda seleccionando zonas de sombra o de luces dándole más volumen. Construimos uniendo trozos a nuestro gusto. Y finalmente fusionamos los extremos con máscaras o borrando de modo que parezca que los hilos salen de las perforaciones de la carne.

25-Ampliamos el lienzo (tamaño de lienzo) hacia la derecha hasta 33 cm. Abrimos la imagen “aragi” y la volcamos y la insertamos en nuestro trabajo, procurando siempre que lo que integramos quede en la capa más alta. Esta vez lo escalaremos y rotaremos para que se adapte al brazo, para lo cual podemos restarle opacidad a la capa antes de transformar y poder ver ambas cosas.

26-Devolvemos el 100% de visibilidad a la capa y ajustamos el color mediante curvas esta vez aclarando la imagen (subiendo las curvas RGB) y bajando el dominante rojo (bajando la curva R).

27-Mediante máscara de capa fusionamos la carne del cosido con el brazo y de paso podemos hacer un primer recorte del contorno, pero siempre mediante la máscara de capa (mientras podamos hacerlo sin borrar podremos corregir el recorte siempre que queramos)

28-Cuando hemos aclarado la carne del último cosido, hemos perdido contraste en las cuerdas u hendiduras de la costura. Podemos devolverle algo de contraste oscureciendo algunas zonas de sombra con la herramienta “subexponer” definiendo una presión baja para controlarla mejor con varias pasadas.

29-Hacemos una capa nueva y la colocamos en último lugar debajo de todas y la rellenamos de negro para hacernos una idea global de la imagen sobre fondo oscuro. Si el recorte de la carne que vemos en la ilustración es demasiado recortado, podemos suavizarlo aplicándole el filtro “desenfoque gaussiano” a la máscara de capa que lo define.

30-Vamos a ordenar las capas creando conjuntos de capas (carpetas). En la primera “marioneta y mano” metemos todas las capas que componen el cuerpo con sus costuras y la mano, y en la segunda “cuerdas y costura mano” meteremos las capas de las cuerdas, sus inserciones cosidas de los dedos y la costura de la base del brazo de la mano grande de arriba.

31-Abrimos las imágenes “fondo” y “dibujos” (Estos dibujos han sido escaneados del libro “Anatomía artística del cuerpo humano”.  Jeno Barcsay.) y los volcamos sobre nuestra obra en el orden que se puede apreciar en la ilustración superior. A la capa de los dibujos le definimos el modo Trama.

32-Sobre la capa que contiene la textura de colores tierra colocamos una capa de ajuste de Tono, Saturación y Luminosidad oscureciendo casi totalmente la imagen y virando sutilmente los colores hacia los verdes con el valor de tono.

33-Hacemos visibles los conjuntos de capas superiores para trabajar con una visión global y colocamos una capa de ajuste de “curvas” sobre la capa de los dibujos como se indica en el pantallazo sobre estas líneas. Se oscurece mucho pero ya lo aclararemos más tarde.

34-Es hora de recortar definitivamente la figura sobre el fondo. El conjunto de capas “marioneta y mano” contiene pastillas negras que han de ser ocultadas hasta recortar la figura. Añadiremos una máscara de capa a todo el conjunto de capas y enmascararemos todo lo sobrante. Tengamos en cuenta que las cuerdas están en otro conjunto, así que no nos molestarán para pintar sobre esta máscara.

35-Ahora sacaremos diferentes calidades y veladuras enmascarando las capas de ajuste; tono, saturación y brillo, y curvas. Intentaremos que estos tonos acompañen estéticamente a la obra.

36-Últimos retoques: 1- Desenfocar un poco la capa de los dibujos y quitarle algo de opacidad. 2- Capa por capa oscurecer algunas zonas para dar contraste (como en la cabeza de la figura). 3- Dar luz a las cuerdas si se han perdido entre el resto de elementos. 4- Ajustar los colores donde lo requiera (contrastar la mano) Etc.. Como todo está suelto, podemos retocar cualquier capa, parámetro, máscara,… Finalmente puede hacer un duplicado y acoplar la imagen.

La Reconstrucción

Previa deconstrucción de lo que “No debiera ser”.

Es curioso, al final, mi obra tiene mucho que ver con la forma en que he evolucionado hasta llegar a ella. La verdad es que las diferentes temáticas que he abordado a través la creación artística desde que quise hacer arte con intencionalidad, ha sido siempre de alguna forma un acto de denuncia.

Durante los años que estudiaba la carrera de Bellas Artes en la universidad, mis obras pretendían denunciar la inadaptación del ser humano a su entorno natural que lo sustituye por un entorno tecnológico. Así lo materiales utilizados reivindicaban la materia presente en la naturaleza como elemento constructivo y discursivo.
Desde esta tradición de emplear materia, muchas veces orgánica, como material expresivo he abordado siempre la obra para a través de ella evocar al espectador una sensación, casi siempre traumática de algún aspecto de la realidad humana.

Desde 1995, año en el que gracias a una beca del Gobierno de Navarra pude conocer el entorno digital como herramienta creativa, he ido evolucionando en mi obra infográfica hasta mis más recientes creaciones artísticas en dicho soporte.

Me doy cuenta de que en mi trayectoria artística no he dejado de desmenbranarme esparciendo mis ideas y trabajándolas de una forma bastante dispersa para reconducirlas hacia un lugar común gracias a una misma actitud reconstructiva en todas mis creaciones.

La temática que actualmente estoy trabajando es de una coherencia sin precedente en mis creaciones anteriores. He encontrado un lugar de cohexión entre varios de los aspectos habitualmente presentes en mi obra.

Por un lado mi gusto por lo matérico y la materia orgánica como elemento constructivo y expresivo. Por otro, mi devoción a la actitud escultórica construyendo a partir de las partes que ensambladas constituyen un todo a otro nivel. Por otro lado siempre he sido amante del detalle, la perfección, la exactitud, acercarme al límite de la percepción en el manejo de las riquezas cromáticas del micromundo del material. Y por último la conexión de todos estos aspectos en una actitud artística al servicio de una temática fruto de una mirada trágica, traumática e íntima de uno mismo y de la comunidad como colectivo de seres humanos.

Tal y como hacemos todos los seres humanos para evolucionar hacia algo que deseamos ser como individuos que conviven con otros y se exhiben ante los demás , el tema parte de esta necesaria decontrucción y fragmentación de uno mismo para desechar lo “indigno” y reforzar lo más loable bajo un nuevo aspecto consecuencia del reensamblaje de las partes más “aceptables” de nosotros mismos. La generación de un monstruo desarraigado e incompleto.

Esta reconstrucción es más evidente por ejemplo en esa eterna búsqueda del perfeccionamiento en el cumplimiento de la bellaza ideal contemporánea a cada uno de nosotros según la época “actual”.

La belleza canónica fruto de la conclusión racional entre las relaciones geométricas, (la proporción), que construyen el canon de belleza ideal, es un ejemplo de que estamos sujetos a cumplimiento de normas ajenas a nuestro propio cuerpo pero que exigen precisamente a este cumplirlas. Es decir, que una normativa de proporciones pertenecientes al mundo de las ideas y la matemática marca lo aceptable como bello de nuestra propia fisonomía material y orgánica.

Es así como la sociedad entera actúa hasta que esta actitud discriminatoria y “obsesiva” nos cala tan adentro que pasa a formar parte nuestra ética estética.

Alguien me comentó hace poco que en el pasado las mujeres llevaban el sufrimiento del corsé como un agente externo que se podían quitar cuando el acto público hubiese concluido, pero que en la actualidad este adoctrinamiento estético ha sido tan eficaz que el corsé lo llevamos por dentro en lo psicológico oprimiendo constantemente.

Vivimos dentro de un ser que resulta ser nuestra propia proyección en el entorno social, una reconstrucción a imagen y semejanza de eso que de nosotros se espera.

Ricardo Laspidea.

www.laspidea.com