Hans-Peter Feldmann “Una exposición de Arte”; Madrid

Fecha: hasta el 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisariado: Helena Tatay

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Hans-Peter Feldmann creció durante la postguerra alemana, un mundo desprovisto de imágenes. Para él las escasas imágenes que encontraba a su alrededor eran ventanas a otros mundos. Fascinado, empezó a coleccionarlas, recortarlas y pegarlas en álbumes, y ha seguido haciéndolo hasta hoy. Por eso no es extraño que cuando empezó su carrera como artista, a finales de los años 60, cubriera la parte de atrás de sus pinturas con collages de fotos, o que más tarde hiciera unos libritos modestos con tapas de cartón e imágenes en offset de un mismo tipo de objetos: aviones, camas deshechas, rodillas de mujer, etc. Los titulaba 2 imágenes (2 Bilder) o 7 imágenes (7 Bilder), según el número que contenían. También comenzó a recoger en las 36 imágenes de un carrete analógico, a la manera de fotos-fijas de cine; hechos triviales: un barco pasando por el río, la mujer de enfrente limpiando la ventana, dos chicas vistiéndose en la piscina. En estas secas y poéticas series que llamó Time series, no suele haber nada extraordinario, sólo el flujo invisible del tiempo detenido para examinarlo. Años más tarde expandió su reflexión en un libro y una serie de 101 retratos fotográficos que llamó 100 Years(100 años), en cada foto mostraba una persona, de entre ocho meses y un siglo. Las personas retratadas eran familia o amigos del artista. Para él fue una manera de mediar con el paso del tiempo; para nosotros, la serie hace de bisagra entre la memoria personal y la colectiva, nos recuerda que el tiempo pasa para todos y cuando la recorremos, inevitablemente comparándonos con las personas retratadas de nuestra edad, repasamos 100 años, toda una vida.

Aunque para el libro 100 Years hiciese una serie de cuidadas fotografías en blanco y negro que entroncan con la mejor tradición del retrato fotográfico y haya realizado series de fotos de gran formato, el trabajo de Feldmann se nutre de instantáneas, fotos de aficionado y toda clase de imágenes corrientes. No le atrae la foto individual sino la serie, o más bien lo que aparece cuando juntamos varias imágenes. Suele repetir que “una foto es un trozo de papel, un objeto; si la miramos nos produce sentimientos o estados de ánimo. La foto de un muerto puede hacernos sentir pena, y si es la de un niño, ternura, pero no es la foto la que lo produce, es nuestra mente. Además esto sucede con todo tipo de fotos buenas, malas, colectivas o privadas”. Y eso es lo que le interesa, el espacio que se abre entre lo que son las cosas y lo que significan para nosotros. Le gusta indagar cómo llenamos de sentido imágenes y objetos en nuestro día a día. Cuando no utiliza fotografías, lo que quiere es que se nos abra una imagen en la cabeza. Por ejemplo, la habitación con la cama deshecha, la ropa desordenada y una foto de mujer en la mesilla es el primer fotograma de una historia que cada persona debe completar.

El universo de Hans-Peter Feldmann es la vida ordinaria. De ahí extrae sus temas y los materiales que emplea. La cotidianidad donde inscribe su trabajo se define por oposición a otros niveles de la actividad humana, es el reverso de la moneda del espacio social capitalista tapizado de imágenes superlativas y retocadas que nos animan al consumo. En cambio, Feldmann parece querer neutralizar sus imágenes, presentándolas materialmente pobres y estéticamente indefinidas, como si quisiera forzar el límite de sus cualidades expresivas. Además, se mantiene emocionalmente a distancia, se limita a informarnos o mostrarnos algo que ha encontrado, esperando que nosotros lo carguemos de sentido. Así su serie All the clothes of a woman (Todas las ropas de una mujer) muestra lo que el título describe: 70 piezas de ropa femenina, una a una. Las ropas son modestas. Sin embargo, este archivo de fetiches humildes conjura a través de la ausencia una historia (¿de amor?). También las fotos de su serie de radios de coche son anodinas y seguramente en otro contexto no les prestaríamos atención, pero al leerlas a la luz de su título Car radio when good music is playing (Radios de coche mientras suena buena música) las hacemos nuestras. ¿Quién no recuerda un momento así?

Feldmann pertenece a la generación que llegó a la mayoría de edad en los años 60, una generación reconocida por cuestionar la autoridad en todas sus formas y buscar nuevos modos de vida que dieran sentido a la vida cotidiana. El arte de ese momento abandona la solemnidad y el autismo de la abstracción buscando una nueva relación con la vida. El interés se desplaza del objeto a los procesos, mientras se cuestionan los sistemas de producción y consumo del arte. Los valores de autoría, singularidad formal y rareza en los que se basa el mercado son rechazados. En los años 70, un editor perseguía a Feldmann para que hiciera un tipo de libro para producir en serie, quería un objeto artístico seriado para vender. Feldmann le daba largas, pero el editor no cejaba, y al final le hizo una propuesta: un billete de 20 marcos de curso legal, de edición ilimitada sin firmar y al precio de 20 marcos. El editor, que no debía carecer de humor, aceptó. Hasta hoy, Feldmann ha seguido sin firmar su trabajo y produciendo el número de copias que desea sin numerarlas. Esta actitud, reflejo de una posición vital y moral frente al mundo, lo ha convertido, en los últimos años, en un referente para los artistas más jóvenes.

Cuando aborda experiencias colectivas suele utilizar los medios de comunicación. Su libro Die Toten(Los muertos), 1967-1993, es un archivo exhaustivo, elaborado con fotos extraídas de la prensa, de todas las personas que murieron en el enfrentamiento entre terroristas y fuerzas del Estado en Alemania en dicho período. En cada hoja hay una foto y debajo el nombre y la fecha de defunción. Al final del libro hay un índice con el nombre de la persona, el lugar y la causa de su muerte. No hay comentarios. El libro recoge la herida social de esos años con respeto a ambos lados del conflicto, aun así el libro ha sido objeto de polémica en Alemania.

Las imágenes del 11 de septiembre de 2001 fueron mostradas de forma unánime por todos los medios de comunicación. La instalación “9/12” recoge a través de 150 periódicos de diversas partes del mundo la reacción frente a lo impensable: todos los periódicos tenían la misma noticia en portada. Es interesante comparar cómo se cubre la noticia -el titular, el espacio, etc.- según el periódico que la lleva. Desde sus inicios como artista, los medios de comunicación han sido un campo de interés para Feldmann, que ha publicado diversas revistas de imágenes sin texto, como Ohio o Cahier d’images, o bien ha intentado, con mejor o peor fortuna, infiltrarse en ellos subvirtiendo su lógica. A finales de los años 90 consiguió que Profil, el semanario de opinión vienés, publicara un número exactamente igual, pero sin texto alguno, sólo con las fotografías. Su Profil es un mundo de imágenes que hemos de mirar sin un texto que nos diga cómo debemos leerlas.

Quizás la obra que mejor ejemplifique el espíritu de Feldmann sea su última instalación Shadow Play. Al entrar en el espacio, vemos la pared del fondo cubierta, de lado a lado, por imponentes sombras que se acercan y se alejan. En el centro, entre la pared y el espectador, encontramos unas mesas giratorias llenas de muñecos y objetos baratos que, iluminados por detrás, crean las sombras. En las mesas hay bastante desorden y se ven restos del montaje. El truco está a la vista, pero la magia no desaparece. Según el artista, “en realidad es un montón de baratijas y desperdicios cuya acumulación crea en nuestros cerebros algo completamente nuevo durante un determinado tiempo: una sombra chinesca”. Estas sombras nos transportan a la infancia donde cualquier imagen podía ser una ventana a otro mundo, porque el arte, como Feldmann dice, “es un evento, una impresión, una sensación, y más. Nunca es el objeto en sí”.

Helena Tatay

Avance Programación Reina Sofía; Madrid

Jean-Luc Mylayne. Trazos del cielo en manos del tiempo

Fechas: 18 de noviembre – 4 de abril de 2011
Lugar: Palacio de Velázquez, Parque del Buen Retiro

Jean-Luc Mylayne (Marquise, Francia, 1946) fotografía a lo largo de tres décadas un motivo repetitivo, pájaros comunes en sus hábitats naturales. Pese a ello, su trabajo no tiene nada que ver con la fotografía documentalista o naturalista. Mylayne, con un método fotográfico propio, es un narrador de historias, que recoge las paradojas y condiciones del mundo físico, como la interdependencia entre especies, los ciclos de vida y muerte o el desgaste de los recursos naturales.

Miroslaw Balka. ctrl

Fechas: 26 de noviembre – 25 de abril de 2011
Lugar: Abadía de Santo Domingo de Silos (Burgos) y Sala de Bóvedas, Museo Reina Sofía

A través de una intervención escultórica tanto en el espacio del Museo como en Silos, Miroslaw Balka (Varsovia, 1958) plantea qué significan los símbolos de las estructuras de poder e ideologías y cuál es su representación física y temporal contemporánea. Balka, en un ejercicio de inversión y contradicción, cuestiona si la manifestación de estos símbolos es relevante a día de hoy o, si por el contrario, responden al retorno de lo reprimido.

Atlas. ¿Cómo almacenar el mundo?

Fechas: 24 de noviembre – 28 de marzo de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1

Atlas propone hacer visible el nuevo marco de pensamiento introducido por Aby Warburg en el conocimiento histórico y de las imágenes. Se trata de mostrar cómo después de Warburg y su “Bilderatlas”, las imágenes ya no se ven de la misma forma. Lo que cambia, no son tanto las obras en sí, como la manera de concebir sus relaciones: cómo se posicionan unas frente a otras y todas juntas frente al devenir histórico. Sin embargo, esta exposición no se construye como un monográfico sobre Aby Warburg, sino como un recorrido por la historia de las imágenes desde 1914 hasta nuestros días, en el que el pensamiento warburgiano será el “genius loci”.

Programación C.N.Museo Reina Sofia;MAD

Pierre Huyghe. La estación de las fiestas

Fechas: 17 de marzo de 2010 – 31 de mayo de 2010
Lugar: Parque del Buen Retiro, Palacio de cristal – Edificio Sabatini, Planta 3

Pierre Huyghe (París, 1962) ha ideado para la próxima primavera de 2010 un proyecto específico para el Palacio de Cristal donde, por primera vez, entrarán en este espacio flores, plantas y árboles en floración. El proyecto consiste en la colocación en círculo de diferentes plantas vinculadas a distintas festividades, cada una de ellas característica de una determinada época del año que el artista colocará en círculo favoreciendo así una lectura a modo de reloj, donde se podrán apreciar las diferentes estaciones del año marcadas por la diversidad de plantas. Rosas, violetas, crisantemos, palmeras, ciruelos, jazmines, bambúes, o abetos, marcarán las diferentes épocas del año.

Tacita Dean: El garabato del fraile

Fechas: 23 de marzo de 2010 – 27 de junio de 2010
Lugar: Abadía del Monasterio de Santo Domingo de Silos (Burgos)

Segunda muestra individual organizada en España de Tacita Dean (Canterbury, 1965), cuyas últimas obras audiovisuales han estado relacionadas con los monasterios.

Los inicios de esta artista británica se circunscriben a la pintura, pero pronto comienza a trabajar con películas de 16 mm. Recurre a la imagen fílmica tanto en una dimensión narrativa como documental, optando por espacios en los que predomina la poesía y el silencio. Se sirve tanto del dibujo, como de la fotografía y el sonido. Asimismo, ha publicado varios libros como complemento a su trabajo visual. Tacita Dean viene siendo considerada como una de las jóvenes promesas del arte británico, englobadas bajo la denominación de los “Young British Artists”.

Martín Ramírez. Marcos de reclusión

Fechas: 31 de marzo de 2010 – 12 de julio de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Martín Ramírez, la exposición recogerá aproximadamente unos ochenta dibujos que irán desde 1948 a 1963, explorando la extraordinaria producción de este artista. Estas obras destacarán los recuerdos mexicanos de Ramírez, así como su encuentro con el paisaje norteamericano y la riqueza de su singular imaginación. La obra de Ramírez es celebrada por los críticos por sus fuertes trazados, sus meticulosas repeticiones y sus extraordinarias variaciones dentro de los mismos temas que el artista siempre trató. Junto a estas obras se mostrarán una selección de dibujos descubiertos en un garaje de California en el año 2007, los cuales aún no han sido expuestos fuera de Nueva York.

La deriva es nuestra

Fechas: 5 de mayo de 2010 – 23 de agosto de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

La idea de la exposición consiste en investigar algunos enunciados para una ciudad del futuro en ciudades latino-americanas que permanecieron al margen de la narrativa oficial del llamado Primer Mundo. ¿Significa esto volver a pensar la deriva y la Nueva Babilônia de Constant (1920-2005) a partir de iniciativas urbanas y proyectos no construidos?

Principio Potosí

Fechas: 12 de mayo de 2010 – 6 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Nouvel, Planta 0

El proyecto Principio Potosí centra su atención en el análisis del concepto de la modernidad y su expansión universal, que tuvo lugar desde la colonización de América Latina. En la muestra se expondrán ejemplos de pintura colonial andina y obras de artistas internacionales a los que se invitará a encontrar y elaborar correspondencias entre el arte colonial de los siglos XVI al XVIII y el mundo contemporáneo. Partiendo de ejemplos de la pintura virreinal de la escuela de Potosí, la investigación busca relacionar estos fragmentos de historia clausurada con las condiciones de producción artística en la actualidad. El Principio Potosí es un planteamiento estético de sentido ambiguo. “Principio” puede tener, por un lado, un significado temporal, un comienzo -la larga memoria de Potosí-; por otro lado, tiene también un significado técnico, como un principio mecánico, una regla, que se viene repitiendo en distintas coordenadas del espacio-tiempo global. Estos dos posibles enfoques serán la base del proyecto, el cual, además de la exposición, incluirá seminarios, conferencias y publicaciones.

Miralda. De gustibus non disputandum

Fechas: 26 de mayo de 2010 – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Parque del Buen Retiro, Palacio Velázquez

La exposición propondrá una lectura retrospectiva del trabajo de Miralda en un contexto histórico y artístico global, desde su primera época en París, donde se instala en la década de 1960 y realiza sus primeras intervenciones públicas, hasta la década de 1990, con las grandes intervenciones intercontinentales del proyecto Honeymoon, y los años 2000, con la presentación del Food Cultura Museum en la Exposición Internacional de Hanóver.

Manhattan: uso mixto fotografía y otras prácticas – de 1970 hasta hoy

Fechas: 9 de junio de 2010 – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Manhattan: uso mixto es una exposición sobre los usos e imágenes tomadas en la ciudad de Nueva York al comienzo del intenso periodo de desindustrialización y abandono de la década de 1970, con el contrapunto de trabajos más recientes de artistas que, plenamente al tanto de las prácticas de sus predecesores en aquel momento, siguen encontrando un potencial estético en la ciudad. Estos trabajos centrales vienen acompañados de otras series fotográficas, videoinstalaciones y películas, que amplifican su magnitud y dan prueba de la pervivencia de su legado, recibido por artistas que siguen comprometiéndose con la ciudad mostrando cómo los espacios urbanos pueden llegar a ser realmente espacios públicos.

Nuevos Realismos: 1957-1962

Fechas: 16 de junio de 2010 – 4 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1, Espacio Uno y Corredores

La exposición Nuevos realismos: 1957-1962 se define más por un marco temporal que por formatos o medios concretos, de forma que cartografía un campo internacional del arte en un periodo finito de importantes cambios. La muestra, centrada en las acciones y la temporalidad, en los lugares y en su activación, se aleja del objeto artístico para revelar, en el umbral de la década de 1960, un campo más amplio que redefiniría la práctica artística mediante la transformación de sus estrategias y contextos.

Una exposición de Arte. Hans Peter Feldmann

Fechas: 22 de septiembre de 2010 – 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Hans Peter Feldmann (Dusseldorf 1941) empezó su trabajo como artista a finales de los años 60. Sus primeros trabajos fueron una serie de pequeños libritos impresos en offset titulados “Bilders” (Imágenes) en las que reproducía una o más imágenes de algún objeto cotidiano: herramientas, aviones, rodillas, etc. Desde entonces su interés por la imagen fotográfica, que colecciona obsesivamente, le ha llevado a producir numerosas series de fotografías. Algunas tan conocidas como sus “Time Series” series de tiempo, en las que retrata, en las 36 imágenes de un carrete analógico, un hecho insignificante, como un barco que pasa o una mujer limpiando una ventana. De la fotografía no le interesa la imagen individual sino la serie de imágenes, o mejor dicho, lo que aparece al agrupar una serie de ellas.

Desbordamiento de Val del Omar

Fechas: 27 de octubre de 2010 – 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3, Salas 301, 302, 303, 304 y 308

La exposición quiere abordar el “sin fin” de José Val del Omar (Granada 1904 – Madrid 1982): una obra fragmentaria e inconclusa, zarandeada por la historia –la travesía de una guerra civil y de una larga dictadura–, que hoy se ha convertido en un referente que empieza incluso a traspasar fronteras. Una obra parca pero inmersa en un quehacer continuo en torno a la imagen y su rebosamiento en aquello que Val del Omar ha expresado mediante la sigla PLAT, de Picto-Lumínica-Audio-Tactil.

Atlas

Fechas: 3 de noviembre de 2010 – febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Atlas es una exposición que propone hacer visible el nuevo marco de pensamiento introducido por Aby Warburg en el conocimiento histórico y de las imágenes. Se trata de mostrar cómo después de Warburg y su Bilderatlas, las imágenes ya no se ven de la misma forma. Lo que cambia, no son tanto las obras en sí, como la manera de concebir sus relaciones: cómo se posicionan unas frente a otras y todas juntas frente al devenir histórico.
No se construye, sin embargo, como una exposición monográfica sobre Aby Warburg, sino como un recorrido por la historia de las imágenes desde 1914 hasta nuestros días, en el que el pensamiento warburgiano será el genius loci.

Ciclo de vídeos, talleres y conferencias “El instante de la memoria”; Madrid

El Museo Centro de Arte Reina Sofía acoge en sus instalaciones desde el 22 de febrero y hasta el 20 de marzo un ciclo de videos, talleres y conferencias, que forman parte de las actividades que tienen lugar con motivo del proyecto “El instante de la memoria”, de la artista y escritora Virginia Villaplana (París, 1972).

“El instante de la memoria” es una mirada al pasado reciente de España que Virginia Villaplana intercala con relatos privados y fotografías realizadas a lo largo de dos años. “Fotografié cada uno de los rincones del cementerio sin encontrar a familiares, pero sus cuerpos estaban enterrados en fosas comunes y anónimas”, afirma la artista., quien quiere transmitir una reflexión crítica sobre los procesos democráticos a través del documentalismo y una revisión de la transición española.

El proyecto, organizado por el espacio Off Limits, se desarrolla en cinco soportes: libro, exposición fotográfica y de cine, ciclo de video y conferencias, taller y visita a las fosas comunes del cementerio de Valencia, ciudad donde la artista centra su atención sobre unas fosas comunes que posteriormente fueron enterradas en la posguerra.

El ciclo de vídeo y conferencias, que se desarrollará en el Museo Reina Sofía, viene acompañado de tres conferencias impartidas por Francesc Torres, María Ruido y Pedro Ortuño.

Programa “El instante de la memoria”

“Después de … El instante de la memoria” taller a cargo de Virginia Villaplana, Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto.

22 al 26 de febrero

Museo Reina Sofía, Edificio Nouvel, planta 1, lunes a viernes de 17 a 21 h. Para todos los públicos y edades. Plazas limitadas. Para inscripciones, enviar solicitud a programasculturales2@mcu.es

“Narrar la Historia”, ciclo de vídeo/cine, comisariado por Virginia Villaplana

Museo Reina Sofía, auditorio 200, 18 h.

27 de febrero, 18 h. Sesión 1: “Contando la transición española en los márgenes del relato histórico”. Duración total 96 min.

- No Haber Olvidado Nada, 1996-1997, Marcelo Expósito, Arturo Fito Rodríguez y Gabriel Villota, duración 53:30 min.

- Contando con los Dedos de una Mano, Josu Rekalde, duración 08:30 min.

- Ocaña. Exposición en la Galería Mec-Mec, Video NOU, 1997, duración 35 min.

28 de febrero, 12 h. “Trauma, Memoria y Representación: Una Visión Transcultural y Transhistórica”, conferencia de Francesc Torres.

6 de marzo, 12 h. Sesión 2: “Políticas de la memoria”. Coloquio con la autora, María Ruido.

- Plan Rosebud 1: La escena del crimen, María Ruido, 114 min.

7 de marzo, 12 h. “Produciendo cuerpos, construyendo memorias. Notas sobre el film Plan Rosebud: sobre imágenes, lugares y políticas de memoria (2006-2008)”, conferencia de María Ruido.

13 de marzo, 18 h. Sesión 3: “Narrar los vacíos de la memoria”. Duración total 97 min.

- Abanico Rojo, Pedro Ortuño, 1997, duración 60 min. Coloquio con el autor.

- Mortaja, Antonio Perumanes, 1995, duración 10 min.

- Más Muertas Vivas que Nunca, 2002, dur. 06:30 min. Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto

- La Tierra de la madre, José Antonio Hergueta y Marcelo Expósito, 1993-1994, duración 20:50 min.

14 de marzo, 12 h. Recuerdos (in)visibilizados , conferencia de Pedro Ortuño, 18 h

20 de marzo, 12 h. Sesión 4: Narrativas del olvido.

- Plan Rosebud 2: “Convocando a los fantasmas”. Duración 120 min.

Virginia Villaplana es artista, escritora y profesora asociada en el departamento de Teoría de los lenguajes y Ciencias de la Comunicación en Valencia. Doctora en Bellas Artes y Comunicación. Ha desarrollado los proyectos artísticos: SoftFiction (Consonni, Bilbao, 2009), Diario de sueños Intermitentes (Musac, León, 2009), Narrativas de la transición española (Montevideo, 2009), Poéticas de la resistencia (Visor, Valencia, 2009), En una corta unidad del tiempo (Liquidación Total, MediaLab Prado, Madrid, 2008), Working Documents (Centre de L´Imatge, Barcelona, 2008), Relatos culturales sobre la violencia de género (MNCARS, Madrid, 2005), Imaginarios en Tránsito (Centro Gallego de Arte Contemporáneo, 2007), In/security in a global context y The City of Women (Ljubljana, Slovenia).

Virginia es autora de los libros El instante de la memoria (Madrid, 2010)  Zonas de intensidades (Madrid, 2008), Cine Infinito. Un libro de ensayo sobre relatos, memorias digitales y producción de conocimiento (Valencia, 2007), 24 Contratiempo (Valencia, 2001), y co-editora de Cárcel de amor. Relatos culturales sobre la violencia de género (Ministerio de Cultura, Museo Nacional Reina Sofía, 2006). Miembro del Consejo editorial de la revista científica Arte y Políticas de Identidad, editorial Editum.

Thomas Schütte. Retrospección; MAD

Como título de una retrospectiva de Thomas Schütte, la palabra “retrospección” posee múltiples significados. Ante todo, se refiere al hecho de que la exposición ofrece una visión de conjunto de una carrera que abarca ya más de treinta años. Pero alude también a que el artista, sobre todo en la última década, ha vuelto la mirada al pasado buscando inspiración tanto en sus primeras obras como en la escultura de épocas históricas anteriores.

Schütte ha recurrido al arte del pasado en diversas ocasiones y siempre de manera fructífera: le ha servido de fuente de inspiración para obras individuales y, en los últimos años, ha sido un punto de referencia crucial para afinar su estética. Concebida en un principio como un encargo para un espacio público, la obra Die Fremden (Los extraños), 1992, por ejemplo, ilustra cómo funciona este diálogo recursivo. Con su vocabulario de sencillas formas compactas y colores llamativos, estas esculturas rinden homenaje a dos precursores modernos: a los prototipos que ideó Oskar Schlemmer para su Ballet triádico y a una serie de pinturas tardías de Kasimir Malevich que ofrecen una imagen heroica del estoico campesinado ruso. La alusión a estos precedentes icónicos dignifica el linaje de las figuras de Schütte. Sin embargo, según el artista, el profundo aire de seriedad que domina la obra se debe además a las circunstancias sociales que determinaron su génesis. En 1989, después de la caída del muro de Berlín, la falta de trabajo y la crisis de la vivienda transformaron a los extranjeros, sobre todo a los Gastarbeiter –trabajadores extranjeros que residían en el país desde hacía tiempo–, en chivos expiatorios. Al situar las figuras por encima del punto de vista del espectador, Schütte subraya la distancia insalvable que nos separa de ellas una vez que asumen el papel del Otro.

Varias propuestas de monumentos inmediatamente posteriores a este encargo público de los primeros años noventa –Kleiner Respekt (Pequeño respeto), 1994, Kein Respekt (Ningún respeto), 1994 y Großer Respekt (Gran respeto), 1995– aluden indirectamente a la destrucción de estatuas de dirigentes en su día considerados invencibles que tuvo lugar en los países del antiguo Bloque del Este en esa época. Adoptando un tono más mordaz y característico que a veces roza la parodia, estos pequeños grupos de figuras que forcejean con las piernas atrapadas en una ciénaga imposible de identificar se inspiran en algunas obras clave que el propio Schütte había realizado una década antes bajo la rúbrica Mann in Matsch (Hombre en el lodo). Dado que el modo expresionista de modelar estas obras es prácticamente un cliché estereotipado, una estética gestual trasnochada, de moda entre sus colegas alemanes más reaccionarios, la desolación beckettiana que desprenden no escapa a la ironía subversiva del artista.

Desde principios de los ochenta, junto a este lenguaje visual cuasi expresionista, Schütte ha cultivado otro muy diferente. Cercano a los debates arquitectónicos contemporáneos, este innovador conjunto de obras que incluye Studio I, Studio II (1983) y E.L.S.A (1989), ha tomado la forma de modestas esculturas construidas. Semejantes a maquetas arquitectónicas, estos modelos son ante todo propuestas especulativas, construcciones conceptuales más que proyectos para edificios reales –aunque algunas de ellas, como el pabellón de helados, han sido fabricadas posteriormente a tamaño natural–. Deudoras en cierta medida de los edificios reducidos del arquitecto italiano Aldo Rossi, compuestos por volúmenes arquitectónicos imbuidos de resonancia poética, las maquetas de Schütte abarcan un amplio espectro de tipologías constructivas: tribunas o miradores, villas y estudios, casas para una sola persona (lugares para el retiro solitario y rural), una gasolinera y un búnker. Presentadas sobre mesas que indican metafóricamente una especie de no lugar, connotan una sociabilidad que se repliega hacia el interior, un estilo de vida privado y retraído que contrasta con el compromiso con el espacio social que sirve de premisa a los monumentos y memoriales del artista. No obstante, Schütte retoma de vez en cuando el tema de los extraños como refugio temporal de lo fugaz y lo nómada, por ejemplo en el caso del Hotel for the Birds (Hotel para pájaros), 2006, y de sus distintas casas para terroristas.

Aunque desde que empezó a exponer internacionalmente Schütte ha sido considerado ante todo escultor, sus primeros pasos los dio en el terreno pictórico. En 1975, tras terminar el curso de orientación de la Academia de Arte de Düsseldorf, se apuntó a las clases de pintura de Gerhard Richter. Allí no sólo conoció las incisivas investigaciones de su profesor sobre la problemática de la pintura como discurso pictórico, sino también los planteamientos radicales que utilizaban algunos de los colegas de Richter para criticar la identidad y la autonomía de este medio: Daniel Buren, Niele Toroni y, sobre todo, Blinky Palermo, ofrecieron al precoz estudiante un abanico de opciones para subvertir los modelos pictóricos convencionales1. Desafiando con astucia la lógica subyacente a las obras de su mentor, Schütte aprovechó el compromiso con lo decorativo que ya se advertía en ellas para alumbrar una memorable serie de obras in situ que incluye Ringe (Anillas), 1977-1990, Girlande (Guirnaldas), 1980 y Große Mauer (Gran pared), 1977. En Große Mauer, obra compuesta por unos 1.200 “ladrillos”, pequeñas pinturas abstractas realizadas en un lenguaje gestual, el soporte arquitectónico es una parte integral de la identidad y la función de la pieza, mientras que el efecto ilusorio enmascara ingeniosamente la noción de arte relacionado con el lugar. Sin embargo, la travesura conceptual que sustenta esta extraordinaria obra de formación pronto se oscurecería y daría paso al tono profundamente amargo que ejemplifica la heterogénea serie de memoriales que el artista inauguró a principios de los años ochenta con una tumba que conmemoraba su propia y prematura muerte (1981), y que prosiguió con una cáustica propuesta para un monumento en honor de Alain Colas, el navegante solitario francés que se perdió en el mar (1989), y con una hipotética sede para la tumba del monstruo fantasmal Adolf Hitler (1991). De hecho, el espíritu inconformista que comparten estas propuestas es la clave que permite explicar el proteico compromiso que el artista ha adquirido a lo largo de su carrera con una miríada de modos, estilos, formas, técnicas y materiales escultóricos.

Hoy en día, cuando incluso las prácticas vanguardistas más innovadoras de finales de los sesenta y principios de los setenta han sido codificadas e institucionalizadas, puede que el espacio más fértil para el estudio de la vanguardia sea el de los lenguajes inscritos de lleno en el discurso historicista. Es decir, si las tendencias antaño radicales han quedado reducidas a expresiones o signos para ser citados, las semillas de la regeneración pueden estar, por paradójico que parezca, en lo que comúnmente se considera convencional. Convencido de que había que recuperar gran parte de la escultura moderna, la de Pablo Gargallo, Gaston Lachaise y Aristide Maillol entre otros, Schütte, a mediados de los años noventa, se concentró en el motivo de la figura femenina recostada. En un primer momento abordó este insólito tema, que luego generaría gran cantidad de obras en bronce, aluminio y acero, a través de estudios de cerámica ejecutados con rapidez. Consciente, por supuesto, de que es imposible recobrar un ideal por medio de la imitación y de que, por el contrario, rehacer equivale a desfigurar, Schütte ha seguido jugando con un sofisticado concepto de parodia, burlándose de sí mismo, como se pone de manifiesto en su reciente trío de perros fantásticos. Encantadores y juguetones, estos sabuesos están emparentados con el venerable linaje de las esculturas yacentes de animales entre cuyos avatares se incluyen los leones heráldicos que custodian la Trafalgar Square londinense y las diversas esfinges recostadas que se encuentran a orillas del Nilo. En su última escultura, como en tantas de sus obras de los últimos quince años aproximadamente, Schütte recupera una vez más otro paradigma –el de la omnipresente fuente– e infunde improvisación a la tradición. Más inconformista que revisionista, esta obra, como el resto de las suyas, demuestra la potencia de una estética basada en la premisa de mirar hacia atrás para avanzar, pasada por el filtro del escepticismo personal del artista.

Biografía

Nacido en 1954 en Oldenburg, en el norte de Alemania, Thomas Schütte estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf desde 1973 a 1981 (primero con Fritz Schwegler, y a partir de 1975 con Gerhard Richter). Desde su primera muestra individual en 1979 ha desarrollado un extenso currículo expositivo. Entre sus exposiciones más importantes destacan las celebradas en la Whitechapel Art Gallery, Londres, 1998; la Dia Art Foundation, Nueva York, 1998-1999, y la Haus der Kunst, Múnich, 2009. Su trabajo ha sido incluido en las Documentas 8 (1987), 9 (1992) y 10 (1997), así como en el 55º Carnegie International, Pittsburgh (2008) y en el Skulptur Projekte Münster de 1987 y 1997. Actualmente vive y trabaja en Düsseldorf.

Encuentro con Thomas Schütte – 17 de febrero

Fechas: 16 de febrero 2010 – 17 de mayo 2010
Lugar: Edificio Sabatini. Sala 103, Sala de protocolo, Espacio 1, Claustro y jardín
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisaria: Lynne Cooke

Avance Programación Museo Reina Sofía; MAD

Pierre Huyghe

Fechas: 17 de marzo de 2010 – 31 de mayo de 2010
Lugar: Parque del Buen Retiro, Palacio de cristal – Edificio Sabatini, Planta 3

Pierre Huyghe (París, 1962) ha ideado para la próxima primavera de 2010 un proyecto específico para el Palacio de Cristal donde, por primera vez, entrarán en este espacio flores, plantas y árboles en floración. El proyecto consiste en la colocación en círculo de diferentes plantas vinculadas a distintas festividades, cada una de ellas característica de una determinada época del año que el artista colocará en círculo favoreciendo así una lectura a modo de reloj, donde se podrán apreciar las diferentes estaciones del año marcadas por la diversidad de plantas. Rosas, violetas, crisantemos, palmeras, ciruelos, jazmines, bambúes, o abetos, marcarán las diferentes épocas del año.

Martín Ramírez: marcos de reclusión

Fechas: 31 de marzo de 2010 – 12 de julio de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Martín Ramírez, la exposición Recogerá aproximadamente unos ochenta dibujos que irán desde 1948 a 1963, explorando la extraordinaria producción de este artista. Estas obras destacarán los recuerdos mexicanos de Ramírez, así como su encuentro con el paisaje norteamericano y la riqueza de su singular imaginación. La obra de Ramírez es celebrada por los críticos por sus fuertes trazados, sus meticulosas repeticiones y sus extraordinarias variaciones dentro de los mismos temas que el artista siempre trató. Junto a estas obras se mostrarán una selección de dibujos descubiertos en un garaje de California en el año 2007, los cuales aún no han sido expuestos fuera de Nueva York.

La deriva es nuestra

Fechas: 5 de mayo de 2010 – 23 de agosto de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

La idea de la exposición consiste en investigar algunos enunciados para una ciudad del futuro en ciudades latino-americanas que permanecieron al margen de la narrativa oficial del llamado Primer Mundo. ¿Significa esto volver a pensar la deriva y la Nueva Babilônia de Constant (1920-2005) a partir de iniciativas urbanas y proyectos no construidos?

Principio Potosí

Fechas: 12 de mayo de 2010 – 6 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Nouvel, Planta 0

El proyecto Principio Potosí centra su atención en el análisis del concepto de la modernidad y su expansión universal, que tuvo lugar desde la colonización de América Latina. En la muestra se expondrán ejemplos de pintura colonial andina y obras de artistas internacionales a los que se invitará a encontrar y elaborar correspondencias entre el arte colonial de los siglos XVI al XVIII y el mundo contemporáneo. Partiendo de ejemplos de la pintura virreinal de la escuela de Potosí, la investigación busca relacionar estos fragmentos de historia clausurada con las condiciones de producción artística en la actualidad. El Principio Potosí es un planteamiento estético de sentido ambiguo. “Principio” puede tener, por un lado, un significado temporal, un comienzo -la larga memoria de Potosí-; por otro lado, tiene también un significado técnico, como un principio mecánico, una regla, que se viene repitiendo en distintas coordenadas del espacio-tiempo global. Estos dos posibles enfoques serán la base del proyecto, el cual, además de la exposición, incluirá seminarios, conferencias y publicaciones.

Miralda

Fechas: 26 de mayo de 2010 – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Parque del Buen Retiro, Palacio Velázquez

La exposición propondrá una lectura retrospectiva del trabajo de Miralda en un contexto histórico y artístico global, desde su primera época en París, donde se instala en la década de 1960 y realiza sus primeras intervenciones públicas, hasta la década de 1990, con las grandes intervenciones intercontinentales del proyecto Honeymoon, y los años 2000, con la presentación del Food Cultura Museum en la Exposición Internacional de Hanóver.

Manhattan: uso mixto fotografía y otras prácticas – de 1970 hasta hoy

Fechas: 9 de junio de 2010 – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Manhattan: uso mixto es una exposición sobre los usos e imágenes tomadas en la ciudad de Nueva York al comienzo del intenso periodo de desindustrialización y abandono de la década de 1970, con el contrapunto de trabajos más recientes de artistas que, plenamente al tanto de las prácticas de sus predecesores en aquel momento, siguen encontrando un potencial estético en la ciudad. Estos trabajos centrales vienen acompañados de otras series fotográficas, videoinstalaciones y películas, que amplifican su magnitud y dan prueba de la pervivencia de su legado, recibido por artistas que siguen comprometiéndose con la ciudad mostrando cómo los espacios urbanos pueden llegar a ser realmente espacios públicos.

Nuevos Realismos: 1957-1962

Fechas: 16 de junio de 2010 – 4 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1, Espacio Uno y Corredores

La exposición Nuevos realismos: 1957-1962 se define más por un marco temporal que por formatos o medios concretos, de forma que cartografía un campo internacional del arte en un periodo finito de importantes cambios. La muestra, centrada en las acciones y la temporalidad, en los lugares y en su activación, se aleja del objeto artístico para revelar, en el umbral de la década de 1960, un campo más amplio que redefiniría la práctica artística mediante la transformación de sus estrategias y contextos.

Una exposición de Arte. Hans Peter Feldmann

Fechas: 22 de septiembre de 2010 – 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Hans Peter Feldmann (Dusseldorf 1941) empezó su trabajo como artista a finales de los años 60. Sus primeros trabajos fueron una serie de pequeños libritos impresos en offset titulados “Bilders” (Imágenes) en las que reproducía una o más imágenes de algún objeto cotidiano: herramientas, aviones, rodillas, etc. Desde entonces su interés por la imagen fotográfica, que colecciona obsesivamente, le ha llevado a producir numerosas series de fotografías. Algunas tan conocidas como sus “Time Series” series de tiempo, en las que retrata, en las 36 imágenes de un carrete analógico, un hecho insignificante, como un barco que pasa o una mujer limpiando una ventana. De la fotografía no le interesa la imagen individual sino la serie de imágenes, o mejor dicho, lo que aparece al agrupar una serie de ellas.

Desbordamiento de Val del Omar

Fechas: 27 de octubre de 2010 – 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3, Salas 301, 302, 303, 304 y 308

La exposición quiere abordar el “sin fin” de José Val del Omar (Granada 1904 – Madrid 1982): una obra fragmentaria e inconclusa, zarandeada por la historia –la travesía de una guerra civil y de una larga dictadura–, que hoy se ha convertido en un referente que empieza incluso a traspasar fronteras. Una obra parca pero inmersa en un quehacer continuo en torno a la imagen y su rebosamiento en aquello que Val del Omar ha expresado mediante la sigla PLAT, de Picto-Lumínica-Audio-Tactil.

Atlas

Fechas: 3 de noviembre de 2010 – febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Atlas es una exposición que propone hacer visible el nuevo marco de pensamiento introducido por Aby Warburg en el conocimiento histórico y de las imágenes. Se trata de mostrar cómo después de Warburg y su Bilderatlas, las imágenes ya no se ven de la misma forma. Lo que cambia, no son tanto las obras en sí, como la manera de concebir sus relaciones: cómo se posicionan unas frente a otras y todas juntas frente al devenir histórico.
No se construye, sin embargo, como una exposición monográfica sobre Aby Warburg, sino como un recorrido por la historia de las imágenes desde 1914 hasta nuestros días, en el que el pensamiento warburgiano será el genius loci.

http://www.museoreinasofia.es/index.html