Nueva obra en la Fundación Miró;BCN

La Fundació Joan Miró presenta 17 obras nuevas originales sobre papel, cedidas en depósito por la familia Miró, y propone, con la colaboración de la Generalitat de Catalunya, una nueva lectura de la colección permanente.

A partir del próximo 14 de enero, la colección se amplia con un conjunto de 17 obras originales sobre papel, realizadas entre 1931 y 1953. A lo largo de los años, el papel es probablemente uno de los materiales que Joan Miró utiliza de manera más constante. Se interesa por toda clase de papel: papel de lija, cartón, papel de periódico o papeles recuperados. Su producción artística en este soporte es muy innovadora y arriesgada. Por otro lado, la inmediatez en la realización de obras sobre papel permite al espectador acercarse a la forma de trabajar de Joan Miró.

La nueva instalación ofrece una lectura más exhaustiva de las distintas técnicas que Miró cultivó a lo largo de su carrera (escultura, obra textil, cerámica, grabado, pintura, obra sobre papel) así como de su trayectoria en relación con el contexto histórico: su formación en Barcelona, la estancia en Paris, las relaciones con las vanguardias artísticas del momento y el interés por la experimentación y la consolidación de un lenguaje singular y específico. Esta información se completa con imágenes del artista en distintos momentos de su vida, una nueva de proyecciones y un espacio de consulta.

Esta nueva forma de presentar la colección permanente facilitará a todos los públicos un mayor conocimiento de Joan Miró, un artista arraigado en la tradición pero con una gran proyección de futuro. Joan Miró es una de las figuras más personales e influyentes del siglo XX.

Entrada gratuita a la Fundació Joan Miró todos los jueves, entre el 18 de febrero y el 25 de marzo, de 17 a 21h.

Fundació Joan Miró
Parc de Montjuïc s/n 08038 Barcelona T.934439470
www.fundaciomiro-bcn.org

Fuente:Exitmail

La princesa sabia. Las pinturas de Santa Catalina de la Seu d’Urgell;Barcelona

El conjunto de Santa Catalina es un ejemplo tardío pero extraordinario de la pintura románica catalana. Concebido como decoración mural de una de las capillas de la catedral de la Seu d’Urgell, fue redescubierta a principios del siglo XX, y posteriormente arrancado y vendido en tres partes independientes al mercado internacional de antigüedades. Actualmente, estos tres fragmentos se conservan el el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el Museu Episcopal de Vic y la Fundació Abegg de Suiza.

Las pinturas son una muestra de las transformaciones que se producen en la pintura románica catalana a mediados del siglo XIII, cuando recibe el impacto del gótico lineal francés. El conjuto se relaciona con el patrocinio del obispo Ponç de Vilamur (1230-1257), distinguido combatiente de la herejía cátara en la diócesis de Urgell. El protagonismo de santa Catalina en las pinturas no puede desligarse de este hecho, ya que la santa era el modelo por excelencia de la predicación antiherética y patrona de la orden dominica, nacida precisamente para luchar contra el catarismo.

Por otra parte, la exposición también permite conocer la técnica de arranque de pintura mural conocida como strappo, utilizada durante los años 20 y 30 del siglo XX para arrancar sistemáticamente los grandes conjuntos de pintura mural románica de Cataluña.

La muestra forma parte del proyecto de reencuentro de conjuntos dispersos del románico catalán, iniciado entre el MEV y el MNAC en el año 2008 con la exposición: El cel pintat. El baldaquí de Tost. Ahora, con La princesa sabia, se ofrece la oportunidad de disfrutar de todo el conjunto pictórico de Santa Catalina, reunido por primera vez desde su arranque.
Del 02 de Diciembre de 2009 – 28 de Febrero de 2010

Catálogo de la exposición: La princesa sabia. Las pinturas de Santa Catalina de la Seu d’Urgell

Exposición coorganizada por el MNAC y el MEV

La princesa sabia. Las pinturas de santa Catalina de La Seu d’Urgell se presentará en el MEV entre el 20 de marzo y el 5 de julio de 2010
Actividades en torno a la exposición

Noche de aniversario (viernes 18 de diciembre de 2009)
Entrada libre a todo el Museo, música en directo en la Sala Oval y comentarios a pie de obra de las piezas más significativas de la colección permanente.

La actuación musical irá a cargo del grupo de dixieland Rino Dixie Band, del Taller de Músics.

Mesa redonda: El largo siglo XIII catalán: innovación y tradición artística
10 de febrero de 2010, 19 h

Se debatirá sobre una de las peculiaridades del arte catalán del siglo XIII respecto del arte europeo: la larga pervivencia de las fórmulas del románico en todas las técnicas y manifestaciones muy avanzadas hasta la fecha, y la tardía incorporación del nuevo estilo gótico. También se hablará de la creciente importancia de la monarquía y de la nobleza en la definición de las nuevas temáticas en pintura.

Moderador:
Manuel Castiñeiras, jefe de la Colección de Románico del MNAC y comisario de la exposición

Ponentes:
Rosa Alcoy, profesora titular de Historia del Arte Medieval, Universitat de Barcelona
Marta Serrano, profesora de Historia del Arte Medieval, Universitat Rovira i Virgili, Tarragona
Jordi Camps, conservador jefe de la Colección de Románico del MNAC
Montserrat Pagès, conservadora jefe de la Colección de Románico del MNAC

Entrada gratuita. Plazas limitadas
Confirmación de asistencia: tel. 93 622 03 75

Visitas comentadas a las exposiciones temporales
Visita combinada a las exposiciones Invitados de honor y La princesa sabia

A partir del sábado 12 de diciembre: sábados a las 11 h (español) y a las 12.30 h (catalán)

Duración: 1.30 h

Servicio gratuito. Plazas limitadas

Los aparatos de audio se entregan 20 minutos antes de cada visita en el mostrador de grupos. Para facilitar la entrega se ruega máxima puntualidad.

Podéis visitar el microsite de la exposición haciendo clic aquí.

Santiago Giralda y Carlos Granados;MAD

El pasado miércoles 9 de diciembre se inauguró en la Sala de Arte Joven la exposición Interior /Exterior: Santiago Giralda y Carlos Granados del Valle bajo el comisariado de Virginia Torrente.

Pinturas e instalaciones son las propuestas artísticas que proponen estos dos artistas. En la pintura detallista de Santiago Giralda se funden verdad y mentira mientras que en la instalación de Carlos Granados se obliga al espectador a investigar el espacio y esforzarse en la lectura de las obras, pero compensándole con el resultado cuando descifra las pautas del juego.

Santiago Giralda (Madrid 1980). Sus pinturas tienen un marcado interés por la representación, la exploración de los lugares y el lenguaje de la pintura .El origen de su trabajo es el uso de espacios reales, que se llenan de objetos siempre reconocibles, fuera de su lugar habitual y elementos que hacen que ése punto de partida original se transforme en imaginario.

Encontramos esta acumulación de objetos flotando en el espacio doméstico, que van hallando un sitio donde colocarse, buscando reposo, en un aparente orden inconcluso. Habitaciones abigarradas llenas de objetos, muebles y elementos icónicos reales y otros inventados crean escenarios pictóricos que nos presentan una realidad paralela, como si Giralda hubiera tenido una formación barroca, una escuela de otros tiempos situada en el presente.

En palabras de Virginia Torrente, comisaria de la exposición: “Partimos de una figuración real y la vez fantástica, compuesta de elementos siempre reconocibles al ojo del espectador, porque pertenecen al entorno doméstico  y a la iconografía popular. Que el público puede desordenar y volver a ordenar a su gusto siguiendo el mismo impulso que Giralda, que nos obliga a trabajar con la mirada igual que él trabaja sobre el lienzo”.

Verdad y mentira se funden en sus pinturas. Pintar compulsivamente, con gran detalle, sin ofrecer conclusiones definitivas son los cuadros que podemos ver en esta exposición, dónde el color es otro elemento clave.

Carlos Granados ( Madrid 1984).Abordar otros espacios ajenos a los delimitados por la exposición tradicional, establecer una relación entre el lugar asignado y otros ajenos, a la propia sala- un piso cercano-  para que ocupen un solo espacio en la mente del espectador, es la propuesta que Carlos Granados presenta en la Sala de Arte Joven.

Como el propio artista dice: “Me gusta la idea de trabajar con el valor simbólico del espacio, con lo que éste representa con el público, con el tiempo de exposición y con el cuestionamiento de la funcionalidad en un sentido amplio. Mi trabajo se centra en reflexionar sobre conceptos de fracaso o error, la utilidad, la meta, el futuro y mi propia actitud como artista. Desde hace tiempo empecé a trabajar con objetos cotidianos, a través de pequeñas modificaciones o alteraciones de sus diseños y sus funciones, investigo sobre dialécticas y significados que se crean en este tipo de situaciones”.

Transformar el lugar de exposición, obligar al espectador a realizar una cierta investigación espacial y un esfuerzo mayor en la lectura de las obras, exigiéndole más tiempo, pero compensándole con el resultado cuando descifra las pautas del juego, es el objetivo de Carlos Granados. En palabras de la comisaria: “El artista echa un pulso al lugar expositivo, rompe sus reglas, no quiere compartimentaciones para sus piezas, busca un lugar inocuo, desolado, vacío, para llenarlo de poesía experimental”.

Artistas: Santiago Giralda y Carlos Granados del Valle

Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno, Comunidad de Madrid
Horario:
De lunes a sábados: De 11:00 a 14:00 h y de 18:00 a 21:00 h
Domingos y festivos: Cerrado
24 y 31 de diciembre la sala permanecerá cerrada

Sala de Arte Joven
Avda. de América, 13
28002 Madrid
Teléfono: 915642129
www.madrid.org

Fuente:Exitmail

František Kupka en la Fundación Miró:BCN

La Fundació Joan Miró presenta František Kupka, una muestra comisariada por Brigitte Leal, directora adjunta del Musée National d’Art Moderne – Centre Georges Pompidou, y patrocinada por el BBVA. La exposición reúne, por primera vez en el Estado español, un conjunto de casi 80 telas y dibujos de este artista checo, procedentes de los fondos de la institución francesa y documentos pertenecientes a la colección de Pierre Brullé, gran experto en un artista considerado pionero en explorar la abstracción.

La exposición que la Fundació dedica a František Kupka pretende destacar las aportaciones de este artista: la fusión de los motivos fin-de-siècle austriacos con las exploraciones formales de las primeras vanguardias o un interés por el movimiento, que le condujo tempranamente a la abstracción. Esta especial sensibilidad sitúa la obra de Kupka en un lugar relevante en la historia del arte moderno europeo.

František Kupka, a quien se han dedicado significativas muestras en los museos más importantes de Francia, Estados Unidos o Japón, no ha disfrutado nunca de una exposición retrospectiva en España. Con el propósito de subsanar este injustificado olvido, la Fundació presenta ahora esta muestra, que permitirá apreciar y comprender la evolución estilística y el método de trabajo de este pintor clave en el desarrollo de la primera abstracción.

František Kupka
Obras del Centre Georges Pompidou

28 de noviembre de 2009 – 24 de enero de 2010
Inauguración: viernes 27 de noviembre, a las 19:30h

Fundació Joan Miró
Parc de Montjuïc s/n
08038 Barcelona
T.934439470

www.fundaciomiro-bcn.org
info@fundacionmiro-bcn.org

Fuente:Exitmail

Últimos días. Premio de Pintura Guasch Coranty

Entrega de la documentación del 16 al 27 de noviembre de 2009

Dirección: Pau Gargallo 4 / 08028 Barcelona
Tel: 93 403 40 66 / 628 293 797
Contacto: premifguasch@ub.edu

La Fundación Guasch Coranty abre la convocatoria del Premio de Pintura Internacional dirigido a artistas profesionales que hayan finalizado sus estudios en escuelas superiores y facultades de B ellas Artes con el objetivo de promover y difundir la creación pictórica más innovadora a escala internacional, entendida como una disciplina abierta expandida hacia nuevos soportes. Se valorarán tanto la calidad técnica como la calidad conceptual de la obra, en relación con los nuevos lenguajes del arte contemporáneo.

Se otorgará un primer premio de 25.000 €, que no podrá dividirse ni ser declarado desierto, y dos menciones de 8.000 €.

Los artistas seleccionados recibirán una ayuda de 600 € y participarán en una exposición colectiva.

Para más información:
www.guaschcoranty.com

Caravaggio. Obra completa

Caravaggio, o más exactamente Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), fue una leyenda ya en vida. Mientras que unos celebraban su naturalismo y sus revolucionarias invenciones pictóricas, otros pensaban que había destruido la pintura. Pocos artistas han dado lugar a interpretaciones tan controvertidas y contradictorias como sobre él, hasta los tiempos modernos y los últimos avances de la investigación sobre historia del arte.

Este libro plantea un nuevo examen completo de la obra de Caravaggio, junto con un catálogo razonado de sus cuadros. En cinco capítulos introductorios se analiza su carrera artística desde su formación en el Milán lombardo y su maduración triunfal en la Roma pontificia, hasta sus últimos años dramáticos en Nápoles, Malta y Sicilia. El foco se centra en la naturaleza radical y la fuerza innovadora de su arte y su influencia en toda Europa.

Nuestra comprensión de la obra de Caravaggio se ha enriquecido sustancialmente en las últimas décadas, gracias a importantes exposiciones, campañas de restauración, nuevas atribuciones y descubrimientos documentales. El nuevo catálogo razonado presenta una sinopsis detallada de las obras completas del pintor a la luz de las investigaciones más recientes. Todos los cuadros están documentados en reproducciones a gran escala y espectaculares ilustraciones de detalles, cuyo alcance y calidad rompen todos los moldes.

Caravaggio. Obra completa
Prof. Dr. Sebastian Schütze
Tapa dura, 29 x 39.5 cm

306 páginas
£ 100.00
ISBN: 978-3-8365-1911-3
Edición: Español

Pinacoteca Psiquiátrica; Valencia

Las pinturas de enfermos mentales en España han sido para la psiquiatría, desde los inicios del siglo XX, un instrumento de apoyo en el diagnóstico, una actividad ocupacional o un modo de psicoterapia, heredando en gran parte las tesis del forense italiano Lombroso y su obra Genio y Locura (1909), del psiquiatra  Herman Simon en su Tratamiento Ocupacional (1928), las aportaciones del psiquiatra e historiador del arte Hans Prinzhorn quién en 1922 reunió más de 5.000 obras de pacientes en la colección del Hospital de Heidelberg.

La emergencia de las vanguardias europeas posibilitó que la pintura psiquiátrica se proyectara fuera de los muros manicomiales gracias a las visitas que algunos artistas como Klee, Bretón o Max Ernst realizaron al Museo de Hans Prinzhorn. Los locos, que podían ser artistas, mostraron su obra no sólo como un reflejo de sus procesos morbosos, sino también como obras de arte capaces de conmover por la originalidad de sus formas y de sus contenidos. Las obras mostraban los tenues límites entre la creación de artistas sanos o enfermos, erigiéndose como un hecho cultural mas allá de las etiquetas, a menudo peyorativas, que imponían los diagnósticos psiquiátricos.

En España hemos podido contemplar exposiciones de pintura marginal como la de “Visiones Paralelas” en el Museo Reina Sofía de Madrid, en el año 1992. En ella se mostraba las confluencias de perspectivas entre la pintura de artistas que habían realizado la mayor parte de su obra recluidos en un manicomio y la de artistas de vanguardia. Las obras procedian de Museos, Galerías y colecciones particulares de Europa y Estados Unidos. La tesis de la muestra planteaba cruces de miradas que iban más allá de influencias formales y que mostraban  al espectador y a los investigadores múltiples interrogantes acerca del arte, de la locura, de los movimientos de vanguardia, de la psiquiatría o sencillamente la angustia, el dolor, el sufrimiento psíquico que trascendía a través de la belleza de las obras expuestas.

En 1997, en el Museo de Navarra se presentó la muestra “Neue Invention” procedente del Museo de Art brut de Lausanne fundado por Dubuffet. En el año 2001, también pudimos contemplar en el MACBA de Barcelona una muestra sobre la Colección Prinzhorn, de la Clínica Psiquiátrica de Heidelberg y en el año 2005 en Madrid, la Fundación La Caixa presentó “Mundos interiores al descubierto” poniendo desde la óptica posmoderna la discordancia del término arte marginal. En ella  se incluyeron obras de Bispo de Rosario, de Dubuffet, de Klee, Schiele, Hauser, Louise Bourgeois, Aloise o Müller entre otros.

En las exposiciones  de Madrid, de Barcelona o Navarra, la procedencia de las obras en ningún caso había trabajos pictóricos de artistas enfermos de nuestro país y tampoco formó parte del debate, cuál había sido la consideración en España de la pintura psiquiátrica. Estos hechos podrían llevarnos a la precipitada o errónea  conclusión de que no ha habido, en España,  ninguna experiencia de esta índole y que en los hospitales psiquiátricos de nuestro país no se pintaba o no se coleccionaba pintura, cuando no ha sido así. La hubo, y aunque sin ser una preocupación preferente para los psiquiatras, se coleccionó por su interés artístico y se analizó por su interés psicopatológico. Se conformaron museos específicos, desaparecidos en la guerra civil como el del Instituto Pere Mata de Reus; se organizaron exposiciones en  1935 en el Ateneo de Madrid, o en el IV Congreso Mundial de Psicoterapia organizado por el Hospital Clínico de Barcelona en el 1958,  en el que se habla por primera  vez del arteterapia, o en el Casón del Buen Retiro de Madrid en el año 1966, con motivo del IV Congreso Mundial de Psiquiatría, dónde se reúnen más  de setecientas obras. Estas muestras siempre fueron organizadas, exclusivamente,  en el ámbito y para el interés de los profesionales de la psiquiatría. Hay una excepción relevante y se da en la última década del siglo XX, La Asociación de Artistas Plásticos Línea Paralela de Sevilla, hace una firme apuesta por facilitar la emergencia en el espacio cultural de los artistas que por su situación mental permanecen en el anonimato.

La propuesta de esta exposición  es mostrar desde una perspectiva actual las principales producciones de pintura psiquiátrica del siglo XX en España a partir de las obras que se han localizado en diversos centros hospitalarios españoles y en diferentes colecciones privadas.

La exposición, que presenta más de trescientas  obras, documentos originales, documentales sobre el Hospital de la Santa Cruz realizado por José Mª Comelles y sobre los 600 años de Hª del manicomio Padre Jofre de Cándido Polo y material fotográfico.

La muestra se estructura en 8  secciones de carácter temático:
1: Lo primitivo y ajeno
2: Geometrías, arquitecturas, máquinas y otros inventos
3: Ángeles y demonios
4: Pictoescrituras
5: Alienista/ alienado; Escenas hospitalarias
6: Melancolía
7: Localización de la locura, la cabeza como alegoría
8: Sueños, delirios y monstruos

Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
Sala Estudi General
C/ Universitat, 2
46003 Valencia
Tel. 963864377
www.uv.es/cultura

Horario de visita:
De martes a sábado de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas
Domingos de 10 a 14 horas

ENTRADA LIBRE

Fuente: Exitmail

Premio Internacional de Pintura

La Caja de Extremadura convoca el 31 PREMIO INTERNACIONAL DE PINTURA DE CAJA DE EXTREMADURA

- Dotación para premios y adquisición de obras: 63.000 euros, repartidos de la siguiente manera:

Premio “Caja de Extremadura”, dotado con 30.000 euros.
Bolsa de 33.000 euros para la adquisición de obra.

- El plazo de admisión de las obras será del 10 de septiembre al 27 de octubre de 2009, en el Departamento de Obras Sociales y Culturales de la Caja de Ahorros de Extremadura, c/ Alfonso VIII, 29; 10600 Plasencia (Cáceres).

Jurado:
Juan Manuel Bonet
Glòria Bosch
Enrique Brinkmann
José Mª Cruz Novillo
Antonio Franco
Tomás Paredes

Información:
Caja de Extremadura, Departamento de Obras Sociales y Culturales
c/ Alfonso VIII, 29
10600 Plasencia (Cáceres)
Teléfono (34) 927458110
Fax (34) 927458232
www.cajaextremadura.es
premiopinturacajaextremadura@cajaextremadura.es

Bases en castellano, inglés y portugues aquí

Fuente:exitmail

Eva Navarro en Arte Periférica; Lisboa

El 5 de septiembre se inaugura la próxima exposición individual de Eva Navarro.

Se titula “Mundos diferentes” y en ella predominan los cuadros con una figura única, personajes a los que seguimos sin poder ver el rostro. Sin embargo esta vez podremos conocer algo más de los mundos mágicos en los que se mueven, ver lo que ellos ven o escuchar sus conversaciones.

La fotografía se ha introducido en varios de los lienzos fusionándose con la pintura, ayudando a matizar las historias que cada uno imaginamos al observar los lienzos.

¡Reserva la fecha y no faltes a la inauguración el 5 de septiembre a las 15h30!

Del 5 de septiembre al 1 de octubre.
Abierto todos los días de 10 a 20 horas.
Galería Arte Periférica
Centro Cultural de Belém, Lisboa.

Si quieres ver el catalogo haz clic aquí catalogoevanavarro o visita este enlace

Zack Smith y Niebla; Casavells Girona

La exposición Cajas de Luz de Zack Smith y la obra más reciente del conocido pintor J. Niebla han abierto la segunda fase de la temporada de verano en la Fundación Niebla de Casavells – Girona.
La exposición permanecerá abierta hasta el 13 de Septiembre.
Domingos y Lunes cerrado.

Contacto:
972 63 02 15
niebla@fundacioniebla.com
Fundación Niebla
Plaça Major 9
17121 Casavells – Girona

Concurso Pintura Mutua Granollers

Se pone en marcha la segunda edición del Concurso de pintura de La Mutua del Carmen de Granollers, con el propósito de potenciar la creación contemporánea de nuevos artistas del panorama peninsular. El Concurso tiene carácter bianual y la presentación de proyectos se podrá realizar hasta el próximo 20 de Noviembre de 2009.

PREMIOS Y CATÁLOGO:
El Jurado seleccionará a los finalistas de esta segunda edición entre los que se hallarán los dos premiados, los premios no podrán declararse desiertos. El primer premio está dotado con 6.000 euros y el segundo con 4.000 euros. Las obras finalistas formaran parte de una exposición que se realizará en Granollers, la obra ganadora será expuesta como una sola pieza en el Museo de Granollers durante el mes de Octubre de 2010. Las piezas seleccionadas se incluirán en el catálogo que edita la organización.

PLAZOS:
Los artistas participantes podrán entregar su dossier para participar en el concurso hasta el próximo 20 de Noviembre de 2009. El 15 de Enero de 2010 se comunicará con los artistas seleccionados para que envíen su obra. La selección de las obras ganadoras y la exposición de los finalistas tendrá lugar durante el mes de Marzo de 2010.

JURADO:
El Jurado de la presente edición está formado por: Dra. Núria López Ribalta _ Crítica de arte, miembro de AICA, catedrática de artes plásticas y diseño Escuela Llotja. Dra. Roser Masip Boladeras_Dra. en Bellas Artes, profesora y artista pintora. Dra. Lidia Gòrriz  Nicolás_  Profesora Titular de la UB. El Sr. Jordi Barnadas _ Presidente del Gremio de Galerías de arte de Cataluña. La Sra. Carme Clusellas Pagés _ Directora del Museo de Granollers. El Sr. Jordi Díaz Alamà _ Licenciado en Bellas Artes y joven artista. Sr. Joan Díaz José _ Presidente de La Mutua, y el Sr. Ricard Blanch Mas _ Dir. Gral. de La Mutua.

Att. Dolors Ureña_ durenya@mutua.org
Tel. 93 860 01 59_ Plaza Pau Casals, s/n_08402 Granollers

Para consultar las bases del concurso: www.mutua.org

Archivo pdf con las bases aquí: bases

Fuente:exitmail

La dulce geometría, en el MIAC

El escritor y crítico de arte Juan Manuel Bonet y el pintor Luis Palmero muestran el proyecto que han realizado de forma conjunta para el MIAC.

La dulce geometría es el título de la segunda entrega de un ciclo de exposiciones que se desarrolla en el Museo Internacional de Arte Contemporáneo, MIAC, dependiente de los Centros de Arte, Cultura y Turismo del Cabildo de Lanzarote, cuyo objetivo es producir un diálogo entre creadores a partir de dos disciplinas artísticas, en esta ocasión poesía y pintura, que se irá ampliando a otras a medida que avance el proyecto, de periodicidad anual.

Los autores de esta edición 2009 son el pintor Luis Palmero y el poeta Juan Manuel Bonet, quienes elaboran una propuesta común, un acuerdo entre la palabra y la imagen donde se perciben afinidades y objetivos, acuerdos y desacuerdos que se evidencian y proyectan en el espacio de la sala de exposiciones.

Esta propuesta del MIAC en la que participan destacados autores contemporáneos, ofrece una lectura más de ese diálogo entre poesía y plástica que expresa una determinada visión del mundo a partir de lenguajes distintos, aunque compartiendo en el proyecto un sustrato estético, preferencias, símbolos y temas.

Luis Palmero (Tenerife, 1957) viene realizando desde 1970 una obra marcada por una vocación minimalista entregada a la pintura, de gran carga poética y con constantes reflexiones sobre sus límites. Su obra está presente en museos como el IVAM de Valencia o el Centro Atlántico de Arte Moderno, CAAM, y en importantes colecciones privadas.

Juan Manuel Bonet (París, 1953), poeta, escritor y crítico de arte, fue director del IVAM entre los años 1995 y 2000, y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía desde el 2000 hasta el 2004.

Es autor de los poemarios La patria oscura (1983), Café des exilés (1990), Praga (1994), Postales (2004), y el recién editado Polonia-Noche (2009), a los que se suman libros de bibliofília y el comisariado de exposiciones y retrospectivas de diversos artistas y movimientos de vanguardia.

La dulce geometría la componen 15 obras sobre papel de Luis Palmero y 15 poemas de Juan Manuel Bonet y se complementa con un catálogo con tratamiento de libro de autor.

En la primera edición del proyecto participaron José María Sicilia y Andrés Sánchez Robayna con la exposición titulada Reflejos en el día de año nuevo.

Museo Internacional de Arte Contemporáneo MIAC
Castillo de San José – Lanzarote

Del 4 de julio al 27 de septiembre

Horario: de lunes a domingo de 11.00 a 21.00 h

www.centrosturisticos.com

Fuente: Centros de Arte, Cultura y Turismo.

Concurso de Pintura “Casimiro Sainz”

Instituido por el Excmo. Ayuntamiento de Reinosa con arreglo a las   siguientes bases:

1.      Podrán participar todos los artistas españoles y extranjeros residentes en España. El tema y las técnicas serán libres y el formato no será  superior a dos metros por cualquiera de sus lados. El marco no excederá  de 3 centímetros.

2.      No se admitirá más de una obra del mismo autor, ni aquellas que hubieran obtenido cualquier galardón en otro certamen o concurso. Los cuadros irán firmados y acompañados de un sobre, adherido al reverso de la obra, en cuyo exterior figurará un lema o título que se repetirá en su interior con la dirección completa del autor y el precio de la obra por si tiene interés en su venta, caso de ser seleccionada y no premiada.

3.      Las obras serán entregadas personalmente o remitidas por agencia de transporte, debidamente montadas para su exposición, en la Oficina de Turismo (edificio La Casona, Avda. del Puente de Carlos III, 23 – 39200 Reinosa), de 10 a 14 horas, del 24 de agosto al 11 de septiembre. Los gastos de envío y retorno de las obras serán por cuenta de los participantes, no haciéndose la organización responsable del deterioro que pudieran sufrir  las obras.

4.      Con la obras seleccionadas por el jurado se realizará una exposición en “La Casona”, del 17 al 29 de septiembre de 2009. El fallo del jurado, que será inapelable, se dará a conocer en la apertura  de la exposición.

5.      Se establece un único premio de 3.000 euros (del cual se deducirán los impuestos legalmente establecidos). El jurado, si lo estima oportuno, podrá conceder una o varias menciones de honor (sin dotación económica).

6.      Una reproducción de la obra premiada figurará en el anverso de las bases del próximo concurso; en el reverso serán reproducidas las obras que hayan obtenido mención honorífica.

7.      La obra premiada quedará en propiedad del Excmo. Ayuntamiento y pasará a formar parte de su patrimonio artístico.

Modernidad americana

La Fundació Joan Miró presenta Modernidad americana, una muestra patrocinada por el BBVA y comisariada por Sarah Newman y Sarah Cash, conservadoras de la Corcoran Gallery of Art de Washington. La exposición reúne más de un centenar de obras de artistas americanos de finales del siglo XIX y del siglo XX.

Entre los artistas representados en la exposición podríamos destacar a George Bellows, John Singer Sargent, Arthur Davies, Marsden Hartley, Joseph Cornell, Thomas Hart Benton, John Sloan, Edward Hopper, Milton Avery, Mark Rothko, Willem de Kooning, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Martin Puryear y a Robert Mangold.

webs relacionadas: http://www.nga.gov/programs/abstracts/nemerov.shtm

hasta el 25 de enero

4€

La Reconstrucción

Previa deconstrucción de lo que “No debiera ser”.

Es curioso, al final, mi obra tiene mucho que ver con la forma en que he evolucionado hasta llegar a ella. La verdad es que las diferentes temáticas que he abordado a través la creación artística desde que quise hacer arte con intencionalidad, ha sido siempre de alguna forma un acto de denuncia.

Durante los años que estudiaba la carrera de Bellas Artes en la universidad, mis obras pretendían denunciar la inadaptación del ser humano a su entorno natural que lo sustituye por un entorno tecnológico. Así lo materiales utilizados reivindicaban la materia presente en la naturaleza como elemento constructivo y discursivo.
Desde esta tradición de emplear materia, muchas veces orgánica, como material expresivo he abordado siempre la obra para a través de ella evocar al espectador una sensación, casi siempre traumática de algún aspecto de la realidad humana.

Desde 1995, año en el que gracias a una beca del Gobierno de Navarra pude conocer el entorno digital como herramienta creativa, he ido evolucionando en mi obra infográfica hasta mis más recientes creaciones artísticas en dicho soporte.

Me doy cuenta de que en mi trayectoria artística no he dejado de desmenbranarme esparciendo mis ideas y trabajándolas de una forma bastante dispersa para reconducirlas hacia un lugar común gracias a una misma actitud reconstructiva en todas mis creaciones.

La temática que actualmente estoy trabajando es de una coherencia sin precedente en mis creaciones anteriores. He encontrado un lugar de cohexión entre varios de los aspectos habitualmente presentes en mi obra.

Por un lado mi gusto por lo matérico y la materia orgánica como elemento constructivo y expresivo. Por otro, mi devoción a la actitud escultórica construyendo a partir de las partes que ensambladas constituyen un todo a otro nivel. Por otro lado siempre he sido amante del detalle, la perfección, la exactitud, acercarme al límite de la percepción en el manejo de las riquezas cromáticas del micromundo del material. Y por último la conexión de todos estos aspectos en una actitud artística al servicio de una temática fruto de una mirada trágica, traumática e íntima de uno mismo y de la comunidad como colectivo de seres humanos.

Tal y como hacemos todos los seres humanos para evolucionar hacia algo que deseamos ser como individuos que conviven con otros y se exhiben ante los demás , el tema parte de esta necesaria decontrucción y fragmentación de uno mismo para desechar lo “indigno” y reforzar lo más loable bajo un nuevo aspecto consecuencia del reensamblaje de las partes más “aceptables” de nosotros mismos. La generación de un monstruo desarraigado e incompleto.

Esta reconstrucción es más evidente por ejemplo en esa eterna búsqueda del perfeccionamiento en el cumplimiento de la bellaza ideal contemporánea a cada uno de nosotros según la época “actual”.

La belleza canónica fruto de la conclusión racional entre las relaciones geométricas, (la proporción), que construyen el canon de belleza ideal, es un ejemplo de que estamos sujetos a cumplimiento de normas ajenas a nuestro propio cuerpo pero que exigen precisamente a este cumplirlas. Es decir, que una normativa de proporciones pertenecientes al mundo de las ideas y la matemática marca lo aceptable como bello de nuestra propia fisonomía material y orgánica.

Es así como la sociedad entera actúa hasta que esta actitud discriminatoria y “obsesiva” nos cala tan adentro que pasa a formar parte nuestra ética estética.

Alguien me comentó hace poco que en el pasado las mujeres llevaban el sufrimiento del corsé como un agente externo que se podían quitar cuando el acto público hubiese concluido, pero que en la actualidad este adoctrinamiento estético ha sido tan eficaz que el corsé lo llevamos por dentro en lo psicológico oprimiendo constantemente.

Vivimos dentro de un ser que resulta ser nuestra propia proyección en el entorno social, una reconstrucción a imagen y semejanza de eso que de nosotros se espera.

Ricardo Laspidea.

www.laspidea.com

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