Actividades de navidad en el Thyssen

Todavía quedan algunas plazas disponibles para que los niños de entre 6 y 12 años participen estas Navidades en la actividad que organiza para ellos EducaThyssen. ¿Qué tiene esto que ver con la Navidad? es el título de este taller, que se valdrá de las obras de arte para acercarles al espíritu navideño y a la forma que tienen las distintas culturas de celebrar el año nuevo.

Durante las navidades se desarrolla una actividad para niños entre los 6 y los 12 años acompañados de algún adulto. Su título es ¿Qué tiene esto que ver con la Navidad? y trata de aproximarnos a través de las obras de arte al espíritu de la Navidad al margen de credos y religiones, y a la forma en la que estas culturas celebran el inicio de un nuevo año. Para terminar, niños y adultos trabajan en el taller del Museo en una obra plástica.

A quién va dirigido:

A chicos y chicas entre los 6 y 12 años acompañados por adultos.

Número de participantes:

Cada grupo estará formado por 20 personas por grupo aproximadamente.

Precio:

6 € por participante.

Calendario:

Del 23 de diciembre de 2010 al 9 de enero de 2011. Excepto el 24, 25 y 31 de diciembre, 1 y 6 de enero.

Horario:

De martes a viernes a las 16 horas. Sábados y domingos a las 11 y a las 16 horas.

Reservas:

Inscripciones a partir del 10 de noviembre de 2010

En esta dirección web

El Prado oculto. La vida secreta del museo. Madrid

conservación, restauración, replicación

Del 5 al 9 de julio de este año, la Fundación Amigos del Museo del Prado, en colaboración con la Universidad Complutense de Madrid, celebrará en el auditorio del Museo el curso El Prado oculto. La vida secreta del museo: conservación, restauración, replicación. Bajo la dirección de Francisco Calvo Serraller, como en años anteriores, este nuevo curso abordará cuestiones relacionadas con la vida más oculta del Prado, como: cuáles son los fondos de almacén y su función; cómo estos fondos son conservados, restaurados, estudiados y difundidos; cómo y en qué trabajan los que trabajan en el Museo y, en definitiva, qué cantidad de inversión en esfuerzo físico e intelectual hace posible el milagro de que un museo abra sus puertas.

Abierto plazo de inscripción hasta agotarse cupo máximo de plazas disponibles.
Desde su fundación a finales del siglo XVIII, los museos de arte públicos han sobrevivido en el filo de la navaja de las dos caras de las que consta su identidad: la cara que se presenta al público visitante y la de la “trastienda” que hace posible esa presentación. Esta dicotomía es la que desde siempre ha generado socialmente la fascinación que suscitan los misterios; esto es: la otra cara de la luna, la cara no visible.

El Museo del Prado, uno de los primeros museos en ser inaugurados al público, no podía ser una excepción, incluso por el origen histórico de su colección y por las visicitudes de su transformación en una institución nacional, que padeció los avatares de la inestable historia de nuestro país en la época contemporánea, acrecentando la curiosidad por descubrir sus secretos no visibles.

En cualquier caso, ha llegado el momento en que lo “oculto” de los museos – y, sobre todo, lo oculto en el Museo del Prado- resplandezca en su superficie, pudiéndose descubrir, la “belleza de sus fantasmas”: cuáles son los fondos de almacén y su función; cómo estos fondos son conservados, restaurados, estudiados y difundidos; cómo y en qué trabajan los que trabajan en el Museo del Prado, que, en sus diversos niveles y especialidades, suman el medio millar de especialistas y, finalmente, qué cantidad de inversión en esfuerzo físico e intelectual hace posible el milagro de que un museo abra sus puertas.

En el presente curso van a intervenir algunos de los más significativos protagonistas de esta prodigiosa labor desarrollada día a día en la pinacoteca convenientemente secundados por reconocidos conservadores y restauradores de otros grandes museos internacionales con los que el Prado ha establecido otra red oculta.

Conferencias

Del 5 al 9 de julio de 2010

Auditorio del Museo Nacional del Prado, acceso por la puerta de los Jerónimos

Tarifas

A. Estudiantes, personal y miembros de la Asociación Antiguos Alumnos y Amigos de la UCM y de la Fundación Amigos del Museo del Prado: 139 €

B. Estudiantes, desempleados y jubilados: 168 €

C. Público en general: 215 €

Matriculación

Plazo: del 17 de mayo hasta agotar plazas

Hazte Amigo del Prado

Desde hoy y hasta el viernes 9 de julio, la Fundación Amigos del Museo premiará a sus nuevos socios con un regalo especial de bienvenida que consistirá en una visita comentada gratuita a la exposición Turner y los maestros, que tendrá lugar el sábado 10 de julio en grupos reducidos.

Con una donación anual de 85€, (deducción del 25% en la cuota del IRPF), los Amigos del Museo disfrutan de múltiples ventajas como acceso gratuito y preferente, durante todo el año, tanto a la colección permanente como a las exposiciones temporales e invitaciones para acompañantes, así como descuentos en los servicios del Museo (tienda, audioguías y cafetería), en el programa de actividades (cursos y ciclos de conferencias) y en las publicaciones de la Fundación, entre otras.

Disfruta de todo ello sumándote a los más de 16.000 Amigos que participan ya en este importante proyecto de mecenazgo que contribuye a la conservación, estudio y difusión del excelente legado que alberga el Prado.

Boletín de alta

Condiciones

Nou Postgrau de Gestió Museística

El Museu Picasso i l’IDEC (Institut d’Educació Contínua) de la Universitat Pompeu Fabra organitzen conjuntament un nou Diploma de Postgrau “La Gestió Museística: com es fa funcionar un museu”.

El Postgrau començarà el 26 d’octubre de 2010 i acabarà al maig de 2011.

Programa:

• Mòdul 1. El Museu: conceptes museològics i museogràfics
• Mòdul 2. La gestió de la col· lecció: Conservació i Recerca
• Mòdul 3. Les exposicions: de la idea al desmuntatge. Pas a pas d’un procés
• Mòdul 4. Programes públics: harmonitzar necessitats i expectatives del públic amb els objectius del museu
• Mòdul 5. La comunicació: connectant amb el públic
• Mòdul 6. Legislació
• Mòdul 7. Administració
• Mòdul 8. Els museus a l’era digital: presencial vs virtual

Programa acadèmic complet i informació detallada a

www.idec.upf.edu/programa-de-postgrau-de-la-gestio-museistica

Kennedy Center Arts Management Internships

Programa de becas del Kenned Center Arts para prácticas en el museo. Las becas son de 4 meses y  cubren 225 Dolares por semana.

The Kennedy Center Internship Program provides valuable on-the-job instruction for individuals considering a profession in arts management. Internships in departments throughout the Kennedy Center are full-time, last 12 weeks, and are offered in the Fall and Spring.

About the Internships

Internships offer meaningful learning opportunities and on-the-job experiences to college juniors/seniors, graduate students, and recent college graduates (within two years of graduation) who are interested in beginning careers in performing arts management and/or arts education. Approximately 20 students are selected each semester to participate in a three to four month long, full-time (37.5-40 hours per week) internship (Fall, September-December; Winter/Spring, January-May). Internships may be available in advertising, development, education (local and national programs), National Symphony Orchestra, press relations, production, programming, technology, volunteer management, and finance.

Each intern, with their supervisor, develops a list of learning objectives and goals that they would like to accomplish as well as being assigned a project to be completed during their time at the Kennedy Center. Each intern maintains a working portfolio, attends required intern events, and participates in mid-semester and final evaluations.

Interns receive a stipend of $225 per week to help defray housing and transportation costs. College credit may be available. Reduced work hours may also be available depending upon course work requirements during the semester. Interns attend weekly sessions that are led by executives of the Kennedy Center and other major arts institutions in Washington, D.C. Interns may attend performances, workshops, and classes presented by the Center, free of charge (space available), during their internship.

Application Deadlines

All materials must arrive in one package and must be written in English or have a certified translation. Postmark deadlines are:

October 25, 2010: Winter/Spring 2011 session from January 18 – May 6

Placements may be offered in the following areas:

• Advertising
• Development
• Education
• Institutional Affairs
• National Symphony Orchestra
• Press
• Programming and Production
• VSA Arts
• Web Design/Technology

How to Apply

Submit the following in one complete package:

• Internship application form (Requires Adobe Acrobat)
• Cover letter discussing career goals, computer skills, and three internships of interest
• Resume
• Official university/college transcript(s); undergraduate and graduate (if applicable)
• Two current letters of recommendation from individuals who can speak for your background and skills. Letters must arrive in sealed envelopes with the signature of the letter writer appearing across the envelope flap.
• Writing Sample (no more than three pages)
• All qualified applicants will receive consideration for an Internship without regard to race, color, sex, age, national origin, religion, disability, veteran status, sexual orientation, marital status, citizenship, or any other protected status. The Kennedy Center offers equal opportunity and treatment to all who apply and is committed to diversity.

Important, Please Note:

To prevent any delay in delivery of your application, it is recommended that you send your materials by FedEx, UPS, or U.S. Priority Mail. Send application to:

Applicants are notified within six to eight weeks after the deadline. Telephone interviews will be conducted as part of the final selection process. All materials submitted become the confidential property of the Kennedy Center and are not returnable.

jazz, cine y jornadas de puertas abiertas en el Thyssen; Madrid

Con el mes de mayo llega al Museo Thyssen-Bornemisza una completa agenda de propuestas y actividades que ponen en relación música, cine y pintura en el marco de la exposición temporal Monet y la abstracción, que cerrará precisamente sus puertas a finales de mes.

En primer lugar, todos los sábados -excepto el 1 de mayo en el que el Museo permanece cerrado al público-, será posible visitar la obra de Monet y la de los pintores abstractos que le acompañan hasta las 11 de la noche y se hará, además, al ritmo de jazz: los días 15 y 22 con música ambiental en las salas a partir de las 7 de la tarde, y los sábados  8 y 29 de mayo, también con conciertos en vivo en la entrada de la exposición a las 21.00 y 22.00 horas.

El programa es el siguiente:
-    Jazz en la exposición: audición de Portrait in Seven Shades, del saxofonista y compositor Ted Nash con Jazz at Lincoln Center Orchestra (2010) e inspirado en la obra de Monet y Pollock entre otros pintores del siglo XX, y Free Jazz (1960) del saxofonista Ornette Coleman, cuya carpeta del disco original se ilustró con una obra de Pollock, gran amante de la música de jazz.
-    Jazz en directo: a cargo del Quinteto de Federico Linos. La fuerza inconformista y la necesidad de cambio y libertad creativa del movimiento impresionista presenta una gran similitud con el jazz de los años 50, más libre y vanguardista que el realizado hasta entonces y que centrará el repertorio de estos dos conciertos.

El sábado 15, con motivo de la celebración de la Noche de los Museos, el horario de la exposición temporal se ampliará aún más -hasta la 1 de la madrugada-, y la entrada a partir de las 19.00 horas será gratuita.

Otra celebración, la del Día Internacional de los Museos el martes 18 de mayo, permitirá también al público el libre acceso al Museo, no sólo a las salas de Monet y la abstracción sino también a las de las colecciones  permanente y Carmen Thyssen-Bornemisza, y durante toda la jornada, de 10.00 a 19.00 horas. Por la tarde, a partir de las 16.00, el Museo ha programado además una actividad especial para el público que acuda a visitarlo, muy vinculada este año con el lema escogido para la celebración: Museos para la armonía social. Un grupo de personas que participan en el programa Red de públicos, que el equipo de EducaThyssen lleva a cabo durante todo el año, con la imprescindible colaboración del voluntariado del Museo, y que engloba a diversos colectivos -desde alumnos de la Universidad de Mayores o de Estudio Joven, a personas con diversidad funcional y grupos en riesgo de exclusión social: población penitenciaria, comisión de investigación de malos tratos, emigrantes, sin techo, etc.- ofrecerán voluntariamente su personal interpretación y explicación de los cuadros seleccionados por cada uno de ellos en las salas del Museo.

Por último, los domingos 16, 23 y 30 de mayo, tendrá lugar un ciclo de cine organizado igualmente al hilo de la exposición Monet y la abstracción. Una selección de cortos y largometrajes en torno a la vida y obra de los maestros impresionistas o de algunos de los pintores abstractos presentes en la muestra, se proyectarán en el salón de actos, a las 19.30 horas, con acceso libre hasta completar el aforo. Los largometrajes Una partida de campo, de Jean Renoir (1936), o la cinta Pollock, dirigida y protagonizada por Ed Harris en 2000, son algunos de los títulos programados. Completarán el cartel dos cortos de animación, Linnea en el jardín de Monet (Lena Anderson y Christina Björk. Suecia, 1992) y En la calma del invierno (Umesh Shukla. EE.UU. 2007). Todas las películas se proyectarán en versión original con subtítulos en castellano.

Museo Recien Pintado en la Galería Artesonado Segovia

Desde hace siglos la pintura es un tema de la pintura. Miguel Ángel se inspiraba en Masaccio, Rubens en Tiziano y Manet en Velázquez, entre otros muchos ejemplos. En el siglo XX algunos cuadros en concreto han proyectado una auténtica estela de recreaciones: Las Meninas la han dejado en Picasso y Manolo Valdés, el Desnudo bajando una escalera en Alcolea y Arroyo. La exposición que presenta la Galería arteSonado es un nuevo episodio de este fenómeno, que tiene, eso sí, la particularidad de establecer puentes entre tiempos particularmente distantes.

Y también, desde luego, entre artistas que como el portugués Rui Macedo (1975) y la brasileña Anasor ed Searom (1976) son prácticamente inéditos en España y a los que la galería arteSonado ha reunido en torno a un proyecto que revisita la pintura de algunos de los grandes maestros, y cuyo resultado no es ni más ni menos que este Museo recién pintado.

Rui Macedo (Évora, Portugal 1975) recrea en esta exposición que él mismo denomina Interlink, cuadros de los pintores flamencos Joachim Patinir (1480-1524) y Hans Bol (1534-1593), y del holandés Jan Both (1610-1652). Todos ellos son nombres claves en la construcción del paisaje pictórico, un tema que aborda Rui Macedo prestando atención especial al color y a los detalles. Es más, prestándoles toda su atención, toda vez que las figuras humanas han sido cuidadosamente eliminadas de la escena. Esa pintura que reflexiona sobre la pintura alcanza el clímax en los cuadros que, como pasara ya en el siglo XVI, recrean incluso el marco, en un trampantojo que borra las fronteras entre realidad y representación.

Anasor ed Searom (Sâo Paulo, Brasil1976), por su parte, trabaja sobre cuadros de Rubens. Pero en el caso de esta pintora el procedimiento es muy distinto: lo que prefiere es la figura, una figura femenina que extrae de su contexto original y a la que otorga una nueva –y tortuosa-biografía. También es distinto el cromatismo, en este caso reducido a una gama carnal, de rosas, oros y arenas. Las figuras, además, están enhebradas y suturadas con una cinta, que las proporciona movimiento y dramatismo. El resultado es por tanto muy distinto: plácida serenidad en el caso de Macedo y dinamismo melodramático en el de Anasor. Quizá es la diferencia entre un mundo que es pura naturaleza y un mundo en el que el hombre –la mujer, en este caso- introduce la Historia. Y con ella el movimiento, el sentimiento y la fatalidad.

Museo recién pintado reúne a dos artistas de la misma generación, cuyas trayectorias personales, centradas desde hace tiempo en la revisión de la pintura de antiguos maestros, no habían coincidido hasta este proyecto de arteSonado, que señala la dimensión del Museo “como musa”, un rasgo característico del arte de nuestro tiempo.

Con motivo de la exposición, comisariada por José María Parreño, se ha editado un pequeño catálogo que cuenta con textos escritos para la ocasión por los artistas, junto con un breve pero esclarecedor ensayo de Miguel Ángel García Hernández, profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, acerca de cómo la mirada del pintor de hoy devuelve la vida a las antiguas pinturas.

www.galeriartesonado.es

galería arteSonado
calle del Rey, 9
40100 La Granja de San Ildefonso
(Segovia) España
tel +34 921 47 12  77
móvil +34 629 81 22 91
claudiaschaefer@galeriartesonado.es

Rui Macedo (Évora, Portugal, 1975)

Licenciado em pintura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa em 1999.

Pós-graduação em pintura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa em 2006.

Frequenta o Mestrado de Pintura na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa.

Bolsa de apoio às Artes Plásticas – Pintura, atribuída pela Direcção Regional da Cultura do Alentejo/Ministério da Cultura em 2007.

Exposições Individuais

2010 Museo recién pintado – Interlink. Galeria ArteSonado. La Granja

de San Ildefonso. Segovia. Espanha.

Puzzle this – Fundação D. Luís I, Cascais.

2009 Imaginni Speculare – Galeria Reflexus Arte Contemporânea. Porto

(A)TOPOS – Galeria Gomes Alves. Guimarães.

Conditioned Nature – Galeria Pedro Torres. Logroño. Espanha.

2008 «… e desviou o sofá para um canto.» - Projecto individual Arte

Lisboa (comissário Paco Barragán). Lisboa.

«Invenzioni Capricciose» Segundo Piranesi – Fundação D.

Luís I. Cascais.

ConTemplar – A Moldura como limite – Galeria Paços do

Concelho. Torres Vedras.

Inventario de Similitudes – SPO. Lisboa.

2007 « In Advance of » – Galeria Art Form. Estoril.

Spectabilis – Galeria Vértice. Oviedo. Espanha.

«Le Récit Spéculaire» (integrada na exp. itinerante Jovens Artistas Alentejo)

- Centro de Artes de Sines. Sines.

- Fundação António Prates. Ponte de Sôr.

- Palácio D. Manuel. Évora.

- Palácio Galveias. Lisboa.

- Sala Europa. Badajoz.

Reverberação Pictórica – Galeria Évora Arte. Évora.

2004 Paisagens 2004 – Galeria Évora-Arte. Évora.

Quarto Azul – Galeria Ara. Lisboa.

Landscapes – Galeria Vértice. Oviedo. Espanha.

2002 EU – Galeria Ara. Lisboa.

Pintura – Galeria Évora-Arte. Évora.

2000 (S)he - Galeria Ara. Lisboa.

1995 Ideografismos – Palácio do Vimioso. Évora.

Exposições colectivas

2010 Paisagem in loco – Ema M, Rodrigo Bettencourt da Câmara, Rui

Macedo e Teresa Palma Rodrigues.

Centro Cultural Emmérico Nunes. Sines.

2009 Panorama del porvenir – Galeria ArteSonado. La Granja de San

Ildefonso. Segovia. Espanha.

Centro Cultural Castel Ruiz. Tudela. Espanha.

2008 Pretérito Perfeito – José Batista Marques e Rui Macedo. Museu de

Francisco Tavares Proença Júnior. Castelo Branco.

2007 Galeria Vértice. Oviedo. Espanha.

4ª Bienal Internacional de Gravura de Alijó. Alijó.

2006 Grandes Formatos – Galeria Carlos Carvalho Arte

Contemporânea. Lisboa.

2005 Desenho – Jorge Lancinha, Ricardo Angélico e Rui Macedo.

Galeria Ara. Lisboa.

2004 3.27 - Galeria Ara. Lisboa.

Projecto art cup - Galeria Quadrum. Lisboa.

2003 [MAAPA] meu Mundo (c/José Batista Marques) – Sé Catedral de

Idanha-a-Velha e Centro Cultural Raiano, Idanha-a-Nova.

2002 Novas aquisições – Colecção C.G.D. (Caixa Geral de Depósitos) –

Culturgest. Lisboa.

2001 Cadavre Exquis (c/ Ema m e José Batista Marques) – Galeria Municipal

de Montemor-o-Novo. Montemor-o-Novo.

3.27 - Galeria Ara. Lisboa.

2000 Galeria Trem (c/ José Lourenço e Manuel Caeiro). Faro.

1998 3.27 - Galeria Ara. Lisboa.

Galeria Évora Arte (c/ Manuel Caeiro). Évora.

1997 Cisterna da Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa

(c/ Jorge Lancinha, José Lourenço e José Batista Marques). Lisboa.

Treze artistas portugueses contemporâneos no Oriente –

Galeria do Fórum. Macau.

1996 Galeria Municipal Gymnásio (c/ Alexandra Grave). Lisboa.

Galeria Municipal de Évora (c/ Jorge Lancinha). Évora.

Galeria Municipal de Montemor-o-Novo (c/ Jorge Lancinha).

Montemor-o-Novo.

Galeria Évora-Arte. Évora.

Treze artistas portugueses contemporâneos no Oriente :

- Museu municipal de Sakai e Museu Shoto. Tóquio, Japão.

- Galeria do Sejong Cultural Center. Coreia do Sul.

1994 Colectiva de Artes Plásticas (c/ Jorge Lancinha e Rui Horta Pereira) -

Paços do Concelho. Évora.

Prémios

2007 Prémio Jovens Artistas DRCA/Ministério da Cultura. Évora.

2005 Prémio Soares Branco. Mafra.

1995 Prémio Jaime Isidoro – Fundação Engº António de Almeida. Porto.

Colecções

Barclays Bank.

Caixa Geral de Depósitos – Culturgest.

Centro Cultural Castel Ruiz

Companhia de Seguros Fidelidade.

Fundação PLMJ.

Museu de Francisco Tavares Proença Júnior.

www.ruimacedo.com

Anasor ed Searom (São Paulo, Brasil, 1976)

Vive e trabalha em São Paulo.

2010 Museo recién pintado. Galeria ArteSonado. La Granja de San

Ildefonso. Segovia. Espanha.

Exposição coletiva Mujeres Surrealistas, Sala de Artes de la

Universidad de Santiago – Chile.

2009 Exposição individual Da Vinci das Crianças, Casa das Rosas,

São Paulo – Brasil.

Exposição coletiva Umbral Secreto – surrealismo actual,

Santiago – Chile.

Ilustração do livro Da Vinci das Crianças de José Arrabal,

Paulinas editora – Brasil.

Exposição individual Cometas Mitolóxicas, Museu Eugenio

Granell, Santiago de Compostela – Espanha.

Exposição individual Ecoaïn (Salva-te) – antropofagia entre os

índios brasileiros, Subprefeitura Sé, São Paulo – Brasil.

Exposição coletiva Iluminações Descontínuas – surrealismo

actual, Algarve – Portugal.

Exposição coletiva Museo Eugenio Granell, exposición El

surrealismo como fenómeno colectivo, Museu Eugenio

Granell, Santiago de Compostela – Espanha.

2008 Ilustração da revista Labios Menores, grupo surrealista

Derrame – Chile.

Exposição individual R, Itenuútdradesbame – Rembrandt

Series, Casa das Rosas, São Paulo – Brasil.

Exposição coletiva THE REVERSE OF THE LOOK – Surrealism

Today: An International Exhibition, Casa Municipal da Cultura |

Galeria Pinho Diniz, Coimbra – Portugal.

2007 Exposição de aquarelas na Galeria Cité des Arts – França.

Exposição coletiva Sonambula por una Xenografia Onírica,

Museu Eugenio Granell, Santiago de Compostela – Espanha.

Ilustração da revista Lilith nº 9, Buenos Aires – Argentina.

2006 Ilustração da revista Derrame número 7, grupo surrealista

Derrame – Chile.

Participação do coletivo Sonâmbula (Surrealismo Latinoamericano).

Ilustração do jornal de poesia O Casulo – especial sobre poesia

latino americana, São Paulo – Brasil.

Exposição de pinturas na galeria virtual Impulse Art – Itália.

2005 Exibição de pinturas na revista eletrônica Magadzine, São

Paulo – Brasil.

Ilustração da revista eletrônica Decir Del Água – EUA.

2004 Exibição de pinturas na revista eletrônica de literatura e arte Zunái.

Exposição individual As faces de Lilith, São Paulo – Brasil.

Possui obras em coleções públicas e particulares em diversos

países (Brasil, Chile, Argentina, EUA, Canadá, França, Grécia, Itália,

Portugal, Espanha, Tailândia e Suécia).

http://anasoredsearom.googlepages.com

Un museo en movimiento: Madrid

En el mes de julio, coincidiendo con las vacaciones escolares, los niños de 8 a 12 años podrán participar en Un Museo en Movimiento, el tema escogido este año para la actividad del verano de EducaThyssen.

En el taller, los chavales podrán dejar volar su imaginación construyendo sus propios personajes, escenarios y narraciones a partir de las obras de arte de la Colección. Con mucha creatividad, y mediante la técnica de animación stop motion, realizarán sus propias películas de dibujos animados. Este año la actividad se plantea para dos grupos, del 5 al 9 de julio y del 12 al 16 de julio, de 25 participantes cada uno.

El plazo de inscripción comienza el 6 de abril para los Amigos del Museo y el 7 de abril para el público general.

Más información

Plazas de residencia en el Asheville Art Museum

El Programa de residencia en el Asheville Art Museum ofrece plazas de residencia para participar en las actividades cotidianas de los departamentos del Museo, además de trabajar en proyectos específicos. Una de las becas está destinada a curadores.

El plazo  finaliza el 24 de abril.

Más información;
http://www.ashevilleart.org/employment/summer-2009-internships-announced-
3.html

Programación C.N.Museo Reina Sofia;MAD

Pierre Huyghe. La estación de las fiestas

Fechas: 17 de marzo de 2010 – 31 de mayo de 2010
Lugar: Parque del Buen Retiro, Palacio de cristal – Edificio Sabatini, Planta 3

Pierre Huyghe (París, 1962) ha ideado para la próxima primavera de 2010 un proyecto específico para el Palacio de Cristal donde, por primera vez, entrarán en este espacio flores, plantas y árboles en floración. El proyecto consiste en la colocación en círculo de diferentes plantas vinculadas a distintas festividades, cada una de ellas característica de una determinada época del año que el artista colocará en círculo favoreciendo así una lectura a modo de reloj, donde se podrán apreciar las diferentes estaciones del año marcadas por la diversidad de plantas. Rosas, violetas, crisantemos, palmeras, ciruelos, jazmines, bambúes, o abetos, marcarán las diferentes épocas del año.

Tacita Dean: El garabato del fraile

Fechas: 23 de marzo de 2010 – 27 de junio de 2010
Lugar: Abadía del Monasterio de Santo Domingo de Silos (Burgos)

Segunda muestra individual organizada en España de Tacita Dean (Canterbury, 1965), cuyas últimas obras audiovisuales han estado relacionadas con los monasterios.

Los inicios de esta artista británica se circunscriben a la pintura, pero pronto comienza a trabajar con películas de 16 mm. Recurre a la imagen fílmica tanto en una dimensión narrativa como documental, optando por espacios en los que predomina la poesía y el silencio. Se sirve tanto del dibujo, como de la fotografía y el sonido. Asimismo, ha publicado varios libros como complemento a su trabajo visual. Tacita Dean viene siendo considerada como una de las jóvenes promesas del arte británico, englobadas bajo la denominación de los “Young British Artists”.

Martín Ramírez. Marcos de reclusión

Fechas: 31 de marzo de 2010 – 12 de julio de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Martín Ramírez, la exposición recogerá aproximadamente unos ochenta dibujos que irán desde 1948 a 1963, explorando la extraordinaria producción de este artista. Estas obras destacarán los recuerdos mexicanos de Ramírez, así como su encuentro con el paisaje norteamericano y la riqueza de su singular imaginación. La obra de Ramírez es celebrada por los críticos por sus fuertes trazados, sus meticulosas repeticiones y sus extraordinarias variaciones dentro de los mismos temas que el artista siempre trató. Junto a estas obras se mostrarán una selección de dibujos descubiertos en un garaje de California en el año 2007, los cuales aún no han sido expuestos fuera de Nueva York.

La deriva es nuestra

Fechas: 5 de mayo de 2010 – 23 de agosto de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

La idea de la exposición consiste en investigar algunos enunciados para una ciudad del futuro en ciudades latino-americanas que permanecieron al margen de la narrativa oficial del llamado Primer Mundo. ¿Significa esto volver a pensar la deriva y la Nueva Babilônia de Constant (1920-2005) a partir de iniciativas urbanas y proyectos no construidos?

Principio Potosí

Fechas: 12 de mayo de 2010 – 6 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Nouvel, Planta 0

El proyecto Principio Potosí centra su atención en el análisis del concepto de la modernidad y su expansión universal, que tuvo lugar desde la colonización de América Latina. En la muestra se expondrán ejemplos de pintura colonial andina y obras de artistas internacionales a los que se invitará a encontrar y elaborar correspondencias entre el arte colonial de los siglos XVI al XVIII y el mundo contemporáneo. Partiendo de ejemplos de la pintura virreinal de la escuela de Potosí, la investigación busca relacionar estos fragmentos de historia clausurada con las condiciones de producción artística en la actualidad. El Principio Potosí es un planteamiento estético de sentido ambiguo. “Principio” puede tener, por un lado, un significado temporal, un comienzo -la larga memoria de Potosí-; por otro lado, tiene también un significado técnico, como un principio mecánico, una regla, que se viene repitiendo en distintas coordenadas del espacio-tiempo global. Estos dos posibles enfoques serán la base del proyecto, el cual, además de la exposición, incluirá seminarios, conferencias y publicaciones.

Miralda. De gustibus non disputandum

Fechas: 26 de mayo de 2010 – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Parque del Buen Retiro, Palacio Velázquez

La exposición propondrá una lectura retrospectiva del trabajo de Miralda en un contexto histórico y artístico global, desde su primera época en París, donde se instala en la década de 1960 y realiza sus primeras intervenciones públicas, hasta la década de 1990, con las grandes intervenciones intercontinentales del proyecto Honeymoon, y los años 2000, con la presentación del Food Cultura Museum en la Exposición Internacional de Hanóver.

Manhattan: uso mixto fotografía y otras prácticas – de 1970 hasta hoy

Fechas: 9 de junio de 2010 – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Manhattan: uso mixto es una exposición sobre los usos e imágenes tomadas en la ciudad de Nueva York al comienzo del intenso periodo de desindustrialización y abandono de la década de 1970, con el contrapunto de trabajos más recientes de artistas que, plenamente al tanto de las prácticas de sus predecesores en aquel momento, siguen encontrando un potencial estético en la ciudad. Estos trabajos centrales vienen acompañados de otras series fotográficas, videoinstalaciones y películas, que amplifican su magnitud y dan prueba de la pervivencia de su legado, recibido por artistas que siguen comprometiéndose con la ciudad mostrando cómo los espacios urbanos pueden llegar a ser realmente espacios públicos.

Nuevos Realismos: 1957-1962

Fechas: 16 de junio de 2010 – 4 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1, Espacio Uno y Corredores

La exposición Nuevos realismos: 1957-1962 se define más por un marco temporal que por formatos o medios concretos, de forma que cartografía un campo internacional del arte en un periodo finito de importantes cambios. La muestra, centrada en las acciones y la temporalidad, en los lugares y en su activación, se aleja del objeto artístico para revelar, en el umbral de la década de 1960, un campo más amplio que redefiniría la práctica artística mediante la transformación de sus estrategias y contextos.

Una exposición de Arte. Hans Peter Feldmann

Fechas: 22 de septiembre de 2010 – 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Hans Peter Feldmann (Dusseldorf 1941) empezó su trabajo como artista a finales de los años 60. Sus primeros trabajos fueron una serie de pequeños libritos impresos en offset titulados “Bilders” (Imágenes) en las que reproducía una o más imágenes de algún objeto cotidiano: herramientas, aviones, rodillas, etc. Desde entonces su interés por la imagen fotográfica, que colecciona obsesivamente, le ha llevado a producir numerosas series de fotografías. Algunas tan conocidas como sus “Time Series” series de tiempo, en las que retrata, en las 36 imágenes de un carrete analógico, un hecho insignificante, como un barco que pasa o una mujer limpiando una ventana. De la fotografía no le interesa la imagen individual sino la serie de imágenes, o mejor dicho, lo que aparece al agrupar una serie de ellas.

Desbordamiento de Val del Omar

Fechas: 27 de octubre de 2010 – 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3, Salas 301, 302, 303, 304 y 308

La exposición quiere abordar el “sin fin” de José Val del Omar (Granada 1904 – Madrid 1982): una obra fragmentaria e inconclusa, zarandeada por la historia –la travesía de una guerra civil y de una larga dictadura–, que hoy se ha convertido en un referente que empieza incluso a traspasar fronteras. Una obra parca pero inmersa en un quehacer continuo en torno a la imagen y su rebosamiento en aquello que Val del Omar ha expresado mediante la sigla PLAT, de Picto-Lumínica-Audio-Tactil.

Atlas

Fechas: 3 de noviembre de 2010 – febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Atlas es una exposición que propone hacer visible el nuevo marco de pensamiento introducido por Aby Warburg en el conocimiento histórico y de las imágenes. Se trata de mostrar cómo después de Warburg y su Bilderatlas, las imágenes ya no se ven de la misma forma. Lo que cambia, no son tanto las obras en sí, como la manera de concebir sus relaciones: cómo se posicionan unas frente a otras y todas juntas frente al devenir histórico.
No se construye, sin embargo, como una exposición monográfica sobre Aby Warburg, sino como un recorrido por la historia de las imágenes desde 1914 hasta nuestros días, en el que el pensamiento warburgiano será el genius loci.

Avance Programación Museo Reina Sofía; MAD

Pierre Huyghe

Fechas: 17 de marzo de 2010 – 31 de mayo de 2010
Lugar: Parque del Buen Retiro, Palacio de cristal – Edificio Sabatini, Planta 3

Pierre Huyghe (París, 1962) ha ideado para la próxima primavera de 2010 un proyecto específico para el Palacio de Cristal donde, por primera vez, entrarán en este espacio flores, plantas y árboles en floración. El proyecto consiste en la colocación en círculo de diferentes plantas vinculadas a distintas festividades, cada una de ellas característica de una determinada época del año que el artista colocará en círculo favoreciendo así una lectura a modo de reloj, donde se podrán apreciar las diferentes estaciones del año marcadas por la diversidad de plantas. Rosas, violetas, crisantemos, palmeras, ciruelos, jazmines, bambúes, o abetos, marcarán las diferentes épocas del año.

Martín Ramírez: marcos de reclusión

Fechas: 31 de marzo de 2010 – 12 de julio de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Martín Ramírez, la exposición Recogerá aproximadamente unos ochenta dibujos que irán desde 1948 a 1963, explorando la extraordinaria producción de este artista. Estas obras destacarán los recuerdos mexicanos de Ramírez, así como su encuentro con el paisaje norteamericano y la riqueza de su singular imaginación. La obra de Ramírez es celebrada por los críticos por sus fuertes trazados, sus meticulosas repeticiones y sus extraordinarias variaciones dentro de los mismos temas que el artista siempre trató. Junto a estas obras se mostrarán una selección de dibujos descubiertos en un garaje de California en el año 2007, los cuales aún no han sido expuestos fuera de Nueva York.

La deriva es nuestra

Fechas: 5 de mayo de 2010 – 23 de agosto de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

La idea de la exposición consiste en investigar algunos enunciados para una ciudad del futuro en ciudades latino-americanas que permanecieron al margen de la narrativa oficial del llamado Primer Mundo. ¿Significa esto volver a pensar la deriva y la Nueva Babilônia de Constant (1920-2005) a partir de iniciativas urbanas y proyectos no construidos?

Principio Potosí

Fechas: 12 de mayo de 2010 – 6 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Nouvel, Planta 0

El proyecto Principio Potosí centra su atención en el análisis del concepto de la modernidad y su expansión universal, que tuvo lugar desde la colonización de América Latina. En la muestra se expondrán ejemplos de pintura colonial andina y obras de artistas internacionales a los que se invitará a encontrar y elaborar correspondencias entre el arte colonial de los siglos XVI al XVIII y el mundo contemporáneo. Partiendo de ejemplos de la pintura virreinal de la escuela de Potosí, la investigación busca relacionar estos fragmentos de historia clausurada con las condiciones de producción artística en la actualidad. El Principio Potosí es un planteamiento estético de sentido ambiguo. “Principio” puede tener, por un lado, un significado temporal, un comienzo -la larga memoria de Potosí-; por otro lado, tiene también un significado técnico, como un principio mecánico, una regla, que se viene repitiendo en distintas coordenadas del espacio-tiempo global. Estos dos posibles enfoques serán la base del proyecto, el cual, además de la exposición, incluirá seminarios, conferencias y publicaciones.

Miralda

Fechas: 26 de mayo de 2010 – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Parque del Buen Retiro, Palacio Velázquez

La exposición propondrá una lectura retrospectiva del trabajo de Miralda en un contexto histórico y artístico global, desde su primera época en París, donde se instala en la década de 1960 y realiza sus primeras intervenciones públicas, hasta la década de 1990, con las grandes intervenciones intercontinentales del proyecto Honeymoon, y los años 2000, con la presentación del Food Cultura Museum en la Exposición Internacional de Hanóver.

Manhattan: uso mixto fotografía y otras prácticas – de 1970 hasta hoy

Fechas: 9 de junio de 2010 – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Manhattan: uso mixto es una exposición sobre los usos e imágenes tomadas en la ciudad de Nueva York al comienzo del intenso periodo de desindustrialización y abandono de la década de 1970, con el contrapunto de trabajos más recientes de artistas que, plenamente al tanto de las prácticas de sus predecesores en aquel momento, siguen encontrando un potencial estético en la ciudad. Estos trabajos centrales vienen acompañados de otras series fotográficas, videoinstalaciones y películas, que amplifican su magnitud y dan prueba de la pervivencia de su legado, recibido por artistas que siguen comprometiéndose con la ciudad mostrando cómo los espacios urbanos pueden llegar a ser realmente espacios públicos.

Nuevos Realismos: 1957-1962

Fechas: 16 de junio de 2010 – 4 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1, Espacio Uno y Corredores

La exposición Nuevos realismos: 1957-1962 se define más por un marco temporal que por formatos o medios concretos, de forma que cartografía un campo internacional del arte en un periodo finito de importantes cambios. La muestra, centrada en las acciones y la temporalidad, en los lugares y en su activación, se aleja del objeto artístico para revelar, en el umbral de la década de 1960, un campo más amplio que redefiniría la práctica artística mediante la transformación de sus estrategias y contextos.

Una exposición de Arte. Hans Peter Feldmann

Fechas: 22 de septiembre de 2010 – 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Hans Peter Feldmann (Dusseldorf 1941) empezó su trabajo como artista a finales de los años 60. Sus primeros trabajos fueron una serie de pequeños libritos impresos en offset titulados “Bilders” (Imágenes) en las que reproducía una o más imágenes de algún objeto cotidiano: herramientas, aviones, rodillas, etc. Desde entonces su interés por la imagen fotográfica, que colecciona obsesivamente, le ha llevado a producir numerosas series de fotografías. Algunas tan conocidas como sus “Time Series” series de tiempo, en las que retrata, en las 36 imágenes de un carrete analógico, un hecho insignificante, como un barco que pasa o una mujer limpiando una ventana. De la fotografía no le interesa la imagen individual sino la serie de imágenes, o mejor dicho, lo que aparece al agrupar una serie de ellas.

Desbordamiento de Val del Omar

Fechas: 27 de octubre de 2010 – 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3, Salas 301, 302, 303, 304 y 308

La exposición quiere abordar el “sin fin” de José Val del Omar (Granada 1904 – Madrid 1982): una obra fragmentaria e inconclusa, zarandeada por la historia –la travesía de una guerra civil y de una larga dictadura–, que hoy se ha convertido en un referente que empieza incluso a traspasar fronteras. Una obra parca pero inmersa en un quehacer continuo en torno a la imagen y su rebosamiento en aquello que Val del Omar ha expresado mediante la sigla PLAT, de Picto-Lumínica-Audio-Tactil.

Atlas

Fechas: 3 de noviembre de 2010 – febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Atlas es una exposición que propone hacer visible el nuevo marco de pensamiento introducido por Aby Warburg en el conocimiento histórico y de las imágenes. Se trata de mostrar cómo después de Warburg y su Bilderatlas, las imágenes ya no se ven de la misma forma. Lo que cambia, no son tanto las obras en sí, como la manera de concebir sus relaciones: cómo se posicionan unas frente a otras y todas juntas frente al devenir histórico.
No se construye, sin embargo, como una exposición monográfica sobre Aby Warburg, sino como un recorrido por la historia de las imágenes desde 1914 hasta nuestros días, en el que el pensamiento warburgiano será el genius loci.

http://www.museoreinasofia.es/index.html

En Sala: Conocer Jan van Eyck.Díptico de la Anunciación; MAD

Con el mes de febrero, llega la nueva aproximación a las obras maestras de las colecciones del Museo que nos propone el programa En sala.

La obra escogida durante el mes de febrero dentro del programa educativo En Sala< es una de las joyas de la Colección Permanente y uno de los ejemplos más importantes de pintura en grisalla: el Díptico de la Anunciación (c. 1435-1441)de Jan Van Eyck. Como cada mes, los visitantes que lo deseen podrán asistir a una explicación de la misma dirigida por el grupo de Voluntarios del Museo. Las visitas tendrán lugar los jueves a las 12.00 y a las 17.00 h. y los domingos a las 17.00 h. en la sala 3 (Segunda planta).

mtb@museothyssen.org

Fotografía, diseño gráfico y compromiso en el MuVIM;Valencia

La fotografía histórica de la vida cotidiana, el diseño gráfico y el compromiso social centrarán ´Farem 2010´, la programación que el Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat (MuVIM) ha presentado para este año y que abarca un total de 20 exposiciones además tres ciclos de cine, 26 talleres didácticos, , y cuatro congresos, jornadas de reflexión y otras actividades culturales.
La muestra fotográfica “Fragments d’un any”, organizada por la ‘Unió de Periodistes Valencians’, recoge el trabajo de los fotoperiodistas durante 2009, mientras “Jardines de arena” recupera cien instatáneas inéditas realizadas entre 1859 y 1902 que se exponen por primera vez en Europa.
La obra de Lászlo Moholy-Nagy que marcó movimientos revolucionarios y novedosos en otros campos del arte, será otra de las propuestas fotográficas junto a ´Tender puentes´, un diálogo fotográfico entre el siglo XIX y la actualidad en el que profesionales de prestigio como Joan Fontcuberta, Roland Fischer, Bleda y Rosa, y Javier Brazuelo revisan lugares captados durante los dos últimos siglos.
El MuVIM coordinará también una nueva edición del proyecto bienal bautizado como ´Fotogràfica´ que este año sugiere los trabajos de Eugene Salignac en “New York Rises” y Bernad Plossu con “Valencia color, en directo”.

El diseño es otra de las apuestas del museo o para esta temporada que acoge las cinco exposiciones “Artel. Arte de uso diario (1908-1935)”, que en colaboración con el Museo de Artes Decorativas de Praga, explora los esfuerzos creativos de la asociación a través de objetos decorativos, pequeños y funcionales. También “Masonería e Ilustración” enseña, por primera vez en España, una amplia selección de objetos, pertenecientes al Museé de la Franc-Maçonneire de París complementados con grabados y libros.
El MuVIM denuncia además el peligro de las minas antipersonas en “Nieva tinta” de Fernando Medina e intenta sensibilizar a la sociedad sobre la problemática del sida a través del arte en “Mirando desde fuera”, uniendo de esta manera, arte y compromiso social.

Por último este año se contará con un debate sobre la “Estética de la memoria” que relacionará cuestiones del espíritu, imagen, arte y política el 8,9 y 10 de marzo; “Estereotipos interculturales germano-españoles” (26, 27 y 28 de abril); “Michael Foucault: un pensador poliédrico” (15, 16 y 17 de noviembre); y “Arte, maestros y museos” que el 1, 2 y 3 de diciembre reflexionará sobre “qué han de hacer los maestros y los especialistas en muesos antes y después de llevar a los niños al museo”.

www.muvim.es

El MUSAC inaugura su 2010

Coincidiendo con su quinto aniversario, el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, ubicado en León, ha inaugurado este fin de semana su nueva temporada con cuatro nuevos proyectos expositivos de gran relevancia.

Primer Proforma 2010

Se trata de un proyecto conjunto generado a partir de otros tres trabajos individuales de los artistas vascos Txomin Badiola (Bilbao, 1957), Jon Mikel Euba (Bilbao, 1967) y Sergio Prego (San Sebastián, 1969). Entre los meses de enero y junio de 2010 se desarrollará en los más de 4.000 metros cuadrados de espacio expositivo del MUSAC una nueva manera de generar proyectos artísticos que trasciende las nociones convencionales de actividad expositiva y/o didáctica llevada a cabo hasta el momento por el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y los propios artistas. Badiola, Euba y Prego asumen el reto de llevar a cabo un proyecto que sea algo más que la suma de tres presencias individuales, compartiendo el hecho creativo de una manera activa. El resultado de este compromiso es PRIMER PROFORMA 2010 BADIOLA EUBA PREGO 30 ejercicios 40 días 8 horas al día.

Yorgos Sapountzis

El artista griego Yorgos Sapountzis (Atenas, 1976) llevará a cabo en el Laboratorio 987 su primera exposición individual en España, un proyecto específico para MUSAC basado, fundamentalmente, en el concepto y las limitaciones del espacio público, sus convenciones y la anulación del mismo a través de la apropiación y la construcción de una heterotopía personal, en alusión al término foucaltiano, que hace referencia al espacio heterogéneo que es, en definitiva, la ciudad contemporánea.

Loud Flash

El MUSAC inaugura hoy también el proyecto Loud Flash. Punk británico sobre papel, una revisión de la estética y políticas del movimiento Punk, así como de su legado en la cultura y la sociedad modernas, su influencia en el léxico visual de gran parte del arte contemporáneo, y en los ideales anti-elitistas y autogestionarios de artistas, bloggers y músicos. El proyecto consta de tres vertientes: en primer lugar, una muestra en el Proyecto Vitrinas consistente en una selección de carteles de conciertos, fanzines, flyers y otros objetos pertenecientes a la extensa colección privada del artista y punk Toby Mott. Se presentará, asimismo, una edición de cinco posters, reproducciones de algunos de los carteles que podrán verse en la muestra, acompañados por textos de especialistas en la materia. El proyecto se completará los días 27 y 28 de marzo con un seminario sobre estéticas del punk, en el que diversos expertos analizarán el legado y pervivencia del movimiento en diversos ámbitos y disciplinas, desde el arte a la música, pasando por la política.

Augusto Alves da Silva

También para celebrar el V Aniversario de MUSAC, la institución leonesa abre al público Iberia, una instalación audiovisual de Augusto Alves da Silva, uno de los artistas portugueses más destacados de los noventa, que se exhibirá entre el 30 de enero y el 28 de marzo de 2010. En Iberia, el espectador se enfrentará a una proyección aleatoria de más de cinco mil imágenes captadas por el artista a lo largo de un viaje por España en jeep realizado por travesías no asfaltadas desde el Mediterráneo hasta el Cantábrico.

Alves da Silva combina en esta instalación las fotografías tomadas mediante un dispositivo situado en el parabrisas del todoterreno, que permite que el visitante perciba las imágenes como si estuviese realizando la travesía dentro del vehículo, con la transmisión de sonidos similares a los de las radios españolas que el fotógrafo escuchaba durante el viaje.

Fuente:Hoyesarte

Centro Nacional para el Cómic y la Ilustración

Con vocación internacional, el futuro Centro del Cómic y la Ilustración, que se situará en Badalona, será un espacio de referencia para la exposición, conservación, búsqueda y dinamización de la ilustración y el còmic.

El plan director, que se ha presentado recientemente, muestra que el centro tendrá una superficie de 4000 metros cuadrados de los cuales 1274 se destinarán a espacios expositivos. Entre las exposiciones permanentes hay prevista una que se llamará Tesoros del cómic y la ilustración. También, en una línea del tiempo completamente opuesta, la exposición R+D+ Ilustración será un aparador de lo que se está haciendo en Cataluña y a escala internacional con la obra de nuevos creadores, difusión de premios, salones, concursos y ferias del libro ilustrado, entre otros.

El proyecto tiene un presupuesto de 11,4 millones de euros, 8 de los cuales los asume la Generalitat, y está previsto que comience a funcionar el 2012.

Este centro, fruto de una reivindicación histórica, ha tenido un proceso de aproximadamente dos años de gestación en el que han participado la APIC, Ficomic y el Departament de Cultura.

Fuente:APIC

Una máquina, una fábrica, un cuerpo; Mexico

El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MuAC) presenta del 24 de octubre de 2009 al 14 de febrero de 2010, Una máquina, una fábrica, un cuerpo… Arqueología y memoria de los espacios industriales, exposición colectiva internacional coproducida por el Centre d’Art la Panera (Lleida) y el MuAC en colaboración con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación (AECID) del Gobierno de España.

Esta muestra, curada por Alberto Sánchez Balmisa, pretende establecer una cartografía fragmentaria del modo en que la práctica artística contemporánea se ha posicionado críticamente frente a los procesos de producción de la postmodernidad (con obras que trascienden lo puramente visual) y ha utilizado la producción industrial como una metáfora para explicar la condición del sujeto en un momento histórico, el presente, en el que los regímenes de visibilidad de lo industrial han sido profundamente alterados.

Los artistas que forman parte de esta exposición son Oliver Boberg, Edward Burtynsky, Chen Chieh Jen, Octavi Comeron, Stéphane Couturier, Peter Downsbrough, Harun Farocki, Thomas Ruff y Alicia Framis. Asimismo, para su exhibición en nuestro país, la muestra se complementa con obras de dos artistas mexicanos, Damián Ortega e Idaid Rodríguez Romero, junto a nuevas obras de Liam Gillick y Atelier Van Lieshout, procedentes de la colección Charpenel-Guadalajara.

Proyectos

Atelier Van Lieshout (AVL)
El proyecto Slave City, dentro del cual se inserta la obra Model for the Call Centre (2006), podría ser descrito como una urbe en la que se materializaría una utopía siniestra: la quiebra de todos los valores de la sociedad con el objetivo de generar una ciudad totalmente autosuficiente y con enormes beneficios económicos.

Oliver Boberg (Herten, Alemania, 1965)
Dentro de la serie Nacht-Orte (Lugares nocturnos) se encuentra Factory Site (2002), un cortometraje que consiste en un encuadre fijo del exterior de una fábrica, de la que no sabemos el nombre, ni dónde está ubicada, ni qué produce, a pesar de terminar conteniendo todas las fábricas. Se trata de una imagen particular que se convierte en universal.

Edward Burtynsky (St. Catherine’s, Ontario, Canadá, 1955)
El tema principal de su trabajo es la transformación de la naturaleza por los procesos industriales. Una de las zonas del mundo que últimamente más ha investigado es China. Las diferentes series fotográficas que ha realizado le han permitido indagar en la renovación urbana de sus ciudades. Precisamente, la serie Manufacturing se refiere a este nuevo polo de crecimiento.

Octavi Comeron (Mataró, Barcelona, España, 1965)
La instalación Blue-collar Suite No.2: Lear’s Song, toma como base el proceso de deslocalización de la producción industrial emprendido por la empresa Lear Corporation en su planta de Cervera (Lleida, España) durante el año 2002. Los elementos iconográficos, literarios, poéticos, cromáticos e informáticos se confunden y entrelazan componiendo un texto complejo sobre el trabajo que se despliega a medida que el espectador se introduce en los distintos registros de funcionamiento.

Chen Chieh-Jen (Taoyuan, Taiwán [actual China], 1960)
En 2003 este artista propuso a extrabajadoras de la clausurada fábrica textil Lien Fu de Hong Kong que participaran en la filmación de un documental (Factory, 2003) que tenía que tener como marco la factoría abandonada. El deseo de las mujeres de no hablar originó que la filmación se realizara sin sonido, hecho que contribuye a una mayor percepción del espacio y la actividad de las protagonistas.

Stéphane Couturier (Neully-sur-Seine, Francia, 1957)
La serie a la cual pertenecen las fotografías (Melting Point Toyota, 2005) alberga cambios fundamentales en relación con el resto de trabajos del autor. Por un lado, a nivel técnico, Couturier se decanta por la tecnología digital y, por el otro, a nivel conceptual, es capaz de traducir en imágenes la transformación que ha sufrido la organización fordista del trabajo en la época de la globalización.

Peter Downsbrough (Nueva Jersey, EEUU, 1940 )
El cortometraje ] and here (2007) fue filmado en espacios urbanos e industriales del norte de Kent (sureste de Londres). Downsbrough alterna imágenes de centros urbanos con espacios fabriles o vinculados a la industria que están en tránsito de transformación o desaparición como consecuencia de un plan de desarrollo que tiene que convertir la región en un centro comercial internacional.

Harun Farocki (Nový Jičín, República Checa [actual Neutitschein, Alemania], 1944)
El tema de Comparison Via a Third (2007) es el trabajo en las fábricas de ladrillos. Farocki muestra cómo se realiza la producción de este material para la construcción en tres modelos de sociedad distintos: la tradicional, la que se encuentra en vías de industrialización y la plenamente industrializada.

Alicia Framis (Mataró, Barcelona, España, 1967)
Secret Strike: Inditex (2006) forma parte de una serie extensa de huelgas silenciosas que la artista ha concebido en diferentes ciudades y entornos laborales. En esta ocasión los protagonistas son los trabajadores que la empresa Inditex tiene en Arteixo (en la provincia española de A Coruña). La base de este trabajo es el freno de la actividad laboral o cotidiana de toda una serie de individuos que conforman un colectivo o comunidad.

Liam Gillick (Aylesbury, Buckinghamshire, Reino Unido, 1964)
Fábricas parciales en la nieve (2008) forma parte de un proyecto más amplio, Construcción de Uno, que inició en 2004, y que está basado en un relato ficticio que plantea la clausura de una fábrica de automóviles del norte de Europa. La difícil situación que tienen que afrontar los antiguos obreros abre la posibilidad de repensar el sistema de producción actual e imaginar modelos alternativos.

Damián Ortega (México, D.F., México, 1967)
En una de sus series más conocidas, The Beetle Trilogy, el artista analiza y deconstruye la industria automovilística mexicana tomando como referente la imagen del VW Escarabajo. En Auto construcción II (motor), 2006, el artista consigue trascender de nuevo a ese objeto de deseo y consumo cargado de connotaciones simbólicas para plantear otro inteligente ejercicio de metonimia.

Idaid Rodríguez Romero (México, D.F., México, 1975)
La Fama perdida es un proyecto de carácter interdisciplinar. Su autor se remite en él a su lugar de nacimiento, un barrio que recibe su nombre de la Fábrica de Hilados y Tejidos La Fama Montañesa. Rodríguez Romero decidió reconstruir la memoria del lugar a través de los recuerdos de los extrabajadores de la fábrica.

Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, Alemania, 1958)
La serie Maschinen (2004) surge de una colección de negativos de vidrio en blanco y negro de los años treinta y cuarenta del siglo pasado; recoge toda una serie de imágenes de maquinaria industrial realizadas con la intención de nutrir los catálogos comerciales de la época. Ruff ha positivado de nuevo estas imágenes, lo ha hecho aumentando su escala y añadiéndoles color digitalmente. Una transformación que ha revalorado y recontextualizado un material aparentemente anodino, realizado por fotógrafos anónimos.

MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO
MuAC
www.muac.unam.mx

Insurgentes Sur  3000
Centro Cultural Universitario
Delegación Coyoacán. C.P. 04510
México D.F.
Tels.: +52 (55) 5622 69 39 y +52 (55) 5622 69 72
E-mail: difusion@muac.unam.mx

Fuente:Exitmail

Master de Arte, Museología y Crítica

MÁSTER PROPIO DE LA USC: 60 créditos

OBJETIVOS:
Este máster se centra en el ámbito del conocimiento específico del arte de las últimas décadas,abarcando desde aspectos conceptuales, críticos hasta la práctica del mundo de los museos y la gestióndel arte contemporáneo. Está orientado a todos aquellos que quieran formarse como profesionalesespecializados en el mundo del arte contemporáneo: crítica, museos, centros de arte, galerías. Paraentender todos estos fenómenos se adoptarán frente a los métodos tradicionales, modelos transversalescombinados con clases y talleres de tipo práctico.

DIRIGIDO A:
Licenciados o diplomados en Historia del Arte, Historia, Geografía, Filosofía, Filología, Humanidades,Ciencias de la Comunicación, Sociología, Bellas Artes y Arquitectura. Y a profesionales del sector conexperiencia acreditada.
DOCENCIA:
Simón Marchán, Estrella de Diego, Gloria Moure, Jesús Carrillo, Joâo Fernandes, Alberto Ruiz deSamaniego entre otros especialistas, nacionales e internacionales, de reconocido prestigio.

DIRECCIÓN:
María Luisa Sobrino Manzanares. Catedrática de Historia del Are de la USC
Federico López Silvestre. Profesor de Historia del Arte de la USC

COORDINACIÓN:
Miguel Anxo Rodríguez González. Profesor de Historia del Arte de la USC

Nº DE PLAZAS: 20

PRECIO DEL MÁSTER: 3900 €

PREINSCRIPCIÓN:
Del 1 al 30 de septiembre.

INFORMACIÓN:
masterartecontemp@usc.es
http://www.usc.es/cptf/Postgrado/posgraog.htm