Garry Winogrand. Women are beautiful; BCN

La Fundación Foto Colectania presenta por primera vez en Barcelona la célebre serie Women are Beautiful de Garry Winogrand

Garry Winogrand está considerado uno de los grandes renovadores de la fotografía norteamericana del siglo XX. Supo captar como nadie la transformación social femenina de las décadas de los 60 y 70 con sus retratos de mujeres,  que se alzan como una alegoría a la emancipación de la mujer y a su nuevo rol en la sociedad. La Fundación Foto Colectania presenta su serie Women are Beautiful, compuesta por 85 fotografías tomadas entre 1960 y 1975 y reunidas en el libro del mismo título por el legendario director del departamento de fotografía del MoMA, John Szarkowski.  La exposición, procedente de la colección de Lola Garrido, se enmarca dentro de la línea de programación de la Fundación dedicada a aquellos autores que cambiaron el rumbo de la historia de la fotografía y se podrá ver en Barcelona hasta el 4 de junio de 2011.

En los  años 60, terminó la era de las  imágenes como símbolos de grandes verdades intemporales, por la demoledora influencia de Walker Evans primero, y más adelante de Robert Frank y William Klein.  La fotografía se centró en la toma directa de la realidad, sin retoques ni ideas añadidas. Garry Winogrand, junto con Lee Friedlander, representa ese “nuevo estilo americano” que abrió nuevos caminos en la denominada Street Photography.

Winogrand combina la espontaneidad con una aparente confusión, que no es más que la conciencia de la complejidad del mundo que fotografía: “Fotografío una cosa para saber a qué se parece esa cosa una vez fotografiada”. La presencia de las figuras humanas contrapuestas con las multitudes y las calles en sus fotografías nos desvela una nueva manera de mirar, en la que la anarquía se traduce en una riqueza de formas y estructuras. Al estilo sesgado y frío de Winogrand se le asocia con el expresionismo abstracto y sus cortantes diagonales son análogas a los brochazos de la pintura de esos años. Si Robert Frank fue el fotógrafo fundamental de los 50, Garry Winogrand es uno de los más grandes de los años 60.

Fundació FOTO COLECTANIA Julián Romea, 6, D2 08006 Barcelona, Tel. +34 93 217 16 26, E-mail: colectania@colectania.es

Caio Reisewitz en Galería Joan Prats

Agua que cai,  es la segunda exposición de Caio Reisewitz en la Galería, presentamos su obra más reciente, fotografías en gran formato y una serie de fotomontajes.

Caio Reisewitz trata mediante la fotografía diferentes cuestiones como la representación de los espacios en zonas naturales, y la repercusión de agresiones y desastres en la naturaleza. Sus fotografías de gran formato abordan el paisaje redefiniendo la perspectiva aérea, invitando a la reflexión a través de una mirada crítica.

Las obras de Caio Reisewitz que presentamos buscan reflejar la grandeza de las reservas naturales a la vez que evidenciar el abismo inconmensurable entre el hombre y su objeto de percepción. Los espacios captados por Caio Reisewitz nos hacen ver el progresivo deterioro de la naturaleza, como resultado de la acción humana. Las
imágenes de sus obras, en su sobriedad, pretenden generar complicidad e introducir al espectador en su espacio físico como sujeto contemplador.

Caio Reisewitz nació en Sao Paulo, en 1967. Vive y trabaja en Sao Paulo. Ha participado en la Bienal de Nanking, China (2010), en la Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina (2009 y 2007), en la 51 Bienal de Venecia (2005), en la 26 Bienal de Sao Paulo (2004). Ha expuesto su obra en centros de arte como MUSAC de León, Museu Nacional de Brasilia,  Museu de Arte Moderna de São Paulo, Fundación Pedro Barrié de la Maza de Vigo, Fundación Rac de Pontevedra, National Gallery de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, Pinacoteca de Bologna, Italia, Martin Gropius Bau de Berlín, CAAC de Sevilla, Museo Patio Herreriano de Valladolid, MARCO de Vigo.

Inauguración: 10 de Febrero a las 19.30 h
Exposición: Febrero – Marzo, 2011

GALERIA JOAN PRATS

Rambla de Catalunya, 54 08007 BARCELONA SPAIN  |  Tel. +34 93 216 0290  Fax. +34 93 487 1614  |

Horarios:

de Martes a Sábado
de 10.30h a 13.30h
de 17.00h a 20.30h

Julio y  Septiembre, sábados cerrado.
Agosto cerrado.

Conferencia de Allan Sekula; BCN

“The Traffic in Photographs”

Allan Sekula es artista, escritor y crítico norteamericano. Autor de Photography Against the Grain (1984), Fish Story (1995), Geography Lesson: Canadian Notes (1997), Dismal Science (1999) y The Traffic in Photographs (MIT Press, 2011), que presenta en esta conferencia organizada por el PEI del MACBA.

Ha realizado exposiciones individuales en el Folkwang Museum (Essen), la Vancouver Art Gallery (Vancouver), el University Art Museum (Berkeley), el Witte de With (Rotterdam), el Moderna Museet (Estocolmo), el Tramway (Glasgow), en Le Channel y el Musée des Beaux Arts (Calais), el Camerawork (Londres), el Munich Kunstverein (Múnich), el Palais des Beaux Arts (Bruselas) y en la Henry Art Gallery (Seattle). Es profesor de fotografía y medios en el California Institute for the Arts.

Esta conferencia será presentada Jorge Ribalta.

Programa Lunes 24 de enero, a las 19 h – Precio Auditorio MACBA. Entrada gratuita. Aforo limitado. Con traducción simultánea – Actividades relacionadas

Programa de Estudios Independientes (PEI) 2010-2011

Más información

Programas públicos MACBA
Tel. 93 481 79 00
pei@macba.cat

Txema Salvans-CL 51;BCN

Dimecres, 24 de novembre, 20 h
Forum del FAD
Pl. dels Àngels 5-6
Entrada: 2 euros
Socis ADG-FAD i ADCV gratis

Si no faig fotos, em moro
El gest espontani, l’escena inesperada, la humanitat que sempre sorprèn. Celebrar l’autenticitat de la vida se’ns apareix com la finalitat última de les imatges de Txema Salvans, un dels nostres grans fotògrafs contemporanis. Més enllà de l’àmbit de la cultura, la seva mirada encuriosida i honesta ha interessat també nombrosos professionals del disseny, amb qui Salvans col·labora regularment. En aquest Chill Laus coneixerem a fons la seva producció.

Miércoles, 24 de noviembre, 20 h
Forum del FAD
Pl. dels Àngels 5-6
Entrada: 2 euros
Socios ADG-FAD y ADCV gratis

Si no hago fotos, me muero
El gesto espontáneo, la escena inesperada, la humanidad que siempre sorprende. Celebrar la autenticidad de la vida se nos aparece como la finalidad última de las imágenes de Txema Salvans, uno de nuestros grandes fotógrafos contemporáneos. Más allá del ámbito de la cultura, su mirada curiosa y honesta ha interesado también a numerosos profesionales del diseño, con quien Salvans colabora regularmente. En este Chill Laus conoceremos a fondo su producción.

www.txemasalvans.com

Cien años de maestros de la fotografía;MAD

A lo largo de sus cien años de historia, Vanity Fair ha recogido en sus páginas a los políticos, deportistas, celebrities, artistas, actores y actrices más relevantes del momento, siempre retratados por maestros de la fotografía contemporánea. La exposición Vanity Fair 100 Years: Masters of Photography recoge más de cien originales y portadas representativas de las dos épocas de la publicación, de 1913 a 1936 en su primera etapa y desde el reinicio de su edición en 1983 a la actualidad. Esta muestra, que podrá verse en Ivorypress Art + Books Space I a partir del 16 de noviembre y hasta el 8 de enero de 2011, incluye algunas de las imágenes más relevantes que ha publicado Vanity Fair, como los retratos de Edward Steichen a las actrices Gloria Swanson, Greta Garbo y Marlene Dietrich, o a Annie Leibovitz tras la cámara para retratar Tony Curtis y Jack Lemmon treinta y seis años después de Con faldas y a lo loco.

El equipo de Vanity Fair y Ivorypress con sus directores en España, Lourdes Garzón y Antonio Sanz, respectivamente, han trabajado en conjunto para esta exposición desde hace más de un año. La muestra parte de la colección de fotografía de la publicación a través de una selección realizada por la directora de nuevos proyectos de Condé Nast –editorial de Vanity Fair– y comisaria de la exposición, Debra Smith.
Una parte de los originales que componen la muestra ya se expusieron en la National Portrait Gallery de Londres en 2008 y otros –como la instantánea que Helmut Newton hizo a la actiz Sigourney Weaver en 1995 o el retrato del actor James Cagney captado por Imogen Cunningham en 1932– se expondrán por primera vez al público europeo en Ivorypress Art+Books. “Es una oportunidad única para que determinadas obras de maestros claves de la fotografia del siglo XX y XXI puedan ser vistos por primera vez en nuestro país”, señala Elena Ochoa, fundadora y CEO de Ivorypress.
“El status de obra de arte que hoy día tiene la fotografía es un fenómeno que viene ocurriendo desde hace no más de cuarenta años”, explica Elena Ochoa. “Las obras de los creadores que se verán en la exposición –hoy día considerados como maestros y altamente valorados en el mercado del arte–, no fueron realizadas para ser expuestas en museos o en galerías de arte, sino que fueron comisionadas por Vanity Fair para acompañar artículos efímeros sobre un determinado personaje o experiencia”.
Artes plásticas y escénicas a través de la cámara Los dos periodos de Vanity Fair guardan muchas similitudes y paralelismos. “La cabecera abrió en los años veinte –convirtiéndose en referente cultural de la Jazz Age– y luego reapareció a comienzos de los ochenta, como exponente de la modernidad y la tendencia”, explica Debra Smith. Así, la exposición incorpora un porcentaje significativo de fotos del mundo del baile o del musical, sobre todo de la primera época, como la de Maurice Chevalier tomada por Steichen en 1929 o la de Jean Barry, hecha en 1931 por Hoyningen-Huené.
En la etapa contemporánea, los maestros de la fotografía que han trabajado para Vanity Fair, han seguido también de cerca al mundo de las artes, tanto plásticas como escénicas, así como la política y la actualidad social. Muestra de ello son imágenes como la del pintor Willem de Kooning, captada por Irving Penn o el retrato de Balthus y su esposa realizado por Bruce Weber, que forman parte también de la muestra de Ivorypress Art+Books.
Esta misma línea ha seguido la edición española de Vanity Fair, que en sus casi tres años de trayectoria ha publicado obras de destacados fotógrafos contemporáneos. Es el caso de Annie Leibovitz, que en 2007 captó en la intimidad del camerino a Penélope Cruz y a Pedro Almodóvar, o el retrato de Scarlett Johansson y Javier Bardem, realizado en 2008 por Norman Jean Roy, que convirtió a los actores españoles en protagonistas de una versión actualizada de La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock.
“Vanity Fair ha creado un estilo reconocible, que muchas otras publicaciones tratan de emular”, afirma Elena Ochoa, “aportando una nueva vision del medio fotográfico tanto para el publico literati, como para el aficionado”.

Ivorypress Art+Books
Cristina Giménez
C/ Comandante Zorita 48
28020 Madrid
T: +34 91 449 09 61
press@ivorypress.com

Mariano Zuzunaga habla de Robert Doisneau;BCN

El martes 16 de noviembre a las 19.30h, el fotógrafo y professor Mariano Zuzunaga nos hablará de Robert Doisneau.

Nació el 14 de abril de 1912 en Gentilly (Francia). Cursó estudios de artes gráficas y grabado en el École Estienne de París (1926-1929) para dedicarse después a la fotografía industrial y comercial. Entre 1934 y 1939 trabajó para la compañía Renault. Durante la guerra trabajó como falsificador para la Resistencia Francesa. Sus fotos sobre la liberación de París en 1944 fueron publicadas en todo el mundo y poco después fue reportero gráfico para la agencia parisina Rapho y grandes revistas como Life, Vogue, y Paris Match, publicaron regularmente sus trabajos. Doisneau registraba espontáneamente la cotidianidad francesa desde una perspectiva poética y humana. Sus temas favoritos eran los niños, las campiñas, el humor y la guerra desde una perspectiva urbana. Una de sus fotografías de 1950, una pareja de enamorados besándose en una calle parisina, se ha reproducido en multitud de ocasiones. Le concedieron en 1947 el premio Kodak, en 1956 el Prix Niépce y en 1983 el Gran Premio Nacional de Fotografía. Falleció el 1 de abril de 1994.

Obra Social Caja Madrid, en colaboración con la Fundació Foto Colectania, presenta el tercer ciclo de conferencias “ICONOS. Maestros de la fotografía en imágenes”, un recorrido por la historia de la fotografía a través de siete de las figuras más representativas de este arte.

Estas charlas tendrán como hilo conductor las fotografías más emblemáticas y conocidas de estos artistas, siendo así, los iconos que forman parte de nuestro imaginario, los que nos permiten conocer mejor las claves y la evolución de los grandes maestros de la fotografía.

Todas las conferencias tendrán lugar en el Espai Cultural Caja Madrid, Plaza Cataluña, 9.

Para recoger la entrada gratuita, puedes pasar por el Espai Cultural Caja Madrid, la misma semana de la actividad (horario de 10h a 21h). Aforo limitado.

* Hemos reservado algunos asientos del auditorio para los socios y amigos de Foto Colectania (sujetos a disponibilidad).

Rogamos enseñar el carnet de miembro.

PRÓXIMAS CONFERENCIAS:

14.12.10:      ALEXANDER RODCHENKO por Juan Manuel Bonet

18.01.11:      EUGENE SMITH por Enrica Bigano

15.02.11:      DIANE ARBUS por Marta Dahó

www.obrasocialcajamadrid.es

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Fundació Foto Colectania

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Fotografía catalana años 50 y 60; Mollet

Nova Avantguarda. Fotografia catalana dels anys 50 i 60. Joan Colom, Gent del carrer, ca. 1958

Organizada por el Departamento de Cultura y Medios de Comunicación, a través de la Dirección General de Cooperación Cultural, y comisariada por Pepe Font de Mora, la exposición traza un recorrido por la fotografía catalana de los años 50 y 60 a través de las obras de nuevo los autores más representativos de este periodo.

Así, están presentes en la muestra fotografías de Francesc Catalán-Roca, precursor del nuevo movimiento que tendría lugar en la fotografía catalana; el eje central del movimiento se encuentra representado por autores como Josep Maria Casademont, Ricard Terré, Xavier Miserachs y Ramón Masats , además, están presentes obras de extraordinario valor como las de Oriol Maspons, Toni Catany, Joan Colom Leopoldo Pomés.Las fotografías que forman parte de la muestra proceden de la Colección de la Fundación Foto Colectania, que ha producido la exposición para incluirla dentro del programa Cultura en Gira. Coordinado por el Departamento de Cultura y Medios de Comunicación, el programa tiene como objetivo hacer más accesibles el teatro, la música, la danza, el circo y las artes visuales en la ciudadanía.

En este último ámbito, Cultura en Gira pretende reforzar la actividad cultural de los municipios, hacer más accesible el arte contemporáneo poniendo especial énfasis en la difusión del patrimonio contemporáneo público de museos y colecciones y aumentar el interés ciudadano por este arte . Cultura en Gira cuenta con la cooperación de los ayuntamientos que programan las exposiciones en los centros de arte y salas de exposiciones municipales para alcanzar estas metas.Tras su estancia en el Museo Abelló, donde se podrá ver hasta el próximo 16 de enero, la exposición se podrá visitar en Cerdanyola del Vallès, Madrid, Granollers, Cambrils, Reus, Figueres y Terrassa, donde cerrará sus puertas el 1 de abril de 2012.

24 enero – 13 marzoCentre Cultural Blanquerna. C. Alcalà, 44, 28014 MADRID, Borja Expósito, 695356472, bexposito@gencat.cat17  marzo – 15 mayoMAC. C. Sant Martí, 88 08290 CERDANYOLA Txema Romero romeromjm@cerdanyola.cat 936 923 322 26 mayo – 10 julioMuseu de Granollers. C. Anselm Clavé, 40, 08401 GRANOLLERS. Glòria Fusté / Imma Sauri gfuste@ajuntament.granollers.cat / Isauri@ajuntament.granollers.cat 938 426 84014 julio – 28 agostoSala Àgora. Plaça de l’Ajuntament, 4, 43850 CAMBRILS. Gemma Massagué. gmassagué@cambrils.cat  977 368 48415 septiembre – 6 noviembreCentre de la Imatge Mas Iglesias. C. Jaume Vidal i Alcover, 6 Parc de Mas Iglesias, 43250 REUS. Coia Domingo cdomingo.museus@reus.cat 977 010 66511 noviembre – 15 enero 2012Museu Empordà, Rambla 2, 17600  FIGUERES, Anna Capella, acapella@museuemporda.org    972502305  4 febrero – 1 abrilSala Muncunill, pl. Didó 3, 08211 TERRASSA, Susana Medina, Susana.Medina@terrassa.cat 937832711(2405)

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Fotografías del Archivo Paco Gómez; BCN

6 de octubre 2010 – 29 de enero 2011

Paco Gómez tiene una importancia capital en la fotografía española, aunque es poco conocido por el público. La Fundació Foto Colectania, que desde 2001 custodia su archivo gracias a una donación de sus herederos, le rinde homenaje presentando la primera exposición retrospectiva dedicada a este fotógrafo tras su muerte. Cerca de 75 fotografías originales, avaladas por el propio autor, muestran su particular modo de ver el mundo, alejado del documentalismo imperante en la época.

Paco Gómez es un poeta de los muros, los rastros, los espacios desnudos y los pequeños objetos. Su observación  parte de una sensibilidad bien enraizada en la realidad, pero trascendente y cargada de sentido simbólico.

“Orden y desorden” es una exposición comisariada por Laura Terré,  coproducida con el Ayuntamiento de Pamplona y la Diputación de Huesca y patrocinada por la Fundació Banc Sabadell.

Horarios:

Nuestra colección, biblioteca y exposiciones temporales pueden visitarse de lunes a sábado de 11 a 14 y de 17 a 20.30. Domingos y festivos cerrado.

Entrada:

General 3€, reducida 2€*.

*Estudiantes, Mayores de 65 años, Miembros del TresC, Maumau, Suscriptores La Vanguardia, Carnet del Consorcio de Bibliotecas, Carnet Jove

Primer sábado de cada mes, entrada gratuita.

Amigos y socios de Foto Colectania, entrada gratuita.

Visitas de grupos: concertar cita.

Fundació Foto Colectania

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Concurso de Fotografía sobre El Otoño

El Monasterio de Piedra inaugura nueva web y presenta sus nuevos perfiles sociales con un Concurso de Fotografía sobre El Otoño

En el Monasterio de Piedra queremos dar la bienvenida al Otoño de la mejor forma posible, por eso queremos premiar la fotografía que mejor plasme el espíritu del Otoño con entradas al Parque Natural y una Noche en nuestro Hotel para dos personas.

Concursar es muy sencillo:

1.       Haz una foto cuyo tema sea “El Otoño”

2.       Entra en la página de Facebook del Monasterio de Piedra

3.       Haz click en “Me Gusta”

4.       Sube tu Foto con este pie de fotografía “Concurso Fotografía El Monasterio de Piedra – El Otoño”

5.       Consigue que te voten tus amigos y conocidos con un “Me Gusta” y podrás ganar el Segundo Premio

Los Premios serán dos:

Primer Premio: Dos entradas al Parque más una estancia de una noche en el Hotel del Monasterio de Piedra, para la foto elegida por el Jurado del Monasterio como ganadora.

Segundo Premio: Dos entradas al Parque del Monasterio para la foto que más “Me Gusta” acumule en Facebook.

Tienes hasta el 21 de Noviembre para subir tus fotos a la página de Facebook del Monasterio, al día siguiente anunciaremos a los ganadores de la experiencia única que supone dormir en el Monasterio de Piedra.

¡Sube ya tus fotos!

World Press Photo 2010; Barcelona

Muestra del mejor fotoperiodismo internacional del año 2009

Photographic Social Vision presenta por sexta vez consecutiva la exposición World Press Photo al público barcelonés. La muestra itinerante, que en su pasada edición alcanzó los 35.000 visitantes, es considerada mundialmente como la más importante en el ámbito del fotoperiodismo por la calidad de sus fotografías así como por el debate y la crítica que generan cada uno de los trabajos presentados. Una cita con los acontecimientos sociales, políticos, culturales y deportivos del último año que sirve de escaparate a los mejores fotoreporteros del momento a la vez que les rinde la oportunidad de presentar un trabajo muchas veces censurado por los gobiernos y los medios.

La fotografía ganadora de la presente edición, del italiano Pietro Masturzo, inmortaliza a mujeres en los tejados de las casas de Teherán en protesta por el resultado de las elecciones presidenciales celebradas en junio de 2009. Una imagen sugerente que invita a descubrir la historia de una forma lenta y relajada que sin embargo, como confiesa el autor, no fue fácil publicar ante la reticencia de editores italianos y extranjeros. Una constante muchas veces repetida en las fotografías participantes en el concurso.

Fotografía de Pietro Masturzo
Ampliar la imagen

Las 170 fotografías ganadoras del concurso brindan la oportunidad al publico de estar informado sobre el estado del mundo. La muestra destaca por su excelencia estética, su valor informativo, su sensibilidad y su honestidad. En palabras de Silvia Omedes, directora de Photographic Social Vision, “Nuestra fundación celebra la consolidación de la muestra en la agenda cultural de Barcelona porque demuestra el creciente interés del publico en buscar vías alternativas de información.”

Un año más, un jurado internacional independiente formado por 19 miembros ha sido el responsable de escoger las imágenes ganadoras entre las enviadas por fotoperiodistas, agencias y periódicos de todo el mundo. En la edición World Press Photo 2010 han participado 5.847 fotógrafos (de los cuales 195 españoles) de 128 nacionalidades, con 101.960 envíos de imágenes clasificados en 10 categorías: Personajes de actualidad, Noticias de actualidad, Temas de actualidad, Temas contemporáneos, Vida cotidiana, Retratos, Arte y Entretenimiento, Naturaleza, Reportajes de deporte y Deporte y Fotografías de acción.

Photographic Social Vision, entidad organizadora de la exposición en Barcelona, es una fundación privada sin ánimo de lucro que, como en la edición anterior, este año hace posible que World Press Photo 2010 visite la ciudad gracias a la venta de entradas.

Desde hace nueve años, la institución gestiona la creación, producción y difusión de reportajes fotoperiodísticos y audiovisuales con el objetivo de informar y concienciar a la sociedad sobre realidades y problemáticas sociales poco conocidas, así como fomentar el interés público por el fotoperiodismo. Photographic Social Vision es ya un referente en la difusión de temas sociales a través de la fotografía documental. Prueba de ello es su ultima creación expositiva, DOMESTIC inaugurada en el Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona en abril de 2010.

La fundación holandesa World Press Photo, lleva más de 50 años dando apoyo al fotoperiodismo internacional y es la responsable de organizar el concurso más prestigio para fotoperiodistas que se muestra anualmente en más de 80 ciudades de 40 países y consigue reunir a más de 2 millones de personas. Sus imágenes nos informan, nos emocionan y sobre todo nos invitan a reflexionar sobre nuestra sociedad. Por ello, World Press Photo es una exposición con valores que genera opinión pública, tal y como lo demuestran las múltiples miradas sobre situaciones sorprendentes y asombrosas que se presentan año tras año.

Del 4 noviembre 2010 al 8 diciembre 2010

Horario

De martes a domingo de 11 a 20 h
Jueves de 11 a 22 h.
Cerrado los lunes no festivos

Las taquillas cierran media hora antes del cierre de la sala.

Precios exposiciones

Venta de entradas

Más información: www.photographicsocialvision.org

Centre de Cultura Contemporània de Barcelona

Montalegre, 5 – 08001 Barcelona -

Telf. 93 306 41 00 – Fax 93 306 41 01 – global@cccb.org

• CCCB Lab
• I+C+i
• KOSMOPOLIS
• NANO
• NOW
• PUBLIC SPACE
• XCÈNTRIC
• CCCB 99-06

El Madrid de Santos Yubero; Madrid

Sala Alcalá, 31. Hasta el 16 de enero de 2011.

La exposición El Madrid de Santos Yubero ha sido comisariada por el prestigioso Fotohistoriador Publio López Mondéjar y presenta la obra fotográfica de Martín Santos Yubero (Madrid, 1903-1994). Fue uno de los miembros más notables de la segunda generación de grandes reporteros gráficos madrileños, integrada por figuras de la talla de Alfonso, Vilaseca, Cortés, Marín, etc. Este proyecto se compone de 160 fotografías positivadas en grandes formatos en los talleres de Castro Prieto, a partir de los originales conservados en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid.

Por la naturaleza de su trabajo Santos Yubero registró con sus cámaras miles de escenas de la vida cotidiana de  Madrid, el verdadero kilómetro cero de la Patria  en la que entonces tenían lugar todos los grandes acontecimientos históricos del siglo XX, desde la propia remodelación urbana de la ciudad, hasta los hechos más relevantes de la dictadura de Primo de Rivera, la dictablanda de Berenguer, los días de la Segunda República, los años atroces de la Guerra Civil y la realidad mezquina de la larga noche de piedra del franquismo.

Pero en la obra de Yubero no sólo asoman los grandes hechos históricos. En sus fotografías encontramos, como en un espejo, el reflejo fidedigno de la vida cotidiana de Madrid, el bullicioso enjambre popular de sus espacios públicos, el mundo de la política, la cultura, la farándula, el deporte y el espectáculo sicalíptico; la vida de sus cafés y Ateneos, la huella de la menesterosidad, la represión multiplicada en las cárceles de la guerra y la posguerra, el mundo taurino, que tan magistralmente supo captar el fotógrafo.

Este proyecto se compone de 160 fotografías positivadas en grandes formatos en los talleres de Castro Prieto, a partir de los originales que se conservan en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid.

Dividida en dos ámbitos, España entre dos dictaduras y los días del franquismo, la muestra se completa con un ámbito especial dedicado a reconstruir la estampa de la ciudad que habitó el fotógrafo, el ambiente periodístico y fotográfico de su tiempo y el trabajo de sus compañeros de oficio. La exposición se cierra con un audiovisual que contiene una amplia selección de las imágenes de Santos Yubero, de sus socios César y Alberto Benítez Casaux, así como alguna de sus ayudantes, Gabriel Carvajal, Luis Milla, Ignacio Teresa y Lucio Soriano, y una significativa selección de la prensa de la época en la que fueron publicadas.

Las fotografías expuestas proceden del espléndido Fondo Santos Yubero, que hoy se conserva en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid. Asimismo se exponen otras imágenes procedentes del Archivo Histórico Nacional, el Archivo General de la Administración y numerosas colecciones y archivos privados.

La exposición se completa con un catálogo magníficamente diseñado y editado por Lunwerg Editores, que recoge la totalidad de las fotografías expuestas, índices cronológicos y onomásticos y un texto riguroso y ameno del comisario, Publio López Mondéjar.

Posteriormente está prevista su itinerancia a diferentes ciudades españolas. Dicha itinerancia se llevará a  cabo con el patrocinio de la FUNDACIÓN AXA.
Dirección:
Sala Alcalá 31
C/ Alcalá, 31
28014 Madrid
Teléfono 91 720 82 51
Horario:
De martes a sábados: de 11:00 h. a  20:30 h.
Domingos, festivos, 24 y 31 de diciembre: de 11:00 h. a 14:00 h.
Cerrado los lunes, 25 de diciembre, 1 y 6 de enero
Visitas guiadas gratuitas:
Miércoles: 12:00 h.
Sábados: 12:00 h. y 13:00 h. / 18:00 h. y 19:00 h.
Domingos: 12:00 h. y 13:00 h.
Entrada gratuita

Hans-Peter Feldmann “Una exposición de Arte”; Madrid

Fecha: hasta el 28 de febrero de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisariado: Helena Tatay

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Hans-Peter Feldmann creció durante la postguerra alemana, un mundo desprovisto de imágenes. Para él las escasas imágenes que encontraba a su alrededor eran ventanas a otros mundos. Fascinado, empezó a coleccionarlas, recortarlas y pegarlas en álbumes, y ha seguido haciéndolo hasta hoy. Por eso no es extraño que cuando empezó su carrera como artista, a finales de los años 60, cubriera la parte de atrás de sus pinturas con collages de fotos, o que más tarde hiciera unos libritos modestos con tapas de cartón e imágenes en offset de un mismo tipo de objetos: aviones, camas deshechas, rodillas de mujer, etc. Los titulaba 2 imágenes (2 Bilder) o 7 imágenes (7 Bilder), según el número que contenían. También comenzó a recoger en las 36 imágenes de un carrete analógico, a la manera de fotos-fijas de cine; hechos triviales: un barco pasando por el río, la mujer de enfrente limpiando la ventana, dos chicas vistiéndose en la piscina. En estas secas y poéticas series que llamó Time series, no suele haber nada extraordinario, sólo el flujo invisible del tiempo detenido para examinarlo. Años más tarde expandió su reflexión en un libro y una serie de 101 retratos fotográficos que llamó 100 Years(100 años), en cada foto mostraba una persona, de entre ocho meses y un siglo. Las personas retratadas eran familia o amigos del artista. Para él fue una manera de mediar con el paso del tiempo; para nosotros, la serie hace de bisagra entre la memoria personal y la colectiva, nos recuerda que el tiempo pasa para todos y cuando la recorremos, inevitablemente comparándonos con las personas retratadas de nuestra edad, repasamos 100 años, toda una vida.

Aunque para el libro 100 Years hiciese una serie de cuidadas fotografías en blanco y negro que entroncan con la mejor tradición del retrato fotográfico y haya realizado series de fotos de gran formato, el trabajo de Feldmann se nutre de instantáneas, fotos de aficionado y toda clase de imágenes corrientes. No le atrae la foto individual sino la serie, o más bien lo que aparece cuando juntamos varias imágenes. Suele repetir que “una foto es un trozo de papel, un objeto; si la miramos nos produce sentimientos o estados de ánimo. La foto de un muerto puede hacernos sentir pena, y si es la de un niño, ternura, pero no es la foto la que lo produce, es nuestra mente. Además esto sucede con todo tipo de fotos buenas, malas, colectivas o privadas”. Y eso es lo que le interesa, el espacio que se abre entre lo que son las cosas y lo que significan para nosotros. Le gusta indagar cómo llenamos de sentido imágenes y objetos en nuestro día a día. Cuando no utiliza fotografías, lo que quiere es que se nos abra una imagen en la cabeza. Por ejemplo, la habitación con la cama deshecha, la ropa desordenada y una foto de mujer en la mesilla es el primer fotograma de una historia que cada persona debe completar.

El universo de Hans-Peter Feldmann es la vida ordinaria. De ahí extrae sus temas y los materiales que emplea. La cotidianidad donde inscribe su trabajo se define por oposición a otros niveles de la actividad humana, es el reverso de la moneda del espacio social capitalista tapizado de imágenes superlativas y retocadas que nos animan al consumo. En cambio, Feldmann parece querer neutralizar sus imágenes, presentándolas materialmente pobres y estéticamente indefinidas, como si quisiera forzar el límite de sus cualidades expresivas. Además, se mantiene emocionalmente a distancia, se limita a informarnos o mostrarnos algo que ha encontrado, esperando que nosotros lo carguemos de sentido. Así su serie All the clothes of a woman (Todas las ropas de una mujer) muestra lo que el título describe: 70 piezas de ropa femenina, una a una. Las ropas son modestas. Sin embargo, este archivo de fetiches humildes conjura a través de la ausencia una historia (¿de amor?). También las fotos de su serie de radios de coche son anodinas y seguramente en otro contexto no les prestaríamos atención, pero al leerlas a la luz de su título Car radio when good music is playing (Radios de coche mientras suena buena música) las hacemos nuestras. ¿Quién no recuerda un momento así?

Feldmann pertenece a la generación que llegó a la mayoría de edad en los años 60, una generación reconocida por cuestionar la autoridad en todas sus formas y buscar nuevos modos de vida que dieran sentido a la vida cotidiana. El arte de ese momento abandona la solemnidad y el autismo de la abstracción buscando una nueva relación con la vida. El interés se desplaza del objeto a los procesos, mientras se cuestionan los sistemas de producción y consumo del arte. Los valores de autoría, singularidad formal y rareza en los que se basa el mercado son rechazados. En los años 70, un editor perseguía a Feldmann para que hiciera un tipo de libro para producir en serie, quería un objeto artístico seriado para vender. Feldmann le daba largas, pero el editor no cejaba, y al final le hizo una propuesta: un billete de 20 marcos de curso legal, de edición ilimitada sin firmar y al precio de 20 marcos. El editor, que no debía carecer de humor, aceptó. Hasta hoy, Feldmann ha seguido sin firmar su trabajo y produciendo el número de copias que desea sin numerarlas. Esta actitud, reflejo de una posición vital y moral frente al mundo, lo ha convertido, en los últimos años, en un referente para los artistas más jóvenes.

Cuando aborda experiencias colectivas suele utilizar los medios de comunicación. Su libro Die Toten(Los muertos), 1967-1993, es un archivo exhaustivo, elaborado con fotos extraídas de la prensa, de todas las personas que murieron en el enfrentamiento entre terroristas y fuerzas del Estado en Alemania en dicho período. En cada hoja hay una foto y debajo el nombre y la fecha de defunción. Al final del libro hay un índice con el nombre de la persona, el lugar y la causa de su muerte. No hay comentarios. El libro recoge la herida social de esos años con respeto a ambos lados del conflicto, aun así el libro ha sido objeto de polémica en Alemania.

Las imágenes del 11 de septiembre de 2001 fueron mostradas de forma unánime por todos los medios de comunicación. La instalación “9/12” recoge a través de 150 periódicos de diversas partes del mundo la reacción frente a lo impensable: todos los periódicos tenían la misma noticia en portada. Es interesante comparar cómo se cubre la noticia -el titular, el espacio, etc.- según el periódico que la lleva. Desde sus inicios como artista, los medios de comunicación han sido un campo de interés para Feldmann, que ha publicado diversas revistas de imágenes sin texto, como Ohio o Cahier d’images, o bien ha intentado, con mejor o peor fortuna, infiltrarse en ellos subvirtiendo su lógica. A finales de los años 90 consiguió que Profil, el semanario de opinión vienés, publicara un número exactamente igual, pero sin texto alguno, sólo con las fotografías. Su Profil es un mundo de imágenes que hemos de mirar sin un texto que nos diga cómo debemos leerlas.

Quizás la obra que mejor ejemplifique el espíritu de Feldmann sea su última instalación Shadow Play. Al entrar en el espacio, vemos la pared del fondo cubierta, de lado a lado, por imponentes sombras que se acercan y se alejan. En el centro, entre la pared y el espectador, encontramos unas mesas giratorias llenas de muñecos y objetos baratos que, iluminados por detrás, crean las sombras. En las mesas hay bastante desorden y se ven restos del montaje. El truco está a la vista, pero la magia no desaparece. Según el artista, “en realidad es un montón de baratijas y desperdicios cuya acumulación crea en nuestros cerebros algo completamente nuevo durante un determinado tiempo: una sombra chinesca”. Estas sombras nos transportan a la infancia donde cualquier imagen podía ser una ventana a otro mundo, porque el arte, como Feldmann dice, “es un evento, una impresión, una sensación, y más. Nunca es el objeto en sí”.

Helena Tatay

La catàstrofe humanitària de Darfur;BCN

Del 28 de setembre al 28 de novembre de 2010

Vuitanta imatges de gran qualitat expliquen la dramàtica situació que es viu a la regió africana de Darfur, situada a l’extrem occidental del Sudan, a l’exposició de Caja Mediterráneo “Darfur, imatges contra la impunitat”, que es pot visitar del 29 de setembre al 28 de novembre, al Palau Robert de Barcelona.

El conseller de Governació i Administracions Públiques, Jordi Ausàs, en nom del vicepresident del Govern de la Generalitat, va presidir l’acte d’inauguració el 28 de setembre, al mateix Palau Robert. També hi van assistir el director regional de Caja Mediterráneo a Catalunya, Indaleci Mondèjar, i la comissària de l’exposició, Mónica Allende.

Aquesta iniciativa recull testimonis directes de la crisi que viu Darfur. Lynsey Addario, Stanley Greene i Álvaro Ybarra Zavala, fotoreporters de prestigi internacional, van viatjar a diferents punts de la regió, entre l’agost de 2008 i l’abril de 2009, per endinsar-se en la realitat quotidiana dels camps de refugiats, dels hospitals, dels poblats exposats als atacs, dels campaments de les diferents faccions enfrontades, i dels homes, dones i nens que viuen i moren en aquesta cruenta guerra.

A través de les imatges que van captar, i partint de l’empremta particular de cada fotògraf, l’exposició aporta una visió global, però també propera i sensible, d’una de les pitjors catàstrofes humanitàries de la història recent. Cal destacar les imatges de dins de Darfur, una regió a la qual no solen tenir accés els reporters per la seva alta perillositat.

A més dels fotògrafs, han treballat en aquesta iniciativa professionals de contrastada experiència com ara la mateixa Mónica Allende, editora; Ian Denning, director artístic, o l’escriptor i periodista Alfonso Armada, que s’ha fet càrrec de la introducció del llibre de l’exposició.

Darfur és una regió situada a l’extrem occidental del Sudan que limita amb Líbia, el Txad i la República Centreafricana. Amb una superfície de 500.000 quilòmetres quadrats, concentra a la cinquena part de la població sudanesa. El conflicte que assola la zona es va iniciar el 2003 en aguditzar-se els arrelats enfrontaments entre la població negra africana i la d’origen àrab, principalment pel control dels escassos i cada vegada més insuficients recursos naturals.

Aquests enfrontaments han generat una crisi humanitària de grans proporcions: les Nacions Unides asseguren que més de 300.000 persones han mort a Darfur i almenys 2,7 milions de persones han estat forçades a abandonar les seves llars al llarg dels últims sis anys. La violència, les malalties i la fam associades al conflicte afecten en total a 4,7 milions de persones, la meitat de les quals són nens.

El conflicte de Darfur ha desfermat les alarmes de la comunitat internacional tant per les devastadores xifres com pels atacs especialment cruents que pateix la població civil: destrucció de poblats, assassinats, tortures, violacions sistemàtiques, robatori de bestiar i saquejos. Aquesta realitat obliga els habitants de la zona a refugiar-se en camps amuntegats i insalubres que ja ni tan sols gaudeixen de la protecció de les 13 organitzacions internacionals d’ajuda humanitària desplegades a la regió fins fa poc.

Lo más cerca que estuve del Paraíso;Palma

Hasta el 09 de enero 2011

“Formentera… Qué hubiera sido de mí sin la isla… En ella he amado y me he perdido. En sus aguas flota el mar de mi conciencia… Locuras, vaivenes emocionales, afectos y amores… En esta roca del Mediterráneo, fui feliz como nunca y triste”, escribe Alberto-García-Alix respecto de la menor de las Pitiüses, una isla ligada a sus vacaciones –también lo están, aunque menos, Eivissa y Mallorca-. Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma exhibe por vez primera las fotografías realizadas en tres de las Illes Balears.

Esta exposición reúne 58 fotografías de Alberto García-Alix (León, 1956) realizadas íntegramente en las Baleares y, sobre todo, en Formentera.
Alberto García-Alix es uno de los fotógrafos más representativos de la escena artística española siendo su obra fundamental para comprender la evolución de la fotografía contemporánea de los últimos tres décadas en España.
“Este conjunto de fotografías que nos ofrece García-Alix es fruto de innumerables estancias que el artista ha realizado a lo largo de los años en las Islas Baleares. Su primer viaje a Ibiza fue en el verano de 1974, pero sus primeros negativos de la isla datan de 1981. No es hasta 1989 cuando visita por primera vez Formentera. Desde entonces hasta la actualidad, esta isla vuelve recurrentemente a su vida, y por tanto a su obra. Una sensación de libertad, un hedonismo que impregna las imágenes que llegan a nosotros a través del filtro de su mirada” explica Nicolás Cambarro, comisario de la exposición.

Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma
Web: www.esbaluard.org

Nuevas exposiciones de Emergent;LLeida

Jueves día 14 a las 20.30h
Associació de Fotògrafs Professionals de Lleida
MARCEL BERGÉ/CARMEN GARCÍA/ENRIC RODRÍGUEZ/JORDI ANTÓ/TONI PRIM/ELISABET PUIG/JOAN M. PUIG/DAVID VALLS
En la sala de la Cambra de Comerc de Lleida (c. Anselm Clavé, 2 – Lleida)

Jueves día 14 a las 19.30h
“Carreteras secundarias” de MIKEL ARISTEGUI
Galería Le Petit Atelier (c. Amsterdam, 4 -Balàfia, Lleida)

Viernes día 15 a las 19h
“Intermitencias”
MIREIA SALVIA / EMILI MORRERES / ORIOL ROSELL
Escola Municipal de Belles Arts EMBA. (c. La Palma, 11 – Lleida)

Viernes día 15 a las 20h
“Els Llibres de Ton Sirera” (Fundació lo Pardal)
“Archivo batería de cenizas. Metodología de la Defensa” de ROSELL MESEGUER
Arxiu Històric de Lleida
c. Governador Montcada, s/n. Lleida

Inaugurem noves exposicions

Dijous dia 14 a les 20.30h
Associació de Fotògrafs Professionals de Lleida
MARCEL BERGÉ/CARMEN GARCÍA/ENRIC RODRÍGUEZ/JORDI ANTÓ/TONI PRIM/ELISABET PUIG/JOAN M. PUIG/DAVID VALLS
A la sala de la Cambra de Comerc de Lleida (c. Anselm Clavé, 2 – Lleida)

Dijous dia 14 a les 19.30h
“Carreteres secundàries” de MIKEL ARISTEGUI
Galeria Le Petit Atelier (c. Amsterdam, 4 -Balàfia, Lleida)

Divendres dia 15 a les 19h
“Intermitències”
MIREIA SALVIA / EMILI MORRERES / ORIOL ROSELL
Escola Municipal de Belles Arts EMBA. (c. La Palma, 11 – Lleida)

Divendres dia 15 a les 20h
“Els Llibres de Ton Sirera” (Fundació lo Pardal)
“Arxiu Bateria de Cendres. Metodologia de la Defensa” de ROSELL MESEGUER
Arxiu Històric de Lleida
c. Governador Montcada, s/n. Lleida

Concurso fotográfico pixMO

Convocatoria abierta para el concurso fotográfico que reflexiona sobre la fotografía que se realiza usando como herramienta de expresión el móvil, y su implicación en el uso de las redes sociales de la era digital dentro del proyecto Encuentros Fotográficos de Gijón que se realizará en colaboración con LABoral, del 1 de noviembre al 31 de diciembre de 2010.

• Descargar bases (PDF)
• Descargar formulario de inscripción (PDF)
• Laboral. Centro de Arte y Creación Industrial

Aviso

Estamos detectando problemas a la hora de guardar los datos en el formulario en formato PDF por parte de algunos participantes. Si tenéis problemas a la hora de hacerlo, enviad las imágenes y los datos solicitados en formato word o escrito en el email de envío con las imágenes. Recordad que todos los campos son obligatorios. Todas las inscripciones al concurso que vengan con los datos incompletos serán nulas. Gracias y animaos a participar.

Exposición “El regreso de las concubinas”;Gasteiz

Del 21 de octubre de 2010 al 9 de diciembre de 2010

La muestra de fotografías ‘El regreso de las concubinas’, inédita en España, retrata la vida de las concubinas chinas actuales, jóvenes que viven recluidas, condenadas a la espera y en la dependencia y con un miedo atroz a dejar de ser deseadas.

“Para los hombres, mantener una concubina es una prueba de éxito. El intercambio es muy simple: dinero a cambio de un servicio sexual exclusivo. Un hombre tiene su concubina particular. La diferencia es que actualmente esta práctica está oficialmente prohibida por la ley, como la prostitución”, explica la fotógrafa.

Así, el fenómeno de las concubinas afecta todas las categorías sociales. Mientras muchas chicas provienen del campo para escapar de la pobreza, otras reciben propuestas en el marco de fiestas privadas o incluso a la universidad. En todos los casos, las jóvenes pasan a una vida de soledad y aburrimiento en unas ciudades donde no conocen a nadie. Esperan. A cambio de un apartamento, de un coche, tienen que estar disponibles para su hombre que a menudo es casado y tiene una familia.

Axelle de Russé
Russé, nacida en Francia hace 32 años, es un ejemplo de cambio profesional. Después de haber estudiado ingeniera comercial ingresó en la agencia Sipa Press donde trabajó durante 3 años como editora. Tras el tsunami del océano Índico de 2004 y por la fuerza de sus imágenes, decidió dedicarse exclusivamente a la fotografía.

Comenzó cubriendo noticias políticas pero ganar en 2007 el premio Canon le permitió realizar el presente trabajo sobre las concubinas en China. Axelle de Russé se dedica actualmente al reportaje social y para ella tiene gran importancia el seguimiento de los protagonistas de sus fotos y compartir su vida cotidiana.

La muestra ’El retorno de las concubinas’ permanecerá del 21 de octubre al 9 de diciembre en la sede de KREA, en la calle Postas 17, en horario de lunes a viernes de 9.00 a 14.00 y de 16.00 a 18.00 horas.

Sede actual de KREA
Postas 17 01004 Vitoria-Gasteiz
+34 945 150 147

Un recorrido por los procesos fotográficos primitivos

Ya he publicado recientemente esta noticia pero pienso que estos cursos son muy especiales e interesantes y por esto les vuelvo a dar más bombo. Ah y esto no es una publicidad pagada por los de Atelieretaguardia. Simplemente creo que se merecen tener éxito con estos fantásticos cursos.

Septiembre, octubre y noviembre de 2010

AtelieRetaguardia planea un itinerario por los principales procesos fotográficos iniciados en el siglo XIX. Este breve pero intenso recorrido permitirá al alumno obtener una visión general del panorama fotográficodel siglo XIX, y también valorar y disfrutar en mayor grado de la producción fotográfica de aquel período. De igual modo, la representación del mundo contemporáneo con una técnica del pasado, abre y suscita infinitas posibilidades en el ámbito de los procesos creativos.

Arqueología de la luz, es un proyecto docente que se subdivide en diferentes clases-demostraciones dirigidas cada una de ellas por un especialista en la materia, que mostrarán la metodología de cada uno de los procesos propuestos. Para ello se han concebido diferentes bloques temáticos alrededor de los cuales se diferenciará entre procesos para la obtención de negativos, tales como el calotipo, el colodión húmedo o el negativo digital, la obtención de positivos, tales como la cianotipia, la goma bicromatada o el paladio y finalmente, la realización de positivos directos como el ambrotipo o el ferrotipo.

Este peculiar recorrido por la arqueología de la luz se inicia con la charla titulada Arqueología de la luz: un recorrido por los procesos fotográficos primitivos, dónde a modo de introducción, se mostrará la evolución histórica de cada una de las técnicas. A lo largo de la conferencia, se podrán visionar piezas originales de estos procesos y también debatir con los ponentes otras cuestiones en torno a estas prácticas arcaicas.

18 de septiembre: charla, Arqueología de la luz. Un recorrido por los procesos fotográficos primitivos. ÚLTIMAS PLAZAS

9 de octubre: Obtención de negativos digitales, impartido por Ángel Albarrán

10 de octubre: Paladio, impartido por Ángel Albarrán y Anna Cabrera

23 de octubre: Cianotipia / Papel Salado, impartido por Jordi Guillumet e Israel Ariño

24 de octubre: Goma Bicromatada, impartido por Jordi Guillumet

20 de noviembre: Colodión Húmedo, impartido por Israel Ariño y Rebecca Mutell

21 de noviembre: Calotipia, impartido por Martí Llorens

+ info y pdf de inscripción

Calle Riereta 20 bis 2ª planta 08001 Barcelona

info@atelieretaguardia.com

www.atelieretaguardia.com

http://atelieretaguardia.com/weblog/

Facebook

AtelieRetaguardia presenta sus nuevos talleres

FOTOGRAFÍA DE LARGO RECORRIDO / Juan Manuel Castro Prieto

1, 2, 3 octubre de 2010

En este taller, Juan Manuel Castro Prieto, a partir de su obra quiere entablar un diálogo personal y próximo con los asistentes. Lo hará hablando sobre cuáles son los puntos de partida conceptuales en el planteamiento de sus trabajos, la organización y metodología para su realización y las distintas fases de producción hasta llegar a la conclusión del proyecto. Desde una aproximación didáctica y participativa, esta completa explicación metodológica se articulará tanto en el desarrollo de modelos prácticos concernientes a la teoría, la estética y la técnica como en las pequeñas historias y vicisitudes que han jalonado cada proyecto y que de alguna manera, también han moldeado y dirigido la obra final.
Esta exploración a través del trabajo y la obsesión del artista, es el preámbulo para la revisión de los proyectos de los asistentes que así lo deseen. Analizando los distintos portfolios tanto desde un punto de vista conceptual como técnico, este visionado, nos conducirá, a manera de epílogo, a un debate final entre todos los participantes sobre aquellos temas y cuestiones que más interés y curiosidad han suscitado a lo largo del taller.

+ info y pdf de inscripción

INTRODUCCIÓN AL COLODIÓN HÚMEDO / AtelieRetaguardia

15, 16, 17 de octubre de 2010

Durante tres días, AtelieRetaguardia les conducirá a través de la historia, el equipo, la química y el empleo del colodión. Los asistentes realizarán negativos sobre placa de vidrio, ambrotipos (imágenes positivas sobre vidrio), ferrotipos (imágenes positivas sobre metal) y positivos sobre papel de ennegrecimientro directo. El taller incluye un dossier sobre el proceso de colodión húmedo, productos químicos y material necesario.

+ info y pdf de inscripción

ARQUEOLOGÍA DE LA LUZ

Un recorrido por los procesos fotograficos primitivos / AtelieRetaguardia

Septiembre, octubre y noviembre de 2010

AtelieRetaguardia planea un itinerario por los principales procesos fotográficos iniciados en el siglo XIX. Este breve pero intenso recorrido permitirá al alumno obtener una visión general del panorama fotográficodel siglo XIX, y también valorar y disfrutar en mayor grado de la producción fotográfica de aquel período. De igual modo, la representación del mundo contemporáneo con una técnica del pasado, abre y suscita infinitas posibilidades en el ámbito de los procesos creativos.

Arqueología de la luz, es un proyecto docente que se subdivide en diferentes clases-demostraciones dirigidas cada una de ellas por un especialista en la materia, que mostrarán la metodología de cada uno de los procesos propuestos. Para ello se han concebido diferentes bloques temáticos alrededor de los cuales se diferenciará entre procesos para la obtención de negativos, tales como el calotipo, el colodión húmedo o el negativo digital, la obtención de positivos, tales como la cianotipia, la goma bicromatada o el paladio y finalmente, la realización de positivos directos como el ambrotipo o el ferrotipo.

Este peculiar recorrido por la arqueología de la luz se inicia con la charla titulada Arqueología de la luz: un recorrido por los procesos fotográficos primitivos, dónde a modo de introducción, se mostrará la evolución histórica de cada una de las técnicas. A lo largo de la conferencia, se podrán visionar piezas originales de estos procesos y también debatir con los ponentes otras cuestiones en torno a estas prácticas arcaicas.

18 de septiembre: charla, Arqueología de la luz. Un recorrido por los procesos fotográficos primitivos

9 de octubre: Obtención de negativos digitales, impartido por Ángel Albarrán

10 de octubre: Paladio, impartido por Ángel Albarrán y Anna Cabrera

23 de octubre: Cianotipia / Papel Salado, impartido por Jordi Guillumet e Israel Ariño

24 de octubre: Goma Bicromatada, impartido por Jordi Guillumet

20 de noviembre: Colodión Húmedo, impartido por Israel Ariño y Rebecca Mutell

21 de noviembre: Calotipia, impartido por Martí Llorens
+ info y pdf de inscripción

MODOS DE VER: aproximaciones a la cración fotográfica / Israel Ariño

De octubre 2010 a febrero de 2011

El objetivo de este curso plantea una doble finalidad: en primer lugar, orientar al alumno en su proceso creativo proponiéndole argumentos, referentes y criterios para pensar, descubrir y construir su propio trabajo; y en segundo lugar, generar un espacio de reflexión, diálogo y debate entre todos los participantes.

+ info y pdf de inscripción

CORPOgrafía / Llorenç Raich

De octubre 2010 a febrero de 2011

Llorenç Raich, propone el cuerpo humano como base para la creación fotográfica. Del desnudo al cuerpo, El cuerpo y la identidad personal, El cuerpo y la realidad social y El cuerpo y la condición humana, serán los temas para componer una estructura inicial.

+ info y pdf de inscripción

Taller ” Paradojas de la narración: fotografía y literatura”

Días: 18 y 19 de octubre de 2010
Lugar: Escola Municipal de Belles Arts “Leandre Cristofol” (EMBA).
Población: Lleida
Inscripciones: PRÓXIMAMENTE EN ESTA WEB. Precio 90 €. (Los alumnos de las Escuelas Amigas tendrán un 20 % de descuento)

Taller en cinco sesiones, donde se indagará sobre las relaciones entre literatura y fotografía, desde la propia naturaleza de cada lenguaje, en sus incompatibilidades y sus intersecciones. ¿Existe la fotografía literaria? ¿Ha asumido la fotografía las mismas categorías que la narrativa? ¿Cómo se afectan mutuamente la palabra y la imagen? ¿Es antagónica su manera de representar la realidad o cada vez más se injertan uno en el otro creando un nuevo lenguaje? Estas y otras cuestiones irán surgiendo durante estos dos días donde hablaremos de narrativa, poesía, ensayo, diarios personales… en el ámbito de la creación fotográfica.

Taller Propuesto por Mariona Fernández con la participación de los profesores Antonio Ansón, Pedro Avelland, Óscar Molina y Teresa Ortega

Lunes 18 de octubre de 2010
10 h Mariona Fernández
12 h Antonio Ansón
16 h Ana Teresa Ortega

Martes 19 de octubre de 2010
11 h Pedro Avellaned
16 h Óscar Molina

Lunes 18 de octubre a las 10h. Primera sesión introductoria: Mariona Fernández.

Susan Sontag nos decía que la fotografía es incapaz de narrar porque toda narración implica un transcurso, un desarrollo en el tiempo. Nuestra comprensión del mundo según la autora necesita narración y a la fotografía la sitúa en otro ámbito. La fotografía es heredera y consecuencia de toda la historia de la representación occidental anclada en el realismo. Su factura es tan fidedigna a las apariencias que parece haber fundido la distancia, la tensión simbólica que durante milenios configuraba las imágenes. La nitidez y la factura técnica de estas apariencias han originado en la tradición fotográfica una lectura resignada de la realidad, una lectura considerada durante mucho tiempo “objetiva”. La literatura es hija del lenguaje verbal, amparado como causa y consecuencia, en las estructuras que los humanos llevamos marcadas a fuego en lo que llamamos pensamiento. La narración literaria se desarrolla en el tiempo e implica una comprensión —a priori— directa, pero paradójicamente su interpretación conlleva implícita la ficción o como mínimo un alto grado de subjetividad. En esta primera sesión hablaremos de la relación de la fotografía con el tiempo, la identidad, la memoria y de su ”narratividad” específica, o de su gran potencia narrativa: la de generar pensamiento.

Lunes 18 de octubre a las 12h. Segunda sesión. Antonio Ansón. Fotos como álbumes

Referencias del cruce entre literatura y fotografía a lo largo del tiempo. ¿Por qué la fotografía transformó para siempre y de manera radical el curso de la literatura y de nuestras vidas? ¿Hasta dónde llegó su influencia, de consecuencias imprevisibles y para algunos incluso nefasta? ¿Quién se vio implicado en un conflicto todavía sin resolver? El libro en que se basa esta sesión, del mismo título, ofrece claves para entender el decisivo papel que la imagen fotográfica ha ocupado a través de innovaciones, contactos e intercambios, en la historia literaria, estética y social del hombre contemporáneo.

Lunes 18 de octubre a las 16h. Tercera sesión. Ana Teresa Ortega. Fotografía y literatura. Territorios de las memoria.

“Mediante la palabra, la literatura articula narraciones y pensamientos transportándonos a diferentes realidades que nos invitan a la reflexión y a la vez nos permite desarrollar un pensamiento propio. Esta sesión pretende establecer un vínculo entre fotografía y literatura como dos territorios que nos permiten vehicular discursos sobre diferentes aspectos de la memoria”.

La fotografía tiene la facultad de crear y organizar la memoria. Las fotografías de Ana Teresa Ortega indagan en diferentes aspectos de esta facultad en unos ensayos —si se quiere, sociológicos— formalmente cargados de poesía. Como un ejemplo, dos fragmentos que comentan su trabajo.

“Hay una inevitable y consiente referencia a Borges: la biblioteca como contenedor de memoria, como metáfora de nuestra memoria. Una memoria frágil y en constante construcción, que por eso cabe revisar y reactivar. Entre las obras anteriores y esta nueva, Ana Teresa Ortega ha pasado de la reflexión sobre los mass-media a ligar su trabajo al tema de los refugiados de manera más genérica… En definitiva, lo que hacía con aquellas imágenes rescatadas de la televisión era devolverles la memoria que la velocidad informativa les negaba. De esta forma, provoca una especie de recorrido de ida y vuelta, del pasado al presente y viceversa…”. David G. Torres, 1999.

“Sabiendo como sabemos, como se desarrollaron los acontecimientos históricos, la distancia temporal nos proporciona de nuevo un bálsamo pero también un motivo para no olvidar. Usamos la memoria ( o las imágenes que de ella quedan) para tener presente aquello que tan rápidamente se olvida.” Álvaro de los Ángeles, 2008.

Martes, 19 de octubre a las 11h. Cuarta sesión. Pedro Avellaned. Intersecciones

Pedro Avenllaned nos ofrecerá una visión poliédrica de la fotografía. Su relación con el teatro (oralidad), con la literatura (escritura), después con el cine (oralidad, escritura, imagen) enfocan su trayectoria hacia la fotografía (imagen) en los años 70. Esta deriva de lo verbal a lo visual ha afectado su obra que huye de los esquemas a veces demasiado rígidos de las disciplinas que se alimentan de ellas mismas. De estas intersecciones aplicadas a la obra de un creador, se hablará en esta sesión del taller.

Martes, 19 de octubre a las 16h. Quinta sesión. Oscar Molina. Las imágenes latentes

Con mi primera cámara hice sólo un rollo de película. Mi abuelo junto al chamizo con fondo de sombras y árboles en otoño. Mi madre sentada en una silla de madera después de tender la colada. La calle desierta de Manuel Ferrero. Los dos peces rojos en la vieja tinaja del jardín. Mi bicicleta. En total doce fotografías. La película, el revelado y la obtención de copias era demasiado caro para la economía familiar. Así que me dijeron que me conformara con la cámara sin película, mirar por el visor, disparar si quería, y después contarles las fotos que había “hecho”. Y eso hacía. A veces escribía las supuestas fotografías para no olvidarme. Divertido y frustrante a un tiempo. Imágenes efímeras que sólo impresionaron mi retina. A su manera fueron imágenes latentes para siempre. Así, con una cámara sin película, mis primeros contactos con la fotografía tuvieron un comienzo más cercano a las palabras que a las imágenes. Pasó mucho tiempo hasta que pude costearme la película. Entonces fotografías y textos confluyeron en proyectos como “Fotografías de un diario”, “Caja de acuarelas” o más recientemente “Ammonites”. También nacieron trabajos en los que, muy al contrario que al principio, utilizo película sin cámara, e invito a otros al espacio del encuadre, al tiempo y al espacio de la fotografía, a crear y compartir imágenes, palabras y texto. Estas y otras historias conforman la gestación, el desarrollo y la edición de algunos de mis proyectos más significativos. Sobre esto hablaremos en la clase de Emergent.
Inscripciones

Workshop “ Paradojas de la narración: fotografía y literatura”
Días: 18 y 19 de octubre de 2010
Lugar: Escola Municipal de Belles Arts “Leandre Cristofol” (EMBA)
Población: Lleida (España)
Inscripciones hasta el 30 de septiembre en la web del festival
Plazas limitadas

Más información de los workshops:
http://www.emergent-lleida.org/es/Programacio-2010/Tallers

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