Últimos días. Arte Británico 1945-1968;BCN

27/11/2010 – 20/02/2011

Let Us Face the Future, comisariada por Andrew Dempsey y Richard Riley, incluye ochenta y ocho obras de artistas británicos procedentes de las colecciones del British Council y el Arts Council, de la Tate y del Pallant House Gallery de Chichester, entre otras colecciones públicas y privadas.

La exposición ha sido organizada por la Fundació Joan Miró y el British Council y cuenta con el patrocinio de Fundación BBVA.

La muestra se inicia con obras de Henry Moore y Francis Bacon, que ponen de manifiesto el estado de ánimo en Gran Bretaña y en Europa inmediatamente después de la guerra: el horror producido por los campos de concentración y la amenaza siempre presente de la bomba atómica.

El título, Let Us Face the Future, reproduce el eslogan del partido laborista para la campaña electoral de 1945, que sorprendentemente comportó la derrota de los conservadores liderados por Winston Churchill. El relevo laborista inauguró el Estado del bienestar en el Reino Unido, con cambios en la sociedad británica que hicieron posible la explosión de creatividad y libertad en el Londres de los años sesenta. Esos cambios, que también se plasmaron en el arte del momento, conforman el tema central de la exposición. Por ejemplo, la audaz exploración de su propia sexualidad por parte de David Hockney, la revolución escultórica de Anthony Caro o las pinturas ópticas de Bridget Riley. Entre los artistas más destacados, están también Eduardo Paolozzi, un escocés de origen italiano que con Bunk, sus collages iniciados en 1952, anticipó lo que sería el arte pop, y Richard Hamilton, autor en 1956 del collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing, considerada la primera obra del movimiento pop británico.

La gran variedad del arte producido en Gran Bretaña en ese momento se refleja también en otras secciones de la muestra, como la dedicada a los artistas de St. Ives (un pueblo de pescadores de Cornualles donde se estableció una importante colonia de artistas), entre los que destacan Peter Lanyon y Roger Hilton; a los constructivistas ingleses como Victor Pasmore; a la renovación de la pintura figurativa por parte de Lucian Freud, Leon Kossoff y Frank Auerbach, entre otros; y a algunos de los fotógrafos más importantes que trabajaron en Gran Bretaña en ese periodo, de Bill Brandt a Tony Ray-Jones.

En torno a la exposición se ha programado un ciclo de conferencias y workshops, con la colaboración del Departamento de Filosofía de la Universitat Autònoma de Barcelona, que tendrá lugar en el Auditorio de la Fundació entre el 6 de octubre de 2010 y el 16 de febrero de 2011. Actividades relacionadas

Let Us Face the Future. Art britànic 1945-1968

27/11/2010 – 20/02/2011

Let Us Face the Future, comissariada per Andrew Dempsey i Richard Riley, inclou vuitanta-vuit obres d’artistes britànics provinents de les col·leccions del British Council i l’Arts Council, de la Tate i del Pallant House Gallery de Chichester, entre d’altres col·leccions públiques i privades.

L’exposició ha estat organitzada per la Fundació Joan Miró i el British Council i compta amb el patrocini de Fundación BBVA.

La mostra s’inicia amb obres de Henry Moore i Francis Bacon, que posen de manifest l’estat d’ànim a Gran Bretanya i a Europa immediatament després de la guerra: l’horror produït pels camps de concentració i l’amenaça sempre present de la bomba atòmica.

El títol, Let Us Face the Future, reprodueix l’eslògan del partit laborista per a la campanya electoral de 1945, que sorprenentment va comportar la derrota dels conservadors liderats per Winston Churchill. El relleu laborista va inaugurar l’Estat del benestar al Regne Unit, amb canvis en la societat britànica que van fer possible l’explosió de creativitat i de llibertat del Londres dels anys seixanta. Aquests canvis, que també es van palesar en l’art del moment, conformen el tema central de l’exposició. Per exemple, l’audaç exploració de la pròpia sexualitat per part de David Hockney, la revolució escultòrica d’Anthony Caro o les pintures òptiques de Bridget Riley. Entre els artistes més destacats, hi ha també Eduardo Paolozzi, un escocès d’origen italià que amb Bunk, els seus collages iniciats el 1952, avançà el que seria el pop art, i Richard Hamilton, autor el 1956 del collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing, considerada la primera obra del moviment pop britànic.

La gran varietat de l’art a la Gran Bretanya d’aquest moment es reflecteix també en altres seccions de la mostra, com la dedicada als artistes de St. Ives (un poble de pescadors de Cornualla on s’establí una important colònia d’artistes), entre els quals destaquen Peter Lanyon i Roger Hilton; als constructivistes anglesos, amb  Victor Pasmore al capdavant; a la renovació de la pintura figurativa per part de Lucian Freud, Leon Kossoff i Frank Auerbach, entre altres; i a alguns dels fotògrafs més importants que van treballar a Gran Bretanya en aquest període, des de Bill Brandt fins a Tony Ray-Jones.

A l’entorn de l’exposició s’ha programat un cicle de conferències i workshops, amb la col·laboració del Departament de Filosofia de la Universitat Autònoma de Barcelona, que tindrà lloc a l’Auditori de la Fundació entre el 6 d’octubre de 2010 i el 16 de febrer de 2011.
Activitats relacionades

Parc de Montjuïc

Últimos días:Peer Out to See;MAD

Fechas: 14 de julio de 2010 – febrero de 2011
Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Buen Retiro
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Vídeos relacionados:
Conversación con Jessica Stockholder

Los juegos de palabras, visuales y verbales, y las rimas abundan en el arte vibrante de Jessica Stockholder. Los objetos que alguna vez parecieron corrientes y familiares cobran nueva vida, espejándose, resonando y dialogando entre sí al asumir nuevos roles insólitos y ganar una presencia imponente, enérgicos, descarados, tímidos, burlones, seductores, volubles y mucho más, pero nunca rutinariamente vulgares. El mundo de Stockholder está construido más por asociación que por formas convencionales de análisis. Sus obras proponen que, si se quiere examinar algo, se necesita indagar, probar y escudriñar en un intento de leer lo que está más allá de la mera visión y contemplación: así, atisbando, podríamos ver más de lo que habíamos planeado: pudiera ser que acabáramos “caminando por la tabla”, suspendidos en una plataforma sobre los abismos, arrojados a lo desconocido, en un muelle más allá del mar. Deslizándose suavemente desde lo literal a lo metafórico, de lo físico a lo figurativo, como se entrama un tejido de conexiones disyuntivas, la seductora forma de interpretación de Stockholder se ha convertido en un sello distintivo de una práctica que hoy abarca alrededor de tres décadas. Profundamente formal y, sin embargo, desenfadado, ingenioso aun siendo pleno, su toque lúdico seduce, requiere, persuade, invita con señas y cautiva a sus audiencias, que a menudo se encuentran atrapadas y, súbitamente, sobre un escenario, sin haber sido conscientes de su transición de observadores pasivos a participantes activos. Tan desarmante aproximación permite a su arte “deslizarse a través de la superficie por las rutas sintagmáticas más improbables, arrastrando una carga nebulosa de significados aparentes a su paso”, como sagazmente señala el crítico americano Jack Bankowsky(1).

Para la artista, este método participa de ambas esferas: conceptualizar y construir. “Mi trabajo a menudo irrumpe en el mundo igual que una idea brota en la mente. Nunca sabes realmente de dónde viene o cuándo ha conseguido formarse. Sin embargo, es posible desmontarla y comprobar que tiene una lógica interna”, escribe. “Estoy intentando acercarme a los procesos de pensamiento, tal y como existen, antes de que la idea se haya formado completamente”(2). Asociaciones inesperadas de lo abstracto (vívidos colores y ricas texturas) y lo identificable (materiales domésticos e industriales) conforman el conjunto del que están hechas ambas, sus esculturas autónomas y sus instalaciones para un lugar específico. A propósito sin propósito, todas parecen diseñadas para facilitar, relajar, ayudar, clarificar o, de alguna manera, aliviar las limitaciones de su condición, que, aunque pueden estar no identificables precisamente, son evidentes en sí mismas: las acogemos como objetos de nuestro entorno cotidiano o que podrían integrarse sin esfuerzo en nuestro ámbito local.

El toque autógrafo de Stockholder se manifiesta en las enormes situaciones comunes como formas de guiarnos que crea, mientras navegamos hacia un ámbito compartido a través de su puesta en escena, cuidadosamente coreografiada. El pasaje a sus sendas se manifiesta siempre estimulante: intriga en lugar de sosegar, vigoriza antes que producir sopor. Este efecto deriva del hecho de que los contextos desde los cuales, y para los cuales, trabaja in situ han sido creados bajo una apariencia asumida de novela, una inesperada dimensión, como consecuencia de su intervención: cambios en la escala, contracción de proporciones, elisión de espacios, disminución de la profundidad, magnificación de sonidos y disolución de la luz, que blanquea o inunda cualquier cosa que se agita bajo su compás.

Efímeros cambios en nuestra percepción requieren que reconfiguremos ideas preconcebidas y suposiciones –y así, recalibrar lo que pensábamos que sabíamos. Examinando las aguas, por ejemplo, encontraremos que no están en terreno tan sólido como suponíamos. Al encontrarnos a la deriva, en lugar de en tierra firme, estamos constantemente obligados a afrontar nuevas opciones y elecciones. Se nos demandan preferencias e inclinaciones (que son cuestionadas). Lo integral, normalmente suprimido en un proceso mental, intangible, se registra en la mente consciente, donde se presenta al análisis junto a los más tangibles intangibles, que impactan con el cuerpo, pues el aire, la luz y el sonido animan el pabellón y crean un vórtice en el centro del cual nos encontramos.

La estética de Jessica Stockholder está basada en los recursos efectivos de la escultura: lo sólido habita el espacio, los volúmenes trazan las formas, el material está sujeto a la gravedad, la inmovilidad conjura el movimiento. Aunque es evidente que se trata de parte del legado escultórico reciente de Picasso, Schwitters, Rauschenberg y otros, su obra revela la sensibilidad propia del pintor: Matisse quizá sea su referente más inmediato. Sutil, vibrante, idiosincrático pero inmediatamente identificable, el singular sentido del color de Jessica Stockholder es el principal responsable del innegable placer que irradia su obra; y eso lo separa de la obra de los incontables seguidores que han aprendido tanto de su praxis rigurosa pero pródiga y fecunda.

Stockholder, una de las más influyentes escultoras de su generación, ha creado en los últimos años instalaciones que permiten a los visitantes utilizarlas para sus propios fines. Como Atisbar para ver demuestra, estas construcciones temporales se convierten en lugares para la conversación casual entre propios y visitantes, para el juego improvisado y para lo trivial –en resumen, son lugares para pasar el tiempo y dejarse llevar por el flujo y el cambio. Tanto en el Madison Square Park de Manhattan, en 2009 (con el Flooded Chambers Maid), como en el luminoso Palacio de Cristal en el parque del Buen Retiro de Madrid, la gente deambula y pasa el rato de una manera semejante, mientras hace descubrimientos casuales e inesperados a su antojo. Hábiles exploraciones de las líneas espaciales, estructurales, sociales y culturales del entorno propuesto, las obras más ambiciosas de Stockholder dejan espacio a la miríada de necesidades de una audiencia cambiante, que probablemente nunca llegará a saber hasta qué punto es parte esencial del juego.

(1) Jack Bankowsky. “The Obligatory Bed Piece: Jessica Stockholder”, Artforum, octubre 1990, p.142.
(2) Jessica Stockholder. “Interview with Klaus Ottman”, The Journal of Contemporary Art, primavera/ verano 1991, p.100.

Más Información: Centro de Arte Museo Reina Sofía

JustMad. Feria Arte emergente; Madrid

JUSTMAD, una feria única en España, pequeña pero selecta y protagonizada por galerías dinámicas e innovadoras, continúa apostando por la novedad en su segunda edición, que se celebrará del 17 al 20 de febrero de 2011 en Galería de Cristal del Palacio de Cibeles de Madrid. Tras el éxito de público y el nivel artístico alcanzado en su primera edición, JUSTMAD2 busca afianzar en 2011 su posición como la principal feria española dedicada al arte contemporáneo emergente. El tamaño reducido de la feria, en formato showcase, facilitará el intercambio de información entre los galeristas, los creadores, los coleccionistas y expertos y el público general. JUSTMAD busca no sólo vender la obra de los artistas, sino también promocionarla, lo que constituye un punto diferencial que le sitúa como un lugar de encuentro entre todos los amantes del arte emergente a nivel internacional. En esta nueva edición, JUSTMAD cuenta con importantes novedades, como la nueva ubicación, una zona exclusiva para expertos o la ampliación del número de galerías presentes en la feria.

En la primera edición de JUSTMAD participaron 27 galerías provenientes de nueve países. Con el fin de ampliar la representación internacional y la diversidad de los trabajos expuestos, en 2011 la feria reunirá un total de 40 galerías nacionales y extranjeras. También se ampliará el programa Producers’ Desks a través del cual JUSTMAD invita a participar en la feria a individuos y entidades de todo el mundo cuyo trabajo se centra en difundir la obra de los artistas emergentes.

JUSTMAD estrena en 2011 una nueva ubicación, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, que estará comunicada por un servicio de shuttle con la feria ARCOmadrid en Ifema. Este nuevo espacio para la cultura capitalina dota de un carácter único a la feria, dados su valor arquitectónico y su céntrica ubicación. Una gran bóveda acristalada, de geometría irregular, cobija los más de 2.400 metros cuadrados de este espectacular recinto, que formó parte del entorno del Palacio Real del Buen Retiro en el siglo XVII y que, en el XIX, albergó un jardín de recreo. A comienzos del siglo XX fue proyectado por los arquitectos Palacios y Otamendi como pasaje y patio de descarga del Palacio de Comunicaciones. En la actualidad, este espacio, restaurado y rehabilitado, constituye un elemento esencial de la nueva sede del Ayuntamiento de Madrid. Dentro de la Galería de Cristal, JUSTMAD2 contará con un zona exclusiva para profesionales donde intercambiar ideas y reunirse.

NUEVO EQUIPO COMISARIAL. JUSTMAD2 cuenta con un nuevo equipo comisarial que, en colaboración con la dirección artística de la feria, se ocupa de la selección de los expositores. Los tres componentes del equipo destacan por sus trayectorias de alcance nacional e internacional. Con este trabajo colectivo, JUSTMAD busca consolidar la participación de las galerías extranjeras y el carácter emergente de los proyectos. Los integrantes del equipo son:

JAVIER DUERO (Madrid,1970) es comisario independiente y productor cultural. Ha sido director artístico de Observatori, Festival de Investigación Artística de Valencia, entre 2005 y 2007.

Durante 2008 fue responsable del departamento AVLAB de Medialab-Prado. De 2007 a 2009 fue miembro del comité de selección de Estampa, Feria Internacional de Arte Gráfico Contemporáneo.

En 2009 fue asesor de ARCOmadrid, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, para su sección de Performance. Ha comisariado proyectos para LOOP Barcelona, Frankfurt Book Fair y Beijing Art Fair. En la actualidad, dirige Mapear Madrid, proyecto de investigación sobre el sector cultural de la Comunidad de Madrid comisionado por el CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo. Desde 2008 es miembro de Pensart, colectivo de profesionales que realizan prácticas de mediación cultural.

MARTÍ MANEN (Barcelona, 1976), residente en Estocolmo, es comisario y crítico de arte. Ha comisariado exposiciones en el Museo de Historia Natural (México DF, 2003), Sala Montcada – Fundación ”la Caixa” (Barcelona, 2004-2005), Aara (Bangkok, 2005), Sala Rekalde (Bilbao, 2005), Konsthall C (Estocolmo, 2007), La Panera (Lleida, 2007), Instituto Cervantes (París-Estocolmo, 2008) o Zero1 (Olot, 2009). Durante cinco años comisarió exposiciones en su propia habitación (Salahab, Barcelona 1997-2001). Trabajó para la Galería Estrany – de la Mota de Barcelona y escribe regularmente para Exit Express y A*Desk, plataforma para el pensamiento y la crítica de arte, de la que es codirector.

LUIZA TEIXEIRA DE FREITAS (Lisboa, 1984) es una comisaria independiente a medio camino entre Londres y Lisboa. Ha trabajado para la Tate Modern de Londres (Cildo Meireles, Cy Twombly and 9 Scripts from a Nation at War), como asistente comisarial en la Marrakech Biennial Works and Places (comisariada por Abdellah Karroum) y para la galería Alexander and Bonin (Nueva York), además de estar activamente comprometida con la Colecção Teixeira de Freitas (Lisboa). Ha comisariado Photo50: Any similarity to actual events or characters is purely coincidental, (Londres, 2009) y, actualmente, comisaría junto a otros profesionales The Moon is an Arrant Thief en la David Roberts Foundation (Londres, 2010). Su primera exposición como comisaria en solitario fue Like Tears in Rain en el Palácio das Artes (Porto, 2010).

Por su parte, GIULIETTA SPERANZA es la directora artística de ARTFAIRS, creadora de JUSTMAD.

Comisaria independiente, fue subdirectora artística de PHotoEspaña en las ediciones de 2005 y 2006 y colaboradora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía durante siete años.

Paralelamente, desde el año 2000, forma parte del colectivo DOMÉSTICO.

ARTFAIRS S.L., presidida por ENRIQUE POLANCO, es una iniciativa privada de un grupo de coleccionistas y empresarios -también creadores de la feria internacional de fotografía MADRIDFOTO-, que se encarga de la organización de este nuevo escaparate para el arte

GALERÍA DE CRISTAL en el PALACIO DE CIBELES de Madrid

Calle de Montalbán, 1

METRO: Retiro

RENFE: Recoletos

AUTOBÚS: 1, 2, 5, 9, 10, 15, 20, 27, 34, 45, 51, 52, 53, 74, 146, 150

www.justmad.es

Conferencia. Letras para el arte; Vitoria-Gasteiz

Agustín Fernández Mallo

El autor de Nocilla experience elige al artista Antoni Abad: Ciencias Naturales (vídeo, 1997), obra de la Colección ARTIUM

Miércoles 15 de diciembre, 20.00 horas

Auditorio de ARTIUM. Entrada libre

Más información

Sobre Agustín Fernández Mallo

Su blog

Sobre Ciencias naturales

Hitzaldia. Arterako hitzak

Agustín Fernández Mallo

Nocilla experience liburuaren egileak Antoni Abad artista aukeratu du: ARTIUM Bildumako lana Ciencias naturales (bideoa, 1997)

Abenduaren 15ean, asteazkena, 20.00etan

ARTIUMeko Emanaldi aretoan. Sarrera doan

Argibide gehiago

Agustín Fernández Mallo-ri buruz

Bere bloga

Ciencias naturales lanari buruz

Artium

C/ Francia, nº 24 01002 Vitoria-Gasteiz
Telf: 945-20 90 00 fax: 945- 20 90 49
museo@artium.org

Convocatorias Ivorypress Art + Books

FRANCIS BACON: DETRITUS

INAUGURACIÓN FRANCIS BACON: DETRITUS
15 de diciembre de 11.30h a 12.30h en Ivorypress Art + Books Space II
C/ Comandante Zorita 46 28020 Madrid

El 15 de diciembre, a las 11:30h, Elena Ochoa Foster presentará el libro de artista Detritus y detallará el proceso de producción de este libro que llevó más de tres años realizarlo. Cada “libro” está presentado en un facsímil de una vieja maleta de cuero del estudio de Francis Bacon, descubierta en su casa en Reece Mews. Cada copia incluye setenta y seis facsímiles de elementos encontrados en el estudio del artista que actualmente se encuentran conservados en la Dublin City Gallery, Irlanda. Incluye fotografías, páginas de revistas, dibujos, instrumentos, cartas y notas de Francis Bacon. Cada elemento está creado individualmente a mano usando técnicas especiales para hacer de cada uno de ellos un nuevo original.

Para más información haga click aquí

C PHOTO GÉNESIS

LANZAMIENTO DE C PHOTO GÉNESIS
15 de diciembre a las 13.00h en Ivorypress Art + Books Space I

Ivorypress le invita a la presentación del primer volumen de la nueva colección C PHOTO con la presencia de Elena Foster (Fundadora y Directora de Ivorypress), Horacio Fernández (Crítico de Fotografía y Comisario Independiente) e Iñaki Domingo (Coordinador de Publicaciones de Ivorypress).

El volumen Génesis presenta las primeras aproximaciones al medio fotográfico de una selección de artistas esenciales en la fotografía contemporánea. Estos trabajos tempranos permiten apreciar la búsqueda de un camino distintivo y el intento por definir un lenguaje propio por parte de estos autores. Los portafolios están acompañados por textos de los fotógrafos y de expertos en fotografía, que permiten comprender el desarrollo de su obra en mayor profundidad.

Para más información haga click aquí

Seminario “Escribir la historia del arte”; BCN

Premio Igor Zabel de Cultura y Teoría 2010 (IZA 2010). Escribir la historia del arte. Diálogos en el presente continuo

Viernes 10 de diciembre, de 16 a 19.30 h
Entrada gratuita. Auditori MACBA. Aforo limitado. Con traducción simultánea

Seminario

El Premio Igor Zabel de Cultura y Teoría (IZA), de carácter bianual, fue creado en 2008 por Mateja Kos Zabel, Bojan Zabel y la Fundación ERSTE para honrar la memoria del comisario, crítico y escritor esloveno Igor Zabel (1958 – 2005). Su objetivo es contribuir a los debates contemporáneos sobre la historiografía y curadoría del arte con el fin de mejorar el intercambio de conocimientos y la creación de redes en las artes visuales y la cultura entre la Europa del este y central. En su primera edición se otorgó al colectivo WHW de Zagreb y en el 2010 se ha concedido al profesor Piotr Piotrowski, directo hasta hace poco del Museo Nacional de Varsovia.

La ceremonia de entrega del Premio Igor Zabel de Cultura y Teoría 2010 tendrá lugar este año en Barcelona, fruto de la colaboración de la Fundación ERSTE (Viena) y el MACBA. Con motivo de la entrega de premios se ha organizado un seminario con el título Escribir la historia del arte. Diálogos en el presente continuo, que pretende ampliar el ámbito geográfico del Premio Igor Zabel mediante la conexión de la historiografía de la Europa del este y central con otros contextos culturales y geográficos, en particular el sur de Europa.

El profesor Piotr Piotrowski impartirá la conferencia inaugural del seminario, “Writing Art History after 1989”. En ella propone considerar la fecha de 1989 no solo como la caída del comunismo en Europa del este, sino como el inicio de un proceso global, y con ello plantea la posibilidad de redefinir los términos de la historia del arte. La conferencia “Peuples exposés, peuples figurants” del profesor Georges Didi-Huberman (École d’Hautes Études en Sciences Sociales, París) abrirá el horizonte del seminario: de la historiografía del arte al saber sobre las imágenes.

Ambas conferencias constituirán el punto de partida para un debate abierto entre seis historiadores y comisarios que trabajan en diferentes contextos geográficos. Los participantes son Edit András (historiadora del arte, Budapest), Fouad Asfour, (lingüista y escritor independiente, Johannesburgo), Zdenka Badovinac (directora de la Moderna Galerija de Ljubljana), Ivet Curlin (miembro de WHW, Zagreb), Daniel Grún (historiador del arte, Bratislava) y Laurence Rassel (directora de la Fundació Antoni Tàpies, Barcelona). El debate será moderado por Chus Martínez, conservadora jefe del MACBA. – Programa

Viernes 10 de diciembre, de 16 a 19.30 h

Writing Art History after 1989
Conferencia de Piotr Piotrowski

Peuples exposés, peuples figurants
Conferencia de Georges Didi-Huberman

Debate
Con Edit András (historiadora del arte, Budapest), Fouad Asfour, (lingüista y escritor independiente, Johannesburgo), Zdenka Badovinac (directora de la Moderna Galerija de Ljubljana), Ivet Curlin (miembro de WHW, Zagreb), Daniel Grún (historiador del arte, Bratislava) y Laurence Rassel (directora de la Fundació Antoni Tàpies, Barcelona). Moderadora: Chus Martínez, conservadora jefe del MACBA. – Precio Auditorio MACBA. Entrada libre. Aforo limitado.
Con traducción simultánea

MACBA
Plaça dels Àngels, 1
08001 Barcelona
Tel +34 93 412 08 10
Fax +34 93 412 46 02

Horario de invierno
Del 25 de septiembre al 23 de junio

De lunes a viernes, de 11 a 19.30 h
Sábados, de 10 a 20 h
Domingos y festivos, de 10 a 15 h
Martes no festivos, cerrado
25 de diciembre y 1 de enero, cerrado

Luis Seoane. Arte e industria; A Coruña

Últimas entradas Broad.cat; BCN

Entrada socios FAD: 20 €

Entrada normal: 60 €

Entrada grupo 4 personas*: 40 € (por persona)

Entrada grupo 8 personas*: 20 € (por persona)

Precios con IVA incluído

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Projecte El dit a l’Ull

El 2010, a causa de la conjuntura econòmica, decidim muntar una editorial per a la creació de material litogràfic en el format que sigui i així donar sortida als nostres propis projectes; al mateix temps, obrim un espai de col·laboració amb les inquietuds creatives de la nostra ciutat i, per tant, del món sencer.

ELDITAL’ULL (de moment) som Alain Chardon, Regina Giménez i Rafel G. Bianchi.

El 1989 ACh munta un taller litogràfic on han treballat tot tipus d’artistes, en les seves estones lliures juga amb cercles i rombes. En les seves estones lliures, RG es dedica a jugar a les casetes. En les seves estones lliures, RGB no és humorista, simplement explica acudits més o menys dolents. Quan ACh s’ajunta  amb RG surten Quatricromies; quan RG s’ajunta amb RGB surt Winners;La casa de la platja. De què va? quan RGB s’ajunta amb ACh no surt res, encara; però quan ACh, RG i RGB s’ajunten, surt

In 2010, in response to the economic situation, we decided to launch an independent arts press for the publication of lithographic works in diverse formats. Our goals were twofold: to provide a platform for our own projects and to engender collaboration with the creative restlessness of our city, and by extension, with the entire world.

ELDITAL’ULL (currently) are Alain Chardon, Regina Giménez and Rafel G. Bianchi.

In 1989 ACh founded a lithography studio where all manner of artists have worked. In his free time he plays with circles and rhombuses. In her free time, RG plays house. In his free time, RGB isn’t a comic, he just explains relatively bad jokes. When ACh and RG get together, the result is Cuatricomías. When RG and RGB get together, the result is Winners. When RGB and ACh get together, the result is nothing, yet. But when ACh, RG and RGB get together, the result is La casa de la playa. What’s up with that?

La casa de la playa és el primer llibre d’una col·lecció que pretén transcendir el propi llibre d’artista per  convertir-se en un llibre infantil per acolorir en la seva edició facsímil. L’estructura del llibre es basa en els llibres de decoració dels anys 60 i 70, que a manera de manual d’ajuda, contenen un índex i un recorregut per a cada habitació de la casa descrivint les possibilitats de decoració i la paleta de colors.

Com llibre d’artista, La casa de la playa consta de 10 litografies de 50 x 70 cm., impreses a dues cares sobre paper Hahnemühle 300gr. S’ha realitzat una edició de 7 exemplars numerats del 1 al 7 i tres proves d’artista numerades pa. del 1 al 3. L’enquadernació ha estat realitzada per Àngels Arroyo.

The first book of a collection, La casa de la playa intends to transcend the artist’s book by transforming itself into a children’s coloring book in its facsimile edition. The book is modeled after interior decoration books of the ‘60s and ‘70s which, as instruction manuals, feature an index and a tour of each room detailing all the options for color palette and decor.

As an artist’s book, La casa de la playa comprises 10 lithographs, 50 x 70 cm, printed double-sided on Hahnemühle 300gr paper in a numbered edition of 7, and 3 numbered artists’ proofs. They were bound by Àngels Arroyo.

Manifesta 8; Cartagena-Murcia

La Bienal Europea de Arte contemporáneo, Manifesta 8 tendrá lugar  durante 100 días en las ciudades de Murcia y Cartagena en edificios históricos, museos, espacios no convencionales y varios canales de medios de comunicación. El festival convierte estos lugares emblemáticos en sedes expositivas.

Desde su primera edición hace 15 años, Manifesta se ha interesado en la idea de romper barreras, cruzar fronteras y construir puentes. Al incorporar exposiciones, performances, eventos multimedia e intervenciones en medios de comunicación, Manifesta 8 destaca lo mejor del pensamiento, la investigación y la experimentación artística, contando con artistas y colectivos de distintos orígenes y continentes, y prestando este año especial atención al diálogo entre Europa y el Norte de África.

Manifesta cambia de sede cada dos años para dar respuesta en cada edición a distintos factores sociales, políticos y geográficos. Desde 1996, se ha celebrado en Rotterdam, Luxemburgo, Liubliana, Frankfurt, Donosti-San Sebastián, Nicosia y Trentino-Alto Adige. Si en ediciones anteriores Manifesta se ha centrado en la relación entre Occidente y el antiguo bloque del Este, el objetivo de Manifesta 8 será analizar la división norte-sur y, en especial, las fronteras actuales de Europa

Está dirigido por tres colectivos curatoriales independientes, cada uno de los cuales desarrollará un proyecto propio como contribución curatorial. Los colectivos son ACAF (Alexandria Contemporary Arts Forum), CPS (Chamber of Public Secrets) y tranzit.org

Es importante insistir en el hecho de que la práctica del comisariado colectivo se encuentra en el origen de Manifesta. Se trata de un elemento esencial para la creación de nuevos –y flexibles- modelos conceptuales y expositivos en los que tanto los artistas como otros agentes culturales son invitados a experimentar.

Los tres colectivos que comisarían Manifesta 8 han sido seleccionados –además de por otras meritorias consideraciones-, por su conocimiento específico de la historia social de la región de Europa central y del Norte de África.

Estos tres colectivos de comisariado han optado por trabajar de forma independiente en diversos lugares y emplazamientos. De esta manera, a pesar de que cada uno tiene sus propias sedes, también presentan zonas de intersección, ya que colaboran entre ellos en las condiciones locales que les rodean.

Otra de las singularidades de Manifesta 8 es que muchos de los artistas que participan en la Bienal no proceden sólo del mundo del arte visual sino de otras diversas áreas. Son productores cinematográficos, escritores, filósofos, especialistas en medios de comunicación, activistas sociales, etc., de manera que esta circunstancia proporciona una extraordinaria variedad en las diferentes producciones (algo nada común en la mayoría de las Bienales).

Manifesta 8 presta especial atención a las actividades educativas. Se ha creado un programa especial de mediación en arte para investigar y reflexionar junto con nuestros visitantes sobre las obras y los conceptos que se presentan en Manifesta 8. Durante las horas de apertura se realizaran visitas guiadas en español, inglés, árabe, francés, alemán e italiano, al igual que un abanico de proyectos especiales, material educativo y actividades para escuelas y estudiantes de arte. www.manifesta8.es/medular .

www.manifesta8.es / www.manifesta.org

CRÉDITOS FOTOS

© Pablo Ferao 2010

27º HipermercART; Barcelona

Del 25 noviembre 2010 al 10 enero 2011

Un año más, con HIPERMERC’ART nos proponemos  mantener nuestros objetivos:

1 – potenciar el coleccionismo: con nuestra fórmula “precios Prêt-a-porter calidad Haute couture”

2 – dar a conocer nuevos artistas: la mejor selección de nuevas promesas pero no te pierdas los consagrados que hemos rescatado y que tienen unos precios de hasta un 40% menos que su cotización habitual!

Por si no recuerdas: HIPERMERC’ART es una exposición de arte contemporáneo poco convencional: nuestra selección rigurosa de los mejores artistas y sus mejores obras, sólo originales, en un formato de exposición que incluye los ingredientes más atractivos de los hipermercados –self-service- para que, sin complejos y sin prejuicios te acerques de verdad al mundo del arte y de los artistas. Aprovecha la oportunidad y difruta no sólo con mirar sinó con compra el mejor arte contemporáneo, garantizado por profesionales. Los formatos y los precios –a partir de 59 euros- se ajustan a todas las nóminas y es que no queremos que el arte sea solamente una cuestión de mucho dinero.

Te aconsejamos que no te dejes llevar por los miedos de crisis, los artistas te demostrarán que el arte no está en crisis y que su potencial creador no tiene límites. Y además, les hemos convencido para que mantengan sus precios a raya!

Algunos nombres: Perico Pastor, Jordi Pintó, Jorge Zambrano, Vero Cendoya, De Val, TV Boy…

HIPERMERC’ART es una manera de ver y comprar arte diferente a la habitual. Recreamos un autoservicio con todos sus elementos más característicos  para que, sin complejos y sin prejuicios, te acerques de verdad al mundo del arte y de los artistas. Pero no olvides que el contenido son obras de arte, sólo originales que algún día pueden multiplicar su valor.

Ten calma, disfruta y aprovecha la ocasión que te brindamos. Hemos hecho la mejor selección para ti, para ponértelo más fácil. Practicar el coleccionismo es tan sencillo que comprar arte pasará a  formar parte de tu vida.

Así pues, acepta nuestros consejos para practicar el coleccionismo en 6 pasos:

1º- paséate por la exposición y tendrás una visión panorámica de todos los artistas que están exponiendo. Te proponemos una selección de fotógrafos geniales, escultores con mucho talento y grandes maestro de la pintura.

2º- ¿reconoces algún estilo, tendencia, algún nombre? Este año hemos rescatado algunos artistas que seguro que ya conoces y también puedes atreverte a buscar nuevas propuestas porque todos los participantes han pasado nuestra exigente selección, por tanto: CONFÍA.

3º-¿ya has localizado a tus preferidos? Cada artista tiene su currículum a la vista, su trayectoria te dará una idea de si es una joven promesa o ya es un valor seguro: tu decides, pero si quieres más asesoramiento, puedes preguntarnos.

4º- De entre las 60 obras que presenta cada artista, puedes escoger entre tres tamaños –grande, mediano y pequeño– también puedes hacer combinaciones. La obra que está enmarcada te ayudará a ver el resultado final .

5º- ¿El precio? Ni te preocupes, lo tienes a la vista, a partir de 59 euros el primer original de una gran colección puede ser tuyo. Y todas las obras tienen su propio certificado de autenticidad. En HIPERMERC’ART pasar por caja es una delicia.

6º –  Date otra vuelta y piensa en los demás: el arte también se puede regalar y tus familiares y amigos te lo agradecerán.

Así de sencillo, en HIPERMERC’ART todo está pensado para que practicar el coleccionismo no tenga ninguna dificultad. Aún así, nuestro equipo humano está a tu disposición para hacerte sugerencias y responder a todas tus preguntas.

27ºHIPERMERC’ART

La Sala Vinçon

Passeig de Gràcia, 96 – Barcelona

25 noviembre 2010 – 10 enero 2011

Más información:

Galeria Safia / Natalia Foguet & Àngels Garcia

safia@galeriasafia.com

http://<www.galeriasafia.com>
http://<www.artpresent.net>

Sensxperiment 2011;Córdoba

Sensxperiment: Inmersión Sensorial presenta una serie de obras que en su mayoría comparten un lenguaje abstracto y que buscan oponerse, en su exhibición y recepción, a la deliberada frontalidad tradicional de los espectáculos audiovisuales. De este modo nuestra intención es pensar sobre esta tendencia creciente, sobre su relación con otras artes y sobre su relevancia histórica y estética.

Dentro de esta reflexión se han traído algunas obras clásicas ya definidas o clasificadas en estilos como el estructuralismo y el minimalismo. Estas obras no sólo se programan ahora por las subversiones formales, lingüísticas y teóricas que presentaron en su día, sino por el modo en que cambiaron la percepción del espectador y por la influencia que han dejado en trabajos audiovisuales posteriores.

Quizás por estar dentro de las vías de esas vanguardias históricas, la mayoría de los trabajos que se presentan desarrollan un lenguaje abstracto, llevándolo muchas veces hasta sus últimas consecuencias.

Es el caso de las obras que a partir de las investigaciones de las flicker films, hacen de proposiciones estructurales y materialistas el principio de una herramienta que puede llegar a producir alucinaciones, epilepsia y otras alteraciones neurológicas.

Es fácil ver cierta continuidad entre estos antecedentes y algunas de las obras mas recientes presentadas en el encuentro. Sin embargo estas últimas, conscientes de los efectos descritos, trabajan sobre ellos en lugar de sobre la experimentación lingüística del medio. Este factor es posiblemente el que mejor define las obras mostradas en Sensxperiment, presentes tanto por su relevancia en la experimentación  artística, como por las alteraciones sensoriales que producen en el espectador.

Por otra parte, esta preocupación por los efectos en la percepción lleva inevitablemente a repensar los lugares de exhibición oponiéndose a la frontalidad que exigían la pantalla, el teatro o la sala de conciertos. La gran mayoría de la cultura producida para esos espacios se basa en una representación normativa del espacio, en la que a través de la mirada, el espectador se incluye en el tiempo de una narración. Ese modelo potencia un espectador que mira y escucha la pantalla, se abstrae de su propio tiempo y en definitiva se entretiene. Si las narraciones audiovisuales llevan nuestro cuerpo a otro espacio para que allí nos impliquemos en una historia, lo inmersivo hace que el espacio en el que estamos parezca desaparecer o, con suerte, que parezca que va a desaparecer nuestro cuerpo.

La transfiguración del espacio ya está presente, en cierto modo y de manera seminal, en algunas de las obras históricas aquí presentadas. En el momento actual en que las salas de cine como espacios de exhibición de cultura están en crisis, algunas de estas propuestas permiten replantearse una manera de transformar dichos lugares.

Así el cine en directo y los espectáculos multimedia, que también han aprendido mucho en los clubes de música, hacen del audiovisual un espacio donde prima la experiencia por encima del relato.

Esta puesta en contexto, sumada al resto de eventos que depara Sensxperiment, trata de repensar la naturaleza del audiovisual comúnmente entendido desde la imagen. Visto y leído pero rara vez escuchado. Trata, en definitiva, una serie de trabajos que permiten conocer lo audiovisual desde su naturaleza mixta salvando la hegemonía de lo visual. Con esta invitación a escuchar las imágenes, se presenta este ciclo audiovisual de Sensxperiment: Inmersión Sensorial.

Efecto Flicker: la Dream Machine

Exposición.
Del 6 al 20 Octubre 2010. Inauguración 6 Octubre 21.00h
Sala la Etiqueta me duele. Lucena
Descrita como “la primera obra de arte para ser observada con los ojos cerrados”, la Dream Machine es
un dispositivo que puede provocar un estado de ensoñación y fenómenos perceptivos como la visión de
patrones de formas y colores.
FLicKeR es un documental que narra la historia de la Dream Machine y de su creador, Brion Gysin. La
película entrelaza la historia de la propia máquina con testimonios de músicos, artistas y algunos
conocidos de Gysin que experimentaron con ella en sus inicios.

Optical Machines (SHIFT)

Live Cinema por Rikkert Brok y Maarten Halmans (NL)
Martes 19 Octubre 2010 / 20.00h Filmoteca de Andalucía. Sala Val del Omar. Córdoba
www.opticalmachines.nl
(SHIFT) constituye una auténtica experiencia audiovisual en directo. (SHIFT) es una Caja de Pandora. Un
ingenioso dispositivo con una batería de luces forma la base tecnológica para un juego basado en
patrones de interferencia y animación abstracta. Imágenes de luz generadas, manipuladas, mezcladas y
proyectadas en directo, empleando construcciones electromecánicas. La banda sonora se genera a partir
de la intensidad de la luz y afecta a su vez a esta, creando así una interacción directa entre sonido e
imagen.

Synchronator

Live Cinema por Gert-Jan Prins y Bas van Koolwijk (NL)
Miércoles 22 Diciembre 2010 / 20.00h Filmoteca de Andalucía. Sala Val del Omar. Córdoba
www.synchronator.com
SYNCHRONATOR es un proyecto audiovisual elaborado por Gert-Jan Prins y Bas van Koolwijk
(Holanda). En él los autores han desarrollado su propia electrónica, combinando los actuales medios
digitales y analógicos con la intención de crear un nuevo uso de las cualidades visuales de estas
técnicas. El proyecto es una continuación de los experimentos específicos entre la imagen y el sonido
llevados acabo en los primeros años de las practicas del video arte.

David Israel, Así pasa cuando sucede;Zaragoza

Del 07.09.10 al 07.11.09

Muchas series fotográficas se convierten en narraciones sobre un lugar desde diferentes perspectivas espaciales y emocionales. Esto abre múltiples posibilidades de apreciación y de realización, consigue matices y detalles que desde cualquier otro punto de vista cambiarían.
David Israel ha deambulado y deambula por México grabando imágenes en su retina y explorando diferentes opciones compositivas sobre el papel, esperando las luces y experimentando las sombras, escuchando y observando. Cuando las limitaciones del espacio no le permiten ahondar sobre el propio terreno, opta por la carga conceptual, por el simbolismo.
Una de sus características es su capacidad de convertir las imágenes en respuestas expresivas a interrogantes personales y universales que varían según el contexto y las historias asociadas a cada una de ellas. Son fotografías enigmáticas y a la vez agradables. Nos hacen reflexionar y meditar. Nos atrapan y nos permiten, en cierto modo, guardar distancia, logrando así la tranquilidad en la contemplación de las mismas.

David Israel ha optado por alejarse del mundo aséptico de la sala de exposiciones para adentrarse en otros espacios, para transformar y llenar de contrastes el concepto expositivo. Explora lugares a través de detalles.
Su propuesta es una experiencia mucho más rica y compleja porque quizás consigue “sacudir” nuestras sensaciones. Las emociones y nociones, como tensión o calma, que transmite a través de una fotografía son intensas y sutiles al mismo tiempo, como si fueran contradicciones llenas de elocuencia.
El color siempre devela en su trabajo la pasión por la vida, los colores vivos, los colores populares, cotidianos y tan habituales a su alrededor que marcan el ánimo de las obras. Ciudad de México, es el paraíso del cemento, este cubre todos los sitios, pero el color surge de entre sus
grietas.
En su trabajo la luz cobra una relevancia especial. No sólo la luz natural sino que también aparecen reflejos de fluorescentes y de neones, no como luz sino como color en volumen, como dibujo en el aire.
La serie fotográfica expuesta no se entiende sin el conjunto escultórico que la acompaña.
Ambas confluyen continuamente, mezclándose de tal manera que no se sabe si son esculturas que tocan la pared o fotografías que tocan el suelo.
David Israel presenta estos trabajos como un talento original y con una técnica perfecta.
En realidad, nada es verdadero y nada es falso. Cada representación obedece a una manera de entender el mundo.
La obra de David Israel aparece como una alternativa lícita y necesaria. Consigue emocionarnos.

Fuente: Texto de Ana Revilla, Comisaria de la Exposición

www.obrasocialcajamadrid.es
Espacio para el Arte
Plaza de Aragón, 4
50004 Zaragoza
T. 976.239.262

Charuca expone en Atticus

Charuca nos ha enviado la siguiente nota de prensa:

“Por fin os podemos invitar a nuestra primera exposición en solitario.
Será en Atticus BCN, una tienda-galería ubicada en uno de los lugares con más encanto del gótico en Barcelona.
Os enseñaremos nuestros últimos trabajos, recién salidos del laboratorio Charuca, además de alguna sorpresa ^___^.
Venid a la inauguración el jueves 16, de 8 a 11 de la noche. Habrá buena música, la mejor gente y Charuca en cantidad.”

A todos los que penseis pasaros por allí, tened mucho cuidado y no lleveis demasiado dinero encima. Atticus es un vicio y el dinero vuela si además le sumamos las obras de Charuca es como para fundirse la paga del mes en un sólo lugar

Becas y Seminarios Museo del Prado

Becas

El Museo del Prado otorgará 15 becas para jóvenes profesionales que no superen los 35 años y posean una titulación superior relacionada con los contenidos del curso. La obtención de la beca supone la exención de las tasas de matrícula y la participación obligatoria en una serie de seminarios específicos que profundizan en los contenidos del curso, que tendrán lugar los viernes siguientes a la conferencias a las 10.00 h, en el Centro de Estudios del Museo del Prado (Casón del Buen Retiro, c/Alfonso XII, 28).

Los interesados deberán rellenar la solicitud en el siguiente formulario

Formulario Beca Cátedra del Prado 2010

La selección de los becarios se realizará analizando su expediente académico y su perfil formativo, así como su conocimiento de los idiomas italiano e inglés, elemento esencial para la participación activa en los seminarios. Además deberán presentar con la solicitud un breve texto de no más de 500 palabras como explicación sobre los motivos para realizar el curso.

Plazo de presentación de solicitudes para becas: Del 28 de junio al 30 de septiembre de 2010.

El listado de becarios seleccionados se publicará el 15 de octubre 2010 en la página web del Museo para que puedan acreditar la documentación y los méritos alegados.

Seminarios

Viernes desde noviembre 2010 a abril de 2011

Aula 1 Casón del Buen Retiro

Viernes 26 de noviembre de 2010

La historia de la pintura griega en las fuentes clásicas

Viernes 3 de diciembre de 2010

Algunos vestigios del dibujo en la Antigüedad

Viernes 25 de febrero de 2011

Dibujos de la Antigüedad: el Codex Escurialensis

Viernes 4 de marzo de 2011

Dibujos y textos de Miguel Ángel

Viernes 8 de abril de 2011

Los dibujos de Poussin

Viernes 15 de abril de 2011

Dibujos de Rubens y Van Dyck 1620-1630

Arte español de los años 50 y 60; Barcelona

Equipo Crónica, El embalaje, 1969.

Humano, demasiado humano. Arte español de los años 50 i 60

Del 16 de septiembre de 2010 al 20 de febrero de 2011

La idea de la muestra parte del libro Humano, demasiado humano con el que Friedrich Nietzsche se enfrentó al ideario romántico alemán inaugurando así una suerte de humanismo que revalorizaba de nuevo al hombre común y se alejaba radicalmente de ese sentido trágico tan característico de las estéticas de finales del siglo XIX.

La exposición muestra un conjunto de obras de los años 50 y 60 que pertenecen a la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación “la Caixa”, entre las que figuran piezas de Antonio Saura, Manuel Millares, Antoni Clavé, José Guerrero y Equipo Crónica.
Junto a éstas, se incorporan una serie de pinturas muy significativas de Picasso, Dalí y Tàpies, aportadas por otras colecciones catalanas como la Fundación Gala Salvador Dalí de Figueres, el Museo Picasso de Barcelona y la Fundación Antoni Tàpies.
La muestra se completa con una selección de películas de la misma época que muestran el mismo espíritu de experimentación que la pintura. Se podrán ver películas de cineastas tales como Juan Antonio Nieves Conde, José Val del Omar, Frédéric Roussif o Joaquim Jordà, entre otros.

La exposición quiere destacar valores radicales en la interpretación del arte de este período, como son la relevancia adquirida por las diversas iconografías basadas en la representación de la figura humana, la experimentación técnica con materiales, soportes y formas por parte de los pintores o el análisis crítico de la historia de la pintura y la crítica social.

Información Complementaria

• Conferencia
  

  Humano, demasiado humano. Conferencia inaugural

  15/09/2010
  BARCELONA

• Visita comentada – Guiada
  

  Humano, demasiado humano. Arte español de los años 50 y 60. Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”. Visitas comentadas para grupos

  Del 17/09/2010 al 20/02/2011
  BARCELONA

• Visita comentada – Guiada
  

  Humano, demasiado humano. Arte español de los años 50 y 60. Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”. Visitas comentadas para el público general

  Del 18/09/2010 al 19/02/2011
  BARCELONA

CaixaForum Barcelona.

Av. Ferrer i Guàrdia, 6-8. 08038 BARCELONA

Desde Buenos Aires se presenta DeLasAguas

Juan Cascini nos ha escrito para presentar y para que conozcamos el proyecto experimental argentino DeLasAguas. Parece un proyecto interesante, así que os dejo la información que me ha enviado.

DeLasAguas es una agrupación creativa multimedial que combina música y videoarte, para lograr una forma única de entretenimiento.

DeLasAguas oscila en estilos tan dispares como la bossa nova, el funk, la psicodelia, o el stoner en lo sonoro, como el abstracto o el surrealismo en sus visuales, amparados bajo una misma línea estética y un concepto tan arraigado que sorprende todo el tiempo y nunca logra aburrir.

Los conciertos están cargados de adrenalina y fuerza, sin dejar de lado la producción minuciosa de sus canciones, la prolijidad y el buen gusto.

Sin silencios entre canciones, ni pausas para dialogar con el espectador, dan paso a un set de 14 cortas piezas que requieren atención constante y le proponen a uno dejarse llevar por el espacio-tiempo.

Las visuales originales, realizadas en tiempo real completan el espectáculo, generando algo totalmente personal y fresco y logrando esa perfecta comunión entre la imagen y el sonido.

En el grupo participan el videasta Javier Devitt (www.javidevitt.com.ar) en medios visuales y el ilustrador Franco Pellicciaro (www.francopellicciaro.blogspot.com) en gráfica, guionista y dibujante de la historieta experimental Los sueños de Pellicciaro.

Sus conciertos pudieron verse en Capital Federal, Gran Buenos Aires, Mar del Plata, Miramar, Santa Clara, Rosario, Córdoba y Entre Ríos entre otros.

En estos momentos DLA se encuentra presentando su más reciente disco/historieta: “Los sueños de Pellicciaro”, grabado y producido íntegramente por DeLasAguas en Estudio Fausto, y mezclado junto a Marcelo Di Gregorio (The Tandooris, Motosierra) en el Estudio Chatterbox y masterizado en CeroUno por Osvel Costa (León Gieco, Soledad Pastorutti) y Marcelo di Gregorio.

DeLasAguas cuenta con cuatro videoclips en alta definición, realizados en forma totalmente independiente, dirigidos por Javier Devitt.
Porno: http://vimeo.com/4430693
FlorenciaBajoLasAguas: http://vimeo.com/3762938
Lección7: http://vimeo.com/6944054
NuevoDia: http://vimeo.com/13394446

DeLasAguas es
Juan Manuel Duran – Guitarra y voces
Pablo Cascini – Bajo y voces
Charly Garassino – Guitarra y voces
Joa Molina – Batería
Javi Devitt – Visuales
Franco Pellicciaro – Gráfica
Florencia Pérez Fernández – Manager

Basurama. Lector universal de formatos;Gijón

VIE, 30 JUL 2010 – LUN, 20 SEP 2010

Homesession organiza una charla con Adam Davis;BCN

Homesession organiza una charla con el artista de Los Angeles Adam Davis, en Barcelona el 22 de agosto.

http://www.homesession.org/03_blog/index.php?post/Adam-Davis-will-present-is-work-on-Sunday-22-of-August-2010

Los Angeles based artist Adam Davis explores a variety of themes that goes from body politics to metaphysics. Part of his work tackles with the notion of manifest masculinity, with accepted and expected male behavior or expressions thereof, relating cultural symbolic system and the assets it sustains. The link between masculinity-in-context and social representations has led Adam Davis to deal with the question of structural
dominations in the social relations: comparing both cultural and economic domination’s schemes of internalized rejections and fantasies, the artist focuses on the way different kinds of narrations get interwoven and interact mutually.

Would metaphysics be a better field for universality and permanence? Adam Davis’ recent works question the representations, aspirations and values given to a possible experience beyond the physical universe. With this new perspectives that certainly enlighten the most melancholic features of his works, Adam Davis goes on working and language and its
structures as well as the most ethereal aspects of our fantasies.

Adam Davis, 12th resident at homesession, will present the guidelines of his works as well as the recent developments he’s been working on at Makan Project Residency (Amman, Jordan) and homes

Please confirm assistance by email, due to limited space. olivier@homesession.org

Exposición de Victoria Civera; Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta Atando el cielo, un recorrido por la trayectoria pictórica de la última década de Victoria Civera y en la que se incluyen obras nunca expuestas hasta el momento. Una selección de pinturas realizadas en distintos formatos y con materiales diversos. Las creaciones de Victoria Civera abren su particular espacio femenino en el mundo del arte para expresar la condición de la mujer y su realidad.

Trabajos que oscilan entre la abstracción y la figuración y en los que vuelca sus sentimientos, emociones y experiencias vitales, confiriéndoles gran expresividad y una fuerte tensión emocional.

Del 28 de mayo al 29 de agosto

C/ Alemania, s/n 29001 Malaga Spain
T: 00 34 952 12 00 55 – F: 00 34 952 21 01 77 –

E: cacmalaga@cacmalaga.org

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