Reabre el Centre d’Art d’Alcoy

El 28 de diciembre de 2010, el edificio modernista del Monte de Piedad inicia su última aventura respetando la función para la que fue construida y que no es otra que servir a la ciudadanía. Y así, nace de la mano de Caja Mediterráneo el CADA, el Centre d’Art d’Alcoy. En el CADA se compartirán nuevas experiencias expositivas, culturales y sociales. Es un centro de arte necesario y añorado en el que tiene cabida cualquier expresión artística, tanto clásica como vanguardista.

Pero es preciso retroceder en el calendario para comprender la existencia del CADA. Porque fue el 22 de septiembre de 2000, dentro de los actos de conmemoración del 125 aniversario del Monte de Piedad y Caja de Ahorros de Alcoy, se reúne en Alcoy el consejo de administración de CAM, y entre los distintos acuerdos que se adoptan, se decide “promover la creación de un Instituto Mediterráneo de Arte Moderno, para todo el ámbito operativo de CAM, cuyo centro será Alcoy, lo que se plasmaría en la ubicación de un museo de dichas características en esta ciudad”.

Este convenio será una realidad gracias al acuerdo firmado con la Conselleria de Cultura de la Generalitat Valenciana, a través del cual se crea un Centro de Arte en el que se exhibirán muestras del primer nivel. El CADA también se convertirá en un centro que aglutine una ambiciosa programación cultural coordinada y programada por la Obra Social de Caja Mediterráneo, dando cabida a cualquier expresión artística.
El CADA se crea para la exposición del arte más actual y moderno, pero también para alternarlo con aquellos movimientos artísticos de otras épocas que, por su interés y relevancia, puedan ser del interés general.

La distribución del CADA
El edificio modernista del antiguo Monte de Piedad de Alcoy cuenta con más de 4.000 metros cuadrados de superficie y se divide en tres grandes plantas. La planta baja y la segunda altura estarán gestionadas por Obra Social CAM. En la baja, también, podremos encontrar dos salas que rememoran la Historia de Caja Mediterráneo y del edificio. Esas dos salas son La del Consell y de La De Juntas, que formarán parte del proyecto RAICES de Caja Mediterráneo con el que recupera y rememora la historia  y los orígenes de la entidad.

La planta primera estará gestionada por el Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana. Por allí pasarán las exposiciones de primer orden que se programen desde este estamento dentro de su completo circuito.

Una de las novedades más destacadas de CADA es la creación en la segunda planta de la Sala Net Art, un espacio pensado para las creaciones vanguardistas como el video-art, espacio sonoro, video-danza y  performance. Las mismas dependencias contarán con un estudio de grabación, dos salas de talleres y un salón de actos con capacidad para 180 personas dotadas con traducción simultánea, video conferencia y las instalaciones tecnológicas más avanzadas.

Entre los objetivos fundacionales, CADA programará actividades que provoquen notoriedad e interés en el público objetivo complementarias e interrelacionadas incidiendo en la formación e interactividad con la comunidad autónoma y los agentes culturales nacionales e internacionales. Los eventos convocados se orientan hacia la diferenciación por la vía de la especialización y la innovación. El apartado de formación se centrará especialmente en las nuevas tecnologías.

Flux 2010. Festival de vídeo d’autor;BCN

Cinquena edició del festival de vídeo d’autor FLUX, caracteritzat des dels seus inicis per focalitzar el protagonisme en els autors que treballen en el camp del vídeo de creació (videoart, documental de creació, videoinstal·lacions, etc.).

Aquest any els autors centrals del festival són NORA ANCAROLA, CARLES CONGOST, NÚRIA FONT, JOAN MOREY, MARÍA RUIDO i MIREIA SALLARÈS, amb PROJECCIONS MONOGRÀFIQUES, COL·LOQUIS amb els autors i l’estrena dels seus AUTORETRATS, obres inèdites encàrrec del festival.

A més, es presenten dues videoinstal·lacions on s’experimenta amb formats alternatius de presentació de les obres videogràfiques:
FLUX VideoCapsa, videoinstal·lació col·lectiva integrada per vídeos de XAVI CASADESÚS & PABLO PAZ, LIS COSTA, ELENA FERRER, JOAN LOPEZ LLORET & MERI COLLAZOS, SÍLVIA MESTRES, TOMMASO PEDONE, TONI SERRA, JACOBO SUCARI, EUGENIO TISSELLI i ESTER XARGAY;
i FLUX MUT, videoinstal·lació silenciosa encarregada a TRES.

INAUGURACIÓ dijous, 9 desembre 2010 | 20h amb l’espectacle de SÒNIA GÓMEZ “Experiències amb un desconegut Show”. Participants:

entrada lliure | aforament limitat ENLLAÇOS RELACIONATS
www.fluxfestival.org Comissariat: Organitza:
HABITUAL VIDEO TEAM

9 – 12 desembre, 2010
sala d’actes i espai balcó

Drap-Art 2010; Barcelona

El Festival Internacional de Reciclaje Artístico de Cataluña, vuelve a Barcelona el próximo mes de diciembre para celebrar su séptima edición en el formato actual. Este año, como novedad, además de la tradicional feria de arte y diseño de Drap-Art el fin de semana antes de Navidad (17, 18 y 19 de diciembre), también habrá una feria de Reyes, los días 3, 4 y 5 de enero. La exposición se mantendrá en el CCCB hasta el día 9 de enero de 2011. Las actividades se prolongarán durante todo el festival entre el 17 de diciembre y el 9 de enero, concentrándose en los días de las ferias.

Drap-Art ha vuelto a demostrar su poder de convocatoria con casi 300 proyectos recibidos para participar en la nueva edición. Entre ellos se han elegido más de 100 piezas de 33 artistas seleccionados, además de 10 artistas invitados que también exhibirán sus obras durante el certamen.

Instalaciones, mobiliario, moda y piezas rompedoras

Las obras seleccionadas en el Drap-Art’10 muestran la constante evolución del reciclaje artístico y sus innovadoras aplicaciones. Este año podrán verse, entre otras, la instalación del segoviano Daniel Marazuela, I used to be the Forest, una calavera de más de un metro de alto realizada con láminas de madera y contrachapado reutilizados como alegoría del proceso de “destrucción” y “reconstitución” de los recursos naturales.

Las corbatas se convierten en serpientes (Mercado Financiero, Alberto Carvajal), los capullos de seda en un impermeable infantil (Pantocrator, Tere Martínez) y hasta los corchos usados adquieren la forma poética de un animal volador de la mano de Jorge Fabián Castillo, mexicano afincado en Barcelona. Junto a estas piezas, entre muchas más, una lámpara de pie realizada con cintas de cassette que ha recibido varios premios de ecodiseño (Casette is not dead, Vanesa Moreno Serna), bombonas de butano que adoptan nuevas formas decorativas (Phoenicoperus y Pandora, Armengol Tolsà-Badia, alias Ermengol), comederos de pájaros realizados con pan reciclado, sal, agua, látex ecológico y madera que acercan la naturaleza a nuestro entorno (PICOPAN, Amalgamastudio), o las curiosas esculturas robóticas que el milanés Andrea Petrachi, uno de los artistas invitados crea con materiales reciclados, viejos muñecos y objetos electrónicos rotos.

Exposición e intercambios internacionales

El festival de este año articulará sus actividades en torno a distintas modalidades: exposiciones colectivas de obras de arte y objetos de diseño realizados con materiales reciclables, intervenciones en el espacio público, ferias tradicionales de arte y diseño, talleres, conferencias, espectáculos audiovisuales y cine del medio ambiente. Por tercer año consecutivo, el Grupo Hera otorgará el premio Residu’Art en las categorías de “Artista Emergente” y “Artista Profesional”.

El festival apuesta de nuevo por el intercambio cultural entre países y generaciones, con artistas noveles y consolidados, tanto nacionales como internacionales (Argentina, Colombia, México, Italia, Kenya, Japón…). Además, este año, fruto de la colaboración internacional, Drap-Art cuenta con la presencia en Barcelona del Design Quartier Ehrenfeld (DQE), un colectivo que ha creado en el distrito de Ehrenfeld (Colonia), un nuevo escenario para jóvenes diseñadores y creativos basado en el diseño urbano, la sostenibilidad y los nuevos entornos de vida y de trabajo. El pasado mes de junio, Drap-Art participó en el pdf-popdesignfestival que DQE organiza en su ciudad y ahora, fruto de este intercambio, el DQE presenta trabajos de sus artistas en el Drap-Art’10.

15 años de la Asociación Drap-Art

2010 es una edición muy especial para Drap-Art. Se cumplen 15 años de la creación de la asociación del mismo nombre, organizadora del festival y que promueve el reciclaje creativo en todas sus formas desde su sede, Espai Drap-Art, situada en una vieja carbonería del siglo XV rehabilitada en el casco antiguo de Barcelona (Groc, 1).

“Cuando organizamos nuestro primer evento, la Maratón de Creación y Reciclaje de Barcelona, en 1996, fue como una explosión de creatividad. El público nunca había visto nada igual y los participantes descubrieron que no estaban solos, que había muchos más artistas dedicados al reciclaje artístico. Ahora es muy gratificante ver cómo se ha ido extendiendo la idea y la sensibilidad sobre esta disciplina y el reciclaje en general”, comenta Tanja Grass, presidenta de la Asociación y directora del Festival Drap-Art.

Durante el Festival Drap-Art 2010 se celebrará el 15º aniversario de la asociación con espectáculos especiales. Se prevé que unos 20.000 visitantes pasen por esta edición, que acogerá a más de 150 artistas, entre músicos, talleristas, diseñadores, teóricos y artesanos.

CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona) y alrededores

Exposición colectiva Drap-Art’10 del 17/12/2010 al 09/01/2011

Ferias Drap-Art’10: 17, 18 y 19 de diciembre / 3, 4 y 5 de enero

Talleres, cine, conferencias y espectáculos

www.drapart.org

Projecte El dit a l’Ull

El 2010, a causa de la conjuntura econòmica, decidim muntar una editorial per a la creació de material litogràfic en el format que sigui i així donar sortida als nostres propis projectes; al mateix temps, obrim un espai de col·laboració amb les inquietuds creatives de la nostra ciutat i, per tant, del món sencer.

ELDITAL’ULL (de moment) som Alain Chardon, Regina Giménez i Rafel G. Bianchi.

El 1989 ACh munta un taller litogràfic on han treballat tot tipus d’artistes, en les seves estones lliures juga amb cercles i rombes. En les seves estones lliures, RG es dedica a jugar a les casetes. En les seves estones lliures, RGB no és humorista, simplement explica acudits més o menys dolents. Quan ACh s’ajunta  amb RG surten Quatricromies; quan RG s’ajunta amb RGB surt Winners;La casa de la platja. De què va? quan RGB s’ajunta amb ACh no surt res, encara; però quan ACh, RG i RGB s’ajunten, surt

In 2010, in response to the economic situation, we decided to launch an independent arts press for the publication of lithographic works in diverse formats. Our goals were twofold: to provide a platform for our own projects and to engender collaboration with the creative restlessness of our city, and by extension, with the entire world.

ELDITAL’ULL (currently) are Alain Chardon, Regina Giménez and Rafel G. Bianchi.

In 1989 ACh founded a lithography studio where all manner of artists have worked. In his free time he plays with circles and rhombuses. In her free time, RG plays house. In his free time, RGB isn’t a comic, he just explains relatively bad jokes. When ACh and RG get together, the result is Cuatricomías. When RG and RGB get together, the result is Winners. When RGB and ACh get together, the result is nothing, yet. But when ACh, RG and RGB get together, the result is La casa de la playa. What’s up with that?

La casa de la playa és el primer llibre d’una col·lecció que pretén transcendir el propi llibre d’artista per  convertir-se en un llibre infantil per acolorir en la seva edició facsímil. L’estructura del llibre es basa en els llibres de decoració dels anys 60 i 70, que a manera de manual d’ajuda, contenen un índex i un recorregut per a cada habitació de la casa descrivint les possibilitats de decoració i la paleta de colors.

Com llibre d’artista, La casa de la playa consta de 10 litografies de 50 x 70 cm., impreses a dues cares sobre paper Hahnemühle 300gr. S’ha realitzat una edició de 7 exemplars numerats del 1 al 7 i tres proves d’artista numerades pa. del 1 al 3. L’enquadernació ha estat realitzada per Àngels Arroyo.

The first book of a collection, La casa de la playa intends to transcend the artist’s book by transforming itself into a children’s coloring book in its facsimile edition. The book is modeled after interior decoration books of the ‘60s and ‘70s which, as instruction manuals, feature an index and a tour of each room detailing all the options for color palette and decor.

As an artist’s book, La casa de la playa comprises 10 lithographs, 50 x 70 cm, printed double-sided on Hahnemühle 300gr paper in a numbered edition of 7, and 3 numbered artists’ proofs. They were bound by Àngels Arroyo.

Salò d’Art i Antiguitats; Barcelona

El 34è Saló d’Art i Antiguitats de Barcelona reuneix, des de  dissabte 16 fins al diumenge 24 d’octubre, més de 15.000 impactants obres d’expositors del màxim prestigi. El fascinant recorregut per la història, la cultura  i l’art que proposa aquesta influent cita  inclou treballs de Picasso, Dalí, Barceló,  Miró, Zao Wou-Ki, Plensa, Tàpies, Valdés, Botero, Rusiñol, Casas, Balthus, Sam Francis, Antoni Gaudí, Domènech i Montaner o  Puig i Cadafalch.

El Saló, coorganitzat per Fira de  Barcelona i Flaqué Internacional, és fruit de la unió de dues prestigioses cites: Antiquaris Barcelona i el Saló d’Art de les Drassanes Reials. Concentra en el Palau 1 del recinte de Montjuïc de Fira des de les 11.00 fins les 21.00 hores, selectes peces i creacions de totes les èpoques, tendències artístiques i diferents segments de preus, inclòs un espai, Espai del Desig,  amb l’opció d’admirar i adquirir suggestives obres que no superen els tres mil euros.

L’esdeveniment es converteix en un punt de trobada ineludible per a professionals, col•leccionistes i públic apassionat per les obres d’art clàssiques i contemporànies o l’arqueologia mesopotàmica, grega, romana, egípcia i asiàtica.

Fusió de l’art d’avantguarda i el mil·lenari amb 15.000 joies de l’art
Des de l’art primitiu, ètnic i tribal fins al modern i contemporani, el precolombí, medieval, l’Alta Època europea, Art Nouveau i Déco, els artistes claus de les avantguardes, els grans mestres catalans i espanyols del XIX i XX o les celebritats internacionals, el Saló acull una imbatible i eclèctica selecció.

Pintures, gravats, litografies, dibuixos, escultures, arts decoratives, alta joieria, tapissos, mobiliari de diferents èpoques i estils, art africà, asiàtic o etrusc, peces de ceràmica, porcellana, marfil, bronze, vidre, talles, tresors bibliogràfics, numismàtica o suggeridores propostes vintage conviuen en una  cita de referència  amb la que s’alça el teló de la temporada del sector.

Fascinant recorregut per la història, la cultura i l’art
El recorregut, que abraça tota la història de l’art, acull amb una posada en escena d’alt nivell ceràmiques gregues de 6.000 anys; valuoses escultures realitzades en temps de l’Imperi Romà (un retrat de l’Emperador Septimio Severo, una Afrodita o divinitats femenines); terracotes  imperials de la daurada època cultural xinesa de la Dinastia Tang, una estela de l’antic Regne de Saba de finals del primer mil·leni a.C., joies pictòriques del taller de Francisco de Zurbarán o esplèndides escultures Art Nouveau i modernistes.

Una porta d’una tomba de l’Antic Egipte; una compilació d’iconografia russa i grega única a Europa per la seva qualitat i estat de conservació; una arqueta de l’arquitecte Puig i Cadafalch;  mobiliari del gòtic i barroc català, mallorquí, italià o modernista; un bust del 1891 de l’autor de la ornamentació ceràmica del Palau de la Música, Eusebi Arnau, impactants màscares, talles i fetitxes africans amb poders màgics de gran antiguitat o treballs del gran pintor parisenc d’origen eslau Balthus s’inclouen també en l’ampli catàleg d’enguany.

Una alta gamma de joieria de diferents períodes, inspiracions i influències; una destacada representació pictòrica de l’emblemàtica Escola de Paris, esplèndids olis de Gino Rubert, autor de les tres portades de les edicions espanyoles de la captivadora sèrie Millenium de Stieg Larsson o peces úniques de l’aclamat escultor barceloní amb estudi a Nova York, Xavier Mascaró, conviuen amb un inèdit, suggestiu i misteriós espai de canelobres, candelers, torxers o palmatòries de totes les èpoques.

Excepcional selecció de firmes
Firmes de figures claus de les tendències més actuals i alguns dels artistes vius més cotitzats del món com  Barceló, Plensa, Botero,  Tàpies, Valdés (amb espectaculars gravats acabats de sortir del seu taller que es presentaran per primer cop en el marc del Saló) o  el mestre francès d’origen xinès: Zao Wou-Ki, el “Dalí xinès”, comparteixen espai des de treballs de gran explosivitat amb Picasso, Miró, Nonell, Casas, Blanchard, Domínguez, Ràfols Casamada, Chillida, Saura, Rusiñol, Palazuelo, Mir, Salvador Dalí, l’arquitecte Antoni Gaudí, una pintura inèdita del danès Thorvald Niss del grup dels “pintors d’Skagen” i obres d’un dels grans mestres d’art contemporani del s.XX: el californià Sam Francis.

El Saló brilla també amb una selecció de firmes com les de Hernando Viñes, Joan Hernández Pijuan, Casimir Martínez Tarrasó, Manolo Hugué, Eliseu Meifrén, Antonio Reyna, Albert Ràfols Casamada, Antoni Clavé, Modest Cuixart, Emili Grau-Sala, Francesc Gimeno, Arcadi Mas i Fondevila, Luis Feito, Esteban Vicente, Jorge de Oteiza, Juan Bautista Porcar, Juan Llimona, Ricardo Opisso, Jorge Castillo, Antonio Saura,  Modest Urgell, Ramon Tusquets, Olga Sacharoff, Joan Roig Soler, Ricard Canals, Josep Amat, Carles Nadal, Rafael Duran Camps, Joan Ponç, Ricard Urgell, Juan Barjola, Agustín Redondela, Juan Pantoja de la Cruz, Pere Pruna  o el pintor salmantí expressionista Celso Lagar.

No hi falten artistes com Rafael Zabaleta, Andreu Alfaro, Marià Fortuny, Josep Cusachs,  Joan Brull,  José María Tamburini, Ramon de Capmany, Josep de Togores, Enric Porta, Moisés Villèlia, Francisco Borés, Joaquín Peinado, Orlando Pelayo, Ginés Parra, Ismael G. De la Serna, José Moreno Villa, Joaquim Sunyer, Ignacio Zuloaga, Pablo Gargallo, Enric Casanovas, Joaquim Torres-García,  Josep Mª Sert,  Pere Torné Esquius, Lluís Rigalt, Equipo Crónica, Grup Dau al Set , Grup El Paso, Juan Uslé, Manuel Hernández Mompó, Cirilo Martínez Novillo, Louis Majorelle, Gaspar Homar, Delphin Masier, Robert Motherwell, Denis Openheim, Carlos Pazos, Robert Longo, Joseph Beuys, Sergei Charchoune, Jirí Kolár o l’aclamat escultor mexicà Javier Marin entre un llarg etcètera.

Més informació

http://www.antiquarisbcn.com

Mostra d’Art Públic; Valencia

Art Públic/Universitat Pública. XIII Mostra d’Art Públic de Joves Creadors

Mostra d’intervencions artístiques de caràcter efímer als espais públics del Campus dels Tarongers.
Projectes seleccionats: In Memoriam,de Alejandro Bonnet de León. No me drogues, de Fr. José Celis Alemán. Secret box: confiesa un secreto, de Juan Antonio Cerezuela Zaplana. Temporal, de Fr. Lucas Simón. Cura sanita, de Pilar Boullosa Álvarez. Un mundo feliz, de Sara Sanz Herguedas y Miguel Ángel Moya. Oceano campus. Atrapados en una red no virtual, de Teresa Valdaliso Casanova (projecte web de creació en espai digital virtual).
Campus dels Tarongers. Avinguda dels Tarongers s/n.

Inauguració: Dilluns 18 d’octubre a les 12.30 h., entre l’Aulari Nord i la Facultat de Dret.

Del 18 al 22 d’octubre.

Organitza: CADE.

Col·laboren: Facultat de Dret, Facultat de Ciències Socials, Biblioteca de Ciències Socials Gregori Maians.

Art públic/Universitat pública es una muestra de arte público para jóvenes creadores, esta decimotercera edición presenta las intervenciones de los artistas seleccionados, incorporando específicamente una línea de apoyo a la videocreación e interpretando internet como un espacio público en un contexto de interacción. La exposición, concebida como una manifestación altamente efímera, situada en el Campus dels Tarongers de la Universitat de València, transforma el espacio público en un lugar de relación entre las jóvenes propuestas artísticas, los universitarios y la sociedad que los envuelve.

Del 18 al 22 de octubre de 2009
Inauguración 18 de octubre, 12:30 h.

Comisario: José Luis Pérez Pont
Artistas seleccionados:

1. Sara Sanz / Miguel Ángel Moya. Un mundo feliz.

En un mundo tan complejo como en el que hoy vivimos, lleno de información y de costumbres globalizadas, corremos el peligro de dejarnos llevar por la inercia de la sociedad a la que pertenecemos, sin cuestionamientos. Como ocurre en la novela de Aldous Huxley, “Un mundo feliz” (1932), los peores vaticinios se han cumplido. Una posición crítica ante la realidad se hace indispensable.

2. Fran Celis. No me drogues.

De las enfermedades no contagiosas, la enfermedad mental es la que más protagonismo está cobrando en nuestra sociedad, sin embargo apenas se conoce el funcionamiento de la mente. El aumento de la dosis suele ser la prescripción habitual ante los síntomas físicos que manifiesta el paciente. Dormir los síntomas no es curar la enfermedad, como entretener a la población no es lograr su bienestar.

3. Alejandro Bonnet de León. In memoriam.

Se alude al recuerdo de aquellos aparatos que ayudaron a nuestro fracaso, manteniéndonos en un mundo ilusorio, aislado de la realidad, en el que no es necesario pensar. Nos sumergimos en un mundo virtual, en el que la distancia que proporciona el medio nos permite abandonar la poca humanidad que preservábamos.

4. Francisco Lucas. Temporal.

El proyecto gira en torno al esfuerzo humano aplicado a la producción de riqueza: el trabajo. Cuando en España rozamos los cinco millones de parados, se han normalizado dinámicas laborales que desembocan en precariedad. Los titulados universitarios españoles de entre 25 y 34 años representan la tasa de paro más alta de Europa. ¿Qué está pasando?

5. Teresa Valdaliso. Oceanocampus. Atrapados en una red no virtual.
http://www.oceanocampus.com/

Con este proyecto se plantea la realización de una red virtual no interactiva en la que se verá reflejada la red real, interactiva. La participación física de los alumnos del Campus, identificándose metafóricamente con diferentes especies marinas según sus comportamientos, se verá reflejado en el espacio virtual.

6. Pilar Boullosa. Cura sanita.

Para la artista, las prendas de vestir son como tiritas y vendas que intentan sanar las cicatrices físicas y psicológicas derivadas de los complejos o los malos tratos. Su ropa recién lavada quiere airear esos “trapos sucios” de la sociedad, invitando a reflexionar sobre la acción de vestirnos.

7. Rodrigo Lombardo. Homemade energy system.

Esta instalación utópica reflexiona acerca de los sistemas energético que se están utilizando en la actualidad, poniendo el foco de atención en la falta de protagonismo que todavía tienen los suministros de energía no contaminante. Si dejáramos los intereses económicos de lado, seríamos capaces de encontrar el bien común y reestablecer el orden ambiental.

8. Juan Antonio Cerezuela. Secreto Box: confiesa un secreto.

El confesionario se convierte en este proyecto en un lugar en el que cada persona puede crear una ficción de sí mismo, constituyéndose a la vez como un lugar de encuentro, de juego, de intimidad. El resultado final es una especie de “cadáver exquisito” surrealista, en el que las historias y los personajes se suceden uno tras otro.

Convocatoria 2011. Bases en www.uv.es/cade a partir del 15 de noviembre.

Let us face the future. Art britànic 1945-1968; BCN

27/11/2010 – 20/02/2011

Let us face the future, comissariada per Andrew Dempsey i Richard Riley, inclou vuitanta-vuit obres d’artistes britànics provinents de les col·leccions del British Council i l’Arts Council, de la Tate Britain i del Pallant House Museum de Chichester, entre d’altres col·leccions públiques i privades.

La mostra s’inicia amb obres de Henry Moore i Francis Bacon, que posen de manifest l’estat d’ànim a Gran Bretanya i a Europa immediatament després de la guerra: l’horror produït pels camps de concentració i l’amenaça sempre present de la bomba atòmica.

El títol, Let us face the future, reprodueix l’eslògan del partit laborista per a la campanya electoral de 1945, que sorprenentment va comportar la derrota dels conservadors liderats per Winston Churchill. El relleu laborista va inaugurar l’Estat del benestar al Regne Unit, amb canvis en la societat britànica que van fer possible l’explosió de creativitat i de llibertat del Londres dels anys seixanta. Aquests canvis, que també es van palesar en l’art del moment, conformen el tema central de l’exposició. Per exemple, l’audaç exploració de la pròpia sexualitat per part de David Hockney, la revolució escultòrica d’Anthony Caro o les pintures òptiques de Bridget Riley. Entre els artistes més destacats, hi ha també Eduardo Paolozzi, un escocès d’origen italià que amb Bunk, els seus collages iniciats el 1952, avançà el que seria el pop art, i Richard Hamilton, autor el 1956 del collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing, considerada la primera obra del moviment pop britànic.

La gran varietat de l’art a la Gran Bretanya d’aquest moment es reflecteix també en altres seccions de la mostra, com la dedicada als artistes de St. Ives (un poble de pescadors de Cornualla on s’establí una important colònia d’artistes), entre els quals destaquen Peter Lanyon i Roger Hilton; als constructivistes anglesos, amb  Victor Pasmore al capdavant; a la renovació de la pintura figurativa per part de Lucien Freud, Leon Kossoff i Frank Auerbach, entre altres; i a alguns dels fotògrafs més importants que van treballar a Gran Bretanya en aquest període, des de Bill Brandt fins a Tony Ray-Jones.

A l’entorn de l’exposició s’ha programat un cicle de conferències, amb la col·laboració del Departament de Filosofia de la Universitat Autònoma de Barcelona, que tindrà lloc a l’Auditori de la Fundació entre el 6 d’octubre de 2010 i el 16 de febrer de 2011.

Fundació Joan Miró

“la Caixa” i el MACBA uneixen les Col·leccions d’Art Contemporani

El president de ”la Caixa” i de la Fundació ”la Caixa”, Isidre Fainé, i el president de la Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Leopoldo Rodés, han signat avui un conveni per tal d’unir les Col·leccions d’Art Contemporani d’ambdues fundacions.

L’objectiu del conveni de col·laboració signat avui és la posada en marxa de projectes en comú per contribuir a augmentar la capacitat de generar, coneixement i sensibilitat vers l’art més actual, així com reforçar la difusió d’ambdues col·leccions i les seves accions en l’escena de l’art contemporani nacional i internacional.

El president de ”la Caixa” i de la Fundació ”la Caixa”, Isidre Fainé, i el president de la Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Leopoldo Rodés, han signat avui un conveni per tal d’unir les Col·leccions d’Art Contemporani d’ambdues fundacions.

L’objectiu del conveni de col·laboració signat avui és la posada en marxa de projectes en comú per contribuir a augmentar la capacitat de generar, coneixement i sensibilitat vers l’art més actual, així com reforçar la difusió d’ambdues col·leccions i les seves accions en l’escena de l’art contemporani nacional i internacional.

El president de ”la Caixa” i de la Fundació ”la Caixa”, Isidre Fainé, i el president de la Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Leopoldo Rodés, han signat avui un conveni per tal d’unir les Col·leccions d’Art Contemporani d’ambdues fundacions.

L’objectiu del conveni de col·laboració signat avui és la posada en marxa de projectes en comú per contribuir a augmentar la capacitat de generar, coneixement i sensibilitat vers l’art més actual, així com reforçar la difusió ’ambdues col·leccions i les seves accions en l’escena de l’art contemporani nacional i internacional.

Com a resultat de l’acord, la Fundació ”la Caixa” i la Fundació MACBA impulsaran la coproducció i organització conjunta d’exposicions de les seves col·leccions a Barcelona, en el conjunt de l’estat i, fins i tot, a nivell internacional. La inauguració de la primera d’aquestes mostres conjuntes serà el proper any 2011.

El conveni, que contempla una durada inicial de la col·laboració per un període de 4 anys, estableix, a més, que ambdues institucions uniran els seus actuals comitès assessors en un únic grup d’experts que orientarà i coordinarà de forma unificada la política de compres d’obres d’art de cada institució.

El desenvolupament conjunt, per part de la Fundació “la Caixa” i de la Fundació MACBA, d’una línia de treball per a la promoció i construcció de sinèrgies en els programes d’investigació, difusió, educatiu i d’impacte social en l’àmbit de l’art contemporani, és un altre dels punts recollits en l’acord.

Les col·leccions d’art contemporani de la Fundació ”la Caixa” i del MACBA, creades l’any 1985 i 1987, respectivament, sumen gairebé 2.400 obres amb un valor actual de mercat estimat en uns 160 milions d’euros, constituint les antologies d’aquest període artístic més significatives que existeixen a tot Espanya en l’actualitat. Se les considera complementàries, tant des del punt de vista dels artistes representats, com per la cronologia que abasten.

Referència artística

● La Col·lecció d’Art Contemporani de la Fundació “la Caixa” està formada en l’actualitat per 869 obres i en els seus fons figuren treballs dels artistes més importants dels últims trenta anys. Des de les primeres incorporacions d’obres del minimalisme, l’art povera, la pintura expressionista i l’escultura dels anys vuitanta, la Col·lecció ha reunit una magnífica representació d’artistes fonamentals dels últims anys i ha apostat per creadors en els inicis de les seves carreres. Aquesta tasca ha exigit un rigorós seguiment de l’evolució estètica contemporània, necessari perquè la Col·lecció mantingui un esperit obert i innovador. La Col·lecció d’Art Contemporani Fundació “la Caixa” és avui un punt de referència artístic, com ho mostra el constant préstec d’algunes de les seves obres per a exposicions a tot el món.

L’Obra Social “la Caixa”, amb la voluntat de donar a conèixer la Col·lecció de manera didàctica, organitza regularment exposicions en els seus centres CaixaForum, així com en mostres itinerants a Espanya, Europa i la resta del món, entre elles recentment a Alemanya, Xina, Polònia, Romania i Portugal.

Entre els artistes presents a l’exposició trobem noms clau de l’art contemporani com Marlene Dumas, Doris Salcedo, Bruce Nauman, Soledad Sevilla, Antonio Saura, Antoni Tàpies, Juan Muñoz i Jorge Oteiza.

● La Col·lecció de la Fundació MACBA és la columna vertebral de la col·lecció MACBA i precedeix a la inauguració del Museu d’Art Contemporani de Barcelona l’any 1995. Aquesta està formada per 1.509 obres i inclou un nucli fonamental en torn dels anys 60 i 70 que representa els trencaments de les avantguardes de la segona meitat del segle XX. Tanmateix, la col·lecció s’ha especialitzat en artistes emergents des d’una perspectiva que situa les aportacions d’artistes catalans i espanyols en el context internacional.

És, bàsicament, una col·lecció pensada per llegir el pas del segle XX al segle XXI. La Fundació MACBA ha adquirit obres a proposta dels Directors del MACBA comptant sempre amb l’assessorament d’un comitè d’experts en art contemporani de reputació internacional. La Col·lecció inclou artistes com Marcel Broodthaers, Gego, James Coleman, Pablo Palazuelo, Cristina Iglesias, Ignasi Aballí, Antoni Llena, Florian Pumhösl o Ibon Aramberri entre d’altres.

L’acord amb la Fundació MACBA s’emmarca en una nova línia d’actuació impulsada per l’Obra Social ”la Caixa” per promoure aliances estratègiques amb els grans centres museístics del món, amb la finalitat d’intensificar la seva acció cultural.

Presentació llibre Quam 2009; Vic

30 Juny 2010 19:00

ACVic Centre d’Arts Contemporànies de Vic presenta el llibre el “Relat de l’Art”. En ell es recull el plantejament proposat per Andrés Hispano i Félix Pérez-Hita com a directors artístics de l’anterior edició de la QUAM 2009. La QUAM és una universitat d’estiu de les arts visuals que des de 1998 ha comptat amb la participació d’artistes i professionals de prestigi. En aquesta darrera edició la temàtica proposada, va consistir en analitzar la visió que es té del món de l’art des de l’audiovisual, la mediatització del treball de l’artista i la seva repercussió en el públic.

Arrel d’això es va portar a terme un taller amb l’objectiu d’obrir noves estratègies en un terreny sembrat d’arquetips, dubtes i provocacions sobrevalorades. Creuar l’audiovisual des de la ficció, el documental, la televisió, o el cinema amb les pràctiques artístiques permet ampliar la perspectiva d’iniciatives que poden abordar una escena artística més diversa i complexa, alhora més pròpia de l’actual context contemporani.
El llibre compta amb textos de: Andrés Hispano, Félix Pérez-Hita, Anna Moreno, Jorge Luis Marzo, Núria Aidelman / Gonzalo de Lucas, Manuel Barrios, Isaki Lacuesta, Lulú Martorell, Marcel Pié Barba i Carles Guerra.
I projectes de: Laia Solé / Tanit Plana, Jordi Lafon, Toni Ferrón / Juan Carlos Moreno, Montsita Rierola / La Saleta / Ilaria Mauro, Anna Moreno / Joanot Cortés i Jordi Daví / Joanot Cortés.

En motiu de la presentació del llibre també es farà una introducció a la propera edició de la QUAM 2010 que, amb el títol “Entre escletxes. Ciutadanies i pràctiques artístiques en codi obert”, incidirà d’una manera molt directa sobre les possibilitats d’acció que disposa l’art quan treballa amb experiències compartides amb altres agents que articulen projectes en el context de les ciutat contemporànies.

Presentació a càrrec d’Andrés Hispano, Fèlix Pérez-Hita, directors artístics de la publicació i Ramon Parramon, director d’ACVic. Centre d’Arts Contemporànies. La publicació ha estat editada per ACVic i Eumo Editorial.
Participants:
Entrada lliure | Aforament limitat ENLLAÇOS RELACIONATS
ACVic Centre d’Arts Contemporànies de Vic Comissariat:
Organitza:
ACVic. Centre d’Arts Contemporànies

YouTube y el Guggenheim buscan a los videoartistas de mañana

La fundación de arte moderno y la página de intercambio de vídeos lanzan un proyecto para encontrar artistas y exponer sus piezas en los museos Guggenheim de todo el mundo.

YouTube ha pasado de ser el sitio donde compartir el vídeo de las vacaciones a convertirse en el hogar de los videoclips, el origen de miles de campañas de publicidad viral, el lugar donde encontrar esos quince minutos de fama y el saco sin fondo lleno de vídeos de gatitos, perritos y demás cachorros monos. Entre tanta variedad, era cuestión de tiempo que llegaran las piezas de museo.

La Fundación Solomon R. Guggenheim comienza hoy la caza de artistas contemporáneos, tanto convencionales como espontáneos, que deben subir sus piezas al canal YouTube Play antes del 31 de julio si quieren entrar en el proceso de selección.

“Hoy muchos artistas trabajan muy estrechamente con la cultura popular, eso es algo que reconocemos y aceptamos”, comenta en The Guardian Nancy Spector, comisaria jefe del Guggenheim. “No me preocupa
que un tributo a Lady Gaga pueda terminar siendo una importante obra de arte, y no queremos descartar eso”.

De todos los cortos enviados se seleccionarán 200, y después un jurado de nueve expertos escogerá 20 finalistas que se expondrán no sólo en el Guggenheim de Nueva York, sino en los centros de Bilbao, Berlín y Venecia. Los planes son de convertir el concurso en un evento bianual.
No habrá un ganador final, sino ese grupo de 20 finalistas.

Fuente:baquia.com

Celrà Caminant; Girona

Trajecte artístic per diferents  indrets del poble de Celrà, (Girona). 19 de juny a partir de les 18,30h.

Coincidint amb el solstici d’estiu, cada any convoquem als artistes de diferents disciplines a participar i reflexionar sobre un tema proposat.  El tema escollit per commemorar el XVII Celrà Caminat és, Ballar el ball que toquen.  Com és habitual s’ha elaborat un text per a l’ocasió que us transcrivim tot seguit :

“Una de les característiques de l’art contemporani és la de no tenir uns mecanismes de referència que estableixin, en base a models experimentats, què s’ajusta i què no,  als paràmetres del que s’està fent o parlant. Tot s’hi val! Tot hi cap! Aquesta manca de models afavoreix, sobre el paper,  la creativitat, l’experimentació  i la recerca  constant de nous camins ,  tot i que, en el revers de la moneda, també  limita la capacitat de molts creadors acostumats l’ emmirallament i a la superació competitiva des de la seva primera formació acadèmica. Acaba succeint que, en un camp buit de contrastos  prou  consolidats,   és  el comissari o, pitjor, la lletra petita de les convocatòries oficials de subvencions, les que marquen la trajectòria de l’art actual. Es així com ens trobem davant d’una enorme i difícilment superable contradicció:  un art que neix amb la voluntat de trencar amb el passat, amb caràcter iconoclasta i reformador, crític amb l’entorn i amb necessitat d’autoafirmació  constant ,  es  contempla com a escandalosament submís i conservador.

El cas extrem, però massa freqüent ,  es produeix quan  el poder polític, sense embuts ni dissimulacions,  injustament  és el que decideix marcar les tendències o delimitar els camins per on no s’està disposat que es circuli,  que sol  ser el de la llibertat creadora“.

Organitza:

Area de Cultura del Ajuntament de Celrà

Nuria Efe (Escola d’art Celrà)

MontseSerò (Escola d’art Celrà)

Girasol Fest 2010; Corça

Encuentro de arte y cultura audiovisual en el espacio rural.
26 / 27 de Junio de 2010. Corçà.Baix Empordà, L´Ocel

26 de JUNY DE 2010 – DIA 1

16. 00 HS // ARRIBADA / INICI ACTIVITATS

Es realitza una presentació de les activitats a desenvolupar.

NOTA: El lloc compta amb pàrquing on tots els participants i convidats poden deixar de forma gratuïta el vehicle. Consulta en el botó “com arribar ” per a intentar alternatives de transport públic i per compartir cotxe (car sharing).

17.00 HS // SESSIÓ DE YOGA A CARRÈC DE MOKSHA YOGA BARCELONA. http://www.barcelonayoga.es/

18.30 HS // DEGUSTACIÓ DE VINS Y PRODUCTES NATURALS DE LA REGIÓ

Es convida a una DEGUSTACIÓ DE VINS amb un celler convidat de la zona.  Acompanyats amb música i una degustació de formatges, fuet i productes biològics de la zona del Baix Empordà.

20.30 HS // CAMINATA PEL CAMP I CONCERT ACÚSTIC . CAPVESPRE AL CAMP AMB PECES DE MÚSICA CLÀSSICA (VIOLÍ I XEL·LO AMB SARA FONTAN, KELE I ALTRES MÚSICS ) http://www.myspace.com/sarafontanviolin

22 HS. // CONCERT DE ARBOL

ARBOL: http://www.myspace.com/arbolmmarin

23.00 HS // CONCERT D´INSTITUT FATIMA / SOPAR DEL FESTIVAL

http://www.institutfatima.org/

00.00 HS. // CONCERT DE NSISTA

http://www.myspace.com/nsista

DJ-SETS DE MÚSICA ELECTRÒNICA

01.00 – 02.00 HS // WARM UP – FROZEN RADIO (LIVE SET ! )

http://www.frozenradio.com/

02.00 – 03.00 HS // EQUIPO

http://www.myspace.com/equipospace

03.00 – 04.00HS // DOMA TORNADOS (TANOX)

http://www.myspace.com/domatornados

04.00 – 05.00 HS // CHARLES SATCHIVI

http://www.frozenradio.com/

VISUALS D´ALBA G. CORRAL, PIXEL IN FACT I TELENOIKA http://www.telenoika.net

IL·LUMINACIÓ DIGITAL BY LUXMAN VJ & FRIENDS  http:// www.myspace.com/luxmanvj

DURANT TOT EL DIA

INSTAL·LACIONS DEL COL·LECTIU L’ORQUESTRA DELS DELS LUTHIERS DRAPAIRES DE TELENOIKA (TOT EL FESTIVAL) – http://www.telenoika.net/drapaires

- instal·lació La Màquina del Amor

- instal·lació NoSignal

—————————————————————————————————————————————————————————————————-

27 de JUNY DE 2010 – DIA 2

13.00 HS // SESSIÓ DE YOGA A CARRÈC DE MOKSHA YOGA BARCELONA. http://www.barcelonayoga.es/

14.00 HS CLASSE DE TAI-CHI per LUCIANO PIETRAFESA

15.00 HS PERFORMANCE DEL CLUB DE LOS ASTRONAUTAS ( DAVID APFEL) & INSTITUT FATIMA – MENJAR POPULAR

http://www.elclubdelosastronautas.com/

16.00 HS. CONCERT DE D-FRIED

http://www.myspace.com/deefried

17.00 HS. CONCERT D´ARGENTO

http://www.sonidoargento.com / http://www.myspace.com/argentotangofusion

18.00 HS // CONCERT DE FERNANDO LAGRECA.

http://www.myspace.com/fernandolagreca

DURANT TOT EL DIA

INSTAL·LACIONS DEL COL·LECTIU L’ORQUESTRA DELS LUTHIERS DRAPAIRES DE TELENOIKA (TODO EL FESTIVAL) – http://www.telenoika.net/drapaires

-instal·lació La Màquina del Amor

- instal·lació NoSignal

10. 00 HS – 16.00 hs. MERCADILLO D´ARTESANIES, PRODUCTES BIOLÒGICS i RECICLATS

—————————————————————————————————————————————————————————————————-

DURANT TOT EL FESTIVAL
- ACCÉS PER A VEHICLES, PISCINA ( pel dia) , LLITS, DUTXES, ZONA CHIL-OUT, GRANJA, PISTA DE VOLLEY, CAMP DE FUTBOL.
- LLOCS DE MENJAR NATURAL.
- MERCADILLLO DE PRODUCTES BIOLÒGICS, RECICLATS i ARTESANS.
- Crêpes FRANCESES I MENJAR VEGETARIÀ

WEBSITE : http://www.girasolfest.com

Visió Remota -video art; Barcelona

Vol ser una mostra de l’estat actual de les propostes més innovadores en el camp del videoart i oferir una visió àmplia, i alhora singular, de les línies de treball més representatives en vídeo des del 2000. Els treballs, provinents de diferents galeries d’art contemporani d’arreu el món, han estat seleccionats a partir del que s’ha pogut veure en les set edicions de la Fira LOOP Barcelona (2003-2009). Es tracta d’un conjunt de gairebé 50 peces, entre projeccions mono-canal i vídeos presentats en pantalles repartides per l’exposició. Els treballs exploren diferents formes de realització –que inclouen metodologies pròpies del món del cinema, així com altres tècniques contemporànies– i problemàtiques com poden ser el tema del cos, la idea del paisatge, la reflexió del caràcter social de l’art o l’humor com a espai per a la crítica.

Paul Young, comissari de l’exposició, és periodista i director d’una dotzena de curtmetratges premiats internacionalment; ha publicat recentment el llibre Art Cinema (Taschen, 2009) i col·labora regularment en diaris com el New York Times i The Los Angeles Times i revistes com Rolling Stone i Artnews, entre d’altres.

L’exposició REMOTE VIEWING. THE BEST OF LOOP: NEW VIDEO ART FROM EUROPE AND THE AMERICAS s’ha presentat al Pacific Design Center de Los Angeles els mesos d’octubre-desembre de 2009.

Del 7 al 23 de Maig al Claustre del Centre

Activitat relacionada amb l’exposicióTaula Rodona i visita comentada| Història i pràctiques actuals de vídeo a Califòrnia. Comunitat californiana de videoart i models actuals de dominis en nous mitjans. – Sala d’actes – 22 maig, 2010 | 11:00h

Comissariat:
Paul Young
Organitza:
Arts Santa Mònica – Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació
Produeix:
Arts Santa Mònica Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació i LOOP
Col·labora:
Institut Ramon Llull, Pacific Design Center, Los Angeles
Patrocina:
Agraïments:
Links d’interès:  www.loop-barcelona.com

Avance Programación CaixaForum; Barcelona

Exposiciones de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”

Objetos desclasificados
Del 12 de marzo al 22 de agosto de 2010

Los objetos que forman parte de nuestra cotidianidad han determinado las creaciones de muchos artistas. En esta exposición, los objetos adquieren un aura nueva, contemporánea, que no es la del objeto único y original, sino la de su reconocimiento como arte. La exposición reúne obras de artistas como Sherrie Levine, Allan McCollum o Katharina Fritsch, entre otros.
Más información

Cosmética Dogmática
Ciclo de exposiciones La mirada del artista: Luis Gordillo
Hasta el 11 de abril de 2010

Luis Gordillo, uno de los pintores españoles más importantes, se adentra en la colección de arte contemporáneo de la Fundación ”la Caixa” y extrae de ella una selección de piezas con las que realiza esta exposición. La muestra ofrece una visión muy personal de este fondo a través de un montaje que genera relaciones insospechadas y encuentros insólitos entre las obras.

Más información

Infancia. Fotografías de Isabel Muñoz
Exposición
Del 17 de marzo al 29 de agosto de 2010

Esta exposición, organizada por UNICEF y la Fundación “la Caixa” con motivo del 20 aniversario de la Convención sobre los Derechos de la Infancia, pone en relieve, a través de las fotografías de Isabel Muñoz, la grandeza de los niños y las niñas y las marcadas diferencias de sus respectivas situaciones, a pesar de tener los mismos derechos.

Más información

Yeudar: los andaluces en Tombuctú
Ciclo de conferencias Exploradores españoles olvidados
Viernes 12 de marzo I 19 h

La conferencia muestra la heroica historia de Yeudar, quien hacia el año 1571, partió con miles de andaluces a la conquista de la ruta del oro a través del Sahara. Acabaron tomando Tombuctú y sometiendo los puntos de origen del decisivo comercio de este mineral al sultán. Hoy sobrevive aún la casta de los Arma, llamados así por el nombre de los instrumentos que sus antepasados utilizaron para someter el imperio.

Conferencia a cargo de Juan Barceló, editor

Precio por sesión: 2 €
Plazas limitadas

Más información

Thomas Schütte. Retrospección; MAD

Como título de una retrospectiva de Thomas Schütte, la palabra “retrospección” posee múltiples significados. Ante todo, se refiere al hecho de que la exposición ofrece una visión de conjunto de una carrera que abarca ya más de treinta años. Pero alude también a que el artista, sobre todo en la última década, ha vuelto la mirada al pasado buscando inspiración tanto en sus primeras obras como en la escultura de épocas históricas anteriores.

Schütte ha recurrido al arte del pasado en diversas ocasiones y siempre de manera fructífera: le ha servido de fuente de inspiración para obras individuales y, en los últimos años, ha sido un punto de referencia crucial para afinar su estética. Concebida en un principio como un encargo para un espacio público, la obra Die Fremden (Los extraños), 1992, por ejemplo, ilustra cómo funciona este diálogo recursivo. Con su vocabulario de sencillas formas compactas y colores llamativos, estas esculturas rinden homenaje a dos precursores modernos: a los prototipos que ideó Oskar Schlemmer para su Ballet triádico y a una serie de pinturas tardías de Kasimir Malevich que ofrecen una imagen heroica del estoico campesinado ruso. La alusión a estos precedentes icónicos dignifica el linaje de las figuras de Schütte. Sin embargo, según el artista, el profundo aire de seriedad que domina la obra se debe además a las circunstancias sociales que determinaron su génesis. En 1989, después de la caída del muro de Berlín, la falta de trabajo y la crisis de la vivienda transformaron a los extranjeros, sobre todo a los Gastarbeiter –trabajadores extranjeros que residían en el país desde hacía tiempo–, en chivos expiatorios. Al situar las figuras por encima del punto de vista del espectador, Schütte subraya la distancia insalvable que nos separa de ellas una vez que asumen el papel del Otro.

Varias propuestas de monumentos inmediatamente posteriores a este encargo público de los primeros años noventa –Kleiner Respekt (Pequeño respeto), 1994, Kein Respekt (Ningún respeto), 1994 y Großer Respekt (Gran respeto), 1995– aluden indirectamente a la destrucción de estatuas de dirigentes en su día considerados invencibles que tuvo lugar en los países del antiguo Bloque del Este en esa época. Adoptando un tono más mordaz y característico que a veces roza la parodia, estos pequeños grupos de figuras que forcejean con las piernas atrapadas en una ciénaga imposible de identificar se inspiran en algunas obras clave que el propio Schütte había realizado una década antes bajo la rúbrica Mann in Matsch (Hombre en el lodo). Dado que el modo expresionista de modelar estas obras es prácticamente un cliché estereotipado, una estética gestual trasnochada, de moda entre sus colegas alemanes más reaccionarios, la desolación beckettiana que desprenden no escapa a la ironía subversiva del artista.

Desde principios de los ochenta, junto a este lenguaje visual cuasi expresionista, Schütte ha cultivado otro muy diferente. Cercano a los debates arquitectónicos contemporáneos, este innovador conjunto de obras que incluye Studio I, Studio II (1983) y E.L.S.A (1989), ha tomado la forma de modestas esculturas construidas. Semejantes a maquetas arquitectónicas, estos modelos son ante todo propuestas especulativas, construcciones conceptuales más que proyectos para edificios reales –aunque algunas de ellas, como el pabellón de helados, han sido fabricadas posteriormente a tamaño natural–. Deudoras en cierta medida de los edificios reducidos del arquitecto italiano Aldo Rossi, compuestos por volúmenes arquitectónicos imbuidos de resonancia poética, las maquetas de Schütte abarcan un amplio espectro de tipologías constructivas: tribunas o miradores, villas y estudios, casas para una sola persona (lugares para el retiro solitario y rural), una gasolinera y un búnker. Presentadas sobre mesas que indican metafóricamente una especie de no lugar, connotan una sociabilidad que se repliega hacia el interior, un estilo de vida privado y retraído que contrasta con el compromiso con el espacio social que sirve de premisa a los monumentos y memoriales del artista. No obstante, Schütte retoma de vez en cuando el tema de los extraños como refugio temporal de lo fugaz y lo nómada, por ejemplo en el caso del Hotel for the Birds (Hotel para pájaros), 2006, y de sus distintas casas para terroristas.

Aunque desde que empezó a exponer internacionalmente Schütte ha sido considerado ante todo escultor, sus primeros pasos los dio en el terreno pictórico. En 1975, tras terminar el curso de orientación de la Academia de Arte de Düsseldorf, se apuntó a las clases de pintura de Gerhard Richter. Allí no sólo conoció las incisivas investigaciones de su profesor sobre la problemática de la pintura como discurso pictórico, sino también los planteamientos radicales que utilizaban algunos de los colegas de Richter para criticar la identidad y la autonomía de este medio: Daniel Buren, Niele Toroni y, sobre todo, Blinky Palermo, ofrecieron al precoz estudiante un abanico de opciones para subvertir los modelos pictóricos convencionales1. Desafiando con astucia la lógica subyacente a las obras de su mentor, Schütte aprovechó el compromiso con lo decorativo que ya se advertía en ellas para alumbrar una memorable serie de obras in situ que incluye Ringe (Anillas), 1977-1990, Girlande (Guirnaldas), 1980 y Große Mauer (Gran pared), 1977. En Große Mauer, obra compuesta por unos 1.200 “ladrillos”, pequeñas pinturas abstractas realizadas en un lenguaje gestual, el soporte arquitectónico es una parte integral de la identidad y la función de la pieza, mientras que el efecto ilusorio enmascara ingeniosamente la noción de arte relacionado con el lugar. Sin embargo, la travesura conceptual que sustenta esta extraordinaria obra de formación pronto se oscurecería y daría paso al tono profundamente amargo que ejemplifica la heterogénea serie de memoriales que el artista inauguró a principios de los años ochenta con una tumba que conmemoraba su propia y prematura muerte (1981), y que prosiguió con una cáustica propuesta para un monumento en honor de Alain Colas, el navegante solitario francés que se perdió en el mar (1989), y con una hipotética sede para la tumba del monstruo fantasmal Adolf Hitler (1991). De hecho, el espíritu inconformista que comparten estas propuestas es la clave que permite explicar el proteico compromiso que el artista ha adquirido a lo largo de su carrera con una miríada de modos, estilos, formas, técnicas y materiales escultóricos.

Hoy en día, cuando incluso las prácticas vanguardistas más innovadoras de finales de los sesenta y principios de los setenta han sido codificadas e institucionalizadas, puede que el espacio más fértil para el estudio de la vanguardia sea el de los lenguajes inscritos de lleno en el discurso historicista. Es decir, si las tendencias antaño radicales han quedado reducidas a expresiones o signos para ser citados, las semillas de la regeneración pueden estar, por paradójico que parezca, en lo que comúnmente se considera convencional. Convencido de que había que recuperar gran parte de la escultura moderna, la de Pablo Gargallo, Gaston Lachaise y Aristide Maillol entre otros, Schütte, a mediados de los años noventa, se concentró en el motivo de la figura femenina recostada. En un primer momento abordó este insólito tema, que luego generaría gran cantidad de obras en bronce, aluminio y acero, a través de estudios de cerámica ejecutados con rapidez. Consciente, por supuesto, de que es imposible recobrar un ideal por medio de la imitación y de que, por el contrario, rehacer equivale a desfigurar, Schütte ha seguido jugando con un sofisticado concepto de parodia, burlándose de sí mismo, como se pone de manifiesto en su reciente trío de perros fantásticos. Encantadores y juguetones, estos sabuesos están emparentados con el venerable linaje de las esculturas yacentes de animales entre cuyos avatares se incluyen los leones heráldicos que custodian la Trafalgar Square londinense y las diversas esfinges recostadas que se encuentran a orillas del Nilo. En su última escultura, como en tantas de sus obras de los últimos quince años aproximadamente, Schütte recupera una vez más otro paradigma –el de la omnipresente fuente– e infunde improvisación a la tradición. Más inconformista que revisionista, esta obra, como el resto de las suyas, demuestra la potencia de una estética basada en la premisa de mirar hacia atrás para avanzar, pasada por el filtro del escepticismo personal del artista.

Biografía

Nacido en 1954 en Oldenburg, en el norte de Alemania, Thomas Schütte estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf desde 1973 a 1981 (primero con Fritz Schwegler, y a partir de 1975 con Gerhard Richter). Desde su primera muestra individual en 1979 ha desarrollado un extenso currículo expositivo. Entre sus exposiciones más importantes destacan las celebradas en la Whitechapel Art Gallery, Londres, 1998; la Dia Art Foundation, Nueva York, 1998-1999, y la Haus der Kunst, Múnich, 2009. Su trabajo ha sido incluido en las Documentas 8 (1987), 9 (1992) y 10 (1997), así como en el 55º Carnegie International, Pittsburgh (2008) y en el Skulptur Projekte Münster de 1987 y 1997. Actualmente vive y trabaja en Düsseldorf.

Encuentro con Thomas Schütte – 17 de febrero

Fechas: 16 de febrero 2010 – 17 de mayo 2010
Lugar: Edificio Sabatini. Sala 103, Sala de protocolo, Espacio 1, Claustro y jardín
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisaria: Lynne Cooke

Presentación Art Madrid

Gema Lazcano, directora de Art Madrid, ha presentado en Casa de América, el programa de la Vª edición de Art Madrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que abrirá sus puertas al público del 17 al 21 de febrero en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo madrileña, con la presencia de 65 galerías nacionales e internacionales. Gema Lazcano ha incidido especialmente en el compromiso de la feria con el arte español contemporáneo y su apoyo renovado a los artistas y galerías jóvenes de nuestro país.

La directora ha recalcado el hecho de que Art Madrid “va dirigida especialmente al coleccionista de arte contemporáneo y tiene un carácter complementario respecto a otras ferias”, contribuyendo con ello a convertir Madrid en la capital internacional del arte durante el mes de febrero y reforzando la presencia de la ciudad en el circuito de capitales artísticas.

La apuesta por el arte contemporáneo español se sustancia en el dato de que el 90% de las 65 galerías presentes en esta edición son españolas. Cifras que convierten una vez más a Art Madrid no sólo en la segunda feria de arte contemporáneo de España por el número de galerías participantes, sino también la que contiene una mayor proporción de galerías españolas, procedentes de 13 Comunidades Autónomas: Madrid (17), Aragón (9), Cataluña (6), Valencia (6), Galicia (4), Baleares (4), Murcia (2), Andalucía (2), Castilla-La Mancha (2), País Vasco (2), Castilla y León (2), Cantabria (1), Canarias (1).

Cabe destacar en esta edición, la presencia de 9 galerías aragonesas (Antonia Puyó, Cristina Marín, Galería A del Arte, Galería Finestra, La Carbonería, Pepe Rebollo, Pilar Ginés y Spectrum Sotos), que acudirán auspiciadas por el Gobierno de Aragón y la Asociación de Galerías de Arte contemporáneo de su Comunidad. En Art Madrid 2010 estarán presentes, además, otras 6 galerías internacionales (4 europeas y 2 latinoamericanas), procedentes Portugal, Francia, Colombia y Cuba.

Apuesta por los artistas emergentes y la galerías jóvenes

Art Madrid acoge, por segundo año consecutivo, un espacio dedicado al arte joven, integrado en el programa Young Art, con galerías que presentan obras de artistas menores de 40 años (Collage Habana, Fernando Pradilla, Moret Art,3 Punts y Xanon) y aquellas con menos de cinco años de existencia (Galerie Insula, Luz & Suárez del Villar, Metro, Múltiple y Romea 3) .

Son un total de 46 artistas (de los cuales 35 son menores de 40 años) de 10 galerías, que instalan sus piezas en 20 espacios diferenciados (tres más que el año anterior). Entre los artistas presentes en este espacio cabe destacar a Salvador Díaz, Carlos Salazar, Jacinto Moros, Samuel Salcedo o Michel Pérez (Pollo), entre otros.

Una gran galería del arte de los siglos XX y XXI

Por unos días, el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid se convierte en una gran galería de arte contemporáneo donde poder ver reunidas piezas de más de 440 artistas de todo el mundo, desde grandes maestros de la vanguardia histórica, como Picasso, Miró, Vasarely, De Chirico, Sonia Delaunay, Arman, Bonifacio, Torres-García o Le Corbusier; o de la segunda mitad del siglo XX, como Warhol, Richard Serra, Wilfredo Lam, Francesco Clemente, Botero, A. R. Penck, Julian Opie, Schnabel o Gerhard Richter, entre otros. O, por supuesto, los grandes nombres del arte español contemporáneo, como Tàpies, Antonio López, Canogar, Palazuelo, Torner, Arroyo, Chillida, Equipo Crónica o Miquel Barceló, entre otros muchos, o las generaciones posteriores: Evru-Zush, Verbis, Plensa, Carmen Calvo, Eva Lootz, Alexanco, Gonzalo Sicre, Pérez Villalta, Francisco Leiro…

Por último, un año más, la feria acoge grandes nombres de la fotografía contemporánea, como Chema Madoz, Thomas Ruff, Thomas Struth, Rax Rinnekangas, Marcos López, Alberto Schommer o artistas emergentes, como Gabriel Brau, Luis Vioque, Diego Opazo, Mario de Ayguavives, Juan Francisco Casas, Germán Gómez, Xurxo Gómez-Chao, entre otros.

“Residentes: Artistas Latinoamericanos en España”

Por otro lado, la feria se encuadra dentro del Programa Oficial para la celebración de los Bicentenarios de las independencias de los países latinoamericanos. Por este motivo, contará con un espacio exclusivo dedicado a esta celebración, con la exposición “Residentes: Artistas Latinoamericanos en España”, que mostrará la obra de once artistas emergentes latinoamericanos que realizan su trabajo en España y que proceden de Argentina, Colombia, Chile y México. La muestra está producida conjuntamente por Art Madrid y la Secretaría de Estado para Iberoamérica, con la colaboración de las Embajadas y Agregadurías Culturales de los respectivos países

Se crea la Colección Art Madrid de obra única sobre papel

Una novedad de la presente edición es la creación de la Colección Art Madrid de obra única sobre papel, cuyo objetivo será la adquisición de obra sobre papel de artistas contemporáneos españoles, con el único requisito de que ha de ser obra original, no seriada. Dentro de la misma tendrá cabida, por tanto, cualquier técnica pictórica sobre papel, exceptuando las de reproducción gráfica. La colección, además, comprenderá obras creadas exclusivamente en los últimos 40 años. Las compras se realizarán durante la feria, entre los distintos stands de las galerías participantes en la misma.

Art Madrid pretende que su Colección sea dinámica, lo que significa que no se limitará sólo a mostrarla en el futuro, en ediciones posteriores de la feria, sino que se creará un programa de itinerancia mediante acuerdos con distintos centros culturales y espacios públicos, de tal manera que la colección se difunda por todo el territorio español y sea conocida por el público amante del arte.

Datos prácticos

Lugar:

Pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid.

Dirección:

Avenida Portugal s/n

28011 Madrid

Fechas:

Del 17 al 21 de Febrero de 2010

Horario:

Días 17, 18, 19 y 20 de febrero, de 11.30 h. a 21.30 h.

Día 21 de febrero, de 11.30 h. a 20.00 h.

Autobús gratuito Art Madrid-ARCO:

Día 18, 19 y 20 de febrero
- Salida Arco dirección Art Madrid, con parada intermedia en Just Madrid 14:00 h
- Salida Art Madrid dirección Arco, con parada intermedia en Just Madrid 15:00 h
- Salida Arco dirección Art Madrid, con parada intermedia en Just Madrid 16:00 h
- Salida Art Madrid dirección Arco, con parada intermedia en Just Madrid 17:00 h
- Salida Arco dirección Art Madrid, con parada intermedia en Just Madrid 18:00 h
- Salida Art Madrid dirección Arco, con parada intermedia en Just Madrid 19:00 h
- Salida Arco dirección Just Madrid 20:00 h
Llegada a Just Madrid y fin de trayecto 20:30 aprox.

Precio entrada:

- Entrada general 10 €

- Entrada reducida 5 € (estudiantes y jubilados)

- Entrada grupos 5 € (grupos a partir de 10 personas)

- Entrada gratuita para niños menores de 12 años

Precio del catálogo:

15 €

Guardarropa:

1 € por prenda

Transporte Privado

M-30 salida A-V Badajoz (sentido Norte salida 17 Casa de Campo / sentido Sur salida Avda. de Portugal)

M-40 salida A-V Madrid. Paseo de Extremadura. Dispone de más de 4.000 plazas de aparcamiento.

Metro:

Línea 6. Estación Alto de Extremadura

Línea 10. Estación Lago

Art i Patrimoni en vídeo

El departament de patrimoni de la Generalitat de Catalunya, des de la seva web ofereix una serie de vídeos molt interesants sobre diversos aspectes del art i el patrimoni relacionats amb Catalunya.

XI Premo ABC de Arte

BASES
Pueden participar los artistas españoles e iberoamericanos, menores de 35 años al 31 de diciembre de 2009. En caso de grupos, un mínimo del 50 por ciento de sus componentes deberá reunir este requisito y el resto no podrán superar los 37 años. No podrán participar aquellos artistas que hayan recibido premio o accésit en cualquiera de las tres últimas ediciones.

PREMIOS
Un jurado profesional designado por ABC seleccionará las propuestas ganadoras y otorgarán los siguientes premios y reconocimientos

1º.- Un premio único e indivisible de 15.000 euros.
2º.- Tres accésit de 4.200 euros.
3º.- Cuatro menciones honoríficas

La dotación económica del premio y los tres accésit comprende la producción y adquisición de las obras premiadas, los derechos de explotación sobre las mismas más abajo mencionados, y estará sometida a las retenciones fiscales legalmente establecidas.
La obra ganadora y los tres accésit quedarán en plena propiedad y uso exclusivo de Diario ABC que las presentará y exhibirá  en el stand de ABC durante la próxima edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO 2010. Los artistas cederán a ABC todos los derechos patrimoniales de carácter económico de las obras premiadas, incluidos los de exposición, reproducción, distribución y comunicación pública de las mismas.
Las obras que hayan recibido mención honorífica serán expuestas en el stand de ABC en ARCO 2010, y los autores cederán a Diario ABC el derecho de uso y reproducción de las mismas para las publicaciones y exposiciones que pudiera organizar durante ese año.

Requisitos de participación
- Las propuestas serán evaluadas sobre dossier. No se aceptarán obras.
- Se admitirán dossieres de todo tipo de obras plásticas o visuales sin limitaciones artísticas, técnicas o de formato. Cada concursante podrá presentar una sola propuesta.
- La obra presentada deberá estar producida.

Presentación y  Documentación
La participación en la presente convocatoria se formalizará presentando la siguiente documentación:
1. El dossier de la obra que incluirá 2 ejemplares de los siguientes documentos en tamaño DIN A-4:
- Fotografías de la obra en papel, con un máximo de 10 imágenes cada ejemplar.
- Ficha técnica de la obra, que comprenderá la siguiente información: Título, año de realización, técnica, materiales y dimensiones reales. En caso de obras audiovisuales, indicar la  duración.
- Memoria explicativa del trabajo presentado, con un máximo de 3 hojas para cada ejemplar.
- Especificaciones de montaje e instalación en las obras que lo requieran. Se adjuntarán planos, bocetos y todo material informativo que facilite la comprensión de la propuesta artística presentada, impreso en un máximo de 5 hojas.
- En el caso de obras audiovisuales y de net-art, deberá presentarse DVD o CD que permita visionarlas en PC o lector de DVD normal.
- Curriculum del artista o del colectivo artístico, que no exceda de dos hojas.
2. Ficha de Inscripción, cumplimentada en su totalidad.
3.  Fotocopia del DNI o pasaporte del país de origen.
4. Texto de cesión de derechos de la obra, que acompaña a la ficha de inscripción, firmado por el artista.  Dicho texto podrá ser reproducido total o parcialmente.
5. En el caso de grupos o colectivos artísticos, los puntos 2, 3 y 4 se presentarán individualizados y firmados por cada uno de sus componentes.

Lugar y Plazo de presentación
- El plazo de presentación de las propuestas será del 10 de noviembre al 10 de diciembre de 2009.
- Los dossieres podrán ser entregados en mano o enviados a portes pagados a la siguiente dirección:
Asociados & Cía
Corazón de María, 2 – Pta. 630 28002 Madrid España
Tel: +34 914 130 999. Fax: +34 914 131 271. Email: administracion@aicia.com
- La notificación de recepción de los dossieres se realizará mediante correo electrónico al artista o colectivo de artistas.

Devolución de dossieres
- Los dossieres no seleccionados podrán ser retirados directamente previa presentación del carnet de identidad, pasaporte o ficha de inscripción al Premio, en el mismo lugar de recepción o previa solicitud por correo electrónico. Los gastos de envío correrán a cargo del solicitante.
- El periodo para la reclamación o retirada de dossieres será del 1 al 26 de febrero de 2010
- Vencido este plazo, Diario ABC, S.L. no se hace responsable de la conservación de los dossieres. Transcurridos 30 días a partir de que finalice el plazo de recogida, se entenderá que dicha documentación ha sido abandonada y Diario ABC, S.L. la destruirá.

Jurado
- El Jurado será designado por ABC y estará formado por personas de reconocido prestigio en la materia objeto del concurso y su decisión será inapelable.
- El fallo se hará público el mismo día de la toma de decisión del jurado.
- Los ganadores serán informados por teléfono, fax o e-mail.

Exposición en ARCO 2010
- Los artistas seleccionados asumirán el compromiso de presentar sus obras originales en perfecto estado y con los elementos necesarios para la realización del montaje (marcos, proyectores, magnetófonos, etc.)
- Diario ABC correrá con los gastos de transporte, seguro, montaje e instalación de la obra en el stand de ARCO 2010.
- El seguro cubrirá exclusivamente los gastos de restauración por deterioro, hasta un  valor máximo de 2.000 euros. No se cubrirán los daños ocasionados por deterioros de las obras debidos a la propia naturaleza de los materiales empleados.
- La organización se reserva la posibilidad de modificar el montaje de las obras seleccionadas para la exposición, de acuerdo con los artistas, y en función de las necesidades expositivas.
- Finalizado ARCO 2010, el primer premio y los tres accésit pasaran a formar parte de la Colección ABC. Las menciones serán devueltas a sus correspondientes autores.

El hecho de concursar supone la total aceptación de estas bases, quedando el Jurado facultado para dirimir cualquier eventualidad no prevista en ellas.

Para más información, ficha de inscripción y cesión de derechos: www.abc.es/abcdearte/

Fuente:Exitmail

Simposi crítica d’art en un món global; BCN

Aquest simposi pren com a títol el del text de Tierry de Duve “The Glocal and the Singuniversal. Reflections on Art and Culture in the Global World”. Duve utilitza la proliferació de biennals en el món com un exemple d’experiment cultural de l’economia glocal, i es pregunta si és una demostració democràtica de poder cultural entre regions emergents del món o un reconeixement pessimista d’una nova forma d’hegemonia cultural i recolonització per part d’Occident. D’altra banda, les biennals situen sota el mateix paraigua de l’art les obres d’art i els béns culturals, convertint-nos a tots en antropòlegs amateurs.
Duve contraposa el Glocalisme com a forma de resistència a la cultura hegemònica global, que és exportada i controlada per centres hegemònics, al Singuniversalisme que, des del punt de vista del judici estètic, demana una millora de la qualitat en l’art, ofereix un pas del singular al universal i traça un pont entre el que és empíric i el que és transcendental. Sense l’impuls Singuniversal, el Glocal resta faltat de propostes.

PROGRAMA

DIVENDRES, 20 DE NOVEMBRE DE 2009

16:00-16:30 h.
Presentació i obertura del simposi.
A càrrec de les curadores del projecte.
Anna Maria Guasch, Menene Gras i Pilar Parcerisas.

16:30-18:00 h.
David Cunningham
Art global / Modernitats globals.
Subdirector de l’Institute for Modern and Contemporary Culture i professor d’estudis crítics i culturals a la University of Westminster de Londres, membre del col•lectiu editorial de Radical Philosophy, que el 2007 participà al Magazines Project de la documenta 12. Ha publicat Photography and Literature in the Twentieth Century (2005), a més de nombrosos textos sobre art contemporani i modern, estética i teories urbanes, publicats a revistes com Journal of Visual Culture, New Formations, Architectural Design, SubStance, and CITY. Actualment prepara el llibre Reflexes of the Future: Essays on the Avant-Garde.

18:00-18:30 h.
Pausa.

18:30-20:00 h.
Josep Maria Martin
Posicionament i estratègies artístiques a l’esfera quotidiana: en/amb els sistemes de les persones.
Professor responsable del Pole Arts Action, HEAD (Haute École d’Art et de Design, Geneva University of Art and Design), Suïssa, i Responsable Pedagògic en l’École Supérieure donis Beaux-Arts de Perpiñán, França. Els seus projectes pretenen crear, des de l’art, noves estratègies d’intervenció en certes estructures consolidades en la societat, però no per això mancats de fissures. Amb una voluntat subjectiva i reflexiva, qüestiona i critica la realitat sobre la qual decideix treballar. Les seves peces posen èmfasi en la idea de procés, investigació, participació, implicació i negociació, fent que els agents identificats per a cada projecte es converteixin en verdaders generadors d’un projecte comú. Entre d’altres, ha realitzat els següents projectes: el Milutown Bus Stop i Museu de les Constel•lacions Familiars (Echigo Tsumari Art Trienal, Nigata, el Japó); Racó de Sons|Somnis, una ludoteca per als nens treballadors del Mercat Central d’Abundàncies|Avituallaments (Laboratori d’Art Albereda, Mèxic); Prototip per a la Bona Migració, Centre de Formació i Informació sobre la frontera (InSide_05 ,Tijuana, Mèxic i San Diego, USA); La casa de la Negociació (Fri Art, Fribourg, Suïssa). Prototip d’espai per gestionar les emocions en l’Hospital (EAC, Hospital Provincial de Castelló, Special Project, Arco’08).

20:00-21:30 h.
Marti Peran
Una Querelle entre visibilitat global i producció in situ?
Martí Peran és professor titular de Teoria de l’art de la Universitat de Barcelona, crític i comissari d’exposicions. Ha col•laborat en nombrosos llibres d’art contemporani i catàlegs. És membre de l’equip editorial de Roulotte i col•laborador habitual a prensa escrita i revistes d’art (Exit Express, Artforum Internacional). Entre les exposicions que ha comissariat els darrers anys: Stand by. Listos para actuar (Laboratorio Alameda, Mexico City, 2003); Corner (Cajamadrid,Barcelona, 2004-2005); Mira cómo se mueven. 4 ideas sobre mobilidad (Fundación Telefónica, Madrid, 2005); Glaskultur. ¿Qué paso con la transparencia? (Koldo Mitxelena, San Sebastián, 2006), Post-it city. Ciutats Ocasionals (CCCB, Barcelona, 2008; MAC,Santiago de Chile; Centro Cultural Sao Paulo) y After architecture. Tipologies del després (Arts Santa Mònica. Barcelona, 2009).

DISSABTE, 21 DE NOVEMBRE DE 2009

10:00-11:30 h.
What, How and for Whom/WHW.
Títol pendent de confirmació.
Equip curatorial de la 11 Biennal d’Istanbul. What, How & for Whom (WHW) és una organització sense ànim de lucre que treballa en l’àmbit de la cultura visual i alhora és un col•lectiu curatorial format l’any 1999 i amb seu a Zagreb, Croàcia, integrat per les curadores Ivet Ćurlin, Ana Dević, Nataša Ilić i Sabina Sabolović i el dissenyador i publicista Dejan Kršić. Des de maig de 2003 WHW dirigeix la programació de Gallery Nova, a Zagreb.

11:30-12:00 h.
Pausa.

12:00-13:30 h.
Angela Dimitrakaki
Art, exposicions i l’imperatiu global: Quina és la situació, quin és el repte?
Professora d’Art contemporani a la University of Edinburgh. Darrerament ha centrat la seva investigació en l’impacte de la globalització en la teoria i la pràctica artística contemporània. Ha publicat, entre d’altres “Five O’ Clock on the Sun: Three Questions on Feminism and the Moving Image from Non-Western Europe”, Third Text 19/3 (2005), “Materialist Feminism for the 21st Century: The Video Essays of Ursula Biemann”, Oxford Art Journal 30/2 (2007), “On the Identity of the Artist in the Networks of Global Capital”, Jonathan Harris, ed, Identity Theft: The Cultural Colonisation of Contemporary Art, University of Liverpool Press (2008) i “The Global Imperative: Method and Political Subjects in Art History Today” a Art and Criticism 3 (abril 2009), una publicació bilingüe que edita AICA Grècia. Actualment prepara “The Spectacle and Its Others: Labour, Conflict and Art in the Age of Empire”, Globalisation and Contemporary Art, Blackwell 2010 i “Gendering the Multitude”, Marsha Meskimmon and Dorothy Rowe, eds, Diasporic Futures, Manchester University Prepara la monografia Gender, Art/Work and the Global Imperative (Manchester University Press) i és coeditora de Politics in A Glass Case: Exhibiting Women’s and Feminist Art and Sexing the Border: Gender, Art and New Media in Central and Eastern Europe. És editora de contacte de la revista londinenca de caràcter interdisciplinari HM: Research in Critical Marxist Theory.

13:30-14:00 h.
Debat i preguntes.

14:00-16:00 h.
Pausa dinar.

16:00-17:30 h.
David Elliott
L’Art com a virus. La condició de l’art i la fi de l’universalisme.
Elliott fou Director del Moderna Museet d’Estocolm des de 1996 fins al 2001. De 1998 a 2004 va ser president del CIMAM, el Comitè Internacional de l’ICOM de Museus d’Art Modern i Contemporani. A la dècada dels anys 90 fou comissari de l’exposició Art and Power, on explorava la relació entre l’art i els règims totalitaris europeus de la primera meitat del segle XX, que viatjà per diversos museus arreu del món. Entre 2001 i 2006 fou director del Mori Art Museum de Tòquio. Fou director d’Istanbul Modern. Actualment és director artístic de la 17ena biennal de Sydney, THE BEAUTY OF DISTANCE: Songs of Survival in a Precarious Age, que tindrà lloc del 12 de maig a l’1 d’agost del 2010.

17:30-18:00 h.
Pausa.

18:00-19:30 h.
Huang Du
El lloc de l’art asiàtic al món global
Curador i crític d’art establert a Beijing. És editor d’Avant-garde Today. Del 1988 al 2001 fou editor de Meishu, Fine Arts. L’any 1997 va rebre el premi d’art del Museu Lebnach-Hous de Múnic. Entre els principals projectes que ha comissariat figuren el pavelló de la Xina de la 26ena Biennal de Sao Paulo, 2004; co-curador de la 7ena Biennal Internacional d’Antiguitats de Parma, 2004; assistent de comissariat del pavelló de la Xina a la 50ena Biennal de Venècia, 2003, curador col•laborador a la 2ona Biennal Internacional d’Art Medial de Seül, 2002; curador de Making China, Nova York, 2002, de Post Material: Interpretations of Everyday Life by Contemporary Chinese Artists, Beijing, 2000 i curador del pavelló xinès de la 1era Biennal Internacional de Melbourne, entre d’altres.

19:30-21:30 h.
Taula rodona: La resistència de les perifèries a l‘hegemonia mundial.
Valentín Roma, historiador de l’art i curador d’exposicions, Laurence Rassel, directora de projectes de la Fundació Tàpies, Claudia Gianneti, curadora d’exposicions, escriptora i teòrica, i Joana Hurtado, crítica d’art (ACCA).
Joana Hurtado Matheu :Historiadora de l’art, és crítica d’art i cinema. Escriu habitualment per al suplement Cultura/s de La Vanguardia, Cahiers du Cinéma – España i Time Out Barcelona. Ha escrit textos per a catàlegs i exposicions (Núria Canal, Sònia Gómez, fer i desfer), ha col•laborat en les revistes Parachute, Lápiz, Lateral i Zehar, i és coautora del Diccionario de Cine Español e Iberoamericano, promoguda per la SGAE. Com a comissària independent destaca el cicle Cinergies al CCCB (2008-2009) i l’exposició Efecte cinema a Can Felipa (2009). Des del 2008 coordina i edita el Diàleg que es realitza en el context de SCAN, manifestació fotogràfica. Titular d’un DEA en Recerques Cinematogràfiques i Audiovisuals per la Universitat París III – Sorbonne Nouvelle, ha treballat sobre diversos aspectes de la cultura visual, en especial sobre la relació entre art i cinema, tema sobre el que ha impartit classes, publicat articles i programat cicles de cinema. Membre de l’ACCA i del grup de recerca CRECI, ha participat en congressos, taules rodones i jurats.

Debat final amb els ponents del dia i preguntes.
Conclusió del simposi a càrrec de les curadores del projecte Anna Maria Guasch, Menene Gras i Pilar Parcerisas.

INCRIPCIONS

Públic en general:
Matrícula per a totes les sessions: 50 €
Sessions soltes: 18 € per sessió de matí o tarda.

Estudiants UB amb validació de crèdits:
Matrícula per a totes les sessions: 40 €, amb descompte 20% per a estudiants inclós.
Per obtenir els 2 crèdits de la UB s’han de complir les 3 sessions del simposi i realitzar un treball d’aprofitament obligatori.
En cap cas es donarà el certificat si no s’han complert aquestes condicions.
Es pot assistir i pagar sessions soltes, la qual cosa no donarà dret al certificat. Preu 15 € per sessió.

Estudiants procedents d’altres universitats (sense convalidació de crèdits):
Matrícula per a totes les sessions. Ingrés de: 40 € (amb descompte 20 % inclòs)
Es pot assistir i pagar sessions soltes. Preu: 15 € per sessió.

Professors, membres de l’ AAVC, ICOM i altres associacions artístiques:
Totes les sessions: 40 € (amb descompte 20 % inclòs)
Es pot assistir i pagar sessions soltes. Preu: 15 € per sessió.

Membres Associació Catalana de Crítics d’ Art (ACCA): Gratuït.

Per inscriure’s: omplir el formulari que trobareu a la web http://www.acca.cat
Pagament per transferència o presencial en metàl•lic. Veure informació a la web.
Informació i inscripcions a simposiacca09@gmail.com

Termini màxim d’inscripció: 19 de novembre de 2009.

Lloc: Auditori del MACBA, Barcelona
Dates: Dies 20 i 21 de novembre de 2009.
Organitza ACCA, Associació Catalana de Crítics d’Art
Amb el suport del Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya i l’ICUB, Institut de Cultura de Barcelona.

Concurso Biennal ‘d’Art Contemporani Català’

La Biennal d’Art Contemporani Català és una iniciativa que busca mostrar i promocionar l’art més jove i, alhora, aproximar aquestes noves creacions a la ciutadania de Catalunya i del Principat d’Andorra.

A qui s’adreça aquest concurs?

A persones físiques joves residents a Catalunya i al Principat d’Andorra que tinguin entre 18 i 35 anys al llarg de la convocatòria i que no hagin estat seleccionades en les dues últimes edicions.

Quines obres es poden presentar?

El tema, la tècnica i el procediment són lliures. A efectes de transport, les obres no han d’excedir 200 x 200 cm en el cas de les obres bidimensionals, 80 kg de pes les tridimensionals i altres formats, embalatge inclòs.

Quins tipus de projectes es premien?

Aquelles obres que mostrin major creativitat, qualitat i innovació.

Quin és el premi de les obres seleccionades?

Les obres seleccionades conformaran una exposició que serà vista durant dos anys de manera itinerant a diverses poblacions de Catalunya i del Principat d’Andorra.

Quins compromisos adquireixen les persones seleccionades?

Els/les participants es responsabilitzen que no hi hagi drets de tercers sobre les obres presentades i que no es puguin fer reclamacions de drets d’imatge.

Quina documentació s’ha de presentar?

• Un mínim de sis fotografies d’obres diferents i inèdites, no seleccionades ni premiades en cap altre certamen, realitzades l’últim any i perfectament documentades, totes i cada una (títol, tècnica, mides, any de realització i, si escau, comentaris addicionals).
• Currículum artístic.
• Una fotocòpia del DNI o d’un altre document acreditatiu de residència a Catalunya o al Principat d’Andorra.

On hem de presentar aquesta documentació?

Aquest dossier s’haurà de lliurar al Museu de Sant Cugat -Claustre del Reial Monestir- 08172 Sant Cugat del Vallès. Tel. 93 675 99 51.

Fins quan es poden presentar els projectes?

El termini per presentar la sol•licitud es farà públic aviat.

On podem trobar més informació?

A la seu de la Secretaria de Joventut, al Museu de Sant Cugat i a Canals Galeria d’Art.

Página siguiente »