Con lo humano

El reloj de pared de su pequeño taller, un espacio sin pretensiones, humilde pero confortable, dejó de dar la hora fastidiado por la indiferencia. Sus agujas se rindieron al sigiloso quehacer del polvo, porque en este austero ring artístico se libra una lucha contra otra dimensión de tiempo: el tiempo de los recuerdos. La última hora que marcó el dichoso reloj fueron las 7.42, y ahí se quedó, intuyo que en el instante deprimente del crepúsculo que en la obra de Gabriel Schmitz se manifiesta en una luz fría, delicada y suave que no se extingue nunca. Una luz que habita dentro y fuera de sus figuras, unos personajes sobrecogedores de un magnetismo irresistible para los que quieren contar historias u oírlas contar.

Como en un juego de locos, a Gabriel Schmitz le persiguen un sueño y una pesadilla. Sabe, como sabía muy bien Giacometti, que la pintura calma las heridas y al mismo tiempo las exterioriza con toda su crudeza. Paradójico combate onírico para poder comprender y captar lo esencial del ser humano. Hay algo muy etéreo en su obra -casi todo en su obra es sutil y frágil- que lidia con uno de los grandes enigmas del arte contemporáneo: la supervivencia de la pintura en un mundo de tanta sofisticación tecnológica, de tanta imagen fusilada y de gustos estéticos tan artificiosos. Pintar hoy no es ni una rareza ni un privilegio -qué más quisieran algunos-, pero su sentido, su razón de ser, se ha acotado radicalmente: hoy ya sólo pertenece al territorio de lo humano. Y ahí es donde pisa fuerte Gabriel Schmitz, en esa reserva en la que el alma humana exige algo más auténtico y conmovedor que una pintura que la represente con edulcorantes y sensiblerías. Representar, qué ilusión más bárbara en nuestros enloquecidos tiempos en los que la realidad ya no es singular, es múltiple y a menudo virtual. No hay nada que representar cuando de lo que se trata es de implorar un modo de sentir y de hallar la verdad de las cosas.

El viaje, como una aventura de conocimiento y una búsqueda de profundas sensaciones anímicas, nutre su pintura. Gabriel Schmitz viaja, física y mentalmente, a mundos conocidos y extraños sin poder aislarse de su propio mundo interior. Camina por la calle, deambula mucho, captura y se apropia de imágenes de personas anónimas, recorta fotografías de cuerpos humanos con delirios de anatomista hipocondríaco, se concentra casi obsesivamente en el rostro y en los gestos de la gente, de las gentes, de ahí y de allí, él y el otro son lo mismo. Bucea en sus almas y, sin darse cuenta, empiezan a surgir y a entrelazarse en su cerebro los relatos más íntimos y estremecedores de sus figuras. Entra en su taller, desordenado mas para nada caótico, sin rastro de olor a pintura pero impregnado de materia pictórica, y activa el proceso de creación. Las paredes son pizarras gigantes donde expulsa y anota los pensamientos (“duelo por la vida”, “fuera de lugar, sin lugar, en su lugar”) y donde experimenta con su contenida paleta de colores, cada vez menos puros y más sucios, en unas mezclas que casi nunca consigue memorizar. Invoca a los grandes maestros (Velázquez, Caravaggio, Vermeer, Manet, Bacon), pero él está solo, absolutamente solo, y la tela le reclama con insistencia, y no es precisamente fácil saciarla, aunque le ayudará, le ayudará a pintar y a repintar, a repintar fracasos y frustraciones, porque nada es, ni será, definitivo.

Acepta el desafío, balsámico y angustioso por igual. Sus figuras emergen de la nebulosa memoria y se dirigen a la nada. Lo único palpable en sus óleos son los sentimientos humanos. Lo único que importa es la expresión humana. Los personajes, desubicados, jamás miran al espectador, no se proyectan en nada ni en nadie. No simulan ser lo que no son. Muchas veces incomodan porque están de espaldas, de perfil o en posturas un tanto confusas y perturbadoras. Nadie les pidió permiso para posar en una pintura. Y ellos no posan. Cuando miran de frente, aunque muchas veces cabizbajos y abatidos, sus ojos están perdidos en un horizonte lejano. Son figuras casi espectrales. Y tan terriblemente humanas… No buscan comprensión. Nadie ruega comprensión cuando camina por la calle. Al menos no en voz alta.

No sabemos si estos personajes van o vienen. No sabemos si los conocemos -éste de aquí… ¿no será Beckett?; ¡mira por donde, pero si por ahí va Basquiat!-. No sabemos si alzan el brazo para pedir ayuda o si es un simple gesto espontáneo. No sabemos si bailan o si están retorciéndose de dolor. Puede que estén afligidos por algo puntual, o quizás hace tiempo que llevan demasiado peso en su maleta existencial. ¿Lloran por dentro? ¿Soportan la melancolía? ¿Duermen o agonizan? ¿Viven? Ah, estas texturas demacradas de sus pieles, estos cuerpos consumidos… Por no saber, no sabemos ni si están vivos. No sabemos nada de ellos, pero nos sentimos muy próximos a sus inquietudes y a sus preocupaciones, sentimos empatía con sus pequeñas o grandes tragedias y banalidades. Nos habíamos olvidado de hasta qué punto el arte puede exaltar la dignidad humana.

Gabriel Schmitz no es un pintor que se caracterice por marear su pintura con cambios bruscos. Difícilmente lo hará jamás. Su trayectoria se rige por una continuidad y una coherencia estética y conceptual porque responde a un compromiso, a una necesidad que no es caprichosa. Y ello sin caer en la tentación de autoplagiarse, el camino más traidor para pervertir el oficio del pintor y para dar la razón a todos aquellos que dan por muerta la pintura. Gabriel Schmitz no puede dejar a un lado su actitud frente al mundo, su manera de ver y entender el mundo, y por lo tanto a sí mismo, y en el otro su pintura. Como si fuera posible separar vida y arte. Él y su obra fluyen en sincronía. Los cambios que incorporan sus piezas siempre remiten a un proceso lento de experimentación, a un diálogo muy sufrido, un pacto muy sosegado con la propia tela. Ya casi no tiene ningún temor a innovar con los formatos, ahí le tenemos explorando nuevas perspectivas y percepciones con lo descaradamente vertical, y últimamente ha llevado su empeño por la materia mínima hacia unos límites fascinantes, otorgando al lino libre de pintura voz propia en la obra final. Y no le llamen a esto rendir culto al vacío, porque es todo lo contrario. Simplemente anhela atrapar lo invisible.

Texto de María Palau

Galería de Arte Rayuela
Claudio Coello, 19
28001, Madrid

+34 91 577 06 48
rayuela@galeriarayuela.com

Catálogo disponible en: www.galeriarayuela.com

Presentaremos trabajos de los siguientes artistas:
ANA LAURA ALÁEZ, TXOMIN BADIOLA, BROTO, VICTORIA CIVERA, JERÓNIMO ELESPE, PHILIPP FRÖHLICH, JORGE GALINDO, PELLO IRAZU, SERGIO PREGO, GUILLERMO PÉREZ VILLALTA, TONY OURSLER, SOLEDAD SEVILLA, JULIAN SCHNABEL, JOSÉ MARÍA SICILIA, TÀPIES, JUAN UGALDE, JUAN USLÉ.

mobile@soledadlorenzo.com

ARCO 2012 STAND 10C08

We are pleased to announce our participation at ARCO 2012. We are looking forward to see you at Stand 10C08.

With the works of the following artists:
ANA LAURA ALÁEZ, TXOMIN BADIOLA, BROTO, VICTORIA CIVERA, JERÓNIMO ELESPE, PHILIPP FRÖHLICH, JORGE GALINDO, PELLO IRAZU, SERGIO PREGO, GUILLERMO PÉREZ VILLALTA, TONY OURSLER, SOLEDAD SEVILLA, JULIAN SCHNABEL, JOSÉ MARÍA SICILIA, TÀPIES, JUAN UGALDE, JUAN USLÉ.

You can reach us at the fair on mobile@soledadlorenzo.com

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

La ceremonia, que tuvo lugar en el MACBA, reconoció con un premio honorífico la trayectoria del artista Richard Hamilton, fallecido en septiembre de 2011. Rod Hamilton, el hijo del artista, recogió el premio en reconocimiento a su aportación al mundo del arte y su relación con las galerías de arte catalanas.

El acto, que pretende convertirse en una cita anual de la cultura y el galerismo, congregó a 300 personalidades entre las que se encontraban Ferran Mascarell, Conseller de Cultura, y Jaume Ciurana, Tinent d’Alcalde de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona y presidente del ICUB, así como galeristas, coleccionistas, directores de museos, artistas y medios de comunicación, entre otros.

Los ganadores de los Premios GAC 2012 han sido:

- Premio a la galería por su trayectoria: Galería Soledad Lorenzo

- Premio al coleccionismo (ex aequo): Han Nefkens y Antoni Vila Casas

- Premio a la crítica de arte: Elena Vozmediano

- Premio a la galería joven por su proyección internacional: Meessen De Clercq Art Gallery

- Premio al comisario de exposiciones: Vicent Todolí

- Premio al medio de comunicación: Art Nexus

- Premio al artista por la mejor exposición en galería: Daniel Jacoby “La Lógica del Ornitorrinco”, Galeria Toni Tàpies

Los Premios GAC- V Noche del Galerismo agradecen el patrocinio exclusivo de la Fundació Banc de Sabadell y el apoyo del Institut Català de les Empreses Culturals y el Institut de Cultura de Barcelona.

Fuente:Exitmail

“Bajo la inminente amenaza del fin del mundo, esta pareja de escritores rescatados de los bajos fondos, nos presentan “ANIMALOCALYPSIS NOW”. Una revisión intimista y desenfadada, con tintes psicodélicos, de los signos y señales, monstruos e iconos, que nos acechan cada dia en esta realidad, cada vez, mas irreal. Una realidad filtrada por la mente delirante de estos old school/all skull de la escena barcelonesa…puro Barrio Chino…algo así como, un cruce entre Funkadelic-Grateful Dead-Black Sabbath pero en graffiti, el colectivo S.R. en pleno efecto.

Sin ningún reparo, se atreven con combinaciones imposibles de colores, de amplio espectro, dando énfasis a las gamas “de vida alegre”. Multiplicidad de formas, ambientes intensos, confluyen en esta colección de lienzos explosivos, donde el hexágono (como forma más repetida en la naturaleza, y que maximiza el espacio), y el potente trazo, ( que te golpea con fuerza y absoluta contundéncia ), funcionan como hilo conductor. Referentes imprescindibles para comprender la evolución del graffiti mural en la ciudad de Barcelona.

Sin lugar a dudas, pruebas irrefutables del fin de una era. Brutal… ”

Dr.William Bell, Massive Dynamic, New York.

Montana Gallery
Barcelona

Carrer Comerç, 6
08003 Barcelona
T/F: (+34) 932 680 191

gallery@montanacolors.com

Como llegar:

Fúcares Gallery presents a second solo show by  Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978) in its space in Madrid.

Discussion on The Absent Structure of Naked Appearance.
The Vertical Lake
Notes for an introduction to the problem

Umberto Eco opens the discussion about the problem. Four timeless speakers discuss some aspects of the issue:

- Communicating two mechanical devices-

(Eco) If every cultural phenomenon is an act of communication and can be explained through the pattern of any communicational act, it will be appropriate to individualize the elemental structure of communication where this takes place-or, better yet-in its minimal terms. In other words, at the level at which a transfer of information between two mechanical devices takes place.

(Arnheim) If they were not symmetrically located with respect to one another, their fusion would be facilitated and the whole strengthened, and thus inverted. This coincidence of being whole and part simultaneously is another aspect of interaction not representable by discursive formulation.

(Derrida) It would be easy to show that the concept of structure and even the word structure are as old as the episteme, that is to say, as old as Western science and Western philosophy, and that their roots thrust deep into the soil of ordinary language, into whose deepest recesses the episteme plunges to gather them together once more, making them part of itself in a metaphorical displacement.

(Paz) In art all that matters is form. Or more exactly: forms are the conveyors of meanings. Form projects sense; it is a signifying device.

- Structure and centre-

(Arnheim) To perceive any object or event is to see it as a configuration of forces, and being aware of the universality of such configurations is an integral part of every perceptual experience.

(Derrida) structure, or rather the structurality of structure, although it has always been at work, has always been neutralized or reduced, and this by a process of giving it a centre or referring it to a point of presence, to a fixed origin. The function of this centre was not only to orient, balance and organize the structure-one cannot in fact conceive of an unorganized structure-but above all to make sure that organizing principle of the structure would limit what we might call the freeplay of the structure. No doubt that by orienting and organizing the coherence of the system, the centre of a structure permits the freeplay of its elements inside the total form. And even today the notion of a structure l acking any centre represents the unthinkable itself.

(Arnheim) The mind cannot sustain two different structural organizations of the same design at the same time: it cannot help but subordinate one to the other. Consequently, the mind provides the necessary hierarchy by alternatively conceding predominance to each one of the structures. At a given instant the whole prevails, at the next the parts. Such oscillation makes it possible to present the identity without compromising the duality.

- Force and movement -

(Da Vinci) Observe the motion of the surface of water, how it resembles that of hair, which has two movements, one of which depends on the weight of the hair, the other on the direction of the curls; thus the water forms whirling eddies, one part following the impetus of the chief current, and the other following the incidental motion and the return flow.

(Arnheim) A circular edge is always in tension, like the skin of a balloon, which bears the centrifugal pressure from the interior and generates a centripetal counter-pressure because of its resistance to expansion.

(Paz) The body of reality, its appearance, is the result of two forces: attraction in space and distraction in extension. Appearance is extended and moves away from its point of attraction: us, mirrors who reflect it. The movement itself unfolds in time: its body enjoys an alternative freedom with respect to the centre of gravity. During certain intervals, the body is free and does not respond to the attraction; at others it is determined by i t. As long as those intervals last, the body is outside of time, at least outside of linear time. Appearance vanishes between the hands of the clock: it is a pendulum seen from the side.

(Arnheim) The two elements mutually complement each other at all levels of the circle. There, where one is narrow the other is wide, and this is so throughout the entire range of proportions.

(Da Vinci) Just as a stone flung into the water becomes the centre and cause of many circles, and as sound diffuses itself in circles through the air; so a body placed within the luminous air diffuses itself in circles and fills the surroundings with an infinite number of images of itself, seeming complete in the whole and complete in the smallest of its parts.

(Arnheim) The whole is not an entity that exists separately from its parts, preceding them, nor do the parts exist separately from the whole, preceding it. Both families of vectors, that which descends from the whole and that which ascends from the parts, are constituted in artificially isolated linear relations between separate static entities.

(Da Vinci) If one single point placed in a circle may be the starting point of infinite number of lines, and the termination of an infinite number of lines, there must be an infinite number of points separable from this point and these when reunited become one again; whence it follows that the part may be equal to the whole.

(Paz) The pursuit of an object that infinitely moves away entails an equally endless motion. This metaphysical (rather than material) motion, can be nothing but perpetual and, therefore, circular, a race in which the subject reaches his object only to become detached from it and run after it again.

(Da Vinci) 1. The surface is the limit of the body. 2. The limit of the body is not part of that same body. 4. The limit of one body is the beginning of another body. 3. What is not a part of anything is nothing. Nothing is what nothing occupies.

(Paz) The damnation of seeing becomes the freedom of contemplation.

(Eco)  ECO, Umberto. The Absent Structure. Introduction to Semiotis. Page 36. (Spanish edition). Beginning of the first chapter. The Universe of Signs from section A The Sign and Meaning.
(Arnheim)  ARNHEIM, Rudolf. Toward a Psychology of Art, chapter Perceptual Analysis of a Symbol of Interaction. Pages 208-226 (Spanish edition, 1996)
(Derrida)  DERRIDA, Jaques. Structure, Sign and Play in the Discourse of Human Sciences, 1966. Pages 2,3 (Spanish edition).
(Paz)  PAZ, Octavio. Naked Appearance. The Work of Marcel Duchamp, 1973. Commentaries on the Large Glass
(Da Vinci) Leonardo Da Vinci. Treatise on Painting.

Con la colaboración de

Dentro del proyecto que realizó junto a Txomin Badiola y Jon Mikel Euba titulado PRIMER PROFORMA 2010 en el MUSAC- Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Prego desarrolló, de forma extensiva, una serie de trabajos con estructuras neumáticas emparentadas con el trabajo que presenta en esta ocasión en la galería. (Estos ejercicios experimetales pueden ser contemplados en la página web del proyecto: www.primerproforma2010.org).

Asimismo y para la 41ª edicion de Art Basel dentro del apartado Art Unlimited 2009 Sergio Prego, presentó la obra Ikurrina Quarter. Dicha instalación consistía en un cilindro neumático en forma de corredor de 2.5m de diámetro y 120m de largo cuyo interior podía ser transitado por el visitante.

Para esta ocasión, Sergio Prego inunda el espacio expositivo con un cilindro neumático que ocupa por completo la galería. El visitante podrá transitar el espacio expositivo, desde el interior del cilindro. Se trata de una estructura neumática preso-estática de 40 m de longitud y 16 m de perímetro, con una entrada /salida en cada uno de sus dos extremos, que habita el espacio de la galería desbordándola, amoldándose a su interior simultáneamente. La estructura extiende su membrana presionando suelo, paredes y techo. La especificidad de este espacio produce una sensación de irrealidad y abstracción, fruto de la trasgresión de las convenciones arquitectónicas.

La instalación, plantea una serie de cuestiones en relación con la escultura (la estructura neumática) y su contenedor y contexto (la galería). Por un lado, desde el exterior se presenta como un objeto escultórico autónomo, con una presencia contundente. Mientras que en su interior, usurpa un número de funciones de la arquitectura y se sitúa como una membrana que gestiona la relación de los transeúntes con la arquitectura que los acoge.

El interior de la estructura neumática parece vaciado por la ausencia de un sistema ortogonal. Al negar los sistemas preceptúales, aparece como un espacio ilimitado, a la vez que se percibe su fuerte realidad material. La simplicidad de patronaje empleado, crea una contradicción entre lo abstracto de la visión y lo concreto de su materialidad. Las estructuras neumáticas subvierten las convenciones, tanto de la arquitectura, como de la escultura ya que se sustentan en la presión del vacío interno y la producción material queda tan solo restringida, al casi intangible plano /superficie que divide exterior e interior

En esta exposición se presenta también Estudios para permutaciones Bug, una serie de esculturas de pequeño formato realizadas como estudios para un video y que analizan una secuencia de movimientos de los miembros de la figura humana, en relación a una estructura lineal geométrica.

Sergio Prego, (Fuenterrabía 1969) Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Utiliza desde sus inicios, como medios de expresión, el vídeo y la escultura y la instalación. El trabajo de Sergio se centra en la relación del hombre con el espacio que le rodea y el tiempo en el que vive. El cuerpo humano se convierte, en su obra, en sujeto de un movimiento que, a su vez, construye el espacio en el que se produce. Sergio Prego nos obliga a forzar la mirada hasta descubrir en sus obras “situaciones” hasta entonces quizás sólo intuidas; nos invita a colocarnos frente a “paisajes” que no son simplemente reales, sino reconstrucciones conceptuales de la experiencia vital del artista, que podría ser la nuestra propia.

Sergio Prego cuenta con individuales en el Palazzo delle Papesse de Siena; la Sala Rekalde de Bilbao o en las galerías Alfonso Artiaco de Napoles, Buchman de Colonia o Lombard-Freid Fine Arts de Nueva York. Ha sido seleccionado en las ediciones 41 y 35 de Art Unlimited, Art Basel y ha sido ganador del Premio Altadis Artes Plásticas 2003. Ha participado, entre otras, en exposiciones como Antes que todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid; PRIMER PROFORMA 2010, MUSAC, Leon; Truss thrust: the artifice of space en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver; Hasta pulverizarse los ojos. BBVA Contemporáneos; The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art Center de Nueva York; Bad Boys, 50ª Biennale di Venecia o Monocanal en el MNCA Reina Sofía, Madrid.

Más información aquí.

SERGIO PREGO 1 December – 14 January

Tomorrow thursday December 1st, galería Soledad Lorenzo presents, from 20:00 h, an individual show of Sergio Prego.

Sergio Prego has worked in collaboration with Soledad Lorenzo gallery since 2002. In his last two exhibitions he has presented video works, sculptures and installations all of which contain an experimental character as a common factor underlying them.

In the project entitled PRIMER PROFORMA 2010 which he carried out together with Txomin Badiola and Jon Mikel Euba at MUSAC – Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Prego developed, in an extensive way, a series of works with pneumatic structures similar to the work that he is currently presenting in the gallery. (These experimental exercises can be seen on the web page of the project: www.primerproforma.2010.org)

In this way at the 41st edition of Art Basel inside the section for Art Unlimited 2009 Sergio Prego, presented his installation piece Ikurrina Quarter. The work was composed of a pneumatic cylinder in the form of a corridor 2.5 m in diameter and 120m long though which the visitor could walk.

For this occasion, Sergio Prego has inundated the exhibition space of the gallery with a pneumatic cylinder that occupies the entire space of the gallery. The visitor can transit through the exhibition space from inside the cylinder. The installation is made out of a presostatic pneumatic structure 40m long and with a perimeter of 16m, with an opening/ exit at each of the two ends, which inhabits the gallery’s space to the point that it exceeds its limits, at the same time as it simultaneously adapts itself to its inner space. The structure extends its membrane pressurizing against the floor, walls and ceiling. The specificity of this space produces a sensation of unreality and abstraction, as a result of the transgression of the architectural conventions.

The installation engages in a series of questions related with the sculpture (the pneumatic structure) and its container and context (the gallery). On the one hand, from the outside it appears like an autonomous sculptural object, with a conclusive presence. Meanwhile on the other hand, from the inside, it seizes a number of functions of the architecture and is situated as a membrane that negotiates the relation between the spectators and the architecture which encompasses them.

The inside of the pneumatic structure appears to be an empty space given the absence of an orthogonal system. By denying perceptual systems, it appears as an unlimited space, at the same time as it perceives its strong material reality. The simplicity of the pattern design employed creates a contradiction between the abstractness of its vision and the concreteness of its outward appearance. The pneumatic structures subvert the conventions both of the architecture as well as the sculpture, since they are supported by the pressure of the internal space whilst the material production is simply limited to the almost intangible plane/ surface that divides the inside from the outside.

The exhibition is also showing Estudios para permutaciones Bug, a series of small scale sculptures that were done as part of a study for a video and which analyse a sequence of movements of the limbs of the human figure in relation to a geometrical lineal structure.

Sergio Prego, (Fuenterrabia 1969) lives and works in New York. He has used different mediums such as video, sculpture and installation. Sergio’s work focuses on the relation of the individual with the space that surrounds him/her and the time in which he/she lives. In his work the human body becomes the subject of a movement which, at the same time, constructs the space in which it is produced. Sergio Prego compels us to look until we discover “situations” in his works which were perhaps only sensed up until then; he invites us to stand facing “landscapes” that are not simply real, but which are conceptual reconstructions of the very experience of the artist himself, and which could also be our very own.

Sergio Prego has done solo exhibitions in the Palazzo delle Papesse in Siena; la Sala Rekalde in Bilbao or in the Alfonso Artiaco galleries in Naples, Buchman in Cologne or Lombard-Freid Fine Arts in New York. He was selected in the 41st and 35th edition of Art Unlimited, Art Basel and has been awarded the Premio Altadis Artes Plásticas in 2003. He has participated in exhibitions such as Antes que todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid; PRIMER PROFORMA 2010, MUSAC, Leon; Truss thrust: the artifice of space in the Museum of Contemporary Art in Denver; Hasta pulverizarse los ojos. BBVA Contemporáneos; The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art Center in New York; Bad Boys, 50 Biennale di Venecia or Monocanal in the MNCA Reina Sofía, Madrid.

More information here.

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

Torna el  Nadal. I nosaltres també ho volem cel.lebrar amb la petita família d’Espai [b].

Un any més aquestes dates ens serveixen d’excusa per fer una mostra d’alguns dels nostres artistes més representatius, per reunir-los,

perquè es coneguin els nous, per fer balanç de l’any i ensenyar què ens agrada.

Esteu tots convidats a reunir-vos amb nosaltres i:

RITHIKA MERCHANT, LAURA LÓPEZ BALZA, MARCO PARDO, JOAN CANALS, PERE MANRIQUE,

MARKUS HAUB, ANDREA MICHAELSSON, JESSICA VON HELMOLT, VANESSA LINARES,

RAMON VILA, LLUÍS CADAFALCH, VICTOR PÉREZ PORRO, TOMOMIMOTO I SONIKAMONICA

NAVIDAD 2011

[ COLECTIVA ]

DEL 16 DE DICIEMBRE AL 12 DE ENERO

Vuelve la Navidad. Y nosotros también lo queremos celebrar con la pequeña familia de Espai [b].
Un año más estas fechas nos sirven de excusa para hacer una exposición de algunos de nuestros artistas más representativos, para reunirlos,

para que se conozcan los nuevos, para hacer balance del año y enseñar qué nos gusta.
Estaís todos invitados a reuniros con nosotros y:

RITHIKA MERCHANT, LAURA LÓPEZ BALZA,  MARCO PARDO, JOAN CANALS, PERE MANRIQUE,

MARKUS HAUB, ANDREA MICHAELSSON, JESSICA VON HELMOLT, VANESSA LINARES,

RAMON VILA, LLUÍS CADAFALCH, VICTOR PÉREZ PORRO, TOMOMIMOTO I SONIKAMONICA

 ”The Christmas Strangers” es el concepto de nuestra exposición de Navidad en Mitte que se inauguró ayer miércoles 14 de diciembre.

Mitte nació de la idea de celebrar y compartir el amor por la creatividad, así que les damos la bienvenida a todos a compartir con nosotros esta celebración. Aunque apenas les conozcamos, incluso a los desconocidos, todos forman parte de nuestra familia.

“The Christmas Strangers”

  Pietari Posti de Finlandia + Birgit Palma de Austria + Vasco Mourao de Portugal +

  Can Pekdemir + Bora BaÅŸkan de Estambul + Rina Ota de Japon

  Mitte Artspace Barcelona€“ Bailén 86 -€“ 08009 Barcelona€“ Inauguración 14.11.2011 de 19 a 22h

 Los “strangers” de cada uno de ellos nos dejan ver mundos muy variados. En Mitte Barcelona entran y dialogan entre si compartiendo sus “Navidades”, ilusiones y sueños. Cada uno de ellos trae su propia cultura para mostrarnos con ojos diferentes sus “personajes”, tecnica, colores, sensibilidad, materia, espacios que nos dejan entrecerrar los ojos e intuir el origen del artista.

Christoph Mertens  “ Frohe Weihnacht – 12/16 Mitte “

Pop up Window– Bailén 86 – 08009 – – Inauguración 14.11.2011 de 19 a 22h

 Christoph, escultor Aleman ha creado nuestro árbol navideño “ Frohe Weihnacht – 12/16 Mitte “ en el Pop-up Window. Bajo ésta árbol y de la mano de la escaparatista Aude Florimond,  expondremos productos diseñados por Designcode, Boris Hoppek, Lapin, Ena Macana, LoSiento y Christoph Mertens para que puedas elegir tu regalo de navidad entre ellos.

www.mitte-barcelona.com

La colectiva configura un retrato ilustrado de los sueños y pensamientos más profundos de estos artistas del lápiz y el color. Los caminos de estos jóvenes ilustradores se han cruzado en la exposición pequeñas confesiones, donde se podrá ver una selección de sus últimos trabajos.

Los cuatro ilustradores que residirán en la Víctor Lope estos días se asemejan por sus ideales a la hora de coger el lápiz, pero son únicos y diferentes cuando deciden confesarnos sus pensamientos y sueños más escondidos.

Pequeñas confesiones es un juego visual donde el espectador irá conociendo a lo largo de la colectiva a cada uno de los habitantes. A través de sus obras los artistas nos confesarán su forma de ser y de ver la vida.

En la exposición podremos recorrer los paisajes oníricos, a la vez que casi fotográficos, de Malgosia Jankowska. Disfrutar de los míticos y entrañables personajes salvajes de Dani Buch, así como de las frágiles figuras de Diego Mallo y los urbanitas de Gastón Liberto.

Ellos son los que dan sentido a esta exposición, artistas muy diferentes entre ellos pero con una visión especial de la imagen como denominador común, y que nos traen ahora sus obras más recientes y personales.

Presentaremos la obra de cuatro artistas llegados de mundos artísticos distintos: La cerámica, la pintura abstracta, la escultura de hierro oxidado y la pintura digital.

La ceramista Adrianna Russo encuentra en la depuración de la tierra englobar el espacio inmaterial en su transformación a porcelana.

Para el  pintor Àngel González Llàcer,  el predominio de color acompañado de sensaciones energéticas nos transporta al ego interno de la reflexión.

Las obras escultóricas de Martí Morros, profundizan en la conjugación de la forma y el vacío, sus esculturas se mueven alrededor de los 360 grados de visión que asociado con la armonía de las formas onduladas se transforman en un juego con el espacio en sobresalientes expresiones de lo etéreo y lo material.

Sebastià Plans trabaja la pintura digital. Para el, la esencia de la luz se filtra a través de la superposición de imágenes dejando entre ver  las sugerencias más sutiles entre el juego de formas y colores que confieren las transparencias de su composición.

La presentación de estas obras es el fruto de una sintonía total entre la materia, la fuerza y a la vez la dulzura que llevan en si las piezas presentadas.

Transmiten unos sentimientos intensos a quien se toma el tiempo de disfrutar de sus particularidades y le ofrecerán un oasis de belleza y de bienestar.

Mezanina

DEL 16 DE DESEMBRE AL 12 DE GENER

Torna el  Nadal. I nosaltres també ho volem cel.lebrar amb la petita família d’Espai [b].

Un any més aquestes dates ens serveixen d’excusa per fer una mostra d’alguns dels nostres artistes més representatius, per reunir-los,

perquè es coneguin els nous, per fer balanç de l’any i ensenyar què ens agrada.

Esteu tots convidats a reunir-vos amb nosaltres i:

 RITHIKA MERCHANT, LAURA LÓPEZ BALZA, MARCO PARDO, JOAN CANALS, PERE MANRIQUE,

MARKUS HAUB, ANDREA MICHAELSSON, JESSICA VON HELMOLT, VANESSA LINARES,

RAMON VILA, LLUÍS CADAFALCH I VICTOR PÉREZ PORRO

NAVIDAD 2011

[ COLECTIVA ]

DEL 16 DE DICIEMBRE AL 12 DE ENERO

Vuelve la Navidad. Y nosotros también lo queremos celebrar con la pequeña familia de Espai [b].
Un año más estas fechas nos sirven de excusa para hacer una exposición de algunos de nuestros artistas más representativos, para reunirlos,

para que se conozcan los nuevos, para hacer balance del año y enseñar qué nos gusta.
Estaís todos invitados a reuniros con nosotros y:

RITHIKA MERCHANT, LAURA LÓPEZ BALZA,  MARCO PARDO, JOAN CANALS, PERE MANRIQUE,

MARKUS HAUB, ANDREA MICHAELSSON, JESSICA VON HELMOLT, VANESSA LINARES,

RAMON VILA, LLUÍS CADAFALCH I VICTOR PÉREZ PORRO

Espai B

http://www.espaib.com/

Torrent de l’Olla 158 · 08012 · Barcelona
T · 93 217 10 90 | info@espaib.com
Dill – Diss de 17h a 20.30h

1 de diciembre – 9 de enero

El próximo día jueves 1 de diciembre, a partir de las 20:00 h, la galería Soledad Lorenzo presenta la exposición individual de Sergio Prego.

Sergio Prego colabora con la galería Soledad Lorenzo desde el año 2002. En sus dos anteriores exposiciones presentó vídeos, esculturas e instalaciones todos con un carácter experimental como denominador común.

Dentro del proyecto que realizó junto a Txomin Badiola y Jon Mikel Euba titulado PRIMER PROFORMA 2010 en el MUSAC- Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Prego desarrolló, de forma extensiva, una serie de trabajos con estructuras neumáticas emparentadas con el trabajo que presenta en esta ocasión en la galería. (Estos ejercicios experimetales pueden ser contemplados en la página web del proyecto: www.primerproforma2010.org).

Asimismo y para la 41ª edicion de Art Basel dentro del apartado Art Unlimited 2009 Sergio Prego, presentó la obra Ikurrina Quarter. Dicha instalación consistía en un cilindro neumático en forma de corredor de 2.5m de diámetro y 120m de largo cuyo interior podía ser transitado por el visitante.

Para esta ocasión, Sergio Prego inunda el espacio expositivo con un cilindro neumático que ocupa por completo la galería. El visitante podrá transitar el espacio expositivo, desde el interior del cilindro. Se trata de una estructura neumática preso-estática de 40 m de longitud y 16 m de perímetro, con una entrada /salida en cada uno de sus dos extremos, que habita el espacio de la galería desbordándola, amoldándose a su interior simultáneamente. La estructura extiende su membrana presionando suelo, paredes y techo. La especificidad de este espacio produce una sensación de irrealidad y abstracción, fruto de la trasgresión de las convenciones arquitectónicas.

La instalación, plantea una serie de cuestiones en relación con la escultura (la estructura neumática) y su contenedor y contexto (la galería). Por un lado, desde el exterior se presenta como un objeto escultórico autónomo, con una presencia contundente. Mientras que en su interior, usurpa un número de funciones de la arquitectura y se sitúa como una membrana que gestiona la relación de los transeúntes con la arquitectura que los acoge.

El interior de la estructura neumática parece vaciado por la ausencia de un sistema ortogonal. Al negar los sistemas preceptúales, aparece como un espacio ilimitado, a la vez que se percibe su fuerte realidad material. La simplicidad de patronaje empleado, crea una contradicción entre lo abstracto de la visión y lo concreto de su materialidad. Las estructuras neumáticas subvierten las convenciones, tanto de la arquitectura, como de la escultura ya que se sustentan en la presión del vacío interno y la producción material queda tan solo restringida, al casi intangible plano /superficie que divide exterior e interior

En esta exposición se presenta también Estudios para permutaciones Bug, una serie de esculturas de pequeño formato realizadas como estudios para un video y que analizan una secuencia de movimientos de los miembros de la figura humana, en relación a una estructura lineal geométrica.

Sergio Prego, (Fuenterrabía 1969) Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Utiliza desde sus inicios, como medios de expresión, el vídeo y la escultura y la instalación. El trabajo de Sergio se centra en la relación del hombre con el espacio que le rodea y el tiempo en el que vive. El cuerpo humano se convierte, en su obra, en sujeto de un movimiento que, a su vez, construye el espacio en el que se produce. Sergio Prego nos obliga a forzar la mirada hasta descubrir en sus obras “situaciones” hasta entonces quizás sólo intuidas; nos invita a colocarnos frente a “paisajes” que no son simplemente reales, sino reconstrucciones conceptuales de la experiencia vital del artista, que podría ser la nuestra propia.

Sergio Prego cuenta con individuales en el Palazzo delle Papesse de Siena; la Sala Rekalde de Bilbao o en las galerías Alfonso Artiaco de Napoles, Buchman de Colonia o Lombard-Freid Fine Arts de Nueva York. Ha sido seleccionado en las ediciones 41 y 35 de Art Unlimited, Art Basel y ha sido ganador del Premio Altadis Artes Plásticas 2003. Ha participado, entre otras, en exposiciones como Antes que todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid; PRIMER PROFORMA 2010, MUSAC, Leon; Truss thrust: the artifice of space en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver; Hasta pulverizarse los ojos. BBVA Contemporáneos; The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art Center de Nueva York; Bad Boys, 50ª Biennale di Venecia o Monocanal en el MNCA Reina Sofía, Madrid.

Más información aquí.

SERGIO PREGO 1 December -9 January

Next thursday december 1st, galería Soledad Lorenzo presents, from 20:00 h,  an individual show of Sergio Prego.

Sergio Prego has worked in collaboration with Soledad Lorenzo gallery since 2002. In his last two exhibitions he has presented video works, sculptures and installations all of which contain an experimental character as a common factor underlying them.

In the project entitled PRIMER PROFORMA 2010 which he carried out together with Txomin Badiola and Jon Mikel Euba at MUSAC – Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Prego developed, in an extensive way, a series of works with pneumatic structures similar to the work that he is currently presenting in the gallery. (These experimental exercises can be seen on the web page of the project: www.primerproforma.2010.org)

In this way at the 41st edition of Art Basel inside the section for Art Unlimited 2009 Sergio Prego, presented his installation piece Ikurrina Quarter. The work was composed of a pneumatic cylinder in the form of a corridor 2.5 m in diameter and 120m long though which the visitor could walk.

For this occasion, Sergio Prego has inundated the exhibition space of the gallery with a pneumatic cylinder that occupies the entire space of the gallery. The visitor can transit through the exhibition space from inside the cylinder. The installation is made out of a presostatic pneumatic structure 40m long and with a perimeter of 16m, with an opening/ exit at each of the two ends, which inhabits the gallery’s space to the point that it exceeds its limits, at the same time as it simultaneously adapts itself to its inner space. The structure extends its membrane pressurizing against the floor, walls and ceiling. The specificity of this space produces a sensation of unreality and abstraction, as a result of the transgression of the architectural conventions.

The installation engages in a series of questions related with the sculpture (the pneumatic structure) and its container and context (the gallery). On the one hand, from the outside it appears like an autonomous sculptural object, with a conclusive presence. Meanwhile on the other hand, from the inside, it seizes a number of functions of the architecture and is situated as a membrane that negotiates the relation between the spectators and the architecture which encompasses them.

The inside of the pneumatic structure appears to be an empty space given the absence of an orthogonal system. By denying perceptual systems, it appears as an unlimited space, at the same time as it perceives its strong material reality. The simplicity of the pattern design employed creates a contradiction between the abstractness of its vision and the concreteness of its outward appearance. The pneumatic structures subvert the conventions both of the architecture as well as the sculpture, since they are supported by the pressure of the internal space whilst the material production is simply limited to the almost intangible plane/ surface that divides the inside from the outside.

The exhibition is also showing Estudios para permutaciones Bug, a series of small scale sculptures that were done as part of a study for a video and which analyse a sequence of movements of the limbs of the human figure in relation to a geometrical lineal structure.

Sergio Prego, (Fuenterrabia 1969) lives and works in New York. He has used different mediums such as video, sculpture and installation. Sergio’s work focuses on the relation of the individual with the space that surrounds him/her and the time in which he/she lives. In his work the human body becomes the subject of a movement which, at the same time, constructs the space in which it is produced. Sergio Prego compels us to look until we discover “situations” in his works which were perhaps only sensed up until then; he invites us to stand facing “landscapes” that are not simply real, but which are conceptual reconstructions of the very experience of the artist himself, and which could also be our very own.

Sergio Prego has done solo exhibitions in the Palazzo delle Papesse in Siena; la Sala Rekalde in Bilbao or in the Alfonso Artiaco galleries in Naples, Buchman in Cologne or Lombard-Freid Fine Arts in New York. He was selected in the 41st and 35th edition of Art Unlimited, Art Basel and has been awarded the Premio Altadis Artes Plásticas in 2003. He has participated in exhibitions such as Antes que todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid; PRIMER PROFORMA 2010, MUSAC, Leon; Truss thrust: the artifice of space in the Museum of Contemporary Art in Denver; Hasta pulverizarse los ojos. BBVA Contemporáneos; The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art Center in New York; Bad Boys, 50 Biennale di Venecia or Monocanal in the MNCA Reina Sofía, Madrid.

More information here.

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Retiro.

La artista Soledad Sevilla (Valencia, 1944) presentará, en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro, la instalación Escrito en los cuerpos celestes, creada ex profeso para dicho espacio. Se trata de una estructura de aluminio y policarbonato impreso que reproduce la bóveda del propio Palacio y recrea la imagen del cielo nocturno. Será la instalación de mayor tamaño que la artista ha realizado en su última
etapa, iniciada a principios de los años noventa y en la que explora las relaciones entre la luz, la materia y el espacio. Con este objetivo, Sevilla crea sutiles elementos que conviven con los ya existentes y los activan potenciando sus aspectos variables, especialmente la luz. A través de estructuras abstractas, la
artista muestra en estas obras su interés por los valores atmosféricos y espaciales, presentes ya en su anterior creación bidimensional. “Mi objetivo es añadir al mundo físico de la creación algo intangible.
Aportar un presentimiento a unos acontecimientos presentes pero no visibles, que oímos pero no vemos”, explica Soledad Sevilla.

Soledad Sevilla se dio a conocer al formar parte del Seminario del Centro de Cálculo de Madrid (1969-71), en el que un grupo de artistas experimentaron con la generación automática de formas plásticas. En sus inicios, realizó una pintura geométrica y seriada en la que se puede reconocer el germen de las estructuras geométricas con las que trabaja en la actualidad y que cuentan con formas más libres, pero basadas en un riguroso análisis técnico. En estas obras, se aprecian también ciertos aspectos ambientales muy destacados en su etapa pictórica de los años ochenta: pinturas de alta densidad cromática en las que consigue una difícil combinación entre la reducción formal y la riqueza sensorial. A
partir de ambas experiencias, la geométrica y la óptica, la artista ha evolucionado hacia una obra más compleja y radical que se sitúa en la frontera entre la escultura, el paisajismo y la arquitectura.

La artista realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge (Barcelona) y en la Universidad de Harvard (Estados Unidos). Durante su carrera ha recibido diversos galardones, como el Premio
Nacional de Artes Plásticas (1993) y la Medalla al mérito de las Bellas Artes (2007). Su obra está presente en los principales museos y colecciones españolas (IVAM, ARTIUM, Fundación March, Fundación La Caixa…) y, recientemente, el Museo Reina Sofía ha adquirido un importante corpus de obras de su primera época geométrica. El Parque del Retiro no es ajeno a su trabajo. En 1994, el Centro Nacional de Exposiciones presentó, en el Palacio de Velázquez, una retrospectiva que incluía las instalaciones La habitación de la lluvia; La que recita la poesía es ella. Humo; La que recita la poesía es ella. Fuego y Que su cante me lastima.

 Esta exposición coincide con el Festival Miradas de Mujeres (Mujeres en las Artes Visuales)

www.museoreinasofia.es
Soledad Sevilla. Written in the celestial bodies November 10, 2011 – April 29, 2012

Place: Palacio de Cristal, Parque del Retiro.

At the Palacio de Cristal in the Park of El Retiro, the artist Soledad Sevilla (Valencia, 1944) is presenting Written in the celestial bodies, an installation created specifically for this space. It consists of an aluminum and printed polycarbonate structure reproducing the vault of the Palacio de Cristal itself with the image of the sky at night. It will be the largest installation the artist has produced in her latest phase, which began in the early nineties and is marked by exploration of the relations between light, matter and space. To this end, Sevilla creates
elements that stand subtly alongside pre-existing ones and activate them by heightening their variable aspects, particularly light. Through the abstract structures of these works, the artist shows her interest in atmospheric and spatial values, already apparent in her earlier twodimensional production. “My objective is to add something intangible to the physical world of creation, to contribute a presentiment of events that are taking place but not visible, which we hear but do not see,” explains Soledad Sevilla.

Soledad Sevilla first attracted attention as a member of the Seminar of the Centro de Cálculo de Madrid (1969-71), where a group of artists experimented with the automatic generation of plastic forms. At first she produced a series of geometric paintings where it is possible to discern the genesis of the geometrical structures she employs today, whose forms are freer but are still based on rigorous technical analysis. Also appreciable in these works are certain
ambient characteristics that are highlighted in her pictorial work of the eighties, paintings of high chromatic density where she achieves a difficult combination of formal reduction and sensory richness. On the basis of both her geometrical and her optical experiments, the artist has evolved towards a more complex and radical body of work that lies on the border between sculpture, landscaping and architecture.

The artist studied at the Escuela de Bellas Artes de San Jorge in Barcelona, and then at the University of Harvard in the United States. She has won a number of awards in the course of her career, such as the 1993 Spanish National Prize for the Plastic Arts and the 2007 Medal for Merit in the Fine Arts. Her work can be seen in all the main museums and collections in Spain (IVAM, ARTIUM, Fundación March, Fundación La Caixa etc.), and the Museo Reina Sofía has
recently acquired a major corpus of works from her early geometric period. The Parque del Retiro has seen her work before. In 1994, the Centro Nacional de Exposiciones presented a retrospective at the Palacio de Velázquez which included the installations La habitación de la lluvia (“The rain room”); La que recita la poesía es ella. Humo (“The one reciting the poem is her. Smoke”); La que recita la poesía es ella. Fuego (“The one reciting the poem is her. Fire”) and Que su cante me lastima (“Her singing hurts me”)

This exhibition is part of the festival Miradas de Mujeres (Mujeres en las Artes Visuales), Women sigts, Women at visual arts.

www.museoreinasofia.es

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

CLAUDINA RELAT
“Arquitecta de profesión, se ha dedicado también al diseño y la ilustración con unos resultados, modernos, personales e impactantes. Destacan sus series dónde cada letra es un color Pantone y cualquier cita, queda secretamente coloreada o la inquietante serie de “Ciudamízame” dónde las ciudades toman forma de mujeres. Ha expuesto en diferentes galerias catalanas (Galería Maxó, Territori Contemporani) y en Studio Tinta de Amsterdam.”
www.claudinarelat.com

972 226188

www.galeria-out-of-africa.com

C/ Mayor, 22 – 22440 Benasque (Huesca)

Sorella Acosta +34 618 356 351 -

Salvador Campillo +226 73 06 15 49

Una veintena de esculturas de la artista belga (aunque residente en España desde hace muchos años), dialogan con los tapices flamencos colgados de las paredes de la galería Atalante. Piezas que muestran un personal universo poético a través de figuras estilizadas y líneas ascendentes, sugiriendo el vuelo, en consonancia con la definición de William Blake, “El vuelo es la libertad del mundo….el pájaro es el aire libre personificado”. Las esculturas se instalan bajo el concepto general de “Aire”, aludiendo a una cierta poética del espacio, en referencia al “Ensayo sobre la imaginación del movimiento”, del “El aire de los sueños”, de Gaston Bachelard.

Donde circula el aire

La obra escultórica de Viviane Brickmanne ha evolucionado desde unas primeras obras en barro cocido, con potentes alas y picos, no figurativas pero con reminiscencias antropomorfas (Crucificado, Albatros, El Desdichado), hasta sus primeras piezas de bronce (Aullido, Vuelo), más estilizadas y aéreas, con líneas más elaboradas y pulidas, para reforzar la idea de pureza formal.

 En sus siguientes esculturas (Pájaro durmiente, El Pico del Cóndor, Libélula) elimina las alas buscando, a través de un juego de líneas, sugerir un movimiento dinámico ascendente; se rompe la estructura compacta introduciendo aperturas para dejar circular el aire, como referencia a la idea del soplo vital de François Cheng. En otras piezas (Dualidad, Cobra, Silbido, Llamada) la artista sigue ahondando en la estilización de la figura y en la simplificación de las formas, eliminando todo elemento superfluo a través de líneas depuradas, en bronce pulido.

El siguiente paso (las piezas Metamorfosis, Vuelo imaginario, La mirada de arriba, Alción), es una ruptura en la forma, no así en el contenido, ya que permanece la idea del aire como concepto, aunque ya no haya alas o espacios que dejen circular el aire. La forma pierde aquí el pulido y el rigor de la línea perfecta y se hace más áspera, con referencias a materiales primarios como la madera. Es el yin después del yang. Estas últimas piezas responden al deseo de buscar una representación diferente y de mayor soltura, con menos limitaciones o ataduras. Siguen siendo importantes el ritmo y la construcción, pero no compacta ni tan elaborada en apariencia.

 La exposición cuenta con la colaboración con la Delegación de Flandes (Embajada de Belgica) en España.

Trayectoria artística

Ya sus primeras impresiones relacionadas con el arte tuvieron que ver con la escultura, sobre todo con las piezas del artista belga Permeke, expuestas en el Museo Middelheim al aire libre (Amberes), dedicado a la escultura moderna y contemporánea. Sin embargo, Viviane Brickmanne comenzó su andadura artística dedicándose a la pintura, en la que se inició con la técnica del collage, empleando todo tipo de materiales (cartón, estaño, metracrilato, arena) para dar relieve a los cuadros, en lo que ahora podría entenderse como una prefiguración de su posterior salto a la escultura.

Pero antes de hacerlo, exploró las posibilidades de la cerámica, junto a profesores como Aurora Cañero y Joan Llácer. Previamente modificadas, algunas de las piezas de cerámica creadas en esta época fueron llevadas al bronce. La experimentación personal con la escultura se inició en 2007, cuando en su taller profundizó en los conocimientos adquiridos y desarrolló piezas de nueva factura, trabajando la arcilla, cera, hierro y otros materiales, hasta llegar a las piezas de bronce, que la artista finaliza en la prestigiosa Fundición Arte 6, de Arganda del Rey.

 Nota biográfica

Licenciada en Filosofía y Letras por la Universidad de Lovaina, Viviane Brickmanne es profesora de Lengua y Literatura francesa y, durante muchos años, dirigió la Cámara de Comercio de Bélgica y Luxemburgo en España, en la que actualmente sigue siendo consejera.

Galería Atalante

(Salustiano Olózaga, 3. Madrid). 18 de octubre – 5 de noviembre.

Tal vez esto se deba a que la tradición egipcia y por ende la mayor parte de las religiones, lo definan como ese momento en el que todos los actos buenos y malos son colocados sobre una balanza divina para después impeler todo tipo de penitencias y castigos (pocas veces recompensas) siendo que la naturaleza del ser humano es la de una criatura claramente hedonista, profundamente enamorada de los placeres de la vida. Naturalmente, da mucho miedo. Sin embargo posteriormente a la llegada de la tradición española a Mesoamérica, se da una extraña mezcla entre las tradiciones católicas y las prehispánicas, dando como resultado el Día de Muertos, cuyo espíritu difiere totalmente en sentimiento respecto a su análogo europeo “Día de todos los Santos” ya que consiste en literalmente convidar a los familiares y amigos difuntos a una extravagante comilona de sus platillos y placeres favoritos.

Así en esta noche de gozo y complacencia, donde vivos y muertos se reúnen para festejar el vínculo de quienes estuvieron y quienes están, Café Galería Cosmo de la mano del diseñador mexicano Quique Ollervides han preparado una muestra mexicanísima que plasma este instante de encuentros entre vida y muerte, tradición y contemporaneidad. Por una parte la Exposición Colectiva de Mexicanos Vivientes, que reúne grandes talentos  actuales como Mr Kone, Seher One, Carlos Lerma, Netoplasma, Cecy Meade, Grand Chamaco, César Moreno, Barbón, El Tonder, etc. Junto con el tradicional altar de muertos dedicado a Leonora Carrington, que corre a cargo de Jimena Ramirez y Regina Gonzalez Ocampo.

Así que reservemos el pañuelo y las lágrimas para otro día, pues este día de muertos Café Galería Cosmo te invita a echarte tu chela y tu pan de muertos con nosotros ya que dicen por ahi “No creo que haya nada más fantástico que poder mirar a los ojos a la muerte y vivir para contarlo”.        (Texto por Nimini)

Paralelamente Duduá organizará talleres de bordado de calacas mexicanas, para que puedas elaborar tu propio diseño y taller de galletas de calavera, pincha aqui para mas informacion.

En el altar colaboran la tienda Fantastik del Raval (c/Joaquim Costa 62) donde se pueden comprar todos los cachibaches de México y todas las partes lejanas del mundo y el medio oficial es la revista Rocket Magazine.

ESTOS SON TODOS LOS ARTISTAS QUE PARTICIPAN: El Barbón, Alberto Cerriteño, Edoardo Chavarín, Ciler (Tree Studio), Crisaseo, Dhear, Éramos Tantos, Tito Fuentes (Bang Buró), Jorge Garrido, El Grand Chamaco, Federico Jordán, Mr. Kone, Kraken, Lerms, El Tonder, Cecy Meade, Gabriel Martínez Meave, Frank Misterio, El Moreno, Juan Nares, Netoplasma, News, Griselda Ojeda, Ximena Orozco, Nacho Peón, Piti Piti, Jimena Ramírez, Adrián Paczka, Seher, Smithe, Stnk, Zoveck.

Inauguracion: 28 de Octubre desde las 20:00, Modelo Especial te invita a una cervecita.

Bodegones monotemáticos a partir de materiales básicos; como porcelana, mármol, vidrio, madera, inox o ladrillo. Un ejercicio fotográfico bianual que se refleja en unas pocas páginas en cada número de Apartamento, an everyday life interiors magazine.

Dicen que son como ensayos visuales, o incluso los definen como fotografías de antibodegones. Los creadores de la revista llevan ya 7 materiales diferentes, a la par con la revista. Es, de alguna forma, su proyecto más personal en un pequeño espacio de expresión del magazine.

Still Life en Otrascosas recoge una selección de cada una de las series realizadas hasta el momento, sacándolas del pequeño formato para llevarlas al gran formato, y hasta incluso algunas a su realidad tridimensional original.

Otrascosas de Villarrosàs
Via Laietana 64, Principal
08003 Barcelona
http://www.apartamentomagazine.com
http://www.otrascosasdevillarrosas.com

Lunes – Viernes
10.00-14.00h / 16.00-19.30h*
*excepto openings

otrascosas@villarrosas.com / t (+34) 93 238 83 04

Para Luis Cortés, “la forma es un diseño del movimiento y las esculturas son un estudio de la forma desde el punto de vista cinético. En esta exposición cada pieza se transforma en otras diferentes porque la realidad es móvil y lo inmóvil es solo aparente o relativo”. Cortés ha utilizado madera de balsa como material para la realización de sus esculturas por ser fácil de utilizar y de pinchar con alfileres (cortos para definir los puntos de giro y largos para fijar la posición). La representación de la naturaleza viene dada por el gran número de ritmos y movimientos diferentes que muestran el reino animal y el vegetal y que Cortés refleja en piezas como “Tres Leones”, con 24 piezas articuladas, o “Babuino y Cría”, realizada con 35 piezas articuladas, entre otras.

 Luis Cortés (Zaragoza, 1953) estudió Bellas Artes en la Escuela Superior San Jorge de Barcelona, alternando su residencia entre esta y su ciudad natal. Durante años se dedicó al diseño y los efectos especiales para cine y publicidad, combinando estas tareas con su dedicación a la escultura. Entre las exposiciones de Luis Cortés destacan las realizadas en Zaragoza, como la de 30 animales articulados que se instalaron en el casco antiguo de la ciudad (1996) o “Cadenas Cinéticas Articuladas” (Sala Vinçon, Barcelona. 2000).  En la actualidad reside en Barcelona y mantiene su taller en el barrio de Poble Nou.

La Galeria

Laura Muns Crivillé e Isidre Mateo Padilla forman el nuevo equipo al frente de La Galeria desde abril de 2011. Hasta ese momento y durante siete años, la sala estuvo bajo la gestión de Elena Kervinen y Josep Mas Tuset, que enfocaron el espacio a la divulgación de artistas nórdicos, especialmente finlandeses, con una muy buena acogida por parte de críticos y artistas.

Ahora, Laura e Isidre quieren abrir aún más el espacio expositivo de La Galeria, sin enmarcarse en “ismos” y creando diálogos inclusivos que rompan las barreras con el público. Su colaboración con galerías extranjeras también permitirá próximamente una futura muestra colectiva de artistas japoneses procedentes de la galería Broken de Tokio.

www.luiscortes.es

www.lagaleria-art.com

DEL 4 AL 31 D’OCTUBRE 2011

Pintura il·lustrada, il·lustració de gran format… als autors d’aquesta exposició costa definir-los, es mouen ràpid, en diferents camps i amb diferents tècniques. Línies, taques, oli, acrílic, llapis gràfic i digital, aquarel·la, pastís…

Molts d’ells treballen com a il·lustradors o dissenyadors gràfics al món de la publicitat i en els mass media i als seus treballs utilitzen tècniques o estils que han desenvolupat al seu taller.

Els mitjans de comunicació i el món publicitari utilitzen des de fa anys la cultura popular i amb l’eclosió del street art, ser arty està de moda. Com a resultat l’estat de la il·lustració actual és extremadament eclèctic, personal, intensament conceptual, astutament enginyós i expressiu.

I la nostra pregunta és: On estan actualment els límits entre el treball comercial i l’artístic? I entre la pintura, el disseny i la il·lustració? Ajudeu-nos a desxifrar-ho veient les obres de:

MARTA ALTIERI, DANI BUCH, ANDREU BUENAFUENTE,  LEO FLORES i CONRAD ROSET

PINTURA ILUSTRADA

[MARTA ALTIERI, DANI BUCH, ANDREU BUENAFUENTE, LEO FLORES i CONRAD ROSET]

DEL 4 AL 31 DE OCTUBRE 2011

Pintura ilustrada, ilustración de gran formato… a los autores de esta exposición cuesta definirlos, se mueven rápido, en diferentes campos y con diferentes técnicas. Líneas, manchas, óleo, acrílico, lápiz gráfico y digital, acuarela, pastel…
Muchos de ellos trabajan como ilustradores o diseñadores gráficos en mundo de la publicidad y los mass media y en sus trabajos utilizan técnicas o estilos que han desarrollado a su taller.
Los medios de comunicación y el mundo publicitario utilizan desde hace años la cultura popular y con la eclosión del street art, ser arty está de moda. Como resultado el estado de la ilustración actual es extremadamente ecléctico, personal, intensamente conceptual, astutamente ingenioso y expresivo.
Y nuestra pregunta es: Dónde están actualmente los límites entre el trabajo comercial y el artístico? Y entre la pintura, el diseño y la ilustración? Ayudadnos a descifrarlo viendo las obras de:

MARTA ALTIERI, DANI BUCH, ANDREU BUENAFUENTE, LEO FLORES y CONRAD ROSET

Galeria Espai [b]

Torrent de l’olla, 158 | 08012 Barcelona | Tel. 93 217 10 90 | info@espaib.com | www.espaib.com

Horari: de dilluns a dissabte de 17h a 20h30 (per altres horaris concertar cita prèvia)

Kevin Bauman (EEUU), Matthias Heiderich (ALE) y Bernhard Hartmann (ALE)

La galería Víctor Lope Arte Contemporáneo inaugura el próximo jueves 6 de octubre a las 19.30h la exposición colectiva “ANTAGONISMOS”, presentando por primera vez en España las obras de los artistas Kevin Bauman (EEUU, 1976 ), Matthias Heiderich (Bad Hersfeld, Alemania, 1982 ) y Bernhard Hartmann (Alemania, 1955 )

En la muestra se presentan tres visiones acerca de la manera de entender la importancia de los espacios urbanos, ya sean interiores o exteriores, en la sociedad actual, y la huella que dejan en las generaciones futuras.

La obra de Kevin Bauman, con guiños al trabajo desarrollado por Bern y Hilda Becher, retrata de modo objetivo la decadencia de una ciudad como Detroit a través de las imágenes de casas abandonadas. Su serie 100 Abandoned Houses, en el que el artista destinó más de dos años de trabajo, le ha valido el reconocimiento en su país, tanto por la calidad técnica de sus obras como su rigor documental.

En la obra de Bernhard Hartmann, más próxima la obra de Candida Höfer, el espacio retratado está cuidadosamente preparado y planificado para conseguir el máximo esplendor. El artista cuestiona el futuro de espacios tales como las óperas y los museos, deficitarios en su mayor parte, en un contexto de fuerte reducción global de presupuestos destinados a la cultura.

Finalmente, la obra de Matthias Heiderich representa el contrapunto optimista.  Los retratos de su ciudad natal, Berlín, con cielos azules, colores estridentes y mucha luz contribuyen a romper los estereotipos sobre la ciudad, a menudo representada como gris, homogénea y fría.

ANTAGONISMOS

Duración de la Exposición: Del 6 de octubre al 22 de noviembre 2011

Horario de visita: Martes a Viernes: De 17.00 a 20.00 h – Sábado: De 11:00 a 13:30h

Sobre los artistas:

Kevin Bauman (1976, EEUU)

Kevin Bauman vive en Detroit, pero ha vivido mucho tiempo en Colorado, Oregón y Wisconsin. Gracias a esta vivencia ha desarrollado un interés en la relación existente entre el hombre y el medio ambiente. Sobre todo, en el deterioro urbano de los Estados Unidos.

Su obra es una fotografía de paisaje, pero no siempre reflejan la escena idílica que tanto caracteriza a las fotografías de paisaje o pintura, sino que nos muestra una imagen serena, tranquila, dentro de un caos post-industria.

El Trabajo de 100 casas abandonadas de Detroit empezó en la década de los 90.  Dicha obra tiene algo mágico y decadente al mismo tiempo, te hace replantear la importancia del paso del tiempo y de los estragos que hace en una Ciudad.

Matthias Heiderich (1982, Alemania)

Matthias Heiderich es un fotógrafo autodidacta, nació en 1982 en Bad Hersfeld, pero actualmente reside en Berlín.

Desde el año 2007 Heiderich ha trabajado en una variedad de proyectos fotográficos – Color Berlín, Invierno Berlín, Snow Blind, White Noise, Funktionsorte – la mayoría de los cuales hablan de Berlín.

La fotografía de Heiderich es minimalista y contemporánea, ya sea tanto formalmente como en su contenido. Su obra trata de espacios urbanos y suburbanos de las regiones industriales que, a pesar de sus estrechos vínculos con la sociedad, a menudo carecen de la gente.  Esto podría sugerirnos que las imágenes producidas tengan una tonalidad gris y un aire melancólico. Pero es todo lo contrario, las fotografías de Heiderich están llenas de color y  contraste.

Bernhard Hartmann (1955, Alemania)

Hartmann estudió cine y fotografía en el famoso Frankfurt “Steadelschule” y Derecho en el Johann Wolfgang von Goethe University. Actualmente trabaja de abogado y realiza sus proyectos fotográficos durante sus viajes.

Hartmann ha ganado varios premios entre los que se encuentra el “Fine Art Photographer of the Year” en 2009 (B & W Magazine, EE.UU.) o el de “Best Photographer of the Year” 2010 (Zeitschrift Photographie, Suiza y Alemania). En 2010 también fue finalista en los premios Sony World Photographer Awards.

El trabajo fotográfico de Bernhard Hartmann ha sido publicado en diferentes revistas fotográficas (B & W Magazine, Ray, FotoMagazin, ….). Así mismo, su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas, así como en diferentes galerías de Alemania, Europa y Estados Unidos.

Galería Victor Lope Arte Contemporaneo

C/ Tres senyores núm. 40 – 08024 – Barcelona (Metro Joanic)

Tel contacto: 696699396

galeria@victorlope.com              -   www.victorlope.com

Durante la temporada 2011/2012 la galería celebra su 25º ANIVERSARIO. Con motivo del mismo, presentará un programa especial con una selección de artistas con los que ha colaborado durante estos años.

Se inaugura dicho programa el próximo 13 de septiembre con la exposición JORGE GALINDO – JULIAN SCHNABEL.

Después de sus últimas exposiciones individuales en el Centro Niemeyer de Avilés, con sus polaroids de gran formato, y su retrospectiva en Venecia en el Museo Correr, JULIAN SHNABEL llega a Madrid para exponer conjuntamente con
JORGE GALINDO. 

Tras su última exposición en la Galería Soledad Lorenzo en 2009, la obra de JORGE GALINDO se ha podido ver en exposiciones individuales en MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, El Museo de Bellas Artes de Santander, y en colectivas como Ficciones y Realidades, en El Patio Herreriano de Valladolid y El Museo de Arte Contemporáneo de Moscú.

JULIAN SHNABEL
Su obra está presente, entre otras, en las siguientes colecciones públicas: Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art; The Whitney Museum of American Art; The Museum of Contemporary Art (MOCA); Guggenheim; Reina Sofia y El Centro Georges Pompidou.
JORGE GALINDO
Su obra está presente, entre otras, en las siguientes colecciones públicas: MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León; Museo Patio Herreriano. Valladolid; Colección La Caixa. Barcelona; Colección Banque Bruxelles Lambert. Bruselas.

JORGE GALINDO – JULIAN SCHNABEL 13 September – 11 October

During the 2011/2012 season, the gallery celebrates its 25th ANNIVERSARY. For the occasion the gallery will present a special program with a selection of artists with whom the gallery has collaborated over the years.

The program opens on September 13th with the exhibition JORGE GALINDO – JULIAN SCHNABEL.

After his recent solo exhibitions at the Niemeyer Centre in Avilés, with its large-format Polaroids, and his retrospective at Museo Correr in Venice, JULIAN SHNABEL presents together with JORGE GALINDO their first show together.

Since his last exhibition at Galería Soledad Lorenzo in 2009, JORGE GALINDO has exhibited at MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, El Museo de Bellas Artes de Santander and Fictions and Realities, El Patio Herreriano of Valladolid and the Museum of Contemporary Art in Moscow.

JULIAN SHNABEL
His work is represented, among others, the following public collections: Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art, The Whitney Museum of American Art, The Museum of Contemporary Art (MOCA), Guggenheim, Reina Sofia and the Centre Georges Pompidou.
JORGE GALINDO
His work is represented, among others, the following public collections: MUSAC.Museo de Arte Contemporaneo de Castilla y León, Museo Patio Herreriano.Valladolid Collection La Caixa. Barcelona Collection Banque Bruxelles Lambert.Brussels.

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com