24 mayo – 24 junio

El próximo jueves 24 de mayo, a las 20 h. se inaugura en la galería Soledad Lorenzo la exposición “HIGH NOON” de JUAN USLÉ. Ésta, la novena en Orfila 5, presenta 17 pinturas realizadas en el periodo 2010 – 2012.

Juan Uslé (Santander, 1954)
Reside entre Nueva York y Saro, Cantabria.
Entre sus exposiciones recientes figuran: Landropo Y Zebulon. Galería Joan Prats; Desplazado. Cheim & Read. Nueva York; Nudos y Rizomas. Es Baluard, Museu D’Art Modern I Contemporani De Palma. Palma de Mallorca; Garabamathis. Galerie Thomas Schulte. Berlin.

Su obra forma parte, entre otras, de las colecciones:
Artium-Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria; Centre Pompidou. Musee National d’art Moderne. París; Belgacom Collection, Bruselas; Colección Arte Contemporáneo Fundación «la Caixa», Barcelona; Colección European Central Bank; Colección Peter Norton Family, California; Colección Saatchi, Londres; FNAC, Fonds National d’Art Contemporain, Ministère de Culture, París ; Fundación AENA. Colección de Arte Contemporáneo, Madrid; Fundación Banco de España, Madrid; Museo Marugame Hirai, Japón; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam; Tate Modern, Londres.

JUAN USLE | HIGH NOON May 24 – June 24

Next Thursday may 24th, at 20 pm, Soledad Lorenzo gallery presents “HIGH NOON”, JUAN USLÉ. This is his nineth exhibition at orfila 5 and shows his last paintings between 2010 – 2012.

Juan Uslé (Santander, 1954)
Lives between New York and Saro.
Among his latest exhibitions are: Landropo Y Zebulon. Galería Joan Prats; Desplazado. Cheim & Read. New York; Nudos y Rizomas. Es Baluard, Museu D’Art Modern I Contemporani De Palma. Palma de Mallorca; Garabamathis. Galerie Thomas Schulte. Berlin.

Museums and collections:
Artium-Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria; Centre Pompidou. Musee National d’art Moderne. París; Belgacom Collection, Bruselas; Colección Arte Contemporáneo Fundación «la Caixa», Barcelona; Colección European Central Bank; Colección Peter Norton Family, California; Colección Saatchi, London; FNAC, Fonds National d’Art Contemporain, Ministère de Culture, París ; Fundación AENA. Colección de Arte Contemporáneo, Madrid; Fundación Banco de España, Madrid; Museo Marugame Hirai, Japan; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam; Tate Modern, London.

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

Bussoga es un proyecto iniciado por Josep Motas (Girona, 1982) en 2010 cuando, al no encontrar ninguna productora interesada en editar sus diseños decidió crear una él mismo.

En poco tiempo Bussoga ya no sólo produce los diseños de su creador, sino también de otros diseñadores, artistas y arquitectos.

Hasta el momento, Bussoga ha expuesto en exhibiciones tanto de arte como de diseño, nacionales e internacionales, como Stripart, Inundart de Girona, World of Furniture de Sofía, CasaDecor de Barcelona o Ventura Lambrate de Milán.
Ahora presenta su obra en Can Pop Gallery, dónde, además de exponer sus
conocidos azulejos serigrafiados, SKULL y BATEDORA, también ha realizado especialmente para la ocasión nuevas serigrafías sobre papel, madera, ropa y cerámica.

+ info:
www.bussoga.com

Can Pop Gallery & Shop
www.can-pop.com
Olles 1, 17004 Girona
972 226188

Eestará disponible hasta el 23 de junio.

Espai Tactel

carrer Dénia 25B

46006 València

96 395 88 08

Archizines celebra el resurgimiento de las publicaciones de arquitectura independientes y alternativas. La exposición, comisariaza por Elias Redstone e iniciada en colaboración con la Architectural Association, muestra 60 nuevos fanzines, revistas y publicaciones procedentes de más de 20 países. Editados por arquitectos, artistas y estudiantes, estas publicaciones proporcionan nuevas plataformas para el diálogo, la crítica y la investigación en espacios que habitamos y en la práctica de la arquitectura. Hacen una importante, y en ocasiones radical, suma al discurso arquitectónico y demuestran el amor residual de la palabra impresa y la hoja de papel en la era digital actual.

Archizines celebrates the resurgence of alternative and independent architectural publishing. The exhibition, curated by Elias Redstone and initiated in collaboration with the Architectural Association, features 60 new fanzines, magazines and journals from over 20 countries. Edited by architects, artists and students, these publications provide new platforms for commentary, criticism and research into the spaces we inhabit and the practice of architecture. They make an important, and often radical, addition to architectural discourse and demonstrate the residual love of the printed word and paper page in the digital age.

Créditos / credits:
Comisario / Curator: Elias Redstone
Diseño expositivo / Exhibition design: AA Exhibitions
Diseño gráfico / Graphic design: Folch Studio
Catálogo / Catalogue: Bedford Press

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OTROLIBRO Vol. II
Ya a la venta en Otrascosas >>> 20€
Otrascosas de Villarrosàs

Otrascosas de Villar-Rosàs

Via Laietana 64, Principal
08003 Barcelona

Lunes – Viernes
10.00-14.00h / 16.00-19.30h*
*excepto openings

otrascosas@villarrosas.com / t (+34) 93 238 83 04

ARCHIZINES is a showcase of new architecture fanzines, journals and magazines from around the world that provide an alternative to the established architectural press. Launched by Elias Redstone, with art direction by Folch Studio, the project celebrates and promotes independent and alternative publishing as an arena for architectural commentary, criticism and research, and as a creative platform for new photography, illustration and design.

ARCHIZINES is an expanding archive of the best publications from 2000s to the latest releases, and is growing as new titles and issues are acquired. Alternative and independent publishing has had a dynamic and important relationship with architecture over the years and a recent resurgence has seen new titles emerging in many countries, from Argentina, Belgium and Chile to the UK and USA. ARCHIZINES brings together this international collection of publications for the first time as an important resource for architects, designers, critics, photographers and anyone interested in discussing the buildings and spaces we inhabit.

The publications vary in style (from photocopied zines to professionally printed and bound magazines) and content (from architectural research to personal narratives about buildings and cities). The commonality is a shared interest in documenting and discussing the spaces we occupy in printed form. Architecture and/or urbanism must be intrinsic to the publication and an alternative or independent agenda must be demonstrated. As well as adding to architectural discourse, these publications are lovingly made objects to hold and to keep.

This period of publishing activity is being made public through the ARCHIZINES website, a touring exhibition, live events, catalogue and the transfer of the collection to the National Art Library at the V&A. Showcasing on the ARCHIZINES website will make publications eligible for ARCHIZINES exhibitions or events but does not guarantee inclusion.

Founder / Curator: Elias Redstone
Art Director: Diego Córdova, Folch Studio

From photo-copied and print-on-demand newsletters such as Another Pamphlet, Scapegoat and Preston is My Paris, to magazines such as Mark, Spam and PIN-UP – ARCHIZINES celebrates and promotes the recent resurgence of alternative and independent architectural publishing from around the world.

The exhibition, curated by Elias Redstone, originated as an online project and showcases 60 architecture magazines, fanzines and journals from over 20 countries. From Australia and Argentina to the UK and USA, these independent publications are reframing how people relate to their built environment – taking comment and criticism out of just an architectural arena and into everyday life. The titles also provide platforms for architectural research and debate, and demonstrate the residual love of the printed word and paper page – providing an antidote to digital publishing. Made by architects, artists and students, they add an important, and often radical, addition to architectural discourse. Each magazine is available to read in the exhibition along with video interviews with their creators talking about their work.

View international tour schedule here.

Del 12 d’abril 5 de maig 2012

Antoni Gaudí va ser un arquitecte atípic i un artista polivalent ja que va utilitzar tots els llenguatges propis de les belles arts i els va sintetitzar en unes propostes singulars que avui són admirades al món sencer. Alguns atribueixen aquest èxit a la dimensió oculta que descobreixen en la seva obra, per la qual cosa el consideren un visionari, un mag o un místic.
L’arquitectura de Gaudí va més enllà de les aparences, admet tot tipus d’interpretacions i és una invitació al viatge intel·lectual i sensorial.  I aquest és l’objectiu d’aquestes fotografies, acompanyar al lector en aquest camí, ajudar-li a descobrir el que potser a simple vista no percebria.
Encara que l’arquitectura de Gaudí ha estat fotografiada milions de vegades, mai fins avui ho havia estat en 3D, la qual cosa ens permet no solament conèixer les seves obres sinó també penetrar en el seu interior, captar la dimensió dels seus espais, la morfologia dels seus objectes, el misteri de la seva llum, la intensitat dels seus colors, la qual cosa per fi redunda en una experiència comunicativament més intensa i intel·lectualment més profunda.

Fragments de Daniel Giralt-Miracle

GABI BENEYTO

[ GAUDÍ MÁGICO ]

DEL 12 DE ABRIL AL 5 DE MAYO 2012

Antoni Gaudí fue un arquitecto atípico y un artista polivalente ya que utilizó todos los lenguajes propios de las bellas artes y los sintetizó en unas propuestas singulares que hoy son admiradas en el mundo entero. Algunos atribuyen este éxito a la dimensión oculta que descubren en su obra, por lo que lo consideran un visionario, un mago o un místico.

La arquitectura de Gaudí va más allá de las apariencias, admite todo tipo de interpretaciones y es una invitación al viaje intelectual y sensorial.

Y este es el objetivo de estas fotografías, acompañar al lector en este camino, ayudarle a descubrirlo que quizás a simple vista no percibiría.

Aunque la arquitectura de Gaudí ha sido fotografiada millones de veces, nunca hasta hoy lo había sido en 3D, lo que nos permite no solo conocer sus obras sino también penetrar en su interior, captar la dimensión de sus espacios, la morfología de sus objetos, el misterio de su luz, la intensidad de sus colores, lo que al fin redunda en una experiencia comunicativamente más intensa e intelectualmente más profunda.

Fragmentos de Daniel Giralt-Miracle

Estem al c/Torrent de l’olla, 158 | 08012 Barcelona | Tel. 93 217 10 90 | info@espaib.com | www.espaib.com

Horari: de dilluns a dissabte de 17h a 20:30 h (per altres horaris concertar cita prèvia)

Del 12 de març al 5 d’abril 2012

Recórrer el sublim des de la cosa bella sense pudor d’anacronisme ni excés d’avantguarda.

Que la bellesa no sigui tabú i es reconciliï d’on emana: la natura.

Maria Antònia Hernández i Subirachs es reconeix en la postmodernitat i assumint el seu caràcter, revisa a través de tela i paper l’autor romàntic

que era latent en la seva obra: William Turner. Aflora ara de forma desacomplexada i ella mateixa el proclama com el mestre de l’aire.

Així, plasma paisatges que s’escapen del marc i tenen un fons immens per l’oxigen. És un intent d’explicar el seu neoromanticisme,

l’exaltació del que fuig, dels verds, dels grisos, dels blaus, dels grocs.

Mª ANTÒNIA HERNÁNDEZ I SUBIRACHS

[ TURNER Y YO ]

DEL 12 DE MARZO AL 5 DE ABRIL 2012

Recorrer lo sublime desde las cosas bellas sin pecar de anacronismo ni exceso de vanguardia.
Que la belleza no sea tabú y se reconcilie de donde emana: la naturaleza.
Maria Antònia Hernández i Subirachs se reconoce en la posmodernidad y asumiendo su carácter, revisa a través de tela y papel el autor romántico

que estaba latente en su obra: William Turner. Aflora ahora de forma desacomplejada y ella misma lo proclama como el maestro del aire.

Así, plasma paisajes que se escapan del marco y tienen un fondo inmenso para el oxígeno. Es un intento de explicar su neoromanticismo,

la exaltación de lo que huye, de los verdes, de los grises, de los morados, de los amarillos.

Del 15/03 al 04/04 del 2012

Mezanina está ubicada en una finca clásica de finales del siglo XIX, que conserva su estructura original remodelada.

Situado en el corazón Bohemio de Barcelona, en pleno barrio de Gràcia, a dos pasos del mercado, el edificio se halla enmarcado por plazas soleadas y concurridas del centro del barrio.

De la Vaquería al espacio de exposición

El local era una antigua vaquería que se ha convertido hoy en un espacio sobrio y cálido gracias a unas reformas por las que se han mantenido intactos los techos abovedados, las paredes de piedra, las vigas de madera, las columnas de hierro fundido e incluso las anillas de hierro que servían para atar las vacas, todo esto junto a una acertada combinación de materiales contemporáneos. A parte de ser un showroom de arquitectura y materiales de decoración de alta gama, Mezanina se revindica como un espacio polivalente dedicado a los eventos empresariales, artísticos y culturales…un espacio muy particular, con mucho encanto, que no deja a nadie indiferente…

Estructura de Mezanina

A pie de calle, entre dos escaparates, el antiguo paso de vacas es hoy la entrada principal de un recinto luminoso de techos altos y con tres espacios diferenciados que desembocan en un patio cubierto. Todo ello sin olvidar la mezzanina, que avista todas las estancias del local.

El espacio de 180 m² se divide en dos plantas, la planta baja a nivel de calle dispone de 135 m², diferenciados en varios espacios y la mezzanina de 45 m².

Tiene el encanto de los antiguos locales de finales del siglo XIX y el confort de los locales de última generación.

Este compendio de obras trata la idea de la importancia de tener en cuenta la muerte, debido a que es parte de la vida. Es un tema triste y melancólico, pero al mismo tiempo romántico como la nostalgia.
Aunando tan dispares sentimientos aparecen unos pequeños seres, acompañados de ciertos miembros de la naturaleza; que acuden a la necesidad de una infancia robada. Todo este imaginario se presenta a través de fotografía e ilustración, de manera desenfadada, mostrando un pequeño rincón de una oscura alma, a una mirada descarada.

Jueves 22 de Marzo, 19hs
16 al 23 de Marzo C/ Hernán Cortés 7
Madrid 28004

Exposición del 9 de Marzo al 7 de Abril de 2012.

Ana Langeheldt, nacida en Sevilla y según ella “habitante del planeta tierra”, presenta sus nuevos trabajos bajo el titulo “Galaxia 17812″ en Montana Gallery Barcelona.

LAHE178, tal y como es conocida dentro del mundo del graffiti y el arte urbano, entra en contacto con el spray can art en 2001 mientras cursa sus estudios de Bellas Artes en Sevilla.

A lo largo de su trayectoria ha ganado numerosos premios institucionales y participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas, pero es dentro del mundo del graffiti donde se siente como pez en el agua. Además de sus propios murales, ha participado en numerosas exhibiciones y eventos tanto dentro como fuera de la península, y ha sido citada en publicaciones de ámbito internacional como Graffiti Women, Mural Art Vol.3 o Urban Art Boom.

LAHE178 compagina sus proyectos en el espacio público con sus otras dos grandes pasiones: la pintura y la ilustración.

Galaxia 17812 es una muestra de pinturas y dibujos que reflejan la propia galaxia de la artista: 178 por su nombre y 12 por el año que vivimos peligrosamente. Una nueva galaxia entre todas las que conforman su universo paralelo, formada por estrellas y sistemas solares donde habitan desconcertantes criaturas reales e imaginarias.

Montana Gallery
Barcelona

Carrer Comerç, 6
08003 Barcelona
T/F: (+34) 932 680 191

gallery@montanacolors.com

BARCELONA
8.MARZO.2012 > 29.ABRIL.2012

EXPOSICIÓN
“LIßIDO”

INAUGURACIÓN

EL 8.MARZO.2012 A LAS 20H

CONRAD ROSET (Barcelona, 1984) es ilustrador freelance. Actualmente reside en Barcelona.

Con una buena base de diseño, empezó dibujando comic para sucesivamente descubrir los grandes de las pintura como  Egon Shielle, Gustav Klimt o Alphonse Mucha, que influyeron en su evolución.

Ha trabajado en distintos proyectos en agencias de publicidad, estudios de diseño, editoriales, etc… para clientes como Adidas, Zara, Custo, Mango, FC Barcelona, Coca Cola, Skoda entre otros.

También es profesor del Postgrado de Ilustración de la Escuela de Diseño Bau en Barcelona.

A nivel artístico ha expuesto la colección Musas en distintas galerías de ciudades como San Francisco, Londres, Madrid, Oporto, Cabo Verde, etc..

Actualmente Norma Editorial está editando un libro sobre su trabajo.

Se encuentra vinculado a la Galería Artevistas de Barcelona desde el 2010 siendo sus obras parte de la colección permanente.

Sobre LIßIDO

LIßIDO con ß. La BETA es la letra utilizada para representar el fonema del sonido de las B y la V.

LIßIDO = LIBIDO (deseo, pulsión, lascivia, lujuria, deseo sexual) + LIVIDO (pálido, demacrado, descolorido, violáceo, apagado, blanco).

La nueva serie de Conrad Roset, inspirada en sus Musas, sorprende por su oscuridad.
Su toque más siniestro hace que los perfiles de los cuerpos afloren de la penumbra con una fuerte carga de refinada voluptuosidad.
Figuras sombrías que cautivan las miradas por su belleza y sensualidad.

Conrad Roset aparta la paleta de colores. La vivacidad de la explosión cromática de su anterior serie se convierte en el sutil contraste de blancos y negros. Lißido representa un cambio radical para el artista: alejarse de la inmediatez de los colores significa centrarse en las formas y los perfiles, resaltar los grises y aplicar puntuales toques de color, que aparecen como atrevidas reminiscencias.

Nuevas tonalidades y nuevas técnicas: Conrad Roset incorpora tinta china y acrílicos a sus pigmentos y plumilla sobre papeles de colores pálidos. Juega con audaces transparencias que enfatizan aún más las posturas livianas de sus figuras.

Elementos ornamentales, flores marchitas, insectos, cisnes, cuervos, lobos o incisivas auras blancas…en las obras de la serie Lißido el artista crea sencillos escenarios en los que se mueven pulsantes cuerpos femeninos en actitudes lascivas. Elegantes imágenes de pureza sensual.

Passatge del Crèdit nº4
08002 Barcelona – España

Tel/Fax: 93 513 04 65
info@artevistas.com

Comprometido con la naturaleza y con el medio ambiente, el fotógrafo Daniel Beltrá ha sido reconocido con destacados premios internacionales como el Prince’s Rainforest Project, concedido por el príncipe Carlos de Inglaterra, o el World Press Photo. A través de ‘Marea Negra’, y logrando esquivar la censura mediática impuesta a periodistas y científicos, Beltrá nos presenta el terrible drama ecológico del vertido de petróleo en el golfo de México, una de las tragedias medioambientales más severas de la historia. Comisariada por Silvia Omedes y producida por Roca, la muestra ‘Marea Negra’ acoge alrededor de 50 fotografías, en su mayoría aéreas, que se podrán disfrutar, de forma totalmente gratuita, en el Roca Madrid Gallery del 7 de marzo al 26 de mayo de 2012.

El 20 de abril de 2010 la plataforma petrolífera Deepwater Horizon explotó, hundiéndose dos días más tarde y causando la muerte de 11 de sus trabajadores y heridas graves a otros 17. El terrible desastre ecológico provocado continúa vigente hoy en día, incluso tras haberse sellado el pozo. Durante tres largos meses, alrededor de cinco millones de barriles de petróleo se vertieron al mar generando una desoladora marea negra, que llegó a alcanzar la costa de EE. UU. y que ocasionó daños irreparables en la flora y fauna de la zona. Además, nueve millones de litros de Corexit, un dispersante de petróleo muy controvertido, fueron esparcidos en el mar generando efectos todavía más nefastos para el ecosistema del golfo.

El prestigioso fotógrafo internacional Daniel Beltrá (Madrid, 1964) pasó dos meses en el golfo de México por encargo de Greenpeace, para tomar imágenes del derrame de petróleo y difundir así los efectos de este desastre ecológico a la opinión pública. Beltrá combatió la censura mediática impuesta a periodistas y científicos, a los que les fue denegado el acceso a muchas zonas públicas con objeto de impedir que documentaran la enorme magnitud del vertido.

En gran parte de las imágenes que conforman este proyecto, Daniel Beltrá se sirve de la vista aérea para conseguir la distancia necesaria en las fotografías y captar la destrucción causada por este accidente. La fotografía aérea ofrece una mirada más amplia de la paradójica belleza de la marea negra, permitiendo concienciar al espectador sobre la magnitud de la tragedia. En palabras del propio Beltrá, “Es en la belleza y en la complejidad de la naturaleza donde encuentro mi inspiración. Deseo que mis instantáneas insuflen un mayor respeto a la conservación del planeta. Ocultas entre estas imágenes se encuentra la realidad del estado de nuestro medio ambiente y el legado que estamos dejando para las generaciones venideras”.

Beltrá es el autor de muchas de las fotografías que han documentado visualmente la catástrofe del golfo de México y su trabajo le ha valido este año numerosos premios como el DAYS JAPAN International Photojournalism Award, el Picture of the Year International, el China International Press Photo o el International Photography Award. En octubre de 2011, Beltrá recibió uno de los premios internacionales más prestigiosos de fotografía de medio ambiente, el Veolia Environment Wildlife Photographer of the Year. El galardón ha reconocido una fotografía

que forma parte de la serie que se presenta en la exposición “Marea Negra”, serie por la que también ha sido premiado con el International Photographer of the Year Award en la categoría Deeper Perspective en los Lucie Awards en Nueva York.

Para Roca, y en palabras de Xavier Torras, Director de Comunicación y Marca, “Roca es consciente de la importancia de preservar y mejorar el medio ambiente y el entorno para las generaciones presentes y futuras. Para ello, trabajamos en desarrollar y fomentar tecnologías e iniciativas que ayuden a la conservación del medio ambiente. Una de estas iniciativas ha sido conseguir traer el trabajo de Daniel Beltrá para, de este modo, sensibilizar a la sociedad de la importancia de cuidar el entorno en el que vivimos.”

La exposición “Marea Negra” ha podido verse también en Barcelona, en el mismo espacio que Roca dispone en la ciudad, el Roca Barcelona Gallery.

Daniel Beltrá, fotógrafo internacional

Nacido en Madrid, el fotógrafo Daniel Beltrá reside actualmente en Seattle, Washington (EE. UU.), desde donde se desplaza hasta diferentes puntos del planeta para documentar la naturaleza y el medioambiente. Durante las dos últimas décadas el trabajo de Beltrá le ha llevado a los cinco continentes, incluyendo numerosas expediciones con Greenpeace al Amazonas, al Ártico, a los océanos del sur y a los Glaciares en la Patagonia.

En abril de 2009, Beltrá obtuvo el prestigioso premio Prince’s Rainforest Project, concedido por el príncipe Carlos de Inglaterra. Además de los premios recibidos en 2011 con motivo de su trabajo en el golfo de México, Beltrá tiene en su haber el International Photography Award, el Wildlife Photographer of the Year, el Global Vision Award, así como el prestigioso World Press Photo, que ha ganado en dos ocasiones. El trabajo de Daniel Beltrá ha aparecido en algunas de las cabeceras más destacadas del mundo, como The New Yorker, Time, Newsweek, Stern, Geo, National Geographic Society, Financial Times, The New York Times, Le Monde, El País o The Asahi Shimbun, entre otras publicaciones.

Roca Madrid Gallery

Los Roca Galleries son parte de la estrategia internacional de Roca y un concepto que expresa la realidad actual y sus retos de futuro. Diseño, innovación, sostenibilidad y bienestar son valores de Roca y que los Galleries transmiten, manifestando a su vez la voluntad de la marca líder en espacios de baño por mantener un diálogo constante con el conjunto de la sociedad y, especialmente, con aquellos profesionales con los que comparte la inquietud y el interés por evolucionar el espacio de baño. Los distintos Roca Gallery de Londres, Lisboa y Barcelona vehiculan, pues, esta voluntad como punto de encuentro y espacio de diálogo abierto a interioristas, diseñadores y arquitectos de todo el mundo.

El Roca Madrid Gallery es el resultado de la colaboración con el Estudio de Arquitectura Lamela y fue inaugurado en abril de 2011. El Roca Madrid Gallery es un espacio funcional y flexible en el que la exposición de la gama de producto Roca comparte espacio de forma natural con exposiciones, presentaciones, encuentros profesionales y eventos de interés que dinamizan la oferta sociocultural de Madrid.

Ubicado en la calle José Abascal esquina Zurbano, ha acogido diferentes exposiciones, debates, coloquios y encuentros de temas muy distintos como la arquitectura, el diseño, la naturaleza o la sostenibilidad. “La mejor arquitectura europea” (2011) o “Aral. El mar perdido” (2011-2012), son ejemplos de ello.

www.rocamadridgallery.com/

Photographic Social Vision

La Fundación Photographic Social Vision, organizadora de la exposición World Press Photo desde hace siete años consecutivos en Barcelona, es una fundación privada sin ánimo de lucro que gestiona desde hace 10 años la creación, producción y difusión de reportajes fotoperiodísticos y audiovisuales con el objetivo de informar y concienciar a la sociedad sobre realidades y problemáticas sociales poco conocidas, así como fomentar el interés público hacia el fotoperiodismo.

Actualmente, la fundación presenta en Barcelona la exposición “Más fotoperiodismo” una selección de 4 exposiciones del festival profesional de más prestigio en el sector de la fotografía documental internacional, el “Visa pour l’Image – Perpignan”.

www.photographicsocialvision.org

Marea Negra’, una exposición de Daniel Beltrá

Vertido en el Golfo de México

Del 7 de marzo al 26 de mayo de 2012

Inauguración

6 de marzo de 2012

Roca Madrid Gallery

José Abascal, 57

28003 Madrid

Tel. 91 442 30 34

Horarios

De lunes a sábado: de 10:00 a 20:30 horas

Domingos cerrado

Entrada gratuita

El próximo jueves 8 de marzo se inaugura en la galería Soledad Lorenzo la exposición  titulada False-Color Actions “Accciones de colores falsos” de Tony Oursler. El artista en esta ocasión, su quinta individual en la galería, presenta un conjunto de sus obras más recientes que continua la exploración sobre la naturaleza de las relaciones humanas. Aquí el artista incorpora nuevos elementos a sus composiciones de escultura y vídeo proyecciones.

Figuras humanas impresas a escala y en colores vivos pululan por la galería – estas formas están recortadas y reanimadas por las proyecciones de vídeo y sonido. Cada instalación individual es una combinación compuesta por: burbujas de distintos colores realizadas en vidrio soplado, impresiones fotográficas y esculturas en fibra de vidrio. De manera individual, las obras presentan una escenografía sobre la que se iluminan y proyectan personajes. Las burbujas de vidrio soplado representan los globos de texto propios de los comics y en ellas se capturan proyecciones de vídeo. Estas instalaciones yuxtapuestas enfrentan a los personajes animados, congelados, sugiriendo su aislamiento y lucha interpersonal. El artista sitúa su propio trabajo en un terreno inscrito entre la cristalización de un recuerdo, un esquemático diagrama de flujo y la causalidad de una cadena de pensamientos.

Una serie de 6-8 pinturas relacionadas temáticamente forman también parte de la exposición. Éstas incluyen pantallas digitales y collages que muestran el micro-universo propio de Oursler. Muchos de los personajes encuentran su camino a través de todos los diferentes medios dentro de la exposición.

Tony Oursler, conocido por su innovadora combinación de vídeo, escultura, y performance, explora las relaciones entre el individuo, los medios de comunicación y los medios de masas, con humor, ironía e imaginación. Entre otros artistas, Oursler ha colaborado con Kim Gordon, miembro de Sonic Youth. En febrero de 2010 su trabajo fue presentado en la muestra colectiva Sonic Youth etc. : Sensational fix en el Centro de Arte dos de Mayo, Madrid.

Entre otras, su obra forma parte de las siguientes colecciones públicas: Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California; Musée d’Art Contemporain, Barcelona; Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Tate Gallery, London; Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; National Museum of Osaka, Japan.

TONY OURSLER False-Color Actions March 8 – April 14, 2012

Next Thursday March 8, Tony Oursler presents False-Color Actions at Soledad Lorenzo.  This is his 5th exhibition at the gallery, where Oursler will introduce a new body of work built on his continuing exploration of the existential nature of human relationships. Here the artist incorporates new elements into his elaborately composed and synchronized video projections.

Large and colorful printed characters populate the gallery – these cut out frozen forms are reanimated in part with video projection and sound. Each individual installation is a combination of colorful blown glass, photographic prints and painted resin sculpture, which form a unique tableau that becomes illuminated and populated with video characters. Blown glass is reminiscent of cartoon thought balloons and crystal balls, both trapping and reflecting the video. Each of the installations juxtaposes the animated, frozen, and sculpted characters, suggesting they are locked in a dynamic, interpersonal struggle. The artist sees this work as somewhere between the crystallization of a memory, a diagrammatic flow chart, and the causality of a chain of thought.
Thematically related and to be included in this exhibition are a series of 6-8 paintings which incorporate imbedded digital screens, as well as a number of Oursler’s micro video cosmoses, and collages. Many of the characters and linguistic and visual propes find their way across all the mediums within the exhibition.
Tony Oursler, known for his innovative combination of video, sculpture, and performance, explores the relationship between the individual and mass media systems with humor, irony, and imagination. Among the artists Oursler has collaborated with is Sonic Youth member, Kim Gordon. On February 2010 his work was presented at the collective show, Sonic Youth etc. : Sensational fix at Centro de Arte dos de Mayo, Madrid

Among others, his work is part of the following museum and public collections: Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California; Musée d’Art Contemporain, Barcelona; Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Tate Gallery, London; Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; National Museum of Osaka, Japan.

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

+ info

Fuente: Cultunet

A través de TOUCH ME! se presenta por primera vez en España el trabajo de los artistas alemanes Regine Schumann y Alberto Frei.

Las instalaciones de luz de color realizadas a modo de esculturas y las piezas a base de tejido de plástico flexible de Regine Schumann inundarán las salas de la galería, creando un ambiente muy especial, jugando con la claridad y la oscuridad.
La artista complementará la muestra con fotografías panorámicas del fotógrafo Alberto Frei, que se transforman bajo la luz natural y ultravioleta.

Bajo el título TOUCH ME! Regine plantea una muestra que recoge varios de sus trabajos fluorescentes. Instalaciones concebidas a modo de esculturas, realizadas con vidrio acrílico traslúcido, piezas elaboradas con tejido de plástico flexible y dibujos realizados con spray fluorescente tienen acogida en la galería.

TOUCH ME! se presenta como una muestra que pone de manifiesto la importancia que  la luz tiene en sus obras para esta creadora. Utiliza la luz del día y también la luz artificial de la noche. En este caso juega con la luz blanca tradicional, a la que estamos acostumbrados y, también, con la luz negra con la que estamos menos familiarizados. Luces que no sólo ocasionan sutiles cambios en los objetos, sino que transforman el espacio y alteran nuestra percepción del mismo.

Conocedora de los cambios que sufren sus obras en función del espacio y de la luz que las rodean, Schumann juega con el color, con las transparencias y con la ilusión óptica consiguiendo sorprender al espectador.

Regine Schumann complementa la muestra con tres fotografías de Alberto Frei, realizadas en la Fundación Donald Judd y alrededores (Marfa, Texas). La entonces pintora tuvo un enorme impacto cuando contando 20 años, descubrió la obra de Judd, que para ella fue vital en su evolución posterior.

“En el análisis del espacio me interesa inventar obras que dialoguen con su entorno de modo especial en cuanto a forma y contenido, y que muestren así una visión de la noche y del día. Desarrollo y elaboro instalaciones como esculturas hechas de plástico fluorescente. El material y la luz se fusionan y forman así una unidad, determinando la coloración en el espacio de forma camaleónica.”

Regine Schumann    

Galería Rafael Pérez Hernando

www.rphart.net

C/ Orellana, 18
28004 Madrid
De Lunes a Viernes: 10-14 h / 17-20:30 h.
Sábados: 11-14 h.

A partir del 23 de febrero hasta el 27 de marzo se podrá ver en la galería Víctor Lope Arte Contemporáneo la exposición “UTOPÍA”, una selección de las mejores obras de Chris Buissa, artista con un gran dominio de la materia y la composición abstracta.

 Buissa desarrolla en sus obras su admiración por el wabi sabi, portavoz artístico del movimiento Zen, fundado en los preceptos de la simplicidad, la humildad, la moderación, la naturalidad, la alegría, la melancolía y el característico elemento de la impermanencia.

En las abstracciones de la obra de Buissa descubrimos la belleza íntima que se encuentra en los detalles más pequeños del arte presente en la naturaleza. Constituye tanto la alegría como la melancolía que conlleva la vida humana, sugiriendo unas cualidades tales como la humildad, la asimetría y la imperfección.

Observamos también en la obra de la artista la conexión intima con la naturaleza mediante el uso de elementos orgánicos, tales como madera, tierras, cementos, fibras y café, ya tratados e inertes.

Buissa acepta y procura usar esta transformación como parte esencial del conjunto. La obra parece pues evolucionar de una forma natural y espontánea, y sus formas asimétricas e irregulares surgen de las propiedades físicas de los materiales utilizados. Sus texturas, formadas por superficies rugosas y desiguales parecen entregarse a las leyes universales, dotando a las obras de la belleza inherente en cada detalle o imperfección.

Duración de la Exposición: Del 23 de febrero hasta el 27 de marzo 2012

Horario de visita: Martes a Viernes: De 17.30 a 20.30 h – Sábado: De 11:00 a 13:30h

Inauguración de la exposición: El 23 de febrero a las 19.30h

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Con lo humano

El reloj de pared de su pequeño taller, un espacio sin pretensiones, humilde pero confortable, dejó de dar la hora fastidiado por la indiferencia. Sus agujas se rindieron al sigiloso quehacer del polvo, porque en este austero ring artístico se libra una lucha contra otra dimensión de tiempo: el tiempo de los recuerdos. La última hora que marcó el dichoso reloj fueron las 7.42, y ahí se quedó, intuyo que en el instante deprimente del crepúsculo que en la obra de Gabriel Schmitz se manifiesta en una luz fría, delicada y suave que no se extingue nunca. Una luz que habita dentro y fuera de sus figuras, unos personajes sobrecogedores de un magnetismo irresistible para los que quieren contar historias u oírlas contar.

Como en un juego de locos, a Gabriel Schmitz le persiguen un sueño y una pesadilla. Sabe, como sabía muy bien Giacometti, que la pintura calma las heridas y al mismo tiempo las exterioriza con toda su crudeza. Paradójico combate onírico para poder comprender y captar lo esencial del ser humano. Hay algo muy etéreo en su obra -casi todo en su obra es sutil y frágil- que lidia con uno de los grandes enigmas del arte contemporáneo: la supervivencia de la pintura en un mundo de tanta sofisticación tecnológica, de tanta imagen fusilada y de gustos estéticos tan artificiosos. Pintar hoy no es ni una rareza ni un privilegio -qué más quisieran algunos-, pero su sentido, su razón de ser, se ha acotado radicalmente: hoy ya sólo pertenece al territorio de lo humano. Y ahí es donde pisa fuerte Gabriel Schmitz, en esa reserva en la que el alma humana exige algo más auténtico y conmovedor que una pintura que la represente con edulcorantes y sensiblerías. Representar, qué ilusión más bárbara en nuestros enloquecidos tiempos en los que la realidad ya no es singular, es múltiple y a menudo virtual. No hay nada que representar cuando de lo que se trata es de implorar un modo de sentir y de hallar la verdad de las cosas.

El viaje, como una aventura de conocimiento y una búsqueda de profundas sensaciones anímicas, nutre su pintura. Gabriel Schmitz viaja, física y mentalmente, a mundos conocidos y extraños sin poder aislarse de su propio mundo interior. Camina por la calle, deambula mucho, captura y se apropia de imágenes de personas anónimas, recorta fotografías de cuerpos humanos con delirios de anatomista hipocondríaco, se concentra casi obsesivamente en el rostro y en los gestos de la gente, de las gentes, de ahí y de allí, él y el otro son lo mismo. Bucea en sus almas y, sin darse cuenta, empiezan a surgir y a entrelazarse en su cerebro los relatos más íntimos y estremecedores de sus figuras. Entra en su taller, desordenado mas para nada caótico, sin rastro de olor a pintura pero impregnado de materia pictórica, y activa el proceso de creación. Las paredes son pizarras gigantes donde expulsa y anota los pensamientos (“duelo por la vida”, “fuera de lugar, sin lugar, en su lugar”) y donde experimenta con su contenida paleta de colores, cada vez menos puros y más sucios, en unas mezclas que casi nunca consigue memorizar. Invoca a los grandes maestros (Velázquez, Caravaggio, Vermeer, Manet, Bacon), pero él está solo, absolutamente solo, y la tela le reclama con insistencia, y no es precisamente fácil saciarla, aunque le ayudará, le ayudará a pintar y a repintar, a repintar fracasos y frustraciones, porque nada es, ni será, definitivo.

Acepta el desafío, balsámico y angustioso por igual. Sus figuras emergen de la nebulosa memoria y se dirigen a la nada. Lo único palpable en sus óleos son los sentimientos humanos. Lo único que importa es la expresión humana. Los personajes, desubicados, jamás miran al espectador, no se proyectan en nada ni en nadie. No simulan ser lo que no son. Muchas veces incomodan porque están de espaldas, de perfil o en posturas un tanto confusas y perturbadoras. Nadie les pidió permiso para posar en una pintura. Y ellos no posan. Cuando miran de frente, aunque muchas veces cabizbajos y abatidos, sus ojos están perdidos en un horizonte lejano. Son figuras casi espectrales. Y tan terriblemente humanas… No buscan comprensión. Nadie ruega comprensión cuando camina por la calle. Al menos no en voz alta.

No sabemos si estos personajes van o vienen. No sabemos si los conocemos -éste de aquí… ¿no será Beckett?; ¡mira por donde, pero si por ahí va Basquiat!-. No sabemos si alzan el brazo para pedir ayuda o si es un simple gesto espontáneo. No sabemos si bailan o si están retorciéndose de dolor. Puede que estén afligidos por algo puntual, o quizás hace tiempo que llevan demasiado peso en su maleta existencial. ¿Lloran por dentro? ¿Soportan la melancolía? ¿Duermen o agonizan? ¿Viven? Ah, estas texturas demacradas de sus pieles, estos cuerpos consumidos… Por no saber, no sabemos ni si están vivos. No sabemos nada de ellos, pero nos sentimos muy próximos a sus inquietudes y a sus preocupaciones, sentimos empatía con sus pequeñas o grandes tragedias y banalidades. Nos habíamos olvidado de hasta qué punto el arte puede exaltar la dignidad humana.

Gabriel Schmitz no es un pintor que se caracterice por marear su pintura con cambios bruscos. Difícilmente lo hará jamás. Su trayectoria se rige por una continuidad y una coherencia estética y conceptual porque responde a un compromiso, a una necesidad que no es caprichosa. Y ello sin caer en la tentación de autoplagiarse, el camino más traidor para pervertir el oficio del pintor y para dar la razón a todos aquellos que dan por muerta la pintura. Gabriel Schmitz no puede dejar a un lado su actitud frente al mundo, su manera de ver y entender el mundo, y por lo tanto a sí mismo, y en el otro su pintura. Como si fuera posible separar vida y arte. Él y su obra fluyen en sincronía. Los cambios que incorporan sus piezas siempre remiten a un proceso lento de experimentación, a un diálogo muy sufrido, un pacto muy sosegado con la propia tela. Ya casi no tiene ningún temor a innovar con los formatos, ahí le tenemos explorando nuevas perspectivas y percepciones con lo descaradamente vertical, y últimamente ha llevado su empeño por la materia mínima hacia unos límites fascinantes, otorgando al lino libre de pintura voz propia en la obra final. Y no le llamen a esto rendir culto al vacío, porque es todo lo contrario. Simplemente anhela atrapar lo invisible.

Texto de María Palau

Galería de Arte Rayuela
Claudio Coello, 19
28001, Madrid

+34 91 577 06 48
rayuela@galeriarayuela.com

Catálogo disponible en: www.galeriarayuela.com

Presentaremos trabajos de los siguientes artistas:
ANA LAURA ALÁEZ, TXOMIN BADIOLA, BROTO, VICTORIA CIVERA, JERÓNIMO ELESPE, PHILIPP FRÖHLICH, JORGE GALINDO, PELLO IRAZU, SERGIO PREGO, GUILLERMO PÉREZ VILLALTA, TONY OURSLER, SOLEDAD SEVILLA, JULIAN SCHNABEL, JOSÉ MARÍA SICILIA, TÀPIES, JUAN UGALDE, JUAN USLÉ.

mobile@soledadlorenzo.com

ARCO 2012 STAND 10C08

We are pleased to announce our participation at ARCO 2012. We are looking forward to see you at Stand 10C08.

With the works of the following artists:
ANA LAURA ALÁEZ, TXOMIN BADIOLA, BROTO, VICTORIA CIVERA, JERÓNIMO ELESPE, PHILIPP FRÖHLICH, JORGE GALINDO, PELLO IRAZU, SERGIO PREGO, GUILLERMO PÉREZ VILLALTA, TONY OURSLER, SOLEDAD SEVILLA, JULIAN SCHNABEL, JOSÉ MARÍA SICILIA, TÀPIES, JUAN UGALDE, JUAN USLÉ.

You can reach us at the fair on mobile@soledadlorenzo.com

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

La ceremonia, que tuvo lugar en el MACBA, reconoció con un premio honorífico la trayectoria del artista Richard Hamilton, fallecido en septiembre de 2011. Rod Hamilton, el hijo del artista, recogió el premio en reconocimiento a su aportación al mundo del arte y su relación con las galerías de arte catalanas.

El acto, que pretende convertirse en una cita anual de la cultura y el galerismo, congregó a 300 personalidades entre las que se encontraban Ferran Mascarell, Conseller de Cultura, y Jaume Ciurana, Tinent d’Alcalde de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona y presidente del ICUB, así como galeristas, coleccionistas, directores de museos, artistas y medios de comunicación, entre otros.

Los ganadores de los Premios GAC 2012 han sido:

- Premio a la galería por su trayectoria: Galería Soledad Lorenzo

- Premio al coleccionismo (ex aequo): Han Nefkens y Antoni Vila Casas

- Premio a la crítica de arte: Elena Vozmediano

- Premio a la galería joven por su proyección internacional: Meessen De Clercq Art Gallery

- Premio al comisario de exposiciones: Vicent Todolí

- Premio al medio de comunicación: Art Nexus

- Premio al artista por la mejor exposición en galería: Daniel Jacoby “La Lógica del Ornitorrinco”, Galeria Toni Tàpies

Los Premios GAC- V Noche del Galerismo agradecen el patrocinio exclusivo de la Fundació Banc de Sabadell y el apoyo del Institut Català de les Empreses Culturals y el Institut de Cultura de Barcelona.

Fuente:Exitmail

“Bajo la inminente amenaza del fin del mundo, esta pareja de escritores rescatados de los bajos fondos, nos presentan “ANIMALOCALYPSIS NOW”. Una revisión intimista y desenfadada, con tintes psicodélicos, de los signos y señales, monstruos e iconos, que nos acechan cada dia en esta realidad, cada vez, mas irreal. Una realidad filtrada por la mente delirante de estos old school/all skull de la escena barcelonesa…puro Barrio Chino…algo así como, un cruce entre Funkadelic-Grateful Dead-Black Sabbath pero en graffiti, el colectivo S.R. en pleno efecto.

Sin ningún reparo, se atreven con combinaciones imposibles de colores, de amplio espectro, dando énfasis a las gamas “de vida alegre”. Multiplicidad de formas, ambientes intensos, confluyen en esta colección de lienzos explosivos, donde el hexágono (como forma más repetida en la naturaleza, y que maximiza el espacio), y el potente trazo, ( que te golpea con fuerza y absoluta contundéncia ), funcionan como hilo conductor. Referentes imprescindibles para comprender la evolución del graffiti mural en la ciudad de Barcelona.

Sin lugar a dudas, pruebas irrefutables del fin de una era. Brutal… ”

Dr.William Bell, Massive Dynamic, New York.

Montana Gallery
Barcelona

Carrer Comerç, 6
08003 Barcelona
T/F: (+34) 932 680 191

gallery@montanacolors.com

Como llegar:

Fúcares Gallery presents a second solo show by  Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978) in its space in Madrid.

Discussion on The Absent Structure of Naked Appearance.
The Vertical Lake
Notes for an introduction to the problem

Umberto Eco opens the discussion about the problem. Four timeless speakers discuss some aspects of the issue:

- Communicating two mechanical devices-

(Eco) If every cultural phenomenon is an act of communication and can be explained through the pattern of any communicational act, it will be appropriate to individualize the elemental structure of communication where this takes place-or, better yet-in its minimal terms. In other words, at the level at which a transfer of information between two mechanical devices takes place.

(Arnheim) If they were not symmetrically located with respect to one another, their fusion would be facilitated and the whole strengthened, and thus inverted. This coincidence of being whole and part simultaneously is another aspect of interaction not representable by discursive formulation.

(Derrida) It would be easy to show that the concept of structure and even the word structure are as old as the episteme, that is to say, as old as Western science and Western philosophy, and that their roots thrust deep into the soil of ordinary language, into whose deepest recesses the episteme plunges to gather them together once more, making them part of itself in a metaphorical displacement.

(Paz) In art all that matters is form. Or more exactly: forms are the conveyors of meanings. Form projects sense; it is a signifying device.

- Structure and centre-

(Arnheim) To perceive any object or event is to see it as a configuration of forces, and being aware of the universality of such configurations is an integral part of every perceptual experience.

(Derrida) structure, or rather the structurality of structure, although it has always been at work, has always been neutralized or reduced, and this by a process of giving it a centre or referring it to a point of presence, to a fixed origin. The function of this centre was not only to orient, balance and organize the structure-one cannot in fact conceive of an unorganized structure-but above all to make sure that organizing principle of the structure would limit what we might call the freeplay of the structure. No doubt that by orienting and organizing the coherence of the system, the centre of a structure permits the freeplay of its elements inside the total form. And even today the notion of a structure l acking any centre represents the unthinkable itself.

(Arnheim) The mind cannot sustain two different structural organizations of the same design at the same time: it cannot help but subordinate one to the other. Consequently, the mind provides the necessary hierarchy by alternatively conceding predominance to each one of the structures. At a given instant the whole prevails, at the next the parts. Such oscillation makes it possible to present the identity without compromising the duality.

- Force and movement -

(Da Vinci) Observe the motion of the surface of water, how it resembles that of hair, which has two movements, one of which depends on the weight of the hair, the other on the direction of the curls; thus the water forms whirling eddies, one part following the impetus of the chief current, and the other following the incidental motion and the return flow.

(Arnheim) A circular edge is always in tension, like the skin of a balloon, which bears the centrifugal pressure from the interior and generates a centripetal counter-pressure because of its resistance to expansion.

(Paz) The body of reality, its appearance, is the result of two forces: attraction in space and distraction in extension. Appearance is extended and moves away from its point of attraction: us, mirrors who reflect it. The movement itself unfolds in time: its body enjoys an alternative freedom with respect to the centre of gravity. During certain intervals, the body is free and does not respond to the attraction; at others it is determined by i t. As long as those intervals last, the body is outside of time, at least outside of linear time. Appearance vanishes between the hands of the clock: it is a pendulum seen from the side.

(Arnheim) The two elements mutually complement each other at all levels of the circle. There, where one is narrow the other is wide, and this is so throughout the entire range of proportions.

(Da Vinci) Just as a stone flung into the water becomes the centre and cause of many circles, and as sound diffuses itself in circles through the air; so a body placed within the luminous air diffuses itself in circles and fills the surroundings with an infinite number of images of itself, seeming complete in the whole and complete in the smallest of its parts.

(Arnheim) The whole is not an entity that exists separately from its parts, preceding them, nor do the parts exist separately from the whole, preceding it. Both families of vectors, that which descends from the whole and that which ascends from the parts, are constituted in artificially isolated linear relations between separate static entities.

(Da Vinci) If one single point placed in a circle may be the starting point of infinite number of lines, and the termination of an infinite number of lines, there must be an infinite number of points separable from this point and these when reunited become one again; whence it follows that the part may be equal to the whole.

(Paz) The pursuit of an object that infinitely moves away entails an equally endless motion. This metaphysical (rather than material) motion, can be nothing but perpetual and, therefore, circular, a race in which the subject reaches his object only to become detached from it and run after it again.

(Da Vinci) 1. The surface is the limit of the body. 2. The limit of the body is not part of that same body. 4. The limit of one body is the beginning of another body. 3. What is not a part of anything is nothing. Nothing is what nothing occupies.

(Paz) The damnation of seeing becomes the freedom of contemplation.

(Eco)  ECO, Umberto. The Absent Structure. Introduction to Semiotis. Page 36. (Spanish edition). Beginning of the first chapter. The Universe of Signs from section A The Sign and Meaning.
(Arnheim)  ARNHEIM, Rudolf. Toward a Psychology of Art, chapter Perceptual Analysis of a Symbol of Interaction. Pages 208-226 (Spanish edition, 1996)
(Derrida)  DERRIDA, Jaques. Structure, Sign and Play in the Discourse of Human Sciences, 1966. Pages 2,3 (Spanish edition).
(Paz)  PAZ, Octavio. Naked Appearance. The Work of Marcel Duchamp, 1973. Commentaries on the Large Glass
(Da Vinci) Leonardo Da Vinci. Treatise on Painting.

Con la colaboración de

Dentro del proyecto que realizó junto a Txomin Badiola y Jon Mikel Euba titulado PRIMER PROFORMA 2010 en el MUSAC- Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Prego desarrolló, de forma extensiva, una serie de trabajos con estructuras neumáticas emparentadas con el trabajo que presenta en esta ocasión en la galería. (Estos ejercicios experimetales pueden ser contemplados en la página web del proyecto: www.primerproforma2010.org).

Asimismo y para la 41ª edicion de Art Basel dentro del apartado Art Unlimited 2009 Sergio Prego, presentó la obra Ikurrina Quarter. Dicha instalación consistía en un cilindro neumático en forma de corredor de 2.5m de diámetro y 120m de largo cuyo interior podía ser transitado por el visitante.

Para esta ocasión, Sergio Prego inunda el espacio expositivo con un cilindro neumático que ocupa por completo la galería. El visitante podrá transitar el espacio expositivo, desde el interior del cilindro. Se trata de una estructura neumática preso-estática de 40 m de longitud y 16 m de perímetro, con una entrada /salida en cada uno de sus dos extremos, que habita el espacio de la galería desbordándola, amoldándose a su interior simultáneamente. La estructura extiende su membrana presionando suelo, paredes y techo. La especificidad de este espacio produce una sensación de irrealidad y abstracción, fruto de la trasgresión de las convenciones arquitectónicas.

La instalación, plantea una serie de cuestiones en relación con la escultura (la estructura neumática) y su contenedor y contexto (la galería). Por un lado, desde el exterior se presenta como un objeto escultórico autónomo, con una presencia contundente. Mientras que en su interior, usurpa un número de funciones de la arquitectura y se sitúa como una membrana que gestiona la relación de los transeúntes con la arquitectura que los acoge.

El interior de la estructura neumática parece vaciado por la ausencia de un sistema ortogonal. Al negar los sistemas preceptúales, aparece como un espacio ilimitado, a la vez que se percibe su fuerte realidad material. La simplicidad de patronaje empleado, crea una contradicción entre lo abstracto de la visión y lo concreto de su materialidad. Las estructuras neumáticas subvierten las convenciones, tanto de la arquitectura, como de la escultura ya que se sustentan en la presión del vacío interno y la producción material queda tan solo restringida, al casi intangible plano /superficie que divide exterior e interior

En esta exposición se presenta también Estudios para permutaciones Bug, una serie de esculturas de pequeño formato realizadas como estudios para un video y que analizan una secuencia de movimientos de los miembros de la figura humana, en relación a una estructura lineal geométrica.

Sergio Prego, (Fuenterrabía 1969) Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Utiliza desde sus inicios, como medios de expresión, el vídeo y la escultura y la instalación. El trabajo de Sergio se centra en la relación del hombre con el espacio que le rodea y el tiempo en el que vive. El cuerpo humano se convierte, en su obra, en sujeto de un movimiento que, a su vez, construye el espacio en el que se produce. Sergio Prego nos obliga a forzar la mirada hasta descubrir en sus obras “situaciones” hasta entonces quizás sólo intuidas; nos invita a colocarnos frente a “paisajes” que no son simplemente reales, sino reconstrucciones conceptuales de la experiencia vital del artista, que podría ser la nuestra propia.

Sergio Prego cuenta con individuales en el Palazzo delle Papesse de Siena; la Sala Rekalde de Bilbao o en las galerías Alfonso Artiaco de Napoles, Buchman de Colonia o Lombard-Freid Fine Arts de Nueva York. Ha sido seleccionado en las ediciones 41 y 35 de Art Unlimited, Art Basel y ha sido ganador del Premio Altadis Artes Plásticas 2003. Ha participado, entre otras, en exposiciones como Antes que todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid; PRIMER PROFORMA 2010, MUSAC, Leon; Truss thrust: the artifice of space en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver; Hasta pulverizarse los ojos. BBVA Contemporáneos; The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art Center de Nueva York; Bad Boys, 50ª Biennale di Venecia o Monocanal en el MNCA Reina Sofía, Madrid.

Más información aquí.

SERGIO PREGO 1 December – 14 January

Tomorrow thursday December 1st, galería Soledad Lorenzo presents, from 20:00 h, an individual show of Sergio Prego.

Sergio Prego has worked in collaboration with Soledad Lorenzo gallery since 2002. In his last two exhibitions he has presented video works, sculptures and installations all of which contain an experimental character as a common factor underlying them.

In the project entitled PRIMER PROFORMA 2010 which he carried out together with Txomin Badiola and Jon Mikel Euba at MUSAC – Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Prego developed, in an extensive way, a series of works with pneumatic structures similar to the work that he is currently presenting in the gallery. (These experimental exercises can be seen on the web page of the project: www.primerproforma.2010.org)

In this way at the 41st edition of Art Basel inside the section for Art Unlimited 2009 Sergio Prego, presented his installation piece Ikurrina Quarter. The work was composed of a pneumatic cylinder in the form of a corridor 2.5 m in diameter and 120m long though which the visitor could walk.

For this occasion, Sergio Prego has inundated the exhibition space of the gallery with a pneumatic cylinder that occupies the entire space of the gallery. The visitor can transit through the exhibition space from inside the cylinder. The installation is made out of a presostatic pneumatic structure 40m long and with a perimeter of 16m, with an opening/ exit at each of the two ends, which inhabits the gallery’s space to the point that it exceeds its limits, at the same time as it simultaneously adapts itself to its inner space. The structure extends its membrane pressurizing against the floor, walls and ceiling. The specificity of this space produces a sensation of unreality and abstraction, as a result of the transgression of the architectural conventions.

The installation engages in a series of questions related with the sculpture (the pneumatic structure) and its container and context (the gallery). On the one hand, from the outside it appears like an autonomous sculptural object, with a conclusive presence. Meanwhile on the other hand, from the inside, it seizes a number of functions of the architecture and is situated as a membrane that negotiates the relation between the spectators and the architecture which encompasses them.

The inside of the pneumatic structure appears to be an empty space given the absence of an orthogonal system. By denying perceptual systems, it appears as an unlimited space, at the same time as it perceives its strong material reality. The simplicity of the pattern design employed creates a contradiction between the abstractness of its vision and the concreteness of its outward appearance. The pneumatic structures subvert the conventions both of the architecture as well as the sculpture, since they are supported by the pressure of the internal space whilst the material production is simply limited to the almost intangible plane/ surface that divides the inside from the outside.

The exhibition is also showing Estudios para permutaciones Bug, a series of small scale sculptures that were done as part of a study for a video and which analyse a sequence of movements of the limbs of the human figure in relation to a geometrical lineal structure.

Sergio Prego, (Fuenterrabia 1969) lives and works in New York. He has used different mediums such as video, sculpture and installation. Sergio’s work focuses on the relation of the individual with the space that surrounds him/her and the time in which he/she lives. In his work the human body becomes the subject of a movement which, at the same time, constructs the space in which it is produced. Sergio Prego compels us to look until we discover “situations” in his works which were perhaps only sensed up until then; he invites us to stand facing “landscapes” that are not simply real, but which are conceptual reconstructions of the very experience of the artist himself, and which could also be our very own.

Sergio Prego has done solo exhibitions in the Palazzo delle Papesse in Siena; la Sala Rekalde in Bilbao or in the Alfonso Artiaco galleries in Naples, Buchman in Cologne or Lombard-Freid Fine Arts in New York. He was selected in the 41st and 35th edition of Art Unlimited, Art Basel and has been awarded the Premio Altadis Artes Plásticas in 2003. He has participated in exhibitions such as Antes que todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid; PRIMER PROFORMA 2010, MUSAC, Leon; Truss thrust: the artifice of space in the Museum of Contemporary Art in Denver; Hasta pulverizarse los ojos. BBVA Contemporáneos; The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art Center in New York; Bad Boys, 50 Biennale di Venecia or Monocanal in the MNCA Reina Sofía, Madrid.

More information here.

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

Torna el  Nadal. I nosaltres també ho volem cel.lebrar amb la petita família d’Espai [b].

Un any més aquestes dates ens serveixen d’excusa per fer una mostra d’alguns dels nostres artistes més representatius, per reunir-los,

perquè es coneguin els nous, per fer balanç de l’any i ensenyar què ens agrada.

Esteu tots convidats a reunir-vos amb nosaltres i:

RITHIKA MERCHANT, LAURA LÓPEZ BALZA, MARCO PARDO, JOAN CANALS, PERE MANRIQUE,

MARKUS HAUB, ANDREA MICHAELSSON, JESSICA VON HELMOLT, VANESSA LINARES,

RAMON VILA, LLUÍS CADAFALCH, VICTOR PÉREZ PORRO, TOMOMIMOTO I SONIKAMONICA

NAVIDAD 2011

[ COLECTIVA ]

DEL 16 DE DICIEMBRE AL 12 DE ENERO

Vuelve la Navidad. Y nosotros también lo queremos celebrar con la pequeña familia de Espai [b].
Un año más estas fechas nos sirven de excusa para hacer una exposición de algunos de nuestros artistas más representativos, para reunirlos,

para que se conozcan los nuevos, para hacer balance del año y enseñar qué nos gusta.
Estaís todos invitados a reuniros con nosotros y:

RITHIKA MERCHANT, LAURA LÓPEZ BALZA,  MARCO PARDO, JOAN CANALS, PERE MANRIQUE,

MARKUS HAUB, ANDREA MICHAELSSON, JESSICA VON HELMOLT, VANESSA LINARES,

RAMON VILA, LLUÍS CADAFALCH, VICTOR PÉREZ PORRO, TOMOMIMOTO I SONIKAMONICA

 ”The Christmas Strangers” es el concepto de nuestra exposición de Navidad en Mitte que se inauguró ayer miércoles 14 de diciembre.

Mitte nació de la idea de celebrar y compartir el amor por la creatividad, así que les damos la bienvenida a todos a compartir con nosotros esta celebración. Aunque apenas les conozcamos, incluso a los desconocidos, todos forman parte de nuestra familia.

“The Christmas Strangers”

  Pietari Posti de Finlandia + Birgit Palma de Austria + Vasco Mourao de Portugal +

  Can Pekdemir + Bora BaÅŸkan de Estambul + Rina Ota de Japon

  Mitte Artspace Barcelona€“ Bailén 86 -€“ 08009 Barcelona€“ Inauguración 14.11.2011 de 19 a 22h

 Los “strangers” de cada uno de ellos nos dejan ver mundos muy variados. En Mitte Barcelona entran y dialogan entre si compartiendo sus “Navidades”, ilusiones y sueños. Cada uno de ellos trae su propia cultura para mostrarnos con ojos diferentes sus “personajes”, tecnica, colores, sensibilidad, materia, espacios que nos dejan entrecerrar los ojos e intuir el origen del artista.

Christoph Mertens  “ Frohe Weihnacht – 12/16 Mitte “

Pop up Window– Bailén 86 – 08009 – – Inauguración 14.11.2011 de 19 a 22h

 Christoph, escultor Aleman ha creado nuestro árbol navideño “ Frohe Weihnacht – 12/16 Mitte “ en el Pop-up Window. Bajo ésta árbol y de la mano de la escaparatista Aude Florimond,  expondremos productos diseñados por Designcode, Boris Hoppek, Lapin, Ena Macana, LoSiento y Christoph Mertens para que puedas elegir tu regalo de navidad entre ellos.

www.mitte-barcelona.com

La colectiva configura un retrato ilustrado de los sueños y pensamientos más profundos de estos artistas del lápiz y el color. Los caminos de estos jóvenes ilustradores se han cruzado en la exposición pequeñas confesiones, donde se podrá ver una selección de sus últimos trabajos.

Los cuatro ilustradores que residirán en la Víctor Lope estos días se asemejan por sus ideales a la hora de coger el lápiz, pero son únicos y diferentes cuando deciden confesarnos sus pensamientos y sueños más escondidos.

Pequeñas confesiones es un juego visual donde el espectador irá conociendo a lo largo de la colectiva a cada uno de los habitantes. A través de sus obras los artistas nos confesarán su forma de ser y de ver la vida.

En la exposición podremos recorrer los paisajes oníricos, a la vez que casi fotográficos, de Malgosia Jankowska. Disfrutar de los míticos y entrañables personajes salvajes de Dani Buch, así como de las frágiles figuras de Diego Mallo y los urbanitas de Gastón Liberto.

Ellos son los que dan sentido a esta exposición, artistas muy diferentes entre ellos pero con una visión especial de la imagen como denominador común, y que nos traen ahora sus obras más recientes y personales.