24 mayo – 24 junio

El próximo jueves 24 de mayo, a las 20 h. se inaugura en la galería Soledad Lorenzo la exposición “HIGH NOON” de JUAN USLÉ. Ésta, la novena en Orfila 5, presenta 17 pinturas realizadas en el periodo 2010 – 2012.

Juan Uslé (Santander, 1954)
Reside entre Nueva York y Saro, Cantabria.
Entre sus exposiciones recientes figuran: Landropo Y Zebulon. Galería Joan Prats; Desplazado. Cheim & Read. Nueva York; Nudos y Rizomas. Es Baluard, Museu D’Art Modern I Contemporani De Palma. Palma de Mallorca; Garabamathis. Galerie Thomas Schulte. Berlin.

Su obra forma parte, entre otras, de las colecciones:
Artium-Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria; Centre Pompidou. Musee National d’art Moderne. París; Belgacom Collection, Bruselas; Colección Arte Contemporáneo Fundación «la Caixa», Barcelona; Colección European Central Bank; Colección Peter Norton Family, California; Colección Saatchi, Londres; FNAC, Fonds National d’Art Contemporain, Ministère de Culture, París ; Fundación AENA. Colección de Arte Contemporáneo, Madrid; Fundación Banco de España, Madrid; Museo Marugame Hirai, Japón; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam; Tate Modern, Londres.

JUAN USLE | HIGH NOON May 24 – June 24

Next Thursday may 24th, at 20 pm, Soledad Lorenzo gallery presents “HIGH NOON”, JUAN USLÉ. This is his nineth exhibition at orfila 5 and shows his last paintings between 2010 – 2012.

Juan Uslé (Santander, 1954)
Lives between New York and Saro.
Among his latest exhibitions are: Landropo Y Zebulon. Galería Joan Prats; Desplazado. Cheim & Read. New York; Nudos y Rizomas. Es Baluard, Museu D’Art Modern I Contemporani De Palma. Palma de Mallorca; Garabamathis. Galerie Thomas Schulte. Berlin.

Museums and collections:
Artium-Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria; Centre Pompidou. Musee National d’art Moderne. París; Belgacom Collection, Bruselas; Colección Arte Contemporáneo Fundación «la Caixa», Barcelona; Colección European Central Bank; Colección Peter Norton Family, California; Colección Saatchi, London; FNAC, Fonds National d’Art Contemporain, Ministère de Culture, París ; Fundación AENA. Colección de Arte Contemporáneo, Madrid; Fundación Banco de España, Madrid; Museo Marugame Hirai, Japan; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam; Tate Modern, London.

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

Bussoga es un proyecto iniciado por Josep Motas (Girona, 1982) en 2010 cuando, al no encontrar ninguna productora interesada en editar sus diseños decidió crear una él mismo.

En poco tiempo Bussoga ya no sólo produce los diseños de su creador, sino también de otros diseñadores, artistas y arquitectos.

Hasta el momento, Bussoga ha expuesto en exhibiciones tanto de arte como de diseño, nacionales e internacionales, como Stripart, Inundart de Girona, World of Furniture de Sofía, CasaDecor de Barcelona o Ventura Lambrate de Milán.
Ahora presenta su obra en Can Pop Gallery, dónde, además de exponer sus
conocidos azulejos serigrafiados, SKULL y BATEDORA, también ha realizado especialmente para la ocasión nuevas serigrafías sobre papel, madera, ropa y cerámica.

+ info:
www.bussoga.com

Can Pop Gallery & Shop
www.can-pop.com
Olles 1, 17004 Girona
972 226188

Eestará disponible hasta el 23 de junio.

Espai Tactel

carrer Dénia 25B

46006 València

96 395 88 08

La terra i el foc: un entorn creatiu

Assumpta Rosés Cavallé
 

Editado por el Museu d’Art Modern
y la Diputación de Tarragona, 2012

Distribución, intercambios  y venta:

MAMT
C/Santa Anna, 8
43003 – Tarragona

mamt@dipta.cat
Tel. 977 235 032

Precio 35 €

Estudio realizado por la crítica de arte e historiadora Assumpta Rosés con la ayuda de la beca  de investigación Lluís Saumells.

El libro introduce el entorno de la cerámica catalana, española e internacional donde se desenvolvió Martí Royo. Revisa la biografía, las etapas creativas y la experimentación técnica. Incluye la bibliografía y documentación sobre el artista. Se ordenan y catalogan más de quinientas obras reproducidas a color. Texto en catalán y en español.

Martí Royo (Hospitalet de Llobregat 1949 – Altafulla 1997) fue un ceramista y escultor  enraizado en la  tradición ancestral de la cerámica y, a la vez, un artista renovador, persona de gran carisma y muy recordado en su entorno profesional. Relacionó los procesos cerámicos con las formaciones geológicas, se inspiró en la naturaleza y en la cerámica primitiva para realizar obras escultóricas e instalaciones que parecen producto de una necesidad primordial.  

Destacó en la práctica y la pedagogía de la técnica rakú, método de origen oriental basado en un saber profundo y azaroso aplicado a la cocción y el acabado del barro. Inventó hornos y procesos para esta técnica.

Tiene obra en el Museo de Cerámica de Barcelona, Museo Nacional de Cerámica de Valencia, Museo de Manises, Museo de Arte Moderno de Tarragona y en importantes colecciones de cerámica contemporánea. También hizo escultura pública como el monumento a los Castellers de Altafulla, el mural de la Sardana en la Casa de Cultura de Torredembarra o el Dragón de la Plaza del Pujol en Vespella de Gaià.

Fuente:exitmail

Más información

Archizines celebra el resurgimiento de las publicaciones de arquitectura independientes y alternativas. La exposición, comisariaza por Elias Redstone e iniciada en colaboración con la Architectural Association, muestra 60 nuevos fanzines, revistas y publicaciones procedentes de más de 20 países. Editados por arquitectos, artistas y estudiantes, estas publicaciones proporcionan nuevas plataformas para el diálogo, la crítica y la investigación en espacios que habitamos y en la práctica de la arquitectura. Hacen una importante, y en ocasiones radical, suma al discurso arquitectónico y demuestran el amor residual de la palabra impresa y la hoja de papel en la era digital actual.

Archizines celebrates the resurgence of alternative and independent architectural publishing. The exhibition, curated by Elias Redstone and initiated in collaboration with the Architectural Association, features 60 new fanzines, magazines and journals from over 20 countries. Edited by architects, artists and students, these publications provide new platforms for commentary, criticism and research into the spaces we inhabit and the practice of architecture. They make an important, and often radical, addition to architectural discourse and demonstrate the residual love of the printed word and paper page in the digital age.

Créditos / credits:
Comisario / Curator: Elias Redstone
Diseño expositivo / Exhibition design: AA Exhibitions
Diseño gráfico / Graphic design: Folch Studio
Catálogo / Catalogue: Bedford Press

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OTROLIBRO Vol. II
Ya a la venta en Otrascosas >>> 20€
Otrascosas de Villarrosàs

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Via Laietana 64, Principal
08003 Barcelona

Lunes – Viernes
10.00-14.00h / 16.00-19.30h*
*excepto openings

otrascosas@villarrosas.com / t (+34) 93 238 83 04

ARCHIZINES is a showcase of new architecture fanzines, journals and magazines from around the world that provide an alternative to the established architectural press. Launched by Elias Redstone, with art direction by Folch Studio, the project celebrates and promotes independent and alternative publishing as an arena for architectural commentary, criticism and research, and as a creative platform for new photography, illustration and design.

ARCHIZINES is an expanding archive of the best publications from 2000s to the latest releases, and is growing as new titles and issues are acquired. Alternative and independent publishing has had a dynamic and important relationship with architecture over the years and a recent resurgence has seen new titles emerging in many countries, from Argentina, Belgium and Chile to the UK and USA. ARCHIZINES brings together this international collection of publications for the first time as an important resource for architects, designers, critics, photographers and anyone interested in discussing the buildings and spaces we inhabit.

The publications vary in style (from photocopied zines to professionally printed and bound magazines) and content (from architectural research to personal narratives about buildings and cities). The commonality is a shared interest in documenting and discussing the spaces we occupy in printed form. Architecture and/or urbanism must be intrinsic to the publication and an alternative or independent agenda must be demonstrated. As well as adding to architectural discourse, these publications are lovingly made objects to hold and to keep.

This period of publishing activity is being made public through the ARCHIZINES website, a touring exhibition, live events, catalogue and the transfer of the collection to the National Art Library at the V&A. Showcasing on the ARCHIZINES website will make publications eligible for ARCHIZINES exhibitions or events but does not guarantee inclusion.

Founder / Curator: Elias Redstone
Art Director: Diego Córdova, Folch Studio

From photo-copied and print-on-demand newsletters such as Another Pamphlet, Scapegoat and Preston is My Paris, to magazines such as Mark, Spam and PIN-UP – ARCHIZINES celebrates and promotes the recent resurgence of alternative and independent architectural publishing from around the world.

The exhibition, curated by Elias Redstone, originated as an online project and showcases 60 architecture magazines, fanzines and journals from over 20 countries. From Australia and Argentina to the UK and USA, these independent publications are reframing how people relate to their built environment – taking comment and criticism out of just an architectural arena and into everyday life. The titles also provide platforms for architectural research and debate, and demonstrate the residual love of the printed word and paper page – providing an antidote to digital publishing. Made by architects, artists and students, they add an important, and often radical, addition to architectural discourse. Each magazine is available to read in the exhibition along with video interviews with their creators talking about their work.

View international tour schedule here.

Del 12 d’abril 5 de maig 2012

Antoni Gaudí va ser un arquitecte atípic i un artista polivalent ja que va utilitzar tots els llenguatges propis de les belles arts i els va sintetitzar en unes propostes singulars que avui són admirades al món sencer. Alguns atribueixen aquest èxit a la dimensió oculta que descobreixen en la seva obra, per la qual cosa el consideren un visionari, un mag o un místic.
L’arquitectura de Gaudí va més enllà de les aparences, admet tot tipus d’interpretacions i és una invitació al viatge intel·lectual i sensorial.  I aquest és l’objectiu d’aquestes fotografies, acompanyar al lector en aquest camí, ajudar-li a descobrir el que potser a simple vista no percebria.
Encara que l’arquitectura de Gaudí ha estat fotografiada milions de vegades, mai fins avui ho havia estat en 3D, la qual cosa ens permet no solament conèixer les seves obres sinó també penetrar en el seu interior, captar la dimensió dels seus espais, la morfologia dels seus objectes, el misteri de la seva llum, la intensitat dels seus colors, la qual cosa per fi redunda en una experiència comunicativament més intensa i intel·lectualment més profunda.

Fragments de Daniel Giralt-Miracle

GABI BENEYTO

[ GAUDÍ MÁGICO ]

DEL 12 DE ABRIL AL 5 DE MAYO 2012

Antoni Gaudí fue un arquitecto atípico y un artista polivalente ya que utilizó todos los lenguajes propios de las bellas artes y los sintetizó en unas propuestas singulares que hoy son admiradas en el mundo entero. Algunos atribuyen este éxito a la dimensión oculta que descubren en su obra, por lo que lo consideran un visionario, un mago o un místico.

La arquitectura de Gaudí va más allá de las apariencias, admite todo tipo de interpretaciones y es una invitación al viaje intelectual y sensorial.

Y este es el objetivo de estas fotografías, acompañar al lector en este camino, ayudarle a descubrirlo que quizás a simple vista no percibiría.

Aunque la arquitectura de Gaudí ha sido fotografiada millones de veces, nunca hasta hoy lo había sido en 3D, lo que nos permite no solo conocer sus obras sino también penetrar en su interior, captar la dimensión de sus espacios, la morfología de sus objetos, el misterio de su luz, la intensidad de sus colores, lo que al fin redunda en una experiencia comunicativamente más intensa e intelectualmente más profunda.

Fragmentos de Daniel Giralt-Miracle

Estem al c/Torrent de l’olla, 158 | 08012 Barcelona | Tel. 93 217 10 90 | info@espaib.com | www.espaib.com

Horari: de dilluns a dissabte de 17h a 20:30 h (per altres horaris concertar cita prèvia)

Del 12 de març al 5 d’abril 2012

Recórrer el sublim des de la cosa bella sense pudor d’anacronisme ni excés d’avantguarda.

Que la bellesa no sigui tabú i es reconciliï d’on emana: la natura.

Maria Antònia Hernández i Subirachs es reconeix en la postmodernitat i assumint el seu caràcter, revisa a través de tela i paper l’autor romàntic

que era latent en la seva obra: William Turner. Aflora ara de forma desacomplexada i ella mateixa el proclama com el mestre de l’aire.

Així, plasma paisatges que s’escapen del marc i tenen un fons immens per l’oxigen. És un intent d’explicar el seu neoromanticisme,

l’exaltació del que fuig, dels verds, dels grisos, dels blaus, dels grocs.

Mª ANTÒNIA HERNÁNDEZ I SUBIRACHS

[ TURNER Y YO ]

DEL 12 DE MARZO AL 5 DE ABRIL 2012

Recorrer lo sublime desde las cosas bellas sin pecar de anacronismo ni exceso de vanguardia.
Que la belleza no sea tabú y se reconcilie de donde emana: la naturaleza.
Maria Antònia Hernández i Subirachs se reconoce en la posmodernidad y asumiendo su carácter, revisa a través de tela y papel el autor romántico

que estaba latente en su obra: William Turner. Aflora ahora de forma desacomplejada y ella misma lo proclama como el maestro del aire.

Así, plasma paisajes que se escapan del marco y tienen un fondo inmenso para el oxígeno. Es un intento de explicar su neoromanticismo,

la exaltación de lo que huye, de los verdes, de los grises, de los morados, de los amarillos.

Del 15/03 al 04/04 del 2012

Mezanina está ubicada en una finca clásica de finales del siglo XIX, que conserva su estructura original remodelada.

Situado en el corazón Bohemio de Barcelona, en pleno barrio de Gràcia, a dos pasos del mercado, el edificio se halla enmarcado por plazas soleadas y concurridas del centro del barrio.

De la Vaquería al espacio de exposición

El local era una antigua vaquería que se ha convertido hoy en un espacio sobrio y cálido gracias a unas reformas por las que se han mantenido intactos los techos abovedados, las paredes de piedra, las vigas de madera, las columnas de hierro fundido e incluso las anillas de hierro que servían para atar las vacas, todo esto junto a una acertada combinación de materiales contemporáneos. A parte de ser un showroom de arquitectura y materiales de decoración de alta gama, Mezanina se revindica como un espacio polivalente dedicado a los eventos empresariales, artísticos y culturales…un espacio muy particular, con mucho encanto, que no deja a nadie indiferente…

Estructura de Mezanina

A pie de calle, entre dos escaparates, el antiguo paso de vacas es hoy la entrada principal de un recinto luminoso de techos altos y con tres espacios diferenciados que desembocan en un patio cubierto. Todo ello sin olvidar la mezzanina, que avista todas las estancias del local.

El espacio de 180 m² se divide en dos plantas, la planta baja a nivel de calle dispone de 135 m², diferenciados en varios espacios y la mezzanina de 45 m².

Tiene el encanto de los antiguos locales de finales del siglo XIX y el confort de los locales de última generación.

Este compendio de obras trata la idea de la importancia de tener en cuenta la muerte, debido a que es parte de la vida. Es un tema triste y melancólico, pero al mismo tiempo romántico como la nostalgia.
Aunando tan dispares sentimientos aparecen unos pequeños seres, acompañados de ciertos miembros de la naturaleza; que acuden a la necesidad de una infancia robada. Todo este imaginario se presenta a través de fotografía e ilustración, de manera desenfadada, mostrando un pequeño rincón de una oscura alma, a una mirada descarada.

Jueves 22 de Marzo, 19hs
16 al 23 de Marzo C/ Hernán Cortés 7
Madrid 28004

Exposición del 9 de Marzo al 7 de Abril de 2012.

Ana Langeheldt, nacida en Sevilla y según ella “habitante del planeta tierra”, presenta sus nuevos trabajos bajo el titulo “Galaxia 17812″ en Montana Gallery Barcelona.

LAHE178, tal y como es conocida dentro del mundo del graffiti y el arte urbano, entra en contacto con el spray can art en 2001 mientras cursa sus estudios de Bellas Artes en Sevilla.

A lo largo de su trayectoria ha ganado numerosos premios institucionales y participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas, pero es dentro del mundo del graffiti donde se siente como pez en el agua. Además de sus propios murales, ha participado en numerosas exhibiciones y eventos tanto dentro como fuera de la península, y ha sido citada en publicaciones de ámbito internacional como Graffiti Women, Mural Art Vol.3 o Urban Art Boom.

LAHE178 compagina sus proyectos en el espacio público con sus otras dos grandes pasiones: la pintura y la ilustración.

Galaxia 17812 es una muestra de pinturas y dibujos que reflejan la propia galaxia de la artista: 178 por su nombre y 12 por el año que vivimos peligrosamente. Una nueva galaxia entre todas las que conforman su universo paralelo, formada por estrellas y sistemas solares donde habitan desconcertantes criaturas reales e imaginarias.

Montana Gallery
Barcelona

Carrer Comerç, 6
08003 Barcelona
T/F: (+34) 932 680 191

gallery@montanacolors.com

BARCELONA
8.MARZO.2012 > 29.ABRIL.2012

EXPOSICIÓN
“LIßIDO”

INAUGURACIÓN

EL 8.MARZO.2012 A LAS 20H

CONRAD ROSET (Barcelona, 1984) es ilustrador freelance. Actualmente reside en Barcelona.

Con una buena base de diseño, empezó dibujando comic para sucesivamente descubrir los grandes de las pintura como  Egon Shielle, Gustav Klimt o Alphonse Mucha, que influyeron en su evolución.

Ha trabajado en distintos proyectos en agencias de publicidad, estudios de diseño, editoriales, etc… para clientes como Adidas, Zara, Custo, Mango, FC Barcelona, Coca Cola, Skoda entre otros.

También es profesor del Postgrado de Ilustración de la Escuela de Diseño Bau en Barcelona.

A nivel artístico ha expuesto la colección Musas en distintas galerías de ciudades como San Francisco, Londres, Madrid, Oporto, Cabo Verde, etc..

Actualmente Norma Editorial está editando un libro sobre su trabajo.

Se encuentra vinculado a la Galería Artevistas de Barcelona desde el 2010 siendo sus obras parte de la colección permanente.

Sobre LIßIDO

LIßIDO con ß. La BETA es la letra utilizada para representar el fonema del sonido de las B y la V.

LIßIDO = LIBIDO (deseo, pulsión, lascivia, lujuria, deseo sexual) + LIVIDO (pálido, demacrado, descolorido, violáceo, apagado, blanco).

La nueva serie de Conrad Roset, inspirada en sus Musas, sorprende por su oscuridad.
Su toque más siniestro hace que los perfiles de los cuerpos afloren de la penumbra con una fuerte carga de refinada voluptuosidad.
Figuras sombrías que cautivan las miradas por su belleza y sensualidad.

Conrad Roset aparta la paleta de colores. La vivacidad de la explosión cromática de su anterior serie se convierte en el sutil contraste de blancos y negros. Lißido representa un cambio radical para el artista: alejarse de la inmediatez de los colores significa centrarse en las formas y los perfiles, resaltar los grises y aplicar puntuales toques de color, que aparecen como atrevidas reminiscencias.

Nuevas tonalidades y nuevas técnicas: Conrad Roset incorpora tinta china y acrílicos a sus pigmentos y plumilla sobre papeles de colores pálidos. Juega con audaces transparencias que enfatizan aún más las posturas livianas de sus figuras.

Elementos ornamentales, flores marchitas, insectos, cisnes, cuervos, lobos o incisivas auras blancas…en las obras de la serie Lißido el artista crea sencillos escenarios en los que se mueven pulsantes cuerpos femeninos en actitudes lascivas. Elegantes imágenes de pureza sensual.

Passatge del Crèdit nº4
08002 Barcelona – España

Tel/Fax: 93 513 04 65
info@artevistas.com

Comprometido con la naturaleza y con el medio ambiente, el fotógrafo Daniel Beltrá ha sido reconocido con destacados premios internacionales como el Prince’s Rainforest Project, concedido por el príncipe Carlos de Inglaterra, o el World Press Photo. A través de ‘Marea Negra’, y logrando esquivar la censura mediática impuesta a periodistas y científicos, Beltrá nos presenta el terrible drama ecológico del vertido de petróleo en el golfo de México, una de las tragedias medioambientales más severas de la historia. Comisariada por Silvia Omedes y producida por Roca, la muestra ‘Marea Negra’ acoge alrededor de 50 fotografías, en su mayoría aéreas, que se podrán disfrutar, de forma totalmente gratuita, en el Roca Madrid Gallery del 7 de marzo al 26 de mayo de 2012.

El 20 de abril de 2010 la plataforma petrolífera Deepwater Horizon explotó, hundiéndose dos días más tarde y causando la muerte de 11 de sus trabajadores y heridas graves a otros 17. El terrible desastre ecológico provocado continúa vigente hoy en día, incluso tras haberse sellado el pozo. Durante tres largos meses, alrededor de cinco millones de barriles de petróleo se vertieron al mar generando una desoladora marea negra, que llegó a alcanzar la costa de EE. UU. y que ocasionó daños irreparables en la flora y fauna de la zona. Además, nueve millones de litros de Corexit, un dispersante de petróleo muy controvertido, fueron esparcidos en el mar generando efectos todavía más nefastos para el ecosistema del golfo.

El prestigioso fotógrafo internacional Daniel Beltrá (Madrid, 1964) pasó dos meses en el golfo de México por encargo de Greenpeace, para tomar imágenes del derrame de petróleo y difundir así los efectos de este desastre ecológico a la opinión pública. Beltrá combatió la censura mediática impuesta a periodistas y científicos, a los que les fue denegado el acceso a muchas zonas públicas con objeto de impedir que documentaran la enorme magnitud del vertido.

En gran parte de las imágenes que conforman este proyecto, Daniel Beltrá se sirve de la vista aérea para conseguir la distancia necesaria en las fotografías y captar la destrucción causada por este accidente. La fotografía aérea ofrece una mirada más amplia de la paradójica belleza de la marea negra, permitiendo concienciar al espectador sobre la magnitud de la tragedia. En palabras del propio Beltrá, “Es en la belleza y en la complejidad de la naturaleza donde encuentro mi inspiración. Deseo que mis instantáneas insuflen un mayor respeto a la conservación del planeta. Ocultas entre estas imágenes se encuentra la realidad del estado de nuestro medio ambiente y el legado que estamos dejando para las generaciones venideras”.

Beltrá es el autor de muchas de las fotografías que han documentado visualmente la catástrofe del golfo de México y su trabajo le ha valido este año numerosos premios como el DAYS JAPAN International Photojournalism Award, el Picture of the Year International, el China International Press Photo o el International Photography Award. En octubre de 2011, Beltrá recibió uno de los premios internacionales más prestigiosos de fotografía de medio ambiente, el Veolia Environment Wildlife Photographer of the Year. El galardón ha reconocido una fotografía

que forma parte de la serie que se presenta en la exposición “Marea Negra”, serie por la que también ha sido premiado con el International Photographer of the Year Award en la categoría Deeper Perspective en los Lucie Awards en Nueva York.

Para Roca, y en palabras de Xavier Torras, Director de Comunicación y Marca, “Roca es consciente de la importancia de preservar y mejorar el medio ambiente y el entorno para las generaciones presentes y futuras. Para ello, trabajamos en desarrollar y fomentar tecnologías e iniciativas que ayuden a la conservación del medio ambiente. Una de estas iniciativas ha sido conseguir traer el trabajo de Daniel Beltrá para, de este modo, sensibilizar a la sociedad de la importancia de cuidar el entorno en el que vivimos.”

La exposición “Marea Negra” ha podido verse también en Barcelona, en el mismo espacio que Roca dispone en la ciudad, el Roca Barcelona Gallery.

Daniel Beltrá, fotógrafo internacional

Nacido en Madrid, el fotógrafo Daniel Beltrá reside actualmente en Seattle, Washington (EE. UU.), desde donde se desplaza hasta diferentes puntos del planeta para documentar la naturaleza y el medioambiente. Durante las dos últimas décadas el trabajo de Beltrá le ha llevado a los cinco continentes, incluyendo numerosas expediciones con Greenpeace al Amazonas, al Ártico, a los océanos del sur y a los Glaciares en la Patagonia.

En abril de 2009, Beltrá obtuvo el prestigioso premio Prince’s Rainforest Project, concedido por el príncipe Carlos de Inglaterra. Además de los premios recibidos en 2011 con motivo de su trabajo en el golfo de México, Beltrá tiene en su haber el International Photography Award, el Wildlife Photographer of the Year, el Global Vision Award, así como el prestigioso World Press Photo, que ha ganado en dos ocasiones. El trabajo de Daniel Beltrá ha aparecido en algunas de las cabeceras más destacadas del mundo, como The New Yorker, Time, Newsweek, Stern, Geo, National Geographic Society, Financial Times, The New York Times, Le Monde, El País o The Asahi Shimbun, entre otras publicaciones.

Roca Madrid Gallery

Los Roca Galleries son parte de la estrategia internacional de Roca y un concepto que expresa la realidad actual y sus retos de futuro. Diseño, innovación, sostenibilidad y bienestar son valores de Roca y que los Galleries transmiten, manifestando a su vez la voluntad de la marca líder en espacios de baño por mantener un diálogo constante con el conjunto de la sociedad y, especialmente, con aquellos profesionales con los que comparte la inquietud y el interés por evolucionar el espacio de baño. Los distintos Roca Gallery de Londres, Lisboa y Barcelona vehiculan, pues, esta voluntad como punto de encuentro y espacio de diálogo abierto a interioristas, diseñadores y arquitectos de todo el mundo.

El Roca Madrid Gallery es el resultado de la colaboración con el Estudio de Arquitectura Lamela y fue inaugurado en abril de 2011. El Roca Madrid Gallery es un espacio funcional y flexible en el que la exposición de la gama de producto Roca comparte espacio de forma natural con exposiciones, presentaciones, encuentros profesionales y eventos de interés que dinamizan la oferta sociocultural de Madrid.

Ubicado en la calle José Abascal esquina Zurbano, ha acogido diferentes exposiciones, debates, coloquios y encuentros de temas muy distintos como la arquitectura, el diseño, la naturaleza o la sostenibilidad. “La mejor arquitectura europea” (2011) o “Aral. El mar perdido” (2011-2012), son ejemplos de ello.

www.rocamadridgallery.com/

Photographic Social Vision

La Fundación Photographic Social Vision, organizadora de la exposición World Press Photo desde hace siete años consecutivos en Barcelona, es una fundación privada sin ánimo de lucro que gestiona desde hace 10 años la creación, producción y difusión de reportajes fotoperiodísticos y audiovisuales con el objetivo de informar y concienciar a la sociedad sobre realidades y problemáticas sociales poco conocidas, así como fomentar el interés público hacia el fotoperiodismo.

Actualmente, la fundación presenta en Barcelona la exposición “Más fotoperiodismo” una selección de 4 exposiciones del festival profesional de más prestigio en el sector de la fotografía documental internacional, el “Visa pour l’Image – Perpignan”.

www.photographicsocialvision.org

Marea Negra’, una exposición de Daniel Beltrá

Vertido en el Golfo de México

Del 7 de marzo al 26 de mayo de 2012

Inauguración

6 de marzo de 2012

Roca Madrid Gallery

José Abascal, 57

28003 Madrid

Tel. 91 442 30 34

Horarios

De lunes a sábado: de 10:00 a 20:30 horas

Domingos cerrado

Entrada gratuita

El ICEX- Instituto Español de Comercio Exterior acaba de presentar el estudio Oportunidades de distribución digital internacional para el sector editorial.

La llegada del libro electrónico ha cambiado el modelo de negocio del libro, tanto en los nuevos hábitos de lectura como en el modelo de distribución. De los 103.000 libros publicados en 2011, el 17% corresponden a obras en formato digital, un 38% más que el año anterior, lo que da una idea del interés creciente que tiene la edición en formato digital.

Con el fin de apoyar la distribución internacional de la edición digital, el ICEX en colaboración con la FGEE – Federación de Gremios Editoriales de España ha elaborado un interesante estudio, donde las empresas pueden conocer de forma práctica los pasos a dar para adaptarse al nuevo marco digital. En primer lugar, para digitalizar sus fondos y editarlos en los formatos más compatibles en el mundo global y, además, enriquecidos con el máximo de contenidos. En segundo lugar, para posicionar los libros digitales en las más importantes plataformas de venta online.

Si bien es cierto que las grandes editoriales llevan años adaptándose a este nuevo modelo de negocio, no cabe duda de que las pequeñas editoriales tienen mayores dificultades para adaptar su producción a la distribución online. Este estudio pretende ser una herramienta práctica que ayude a las pequeñas editoriales en el nuevo escenario que se les presenta.

El estudio está disponible para su descarga gratuita.

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+info: www.icex.es

El próximo jueves 8 de marzo se inaugura en la galería Soledad Lorenzo la exposición  titulada False-Color Actions “Accciones de colores falsos” de Tony Oursler. El artista en esta ocasión, su quinta individual en la galería, presenta un conjunto de sus obras más recientes que continua la exploración sobre la naturaleza de las relaciones humanas. Aquí el artista incorpora nuevos elementos a sus composiciones de escultura y vídeo proyecciones.

Figuras humanas impresas a escala y en colores vivos pululan por la galería – estas formas están recortadas y reanimadas por las proyecciones de vídeo y sonido. Cada instalación individual es una combinación compuesta por: burbujas de distintos colores realizadas en vidrio soplado, impresiones fotográficas y esculturas en fibra de vidrio. De manera individual, las obras presentan una escenografía sobre la que se iluminan y proyectan personajes. Las burbujas de vidrio soplado representan los globos de texto propios de los comics y en ellas se capturan proyecciones de vídeo. Estas instalaciones yuxtapuestas enfrentan a los personajes animados, congelados, sugiriendo su aislamiento y lucha interpersonal. El artista sitúa su propio trabajo en un terreno inscrito entre la cristalización de un recuerdo, un esquemático diagrama de flujo y la causalidad de una cadena de pensamientos.

Una serie de 6-8 pinturas relacionadas temáticamente forman también parte de la exposición. Éstas incluyen pantallas digitales y collages que muestran el micro-universo propio de Oursler. Muchos de los personajes encuentran su camino a través de todos los diferentes medios dentro de la exposición.

Tony Oursler, conocido por su innovadora combinación de vídeo, escultura, y performance, explora las relaciones entre el individuo, los medios de comunicación y los medios de masas, con humor, ironía e imaginación. Entre otros artistas, Oursler ha colaborado con Kim Gordon, miembro de Sonic Youth. En febrero de 2010 su trabajo fue presentado en la muestra colectiva Sonic Youth etc. : Sensational fix en el Centro de Arte dos de Mayo, Madrid.

Entre otras, su obra forma parte de las siguientes colecciones públicas: Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California; Musée d’Art Contemporain, Barcelona; Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Tate Gallery, London; Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; National Museum of Osaka, Japan.

TONY OURSLER False-Color Actions March 8 – April 14, 2012

Next Thursday March 8, Tony Oursler presents False-Color Actions at Soledad Lorenzo.  This is his 5th exhibition at the gallery, where Oursler will introduce a new body of work built on his continuing exploration of the existential nature of human relationships. Here the artist incorporates new elements into his elaborately composed and synchronized video projections.

Large and colorful printed characters populate the gallery – these cut out frozen forms are reanimated in part with video projection and sound. Each individual installation is a combination of colorful blown glass, photographic prints and painted resin sculpture, which form a unique tableau that becomes illuminated and populated with video characters. Blown glass is reminiscent of cartoon thought balloons and crystal balls, both trapping and reflecting the video. Each of the installations juxtaposes the animated, frozen, and sculpted characters, suggesting they are locked in a dynamic, interpersonal struggle. The artist sees this work as somewhere between the crystallization of a memory, a diagrammatic flow chart, and the causality of a chain of thought.
Thematically related and to be included in this exhibition are a series of 6-8 paintings which incorporate imbedded digital screens, as well as a number of Oursler’s micro video cosmoses, and collages. Many of the characters and linguistic and visual propes find their way across all the mediums within the exhibition.
Tony Oursler, known for his innovative combination of video, sculpture, and performance, explores the relationship between the individual and mass media systems with humor, irony, and imagination. Among the artists Oursler has collaborated with is Sonic Youth member, Kim Gordon. On February 2010 his work was presented at the collective show, Sonic Youth etc. : Sensational fix at Centro de Arte dos de Mayo, Madrid

Among others, his work is part of the following museum and public collections: Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California; Musée d’Art Contemporain, Barcelona; Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Tate Gallery, London; Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; National Museum of Osaka, Japan.

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

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Fuente: Cultunet

A través de TOUCH ME! se presenta por primera vez en España el trabajo de los artistas alemanes Regine Schumann y Alberto Frei.

Las instalaciones de luz de color realizadas a modo de esculturas y las piezas a base de tejido de plástico flexible de Regine Schumann inundarán las salas de la galería, creando un ambiente muy especial, jugando con la claridad y la oscuridad.
La artista complementará la muestra con fotografías panorámicas del fotógrafo Alberto Frei, que se transforman bajo la luz natural y ultravioleta.

Bajo el título TOUCH ME! Regine plantea una muestra que recoge varios de sus trabajos fluorescentes. Instalaciones concebidas a modo de esculturas, realizadas con vidrio acrílico traslúcido, piezas elaboradas con tejido de plástico flexible y dibujos realizados con spray fluorescente tienen acogida en la galería.

TOUCH ME! se presenta como una muestra que pone de manifiesto la importancia que  la luz tiene en sus obras para esta creadora. Utiliza la luz del día y también la luz artificial de la noche. En este caso juega con la luz blanca tradicional, a la que estamos acostumbrados y, también, con la luz negra con la que estamos menos familiarizados. Luces que no sólo ocasionan sutiles cambios en los objetos, sino que transforman el espacio y alteran nuestra percepción del mismo.

Conocedora de los cambios que sufren sus obras en función del espacio y de la luz que las rodean, Schumann juega con el color, con las transparencias y con la ilusión óptica consiguiendo sorprender al espectador.

Regine Schumann complementa la muestra con tres fotografías de Alberto Frei, realizadas en la Fundación Donald Judd y alrededores (Marfa, Texas). La entonces pintora tuvo un enorme impacto cuando contando 20 años, descubrió la obra de Judd, que para ella fue vital en su evolución posterior.

“En el análisis del espacio me interesa inventar obras que dialoguen con su entorno de modo especial en cuanto a forma y contenido, y que muestren así una visión de la noche y del día. Desarrollo y elaboro instalaciones como esculturas hechas de plástico fluorescente. El material y la luz se fusionan y forman así una unidad, determinando la coloración en el espacio de forma camaleónica.”

Regine Schumann    

Galería Rafael Pérez Hernando

www.rphart.net

C/ Orellana, 18
28004 Madrid
De Lunes a Viernes: 10-14 h / 17-20:30 h.
Sábados: 11-14 h.

La línea editorial seguirá siendo a grandes rasgos la misma, pero ampliaremos nuestro marco de intereses a otras áreas temáticas que van más allá de la música. Además, tras unos meses de prueba y puesta a punto, PlayGround se convierte definitivamente en un medio completamente bilingüe, disponible en castellano e inglés. La idea de fondo sigue siendo la misma: hacer de este sitio un lugar de encuentro diario para quienes no sabríamos existir sin música.

Iniciamos una nueva etapa. Esperamos que el resultado sea de vuestro agrado, porque es precisamente a vosotros a quienes va dirigido. PlayGround no sería nada si nos faltase tu presencia al otro lado.

www.playgroundmag.net/

A partir del 23 de febrero hasta el 27 de marzo se podrá ver en la galería Víctor Lope Arte Contemporáneo la exposición “UTOPÍA”, una selección de las mejores obras de Chris Buissa, artista con un gran dominio de la materia y la composición abstracta.

 Buissa desarrolla en sus obras su admiración por el wabi sabi, portavoz artístico del movimiento Zen, fundado en los preceptos de la simplicidad, la humildad, la moderación, la naturalidad, la alegría, la melancolía y el característico elemento de la impermanencia.

En las abstracciones de la obra de Buissa descubrimos la belleza íntima que se encuentra en los detalles más pequeños del arte presente en la naturaleza. Constituye tanto la alegría como la melancolía que conlleva la vida humana, sugiriendo unas cualidades tales como la humildad, la asimetría y la imperfección.

Observamos también en la obra de la artista la conexión intima con la naturaleza mediante el uso de elementos orgánicos, tales como madera, tierras, cementos, fibras y café, ya tratados e inertes.

Buissa acepta y procura usar esta transformación como parte esencial del conjunto. La obra parece pues evolucionar de una forma natural y espontánea, y sus formas asimétricas e irregulares surgen de las propiedades físicas de los materiales utilizados. Sus texturas, formadas por superficies rugosas y desiguales parecen entregarse a las leyes universales, dotando a las obras de la belleza inherente en cada detalle o imperfección.

Duración de la Exposición: Del 23 de febrero hasta el 27 de marzo 2012

Horario de visita: Martes a Viernes: De 17.30 a 20.30 h – Sábado: De 11:00 a 13:30h

Inauguración de la exposición: El 23 de febrero a las 19.30h

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Koomic dice: “Ni sabéis la de tiempo que llevamos deseando publicarlo”.

La editorial dice: “¿Soy yo o todo el mundo es idiota? Raúl lleva tiempo sumido en una época tirando a insípida. Chunga. Aislado en su música, atendiendo a la clientela que acude a la tienda de discos en busca de bálsamos o alineación, dejando para mañana lo que podría decir hoy, sobreviviendo a su ajada relación con Carla y arrastrando la sensación de ir por la vida cargando con su propio peso… multiplicado por seis.

Los autores: Daniel Serrano (Oslo, 1976). Como ilustrador ha realizado trabajos para diferentes libros de texto y novelas infantiles. Ha colaborado en revistas como Trauma o Cavall Fort. Su primer cómic fue Una de gallinas, y aún sigue intentando ocultarlo. Desde entonces ha escrito algunos guiones para otros dibujantes.

Josep Casanovas (Sant Sadurní d’Anoia, 1976). Estudió cómic en Joso e ilustración y diseño gráfico en Llotja. Ha realizado diversos trabajos de ilustración, publicidad y dibujos animados. Ambos son también autores de El invasor microscópico (Glénat, 2009), cómic ganador del II Premio Coll. Al igual que en su anterior obra, en esta Daniel Serrano ejerce de guionista y Josep Casanovas de dibujante”.

Koomic dice: “Por si no ha quedado suficientemente claro en esta serie: ¡nada es lo que parece!”.

La editorial dice: “La oscuridad se cierne en Midnight City. Han transcurrido muchos meses desde la muerte del Darkwing original y ahora ha aparecido un nuevo Darkwing. Esto intriga a Invencible que irá a averiguar quién es. Y además: Primera parte (de dos) del Invencible summer especial. ¡Más páginas al mismo precio!

Invencible es una serie del guionista Robert Kirkman (autor de The Walking Dead) y el dibujante Cory Walker. El protagonista, Mark Grayson, es un chico normal de instituto con la diferencia de que su padre es el superhéroe más poderoso del planeta y él ha heredado sus superpoderes.

Tras los cataclísmicos eventos de Invencible: Auténticos Desconocidos, encontramos a Mark recomponiendo las piezas de su vida. Ahora todo es diferente: su familia, sus amigos, sus compañeros. El mundo es muy extraño y desconocido para nuestro joven superhéroe. Ahora deberá enfrentarse a cambios inevitables, innumerables supervillanos, amenazas mundiales y su graduación en el instituto. Nadie le dijo que ser un superhéroe fuese fácil… pero tampoco le dijeron que fuese a ser tan duro”.

Koomic dice: “La lástima de este tebeo es que lo que es ficción, debería ser realidad. Y viceversa”.

La editorial dice: “Mortadelo y Filemón se infiltran en una de las obras de Ladríllez Peñón, un pez gordo del mundo inmobiliario, involucrado en casos de corrupción para ganar millones vendiendo casas mal construidas”.

Mortadelo y Filemón, los personajes creados por Francisco Ibáñez, son una divertida pareja de detectives que trabajan a las órdenes del Súper en la T.I.A., una organización secreta.

Mientras tanto, en otras partes de Koomic…

• La iniciativa Comic 21 para ayudar a la Asociación Síndrome de Down de Granada contará con versión digital en Koomic. Y estamos súper contentos por ello.

• Nuestras tarjetas prepago de 10€ y 20€ son más majas que las pesetas. Y para regalo son ideales.

• Decora tu ordenador, iPad o iPhone con los wallpapers de Koomic. Es gratis, ecológico y bueno para la vista. Que sí, pardiez.

Con lo humano

El reloj de pared de su pequeño taller, un espacio sin pretensiones, humilde pero confortable, dejó de dar la hora fastidiado por la indiferencia. Sus agujas se rindieron al sigiloso quehacer del polvo, porque en este austero ring artístico se libra una lucha contra otra dimensión de tiempo: el tiempo de los recuerdos. La última hora que marcó el dichoso reloj fueron las 7.42, y ahí se quedó, intuyo que en el instante deprimente del crepúsculo que en la obra de Gabriel Schmitz se manifiesta en una luz fría, delicada y suave que no se extingue nunca. Una luz que habita dentro y fuera de sus figuras, unos personajes sobrecogedores de un magnetismo irresistible para los que quieren contar historias u oírlas contar.

Como en un juego de locos, a Gabriel Schmitz le persiguen un sueño y una pesadilla. Sabe, como sabía muy bien Giacometti, que la pintura calma las heridas y al mismo tiempo las exterioriza con toda su crudeza. Paradójico combate onírico para poder comprender y captar lo esencial del ser humano. Hay algo muy etéreo en su obra -casi todo en su obra es sutil y frágil- que lidia con uno de los grandes enigmas del arte contemporáneo: la supervivencia de la pintura en un mundo de tanta sofisticación tecnológica, de tanta imagen fusilada y de gustos estéticos tan artificiosos. Pintar hoy no es ni una rareza ni un privilegio -qué más quisieran algunos-, pero su sentido, su razón de ser, se ha acotado radicalmente: hoy ya sólo pertenece al territorio de lo humano. Y ahí es donde pisa fuerte Gabriel Schmitz, en esa reserva en la que el alma humana exige algo más auténtico y conmovedor que una pintura que la represente con edulcorantes y sensiblerías. Representar, qué ilusión más bárbara en nuestros enloquecidos tiempos en los que la realidad ya no es singular, es múltiple y a menudo virtual. No hay nada que representar cuando de lo que se trata es de implorar un modo de sentir y de hallar la verdad de las cosas.

El viaje, como una aventura de conocimiento y una búsqueda de profundas sensaciones anímicas, nutre su pintura. Gabriel Schmitz viaja, física y mentalmente, a mundos conocidos y extraños sin poder aislarse de su propio mundo interior. Camina por la calle, deambula mucho, captura y se apropia de imágenes de personas anónimas, recorta fotografías de cuerpos humanos con delirios de anatomista hipocondríaco, se concentra casi obsesivamente en el rostro y en los gestos de la gente, de las gentes, de ahí y de allí, él y el otro son lo mismo. Bucea en sus almas y, sin darse cuenta, empiezan a surgir y a entrelazarse en su cerebro los relatos más íntimos y estremecedores de sus figuras. Entra en su taller, desordenado mas para nada caótico, sin rastro de olor a pintura pero impregnado de materia pictórica, y activa el proceso de creación. Las paredes son pizarras gigantes donde expulsa y anota los pensamientos (“duelo por la vida”, “fuera de lugar, sin lugar, en su lugar”) y donde experimenta con su contenida paleta de colores, cada vez menos puros y más sucios, en unas mezclas que casi nunca consigue memorizar. Invoca a los grandes maestros (Velázquez, Caravaggio, Vermeer, Manet, Bacon), pero él está solo, absolutamente solo, y la tela le reclama con insistencia, y no es precisamente fácil saciarla, aunque le ayudará, le ayudará a pintar y a repintar, a repintar fracasos y frustraciones, porque nada es, ni será, definitivo.

Acepta el desafío, balsámico y angustioso por igual. Sus figuras emergen de la nebulosa memoria y se dirigen a la nada. Lo único palpable en sus óleos son los sentimientos humanos. Lo único que importa es la expresión humana. Los personajes, desubicados, jamás miran al espectador, no se proyectan en nada ni en nadie. No simulan ser lo que no son. Muchas veces incomodan porque están de espaldas, de perfil o en posturas un tanto confusas y perturbadoras. Nadie les pidió permiso para posar en una pintura. Y ellos no posan. Cuando miran de frente, aunque muchas veces cabizbajos y abatidos, sus ojos están perdidos en un horizonte lejano. Son figuras casi espectrales. Y tan terriblemente humanas… No buscan comprensión. Nadie ruega comprensión cuando camina por la calle. Al menos no en voz alta.

No sabemos si estos personajes van o vienen. No sabemos si los conocemos -éste de aquí… ¿no será Beckett?; ¡mira por donde, pero si por ahí va Basquiat!-. No sabemos si alzan el brazo para pedir ayuda o si es un simple gesto espontáneo. No sabemos si bailan o si están retorciéndose de dolor. Puede que estén afligidos por algo puntual, o quizás hace tiempo que llevan demasiado peso en su maleta existencial. ¿Lloran por dentro? ¿Soportan la melancolía? ¿Duermen o agonizan? ¿Viven? Ah, estas texturas demacradas de sus pieles, estos cuerpos consumidos… Por no saber, no sabemos ni si están vivos. No sabemos nada de ellos, pero nos sentimos muy próximos a sus inquietudes y a sus preocupaciones, sentimos empatía con sus pequeñas o grandes tragedias y banalidades. Nos habíamos olvidado de hasta qué punto el arte puede exaltar la dignidad humana.

Gabriel Schmitz no es un pintor que se caracterice por marear su pintura con cambios bruscos. Difícilmente lo hará jamás. Su trayectoria se rige por una continuidad y una coherencia estética y conceptual porque responde a un compromiso, a una necesidad que no es caprichosa. Y ello sin caer en la tentación de autoplagiarse, el camino más traidor para pervertir el oficio del pintor y para dar la razón a todos aquellos que dan por muerta la pintura. Gabriel Schmitz no puede dejar a un lado su actitud frente al mundo, su manera de ver y entender el mundo, y por lo tanto a sí mismo, y en el otro su pintura. Como si fuera posible separar vida y arte. Él y su obra fluyen en sincronía. Los cambios que incorporan sus piezas siempre remiten a un proceso lento de experimentación, a un diálogo muy sufrido, un pacto muy sosegado con la propia tela. Ya casi no tiene ningún temor a innovar con los formatos, ahí le tenemos explorando nuevas perspectivas y percepciones con lo descaradamente vertical, y últimamente ha llevado su empeño por la materia mínima hacia unos límites fascinantes, otorgando al lino libre de pintura voz propia en la obra final. Y no le llamen a esto rendir culto al vacío, porque es todo lo contrario. Simplemente anhela atrapar lo invisible.

Texto de María Palau

Galería de Arte Rayuela
Claudio Coello, 19
28001, Madrid

+34 91 577 06 48
rayuela@galeriarayuela.com

Catálogo disponible en: www.galeriarayuela.com

Para acompañarnos nuestros autores Manu López, que presenta Ataraxia 2 en la capital y Kaoru Okino estarán firmando en nuestro stand.

Encuéntranos en:

http://www.nowevolution.net

http://nowevolution.blogspot.com/

https://twitter.com/nowevolution

http://nowevolution.deviantart.com/

Perfil de Facebook: http://www.facebook.com/nowe.volution

Presentaremos trabajos de los siguientes artistas:
ANA LAURA ALÁEZ, TXOMIN BADIOLA, BROTO, VICTORIA CIVERA, JERÓNIMO ELESPE, PHILIPP FRÖHLICH, JORGE GALINDO, PELLO IRAZU, SERGIO PREGO, GUILLERMO PÉREZ VILLALTA, TONY OURSLER, SOLEDAD SEVILLA, JULIAN SCHNABEL, JOSÉ MARÍA SICILIA, TÀPIES, JUAN UGALDE, JUAN USLÉ.

mobile@soledadlorenzo.com

ARCO 2012 STAND 10C08

We are pleased to announce our participation at ARCO 2012. We are looking forward to see you at Stand 10C08.

With the works of the following artists:
ANA LAURA ALÁEZ, TXOMIN BADIOLA, BROTO, VICTORIA CIVERA, JERÓNIMO ELESPE, PHILIPP FRÖHLICH, JORGE GALINDO, PELLO IRAZU, SERGIO PREGO, GUILLERMO PÉREZ VILLALTA, TONY OURSLER, SOLEDAD SEVILLA, JULIAN SCHNABEL, JOSÉ MARÍA SICILIA, TÀPIES, JUAN UGALDE, JUAN USLÉ.

You can reach us at the fair on mobile@soledadlorenzo.com

Galería Soledad Lorenzo    Orfila 5. 28010 Madrid    Tels: +34 913 082 887 / 8    www.soledadlorenzo.com

La ceremonia, que tuvo lugar en el MACBA, reconoció con un premio honorífico la trayectoria del artista Richard Hamilton, fallecido en septiembre de 2011. Rod Hamilton, el hijo del artista, recogió el premio en reconocimiento a su aportación al mundo del arte y su relación con las galerías de arte catalanas.

El acto, que pretende convertirse en una cita anual de la cultura y el galerismo, congregó a 300 personalidades entre las que se encontraban Ferran Mascarell, Conseller de Cultura, y Jaume Ciurana, Tinent d’Alcalde de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona y presidente del ICUB, así como galeristas, coleccionistas, directores de museos, artistas y medios de comunicación, entre otros.

Los ganadores de los Premios GAC 2012 han sido:

- Premio a la galería por su trayectoria: Galería Soledad Lorenzo

- Premio al coleccionismo (ex aequo): Han Nefkens y Antoni Vila Casas

- Premio a la crítica de arte: Elena Vozmediano

- Premio a la galería joven por su proyección internacional: Meessen De Clercq Art Gallery

- Premio al comisario de exposiciones: Vicent Todolí

- Premio al medio de comunicación: Art Nexus

- Premio al artista por la mejor exposición en galería: Daniel Jacoby “La Lógica del Ornitorrinco”, Galeria Toni Tàpies

Los Premios GAC- V Noche del Galerismo agradecen el patrocinio exclusivo de la Fundació Banc de Sabadell y el apoyo del Institut Català de les Empreses Culturals y el Institut de Cultura de Barcelona.

Fuente:Exitmail

Todo el contenido del Museo y las aplicaciones que te ayudarán a hacer más accesible la experiencia de tu visita, ya sea de forma presencial o virtual. Crea tus propios Recorridos, accede a conferencias, podcasts de Ràdio Web MACBA (RWM), galerías de fotos, contenidos multimedia, publicaciones, ensayos y enlaces de interés, entre otras posibilidades. Experimenta un museo a tu medida en www.macba.cat.

“Bajo la inminente amenaza del fin del mundo, esta pareja de escritores rescatados de los bajos fondos, nos presentan “ANIMALOCALYPSIS NOW”. Una revisión intimista y desenfadada, con tintes psicodélicos, de los signos y señales, monstruos e iconos, que nos acechan cada dia en esta realidad, cada vez, mas irreal. Una realidad filtrada por la mente delirante de estos old school/all skull de la escena barcelonesa…puro Barrio Chino…algo así como, un cruce entre Funkadelic-Grateful Dead-Black Sabbath pero en graffiti, el colectivo S.R. en pleno efecto.

Sin ningún reparo, se atreven con combinaciones imposibles de colores, de amplio espectro, dando énfasis a las gamas “de vida alegre”. Multiplicidad de formas, ambientes intensos, confluyen en esta colección de lienzos explosivos, donde el hexágono (como forma más repetida en la naturaleza, y que maximiza el espacio), y el potente trazo, ( que te golpea con fuerza y absoluta contundéncia ), funcionan como hilo conductor. Referentes imprescindibles para comprender la evolución del graffiti mural en la ciudad de Barcelona.

Sin lugar a dudas, pruebas irrefutables del fin de una era. Brutal… ”

Dr.William Bell, Massive Dynamic, New York.

Montana Gallery
Barcelona

Carrer Comerç, 6
08003 Barcelona
T/F: (+34) 932 680 191

gallery@montanacolors.com

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