¿De dónde eres?¿Dónde trabajas actualmente?
Soy chileno y vivo hace 2 años en Berlín

¿Cuál ha sido tu trayectoria hasta el momento?
Estudié Diseño Gráfico en la Universidad de Valparaíso en Chile. A los 22 años terminé y me fui a Madrid y luego a Barcelona a buscarme la vida. Tenía ganas de hacer cómics o dedicarme al arte, pero pronto encontré trabajo como diseñador en una agencia y así estuve los 7 años, en diferentes agencias pequeñas.

Cuando entra algún proyecto, ¿sigues algún método de trabajo?
No tengo un método, depende de cada proyecto y el estado de ánimo. En general me gusta tener tiempo suficiente para poder empaparme y luego tomar distancia. Otras veces soy menos reflexivo y me gustan los resultados inmediatos.

Sigues el mismo proceso tanto para la portada de un libro, como para un póster o la imagen de un diario?
Como dije antes, es todo relativo. Soy bastante caótico y algo que me ha ayudado mucho a pensar es el grabado -xilografía o litografía- ya que en cierta forma te obliga a reducir, a pensar en “planchas”. Por eso comienzo siempre con formas muy elementales y luego voy definiendo figuras y agregando colores. Luego fijo que cada color tenga su plancha y así luego puedes ir combinando. En general estoy más interesado en conjugar símbolos y que ellos elaboren la historia. No me gustan los conceptos rebuscados o las grandes historias llenas de detalles.

¿Te lees los libros antes de ilustrarlos?
A veces sí, a veces no

¿Quienes son tus clientes?
Agencias de publicidad, estudios de diseño, editoriales, revistas y privados

Tienes muchos clientes fuera de España, ¿cómo se consiguen?
Poco a poco, con paciencia. Llevo sólo 2 años ilustrando, pero muchos más de vida social.
Además Internet ha ayudado mucho.

¿Hay algún cliente con el que trabajes más a gusto? ¿Por qué?
He tenido mucha suerte y he trabajado con gente estupenda. Ahora, prefiero el trato directo sin intermediarios.  En las agencias de publicidad es un poco rollo porque tienes a interlocutores entre tú y el cliente final.

¿Y alguno para el que no trabajarías nunca?
No tengo lista negra todavía.

¿Qué proyectos tienes entre manos?
Seguir trabajando en el mundo editorial y algún proyecto de animación.

¿Hay alguno que no hayas podido llevar a cabo pero te gustaría?
Me gustaría desarrollar más la música, aprender a tocar bien la batería o el bajo.

Web:
www.artnomono.com
www.flickr.com/photos/chipirilox/

Fuente:Creado por JAD para Dorsumi Studio

P-Sois la pesadilla de cualquier comercial o asesor de márqueting, pero curiosamente el proyecto funciona y sois uno de los estudios más deseados por las grandes cuentas y agencias. Supongo que algún dÍa en ESADE o IESE se estudiará vuestro caso pero mientras tanto, y así en ‘petite comite’, podríais comentarnos ¿por qué Vasava funciona?

R- Porque nos hemos divertido, apasionado y disfrutado sin límites, y, ante todo, porque hemos puesto en el proyecto toda nuestra energÍa y esfuerzo.Y eso se nota. Es como surfear, lo importante es interpretar cada ola y estar encima el mayor tiempo posible sin que importe nada más. Ante todo trabajamos por el placer de hacer cosas que nos motiven. Esta es nuestra zanahoria.

Pero profundizando en aspectos de la pregunta, hemos dicho muchas veces que somos especialistas en la no especialización. Hemos definido nuestro actividad como una experiencia y por ello nuestra opción es la implicación en los proyectos en los que participamos, buscamos frescura y no contención.

No queremos ser especialistas para no encasillarnos dentro de un método, una fórmula que se repite una y otra vez. Queremos que cada proyecto se convierta en una experiencia nutritiva, una forma de crecimiento, un aprendizaje vivencial, que sea útil y aporte madurez para proyectarlo en los trabajos futuros.

No hemos pensado ser una multinacional, pero no nos hemos negado a nada, siempre hemos dicho que tenemos el tamaño justo que somos capaces de entender y manejar. No hay que dogmatizar en estas cosas, la propia evolución marca los pasos.

Pensamos que la no prisa es una buena manera de viajar, sin que nos apuren y apremien las obligaciones. Lo más importante es disfrutar del camino, y sobre todo no tener un exceso de prisa por llegar porqué una vez has llegado solo queda la pregunta ¿Y ahora qué?

P-Los trabajos para Diesel técnicamente son muy buenos, sofisticados y largos. ¿Se ha planteado Vasava hacer un corto o una producción audiovisual donde explotar vuestro potencial gráfico y creativo?

R-Tenemos muchas cosas por hacer. El tiempo es limitado y no da para todo lo que nos gustarÍa realizar, es cuestión de encontrar el momento y perfil. Los medios para llevar a término el montón de cosas que tenemos en la cabeza.

Hay que tener en cuenta que miramos en diversas direcciones y eso, a veces, dispersa.

Nos gusta experimentar y descubrir caminos.

En algunas ocasiones he explicado que tenemos vocación de tendedores de puentes que en muchas ocasiones solo cruzamos una vez. Somos curiosos y nos gusta fascinarnos por las cosas como si fueran siempre primeras veces.

P- En vuestros trabajos gráficos, interactivos e incluso en vuestras exposiciones acostumbráis a tener algunos trabajos muy vanguardistas, experimentales o simplemente diferentes de la mayorÍa de cosas, pero en el campo de los Motion todos los trabajos que tenéis son de excelente factura tÉcnica pero bastante clásicos en su concepto y creación. ¿Por qué? ¿Es porque los clientes os marcan más o se arriesgan menos?¿Es porque cuesta más destacar en este campo? ¿Hay muy buenos técnicos pero faltan buenos creativos de Motion…?

R-Probablemente nuestra impronta tenga que ver más con lo gráfico. Ese es nuestro origen. En motion nos metimos como extensión de una voluntad de experimentar y expresarnos por medio de otras herramientas, y al final, es algo que empiezas y no puedes parar porque te vas involucrando, y como decÍa antes lo importante

es disfrutar y aprender, quizás encontremos la manera de profundizar mucho más, no hay que negarse nada. El futuro todo lo puede. Nos gusta experimentar y descubrir caminos.

En algunas ocasiones he explicado que tenemos vocación de tendedores de puentes que en muchas ocasiones solo cruzamos una vez. Somos curiosos y nos gusta fascinarnos por las cosas como si fueran siempre primeras veces.

P-Es posible que Vasava sea uno de los estudios más solicitados por estudiantes y profesionales para desarrollar su actividad y que recibáis muchas demandas de trabajo y os lleguen muchos portafolios. De promedio, ¿qué tal es la calidad y nivel de los portafolios que os llegan?

R-Hay de todo, pero nos gustaría que hubiese más gente dispuesta a conquistar su sueño. Han pasado más de 80 personas, y la satisfacción es que para la mayorÍa pasar por Vasava ha significado una fuerte revalorización.

P-Desde el veterano Toni al miembro más joven del estudio, y desde el diseño más limpio y clásico al Street Art, en Vasava tenéis un gran espectro de edades y experiencias o gustos. ¿Cómo encaráis y decidÍs como realizar un proyecto siendo tantos y tan diferentes?

R-Siempre hemos considerado que en toda estructura debe reinar un cierto caos dentro del menor número de reglas posible, eso ayuda a crear un buen clima y permite que cada individuo fomente su personalidad. Obviamente, los procesos se afrontan con una visión globalizadora y aglutinadora, pero, de todos modos, es la actitud hacia el trabajo es lo que más nos interesa.

Podemos dotarlo de adjetivos como: inconstanciaconstante, especialización en la no especialidad, zigzagueo permanente, no conformidad-pruebaerror-descubrimiento, etc. Siempre hemos considerado que los proyectos son un medio para aprender, siempre y cuando se afronten con la actitud adecuada. Cada proyecto es diferente y lo primero que se necesita es entender que buscamos, que se desea obtener en el proceso y al final como debe funcionar (para el cliente y también para nosotros).

P-¿Qué consideráis que ha sido lo que os ha proporcionado más difusión y clientes?

R-No tenemos departamento comercial. Pienso que el propio esfuerzo, implicación y pasión por lo que hacemos es el principal motor de difusión. Son diez años de generosidad y entusiasmo.

Fragmente del artículo que realizamos para el Especial Spain in Motion. Encontrarás el archivo del artículo en formato pdf aquí

www.gonzalogolpe.com.

Fuente:Perfil realizado por Jad para Dorsumi y la revista AyD

¿Por qué Malota? ¿De dónde viene?

El pseudónimo de Malota es algo que realmente no elegí de una forma premeditada. Mi amiga Elisa me llamaba así en la facultad. Comencé a firmar con este nombre la música que componía a finales de los 90′s, la mostraba en internet y cuando me quise dar cuenta demasiada gente me conocía ya con ese “nick” así es que decidí no cambiarlo.

Háblanos un poco de quien es Malota…

Malota es Mar Hernández, una chica tranquila y muy normal, a la que le gusta lo que a todo el mundo, pasear, ver películas y series, leer, escuchar música… Nací en Jaén pero pasé mi infancia y adolescencia en Yecla (Murcia). Con 18 años me fui a estudiar Bellas Artes a Valencia y desde entonces vivo allí.

¿En qué te diferencias del resto?

Todos somos diferentes, obviamente, pero a grandes rasgos no me considero muy diferente al resto de la gente. Soy muy exigente conmigo misma y me gusta sentirme orgullosa de mi trabajo, como mucha otra gente.

¿Tienes un método de trabajo, o para cada obra es diferente?

Cada proyecto es diferente, pero los pasos a seguir a la hora de abordar un trabajo son similares. Cuando se trata de un trabajo comercial, en un primer lugar trato de entender y conocer el proyecto, qué es lo que el cliente quiere. Después vendría una fase de recogida de información, qué cosas se han hecho en este campo, similares, innovadoras…

Más tarde seguiría la fase más complicada, en la que tienes que desarrollar la idea que va a dar solución al proyecto y en la que has de trabajar de una forma innovadora, sin perder tu identidad.

Por último quedaría desarrollar gráficamente esa idea, resolver cuestiones de materiales, técnica etc y preparar un arte final dependiendo del medio en el que se realiza el proyecto.

El mejor lugar para trabajar es…

Pues depende del proyecto… el mejor lugar para trabajar en una tarta de chocolate es una buena cocina equipada… en mi caso me siento muy agusto en mi estudio, donde puedo desarrollar proyectos que impliquen herramientas digitales así como proyectos más “manuales” que requiran de otro tipo de materiales y condiciones. Tengo un estudio multiusos.

¿Cómo es un día normal de Mar Hernández?

Mis días son tan normales como los del resto, creo que podría aburrir mucho a los lectores si contestase detalladamente esta pregunta

¿Para quién no trabajarías?

Para un cliente que no valore mi trabajo.

¿Dónde te gustaría ver tus imágenes?

En el día a día de las personas, aplicadas a objetos cotidianos, de manera que los hagan más bonitos o tal vez más útiles… por ejemplo.

Tres páginas que visites a menudo

http://ffffound.com

http://www.drawn.ca

http://www.flickr.com

10. Algo imprescindible en tu vida…

La música.

¿En qué consiste el proyecto Ion Chocolate para la televisión?

El proyecto para ION consistió en la elaboración de un spot para la televisión griega que anunciaba este maravilloso chocolate. Este es un proyecto de Satchi & Satchi producido por Boolab (http://boolab.tv/)

Boolab y concretamente el director de arte Martín Allais (www.juntosotravez.com ) se pusieron en contacto conmigo para que yo realizara todo el diseño de los personajes virtuales que aparecen en el anuncio, concretamente eran un ciervo y un ave. Para este proyecto también trabajé toda una serie de texturas que luego fueron aplicadas a los objetos 3D que aparecen en el spot.

Este fue un proyecto muy interesante para mí porque tuve la oportunidad de trabajar un grupo muy amplio de profesionales, es un proyecto de colaboración de grandes dimensiones y en el que el punto de partida fueron mis dibujos.

¿Cuál es el proyecto con el que te lo has pasado mejor últimamente?

Tal vez ha sido con MisBuggie (http://www.misbuggie.es/), un juguete muy especial que he desarrollado junto con el diseñador industrial Jorge Vega para el AIJU (Instituto tecnológico del juguete).

¿Y el más complicado?

Probablemente el mismo, MisBuggie.

En tu web vemos que haces camisetas, gorras, chapas, calendarios, postales….¿Qué es lo próximo?

Pues no sé, a ver que sale… estoy ilusionada con algunos proyectos que están en marcha, pero no puedo contar más.

¿También haces música?

Sí, también hago música, pero menos amenudo que antes. Cuando era niña estudié piano, solfeo, composición, etc, durante muchos años, todavía me siento bastantes ratos delante del piano, pero no tanto como me gustaría.

Algunas de las composiciones que realicé hace bastantes años: http://www.malotashop.com/music/

¿Con qué te quedas con la ilustración, el diseño, los motion…?

Aunque todas me gustan mucho, creo que la ilustración en lo que más disfruto.

Ganaste los premios injuve 2008, ¿qué ha supuesto este galardón?

Imagino que, a raiz de este premio, más gente conoce ahora mi trabajo. Es un reconociomiento que para mí supone también un logro personal.

¿Te afecta la crisis directa o indirectamente?

¿Y a quién no? Yo creo que hay que ser positivo… al mal tiempo, buena cara.

¿En qué estás trabajando ahora y cuáles son tus proyectos futuros?

Estoy trabajando en muchas cosas a la vez, proyectos comerciales de los cuales no puedo hablar mucho y sobre todo un par de exposiciones individuales que tengo en breve, una en México en Agosto y otra en Octubre en California.

www.malotaprojects.com

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Hanako: Imagen realizada en edición limitada de 100 ejemplares y que vende a través de su web. Numeradas y firmadas a mano.

Fuente: Jad (Marta Ruiz) de Dorsumi.com

Ha trabajado para agencias y estudios como Zigurat, Dai, o Kitchen y para clientes como ONO. Actualmente trabaja en una agencia a tiempo completo y como freelance, en el tiempo que le queda libre.

Además es el director artístico de la revista “Lados Magazine” en la que llevan mucho peso las composiciones tipográficas, igual que su trabajo que tiene un marcado estilo tipográfico y muchos de sus proyectos se desarrollan en base a este elemento gráfico.

Bebe de muchas fuentes para inspirarse, sobre todo de diseño gráfico clásico. “Todo lo que respira a retro me fascina” nos comenta.

En el futuro le gustaría irse una temporada fuera de España a vivir nuevas experiencias en contextos distintos.

www.pabloabad.com

En realidad es Mutt. Me explico. Buscaba una firma, un pseudónimo y recordé lo que hizo Marcel Duchamp con el urinario. Supongo que es una especie de  homenaje a él. También pensé que si un día crecía y  tenía que contratar a alguien me gustaría tener un nombre para mi estudio de diseño -diferente al que aparece en mi carnet de identidad-. Después llegó la hora de reservar el dominio web y, cómo no, todos los “mutt punto” estaban reservados. Muttown es propiedad de Mutt, ciudad de Mutt y además suena a la discográfica Motown. Soy consciente de que es un poco lío, sobre todo viniendo de alguien que se dedica a la comunicación; pero es que me encantan los laberintos léxicos.

¿Por qué decidiste ser diseñador?

Porque me pareció imposible aprender a tocar la guitarra y en el fútbol era peor cada vez que jugaba. No fue una decisión repentina sino una sucesión de cosas que pasaron en mi vida y me fueron guiando por esos derroteros.

¿En qué campo te encuentras más cómodo a la hora de trabajar?

Disfruto cuando me ofrecen el nacimiento de una marca, penetrar en un terreno baldío y sentirme libre para hacer y deshacer, lejos de lo encorsetado en manuales de estilo de dimensiones similares a El Libro Gordo de Petete. También los proyectos que se prestan a una solución en que la ilustración goce de protagonismo.

¿Dónde has trabajado anteriormente? ¿Y en la actualidad?

Me aburre enseguida cualquier cosa -sobre todo yo mismo-, así que en poco tiempo he trabajado en muchos sitios. Granada, Madrid y Bilbao.  Me marcó especialmente, tanto en el terreno laboral como en el personal, mi paso por CP Proximity Madrid y Moriwase. Lo más importante, sin duda, es la gente que tuve la suerte de conocer.  Ahora trabajo solo, en Granada.

¿Qué directrices y métodos de trabajo sigues?

Pocas veces llega a mis manos un briefing claro y detallado del  proyecto. Y aunque lo tenga, me gusta freír a preguntas al cliente.  Necesito tener muy claro para qué me necesita y cómo puedo  satisfacer sus necesidades del mejor modo posible. Que hablamos el  mismo idioma. Después me documento y desgrano el encargo en  conceptos y palabras clave que me ayuden a elegir un camino.  Entonces comienzo a bocetar en un cuaderno. Cuando tengo algo más o menos claro paso al ordenador. Nada nuevo.

¿Cuales son las claves de un buen diseño?

Un cliente que confíe en el diseñador que ha elegido para resolver  su problema. Y trabajo. Mucho trabajo. Y más aún.

¿El cliente siempre tiene la razón?

El cliente tiene la razón cuando la tiene. Es quien paga y, en   numerosas ocasiones, se ve con libertad para manejar la batuta y la   balanza a la vez. Cuando un proyecto se me empieza a escapar de las  manos por continuas interrupciones que considero absurdas, basadas en la desconfianza y la falta de formación en la materia, intento  hacérselo ver. Mezclaré la opción uno con la dos, cambiaré el color  y aumentaré el tamaño del texto un doscientos por cien, pero diré:  como profesional, creo que esto está mal. O sea: que es una mierda.

¿A quién destacarías dentro de este mundo?

Hay mucha gente que lo hace bien. Voy a intentar resumir un poco.  Que trabajen en España me quedo con Mario Eskenazi y Vasava. Masa en Latinoamérica. De Estados Unidos me fascina la nueva corriente  que ha revitalizado el póster musical, volviendo a los preceptos de los sesenta, cuando el concepto y la síntesis primaban: The Heads  of the State, Methane Studios o The Small Stakes. Müller y MadeThought son mis favoritos de Reino Unido. Benjamin Güdel es un genial ilustrador suizo. En las antípodas, el rey es Vincent Frost  y su estudio Frost Design. No perdáis la pista a lo que hacen en La  Tinta Hopper (Bilbao): amigos, excelentes diseñadores y mejores personas.

Y, ¿cuáles son tus fuentes de inspiración y referencia?.

El cine, el rock o el pop art. La meada de un perro en la rueda de  un Mercedes, las ilustraciones de Charley Harper y Jim Flora o una  carrera por el monte. Una mujer paralizando toda una avenida con el  vaivén de sus caderas. Una exposición de Peter Blake o un libro de Paul Auster. Intento buscar la inspiración lejos del diseño puro y  duro; aunque, obviamente, es inevitable que te influya lo que hacen  los maestros. Cuando me enfrento a un nuevo reto, me pregunto cómo  lo harían Stefan Sagmeister, Milton Glaser y David Carson. Después  hago la media aritmética.

¿Qué lugar ocupa la enseñanza formal en  la formación de un  diseñador gráfico?

Sin duda un lugar privilegiado. Cada día considero más necesaria  una buena formación. Yo estudié Bellas Artes, sin especialidad.  Todavía sigo acusando mis carencias en la formación específica como  diseñador gráfico. Intento suplir estas lagunas con libros, seminarios, etc. Pero si hubiera estudiado en una escuela de diseño  gozaría de bastante más soltura en ciertos aspectos. Ahora bien, no  quiere decir que las escuelas de prestigio sean fábricas de buenos diseñadores. Eso es otro cantar.

¿Cual es el trabajo más satisfactorio que has realizado?

Quedé contento con un pack de cd para Moriwase. Creo que conceptual  y formalmente estaba bastante bien. Tuve total libertad para  desarrollar las aplicaciones de la nueva imagen de Chorrojumo – sobre todo porque son amigos- y me parece que el resultado fue  igualmente satisfactorio.

¿Y cual te gustaría realizar?

Me gustaría trabajar para marcas de skate y surf. Desde que estos  deportes se hicieron populares, las firmas apostaron fuerte por su  imagen -Jim Phillips es un buen ejemplo de eso-. Hay skaters de  dieciséis años que tienen el ojo mejor educado que un abogado de  cincuenta, sólo por las camisetas que se han acostumbrado a llevar  puestas. También tengo ganas de algún proyecto de ilustración  editorial.

¿Cuál es tu fondo de pantalla?

Una ilustración de John Solomine en la que unos animales están en  guardia, acojonados, ante un ratoncito inofensivo. Quizá esconda  bajo el rabo armas de destrucción masiva.

¿Prefieres trabajar sólo o acompañado?

Solo. Soy un poco desordenado y bastante maniático. Es decir,   demasiado me cuesta organizarme yo solito como para introducir  nuevas variables que además no puedo controlar. Me pone muy  nervioso. Y me sabe mal que alguien tenga que soportar mis  gilipolleces. Por otra parte, he trabajado con gente con la que me  he sentido muy a gusto, todo ha fluido y el resultado se ha  enriquecido sustancialmente. Pero esto no me pasa muy a menudo.

¿Hay alguna herramienta indispensable para realizar tu trabajo?

Lápiz (portaminas de dos milímetros, a ser posible), cuaderno de  bocetos, photoshop y freehand. Y mi Wacon Intuos 3. Café y música.

¿Proyectos en marcha?

Estoy diseñando un logo para una película de animación en 3D.  También la web de un fotógrafo. Y basura de la que paga el alquiler  y llena el plato. Por supuesto no contaré de qué se trata.

¿Qué crees que estarás haciendo de aquí a 10 años?

Prefiero no pensar en eso. Me gusta sentirme libre para tomar decisiones rápidas y arriesgadas. Que vaya surgiendo. Además, como  ya dije antes, me aburro fácilmente de todo. Si pensara en que haré  dentro de diez años, me cansaría a los diez minutos y desecharía esa idea. Debería tener seis pensamientos cada hora, ciento  cuarenta y cuatro en un día, cuatro mil trescientos veinte al mes y  un millón quinientos setenta y seis mil ochocientos al año. En diez  años pasarían por mi cabeza quince millones quinientos setenta y  seis mil ochocientos proyectos de futuro. ¿No es demasiado?

www.muttown.com

Entrevista realizada por Marta Ruiz y publicada en la revista AyD. Puedes ver el pdf de la entrevista así como muestra de sus trabajos en el siguiente pdf mutt

A partir de entonces su carrera profesional ha discurrido entre Estudios de Diseño y Agencias de Publicidad. Actualmente trabaja como directora de arte en una agencia de comunicación, actividad que combina con la ilustración editorial freelance para periódicos y revistas como El Mundo, El Barcelonés, Love in Style…
Entre sus pasiones se encuentra coleccionar cámaras de fotos antiguas “O directamente viejas”- explica- “Me encanta la fotografía instantánea de la Polaroid SX-70 y la analógica e imperfecta con la que puedes experimentar y llevarte sorpresas en el revelado.
Cada vez que ahorro un poco de dinero me lo gasto en libros, en algún mueble de mediados de siglo que encuentro en eBay y sobre todo en viajes…”
“Mis fuentes de inspiración son muy variadas, la música, la publicidad, los dibujos de la Pantera Rosa (nunca me canso de verlos)… y el señor Otto con sus posturas imposibles (mi gato negro)”, añade.
Admira el trabajo de ilustradores de mitad de siglo como Miroslav Sasek y Jim Flora; como artista le encanta Frank Stella… y de su generación: Jason Munn, Matte Stephens, Adrian Johnson, Pepa Prieto y los Beatiful Losers (Barry McGee, Thomas Campbell , Geoff McFetridge, Ed Templeton…).
Le gusta trabajar con formas muy simples y texturas. Tela, papel, servilletas usadas, fotos de paredes viejas, papel pintado… lo escanea todo. También le gusta mucho hacer collages y trabajar con tipografía hasta el punto de convertirla en el elemento principal de la composición.

Cuando le preguntamos por su método de trabajo nos explica: “Normalmente es caótico… salvo cuando me enfrento a una ilustración para un periódico/revista, dónde tienes que extraer y sintetizar lo que dice un texto de economía, política o actualidad en tiempo record… procuro documentarme bien, señalar la idea principal y las secundarias y buscar la forma más atractiva y directa de plasmarla para invitar a leerlo. Creo que en este aspecto me ha ayudado mucho mi formación en Periodismo”.
Entre sus futuros proyectos se encuentra una serie limitada de serigrafías en lienzo, una pequeña exposición, un viaje a Bogotá y lo que surja… Me encantaría vivir en el extranjero unos años.

Puedes ver más trabajos en la web de Lorena (www.lov-e.es) y descargarte el pdf con la entrevista que le realizo Marta Ruiz Jadraque para AyD e imágenes de su obra aquí lorena.

Para no repetirnos con lo mismo de siempre, hemos elegido la respuesta que disteis a nuestros amigos de Medusa Team en freshculture.net ante la pregunta: ¿cómo nació la idea del nombre Xnografics?

- “Cuando empezamos lo que buscábamos era pasarlo bien haciendo lo que nos gustaba, ser lo mas gamberros posible, reírnos de todo y de todos, empezando por nosotros mismos. Por eso necesitábamos un nombre que reflejara todo eso.
Y sinceramente, creo que acertamos de lleno”.

Sois uno de los estudios más veteranos y viendo vuestros motions de hace casi cinco años como ‘3 minutes of madness BDD’ la verdad es que los vemos muy actuales. ¿Es que vosotros erais ya muy vanguardistas o es que es difícil crear cosas nuevas en motion?

- Seguimos viendo trabajos muy buenos con ideas y recursos originales. Es verdad que muchos trabajos siguen mucho el “estilo del momento” y ves los mismos recursos en muchos proyectos.

Trabajáis y destacáis en casi todos los aspectos artísticos como web print, eventos, motion. ¿Cómo lo conseguís?

- Todos procedemos del diseño gráfico y nos involucramos en todos los proyectos en los que podemos encargarnos de la dirección creativa trabajando de la mano con diferentes colaboradores según el tipo de proyecto.

Exceptuando el de Silenci, dentro de la técnica de Motion Graphics sois bastante fieles al trabajo con vectores y ‘cut-out’ digital y se ve poco 3D o partículas. ¿Es por una cuestión de técnica que utilicéis una u otra técnica o es por estética?, es decir, ¿con las técnicas que ya conocéis ya expresáis lo que os interesa?

- Según la idea que tenemos para cada proyecto utilizamos una u otra técnica, utilizamos también 3D en muchos de ellos. Procuramos no utilizar, si no es necesario, efectos y partículas básicamente porque están utilizadísimas y las puedes ver en infinidad de proyectos.

Prácticamente sois los mismos que fundaron el estudio pero colaboráis con mucha otra gente. ¿Por qué esta decisión de no ampliar el número de personas y confiar más en colaboradores externos?

- Tiene fácil explicación, como has dicho antes intentamos hacer de todo web, print, motion y lo que se presente, pero sería imposible mantener una estructura grande con programadores, animadores, modeladores 3D, creativos, etc. Por lo tanto intentamos tener en el estudio gente que toque de todo un poco, que sepa de Flash, de After, diseñar, etc. Nosotros mismos hacemos un poco de todo, desde la dirección del proyecto, creatividad, etc… hasta retocar alguna foto si hace falta.

En el trabajo para Silenci aunáis el concepto sinestesia, la modernidad de un programa como Silenci y la música de Toni Mir. ¿Podríais detallar un poco cuál es vuestra dinámica de trabajo?, es decir, ¿de qué se encarga cada uno, quién manda y cómo os distribuís el trabajo?

- Es fácil, el que coge el teléfono se queda con el proyecto jajajajaja. No, en serio, dependiendo del tipo de proyecto que sea (motion, web o papel) nos adjudicamos el control del proyecto. Por ejemplo Salva, se encarga de la producción de los proyectos motion, primero entre los tres desarrollamos el  concepto, estilo, etc. Después vemos si es posible producirlo íntegramente en xnografics o si por el contrario (en caso de necesitar algún tipo de tarea  muy concreta, modelado 3D, fluidos, etc…) vamos a necesitar contactar con algún freelance. A partir de aquí, organizamos el grupo de trabajo (animación 2D, modelador 3D, música, ilustración, etc.) y nos ponemos a trabajar en el diseño estático. Una vez aprobado por el cliente empezamos a animar. Y  pasados unos días (en algunos casos incluso noches). Voila!!! ya tenemos un fantástico motion.

¿Qué consideráis que ha sido lo que os ha proporcionado más difusión y clientes? (Por ejemplo una línea de trabajos, una inversión en marketing, los comerciales, una web, un premio, una participación en un festival, un currículum anterior, buenos contactos, un anuncio, la experiencia, etc.)

- No hemos invertido nunca en márketing o comerciales así que es nuestro, trabajo el que nos vende por el momento. Últimamente nos ha sorprendido el proyecto “Petite Mort”, lo subimos al YouTube y tuvimos miles de visitas

¿Qué programa, hardware o complemento consideráis que ha sido vuestra mejor inversión para realizar Motion Graphics?

- La verdad es que ahora mismo puedes hacer una peli con un simple móvil, por lo que yo no destacaría ningún software o hardware, lo más importante es la idea, si no la tienes por muchas partículas y efectos que le pongas, no vas a conseguir un buen trabajo… Más bonito puede, pero no mejor, eso seguro…

Extracto del perfil sobre Xnographics publicado en el especial ‘Spain in Motion’. Encontrarás el perfil completo en formato pdf aquí xnografics

Desde pequeño sus padres le inculcaron el amor por el arte y la cultura llevándole a museos y exposiciones. “Me hicieron ver el arte plástico, musical y visual de una forma muy particular. Ayudándome a ponerle atención a todo, para luego de a poco ir creando mi propia visión y concepto de las cosas que me rodean. También me ayudaron a consumir cultura desde pequeño con la adquisición de una cuantiosa cantidad de cómics que compartíamos con mis dos hermanos”, explica.

Y añade: “Por aquellas épocas sucedió algo que en estos tiempos no he visto más: las editoriales españolas hacían llegar muchísimo material de cómics de todo tipo. Principalmente las editoriales Norma y Zinco. Cómics europeos y norteamericanos. La plata nunca alcanzaba para consumir tanto! Era un deleite que sólo se podía comparar con las golosinas… Tardes enteras disfrutando. Era casi una religión pagana con su grupo de pequeños seguidores”.
Ya desde esa época surge su afición a dibujar personajes. Llegando a ser su hobbie principal.

En aquella infancia de ensueño fue donde descubrió tanto el diseño gráfico como la ilustración mezclados de la mano de personas como Dave McKean principalmente.
Después de estudiar creó un pequeño estudio de diseño, que todavía sobrevive como Spina Studios. El comienzo fue lento pero dio muy buenos frutos. Trabajando para bandas de rock y metal de todo el mundo. También trabajó un tiempo en una agencia de publicidad y en una empresa de diseño web corporativo y de e-commerce y actualmente trabaja principalmente en diseño web comercial.

Su mayor pasión siempre ha sido ilustrar con lo primero que tenga a mano. “Actualmente lo que más estoy haciendo son personajes Todo empezó como un juego en ratos de descanso mental. Empecé posteando estos personajes en diferentes redes sociales y fueron bien recibidos. El feedback era halagador y me daba la energía para seguir practicando. Mis fuentes de inspiración son 50% internet, 50% la naturaleza”.

http://www.behance.net/torkaerius

¿Qué condiciones debe tener un buen ilustrador?
No lo sé… Más bien hablaría de las condiciones que tiene que tener una buena ilustración. Para mí, más que la técnica, lo importante es lo que me hace sentir. Que me emocione. O que sea inteligente, que te preguntes: ¿cómo se le ha ocurrido esto? Que vaya más allá del texto… A veces simplemente que sean preciosas…

¿En qué se diferencia ilustrar para un público como son los niños?
No tengo en cuenta a los niños a la hora de ilustrar. Hago lo que me gusta hacer.
Además creo que es un poco limitado hablar de “niños” en plural, como si todos fueran iguales. Lo mismo que decir para “adultos”. Creo que hay que hacer lo que uno siente que tiene que hacer, entonces seguro que llega a quien tiene que llegar.
Hay cosas que sé que no haré para un libro infantil, pero más que nada porque el texto no me lleva a ello.

¿Qué quieres trasmitir con este tipo de imágenes?
Intento transmitir lo que veo en el texto y algo más. Lo que siento. Dar mi punto de vista sin limitarme a dibujar literalmente lo que está escrito.

¿El último libro infantil que has comprado?
“This is Paris”, de M. Sasek.

¿Qué cuento te gustaría ilustrar?
Me han hecho esta pregunta unas cuantas veces y todavía no lo sé…

¿Con qué personaje te quedarías?
Con Pomelo, escrito por Ramona Badescu e ilustrado por Benjamin Chaud.

¿Tus referentes en este mundo?
Arthur Rackham, Lisbeth Swerger, Gabrielle Vincent… y tantos y tantos…

¿Y tu técnica?
Últimamente uso tintas. Empecé empleando algún color de vez en cuando y, sin darme cuenta, casi han desterrado a las acuarelas, que era lo que utilizaba hasta hace poco y que no voy a abandonar… y algo de acrílico… y lápiz…

Y, finalmente, ¿cuáles son tus próximos proyectos?

Ahora mismo voy a empezar un cuento que sucede en el mar, luego tengo otro sobre un bosque…y algunos más. Una exposición…

www.pencil-ilustradores.com/pencil.html

Fuente:Dorsumi.com

¿Qué condiciones debe tener un buen ilustrador?
Para mí lo más importante es explicar o contar, opinar, a través de la
ilustración, sea el campo que sea, y con la mejor técnica posible para
facilitar la lectura que se quiere dar.

¿En qué se diferencia ilustrar para un público como son los niños?
Los niños creo que primero ilustran y luego dibujan. Es tan importante su capacidad de síntesis y los recursos que utilizan para ilustrar sin conocer las técnicas de dibujar, que aprendes mucho cerca de sus trabajos.
Cuando te haces mayor has de dibujar mucho para ilustrar…Poder acercarme a ellos me gusta y saber que puedo comunicar con ellos me
satisface. Si me comunico con ellos sé que también me comunicaré con los adultos”.

¿Qué quieres trasmitir con este tipo de imágenes?
A mí me gusta narrar paralelamente al texto que acompaño…Es cómo si texto e imagen nos planteáramos un camino delante de una hoja en blanco. Cada libro es una incógnita. A veces te encuentras en cada página, a veces no te encuentras y aparece una historia inesperada y a veces sumas en cada página lo que te encuentras en el texto y el texto empieza a acompañar a la ilustración. Es un juego a dos manos.

¿El último libro infantil que has comprado?
Mary Jolie….. Ilustrado por Tom Schamp

¿Qué cuento te gustaría ilustrar?
Cualquiera que me permita ir un poco más allá de lo que estoy
haciendo en este momento.

¿Con qué personaje te quedarías?
Con el Ángel del abuelo de Jutta Bauer

¿Tus referentes en este mundo?
Uffff….
Me gustan muchas cosas…Quentin Blake, Kveta Pacovska, Jutta Bauer, Flavio Morais, Arnal Ballester, Max, Mariscal, Pere Joan, Junceda, Tomas Walenta, Serge Bloch, Ian Falconer, Otto Seibold, Kate Banks, Nadia Budde, Tom Schamp, Savignac, Sara… Santiago Ruiz, un albariño muy recomendable, Stranded de Van Morison y unas buenas vistas.

Y, finalmente, ¿cuáles son sus próximos proyectos?
Un libro ilustrado sobre un poema de Eusebio Delfín versionado por Ibrahim Ferrer que editará Ekaré.
Además tengo un par de proyectos en marcha en los que la imagen narra una historia. Últimamente estoy trabajando en este tipo de narraciones. Me acerca a una gráfica muy sintética para poder explicar situaciones más universales. El último trabajo que hice sobre ello tuvo la suerte de ser premiado por Ediciones SM y pudo ser editado. Una historia de pájaros que aprenden idiomas de las personas y que cambian su entorno del bosque por un entorno urbano.

www.imapla.net

Fuente:Dorsumi.com

Como introducción: ¿nos puedes contar brevemente quien es Pepa Prieto y cuál es su gran pasión?
Hola! Quien soy…ummm… allá voy…Me llamo Pepa Prieto nací en Granada, aunque a los 9 años me fui a vivir a Inglaterra y allí estuve durante unos años, luego volví a Granada y pronto me volví a ir, esta vez a Leysin  un pueblito en las montañas.
Luego me fui a Madrid a vivir, donde me Licencié en Bellas Artes y una vez terminé me fui a trabajar a Londres a un estudio de diseño y a su vez amplié los estudios…. Después de un año decidí montar mi estudio, primero en Londres , luego en Madrid y hasta el día de hoy…ya han pasado unos 8 años.

Mi gran pasión es disfrutar de la vida…y mucho es a través de mi trabajo. También la nieve, las montañas… antes de dedicarme a esto fui profesional de snowboard.

¿Cuanto tiempo llevas en el mundo de la ilustración? ¿Cómo empiezas a dibujar y por qué?
Pues yo llevo dibujando toda la vida. Desde pequeña he hecho cosas creativas, luego decidí hacer Bellas Artes…y hasta el día de hoy.

¿Cuál es tu método de trabajo? (Desde la idea hasta su presentación final)
Cada proyecto es diferente, no es lo mismo hacer una exposición o pintar un mural, que hacer un trabajo para un cliente muy determinado .Pero yo  dibujo y pienso a diario.
Realmente más que un trabajo es casi una forma de vida .Mi trabajo es básicamente manual es decir dibujo y pinto con acrílicos etc..La diferencias es que cuando es un proyecto  comercial dibujo y luego en determinadas ocasiones aplico el color por Ordenador y entrego el trabajo digitalizado. El tiempo a veces en este tipo de trabajos es oro y el ordenador es fundamental. Mi portátil esta siempre donde yo voy.

¿Qué tipo de música escuchas cuando trabajas?
Mucha, mucha, ya que me paso buena parte del día sola así que la música me acompaña mucho…desde Yo la tengo , White Stripes, Beck, Cornellius, Land of Talk, Tommy Guerrero, Sonic youth, Les fleur de Lys, Chico Hamilton, Radio Head …y así pues un sin fin.

¿Qué es lo que te inspira?
En general todo…y concretando un poquito pues viajar, la gente, la naturaleza, las montañas, la música, leer, los colores….observar las cosas….

Además de tu portfolio tienes también un Blog: ¿cuanto tiempo llevas con el mismo y con qué intención nace? ¿Cuantas horas le dedicas aproximadamente a la semana?
Pues justo ahora estoy cambiando toda mi página y mi blog , ya que no me funcionaba como yo quería. Espero que para cuando se publique este reportaje tenga mi web nueva. Pero bueno con el blog antiguo llevo un año, y le dedico un ratito cada semana..más o menos. La intención de un blog pienso es un mayor acercamiento con la gente, pues una pagina web es muy estática mientras que un blog se puede volver más cercano, más humano…..

¿Qué ilustradores nacionales e internacionales destacarías en la actualidad?
No son ilustradores del todo son más artistas en general pero bueno es que cada vez está
todo más mezclado. Por nombrar a algunos: Barry mcgee, Clare e rojas, Richard Colman, Blu, El Tono, Remed, Nuria Mora..hay muchos, muchos y muy buenos!

¿Con quién te gustaría realizar una colaboración?
Pues por soñar..con Barry Mcgee y Clare e rojas…. a nivel de artistas.

¿Y dónde te gustaría ver tus próximos trabajos?
En cualquier sitio donde la gente aprecie y disfrute el trabajo que hago. También tengo una lista de espacios que siempre me han gustado que me encantaría exponer…Y me gustaría hacer algún proyecto relacionado con la música…..de algún grupo que me guste estaría bien!

¿Que nos puedes contar del trabajo con Vueling y la MTV? ¿Ha sido una experiencia gratificante? ¿Qué se siente al ver un avión con tus imágenes?

Cuando me contactaron para hacer este trabajo yo estaba viviendo en L:A y con eso de la diferencia horaria  me llamaron a las 6 de la mañana.  Me estaban contando el proyecto la directora de MTV yo estaba pensando uff que surrealista..por aquello del tamaño y la complejidad del proyecto.

Luego todo resultó muy natural, me mandaron el plano del avión un Airbus 320 y me dieron un timing de  menos de 1 semana…jajajaj. De locos. los timings, pero bueno esto  es un clásico.
El proyecto era poner mi trabajo firmado por mí  en un avión así que  si, es un proyecto que es muy interesante/gratificante pero sobretodo por lo peculiar del soporte.

Y bueno más  que sentir algo… lo que pienso  es que proyectos tan singulares como éste están muy bien que salgan. Porque choca ver un avión tan diferente … lleno de color, sorprende…es un avión que transmite alegría!

Ropa para Element, snowboard para Salomon, ¿cómo se llega a trabajar para marcas conocidas internacionalmente?
Después de mucho trabajo..esa es mi receta .Yo creo que es una mezcla de trabajo, honestidad, paciencia, sentido común, todo eso lo mezclas con una pizca de suerte y hay va……solo esperar que se produzca un poco de magia!

Pintar bares, realizar postales, libros, ropa, muebles… ¿con qué te quedas?
Yo me quedo con todo. Lo que más valoro es la calidad humana, es decir, necesito que el que esté enfrente entienda y valore el trabajo. El cliente es muy importante en este trabajo por lo tanto tiene que entender y valorar el trabajo.

¿En que estas trabajando en la actualidad? ¿Próximos proyectos?
Pues en una gran variedad de cosas y todas muy chulas…Desde una línea de zapatillas firmadas con mi nombre para la marca PONY y la asociación Keep a Breast que me hace mucha ilusión pues es un proyecto en América para concienciar a las adolescentes sobre los chequeos para prevenir el cáncer de mama. Hasta un póster para que los niños pequeños coloreen con una empresa francesa. También estoy preparando dos exposiciones una individual en San Diego California y otra en L.A para septiembre-octubre,…..y bueno otros proyectos que todavía se tienen que cerrar…

www.pepaprieto.com

pepaprietomoreno.blogspot.com/

Fragmento de la entrevista realizada a OnionLab para el especial Spain in Motion de la Revista Arte y Diseño

¿Por qué utilizáis una programa ‘open source’?, ¿porque es gratis?, ¿porque es el que mejor se ajusta a vuestras necesidades? o ¿porque creéis en la filosofía open source?

Creemos en la filosofía open source en proyectos como Processing, donde gracias a una comunidad implicada y centralizada se consiguen mejores resultados que en proyectos comerciales, donde el número de desarrolladores es limitado.

¿Utilizar un lenguaje de programación en vez de un programa ‘cerrado’ como After Effects no es complicarse la vida?

Algunas veces sí es complicarse la vida, otras no, es más rápido y puedes conseguir efectos que con programas cerrados no puedes.

¿Es necesario ser bueno programando para hacer cosas en Processing?

Como todo, depende de lo que quieras hacer, puedes producir resultados muy buenos con Processing con programas sencillos, pero está claro que cuanto más conocimiento tengas de la técnica mayores serán las posibilidades.

¿Qué influencia tiene la capacidad de programación sobre vuestro trabajo y en la ampliación de las libertades creativas?

Tiene mucha influencia, justo ahora vamos a producir una serie de tres vídeos para una conocida marca de coches que están planteados para realizarse de arriba abajo en Processing.

Utilizáis geometría 3D y sistemas de partículas. Es habitual integrar esto en Flame, Combustion, AE u otros programas de pospo pero, ¿se puede integrar bien también dentro de Processing?

Processing tiene varias librerías para trabajar con sistemas de partículas con la ventaja que tienes infinidad de parámetros y variaciones a las que recurrir. Si no te bastan simplemente modificas la librería que normalmente son de código abierto también.

¿Cómo se consiguen trabajos fuera de nuestras fronteras como el videoclip de Umek ?

Participando en festivales, exposiciones, hacer un poco de promo a nivel internacional… Como siempre son contactos o conocer gente, si tienes la oportunidad de mostrar tu trabajo, y eso va ligado a que cuanta más gente lo vea, más oportunidades tienes que te contraten para algún proyecto.

Podríais indicarnos un trabajo de Motion que os haya impresionado?

Hay muchos pero dentro de motion gráfics vamos a destacar dos dentro de un formato un poco diferente, el de motion graphics aplicado a performaces. Uno es el espectáculo audiovisual
llamado “Fluux Terminal” realizado por un estudio plurimedia con base en Montreal,“Skoltz Kolgen”.

El otro es “Datamatics” de Ryoji Ikeda. Los dos son espectáculos de 45 minutos donde los efectos de sonido, la música y la imagen son impresionantes.

Y un artista de referencia en el campo de los Motion Graphics?

Estudios que nos gustan dentro de un campo más “clásico” de motion graphics: Nervo, Lobo, Pleix, Lynn Fox,TronicStudio,1st-ave-machine

¿Qué os encorseta más a la hora de crear en directo, la música o la parte visual?, es decir, ¿qué parte notáis que os limita más cuando estáis creando o preparando una actuación en directo?

Depende del espectáculo, en Imaginary Soundtracks creamos los visuales a partir de la música, que lo marcaba prácticamente todo. Creamos una estética que se ajustara a la música
y la aplicamos a la cadencia de cada tema. En el nuevo espectáculo tanto la música como la parte visual parten de un guión preestablecido, de un historia. En este caso tenemos total libertad porque tanto la música como la imagen se escriben a la vez.

¿Qué es shapes?
Shapes es nuestro proyecto de visuales basado en películas programadas en Processing que reaccionan en tiempo real con la música y donde se usa el software que hemos mencionado antes,
onionData. Está pensado fundamentalmente para realizar visuales en festivales y clubs apoyando la música de los músicos y los dj’s sin que sea necesaria una preparación previa del espectáculo entre dj’s y vj’s ya que onionData analiza la música en tiempo real permitiendo a las películas reaccionar con la música.

¿Puede utilizarlo cualquier persona?

Le podrían sacar partido los que sean capaces de crear películas de motion graphics en Processing.

¿Vais a colgarlo para que pueda ser utilizado por otros?

La idea es colgarlo a la larga como una librería en la web de Processing.

www.onionlab.com
info@onionlab.com
Carreró de les Carolines 4/6, 08012, Barcelona

Si quieres ver la entrevista original, encontrarás el pdf con el artículo completo aquí: Entrevista onionlab

Santi Agusti ‘Sapone’

El genio y la creatividad Valenciana condensados en una sola persona.

Comenzaste con el diseño industrial, ¿cómo fue ese paso a la ilustración y a la animación?

Bueno, de siempre me ha gustado dibujar y hacer rayajos…Estudié diseño industrial porque era la única carrera con titulación oficial en Valencia por aquellos días. La otra opción era hacer Bellas Artes, pero yo quería hacer diseño gráfico y pensé que aún tratándose de diseño industrial, me proporcionarían unos conocimientos y herramientas para abordar el diseño de una manera integral…(cuán equivocado estaba!).
Pero fue en Milán donde tomé la decisión de dedicarme al mundo audiovisual y gráficos en movimiento, al conocer personalmente a un artista de fx llamado Simón Valderrama (www.lumavfx.com/) y estar un año conviviendo con la gente del estudio progetto2501 (www.progetto25zero1.com) con los que aprendí más que en toda la carrera…

¿Cómo te defines como profesional? ¿Qué es lo que haces?

Bueno…quizá como creativo o creador audiovisual, generador de imágenes, comunicador audiovisual… (por llamarme de alguna manera).
Básicamente es lo que hago…genero ideas o aporto ideas a las ya generadas, para luego traducirlas en grafismo en movimiento, mezclando cualquier técnica y usando los recursos visuales necesarios para encapsular la idea y que consiga comunicar su mensaje.
Sin ceñirme en una sola técnica como un fin en sí mismo…me gusta variar y generar proyectos técnicamente eclécticos…

¿Cómo empezó tu carrera profesional? ¿Pequeños encargos que fueron a más?

En el campo de la animación, de lo primero fue un encargo de realizar unas 12 o 13 piezas animadas de menos de un minuto para Punt Mobles, para ser proyectadas en ferias de muestras y mostrar en poco tiempo y de manera simpática algunos de los productos más significativos de sus 25 años de vida. Luego estuve colaborando con Nikodemo Animation en un par de proyectos; y más tarde con Keytoon Animation Studio, llevando a cabo proyectos de 2d, composición en After Effects y diseño de personajes.

Dices que lo que más te interesa es la animación. ¿De qué proyecto de animación estás más orgulloso y por qué?

No sé…no sabría que decir…el de la Mtv, porque fue mi primera animación de personajes en la que usé Flash…También unas animaciones que hice en Nikodemo Animation para EP3, porque tenía mucha libertad creativa y era un estilo totalmente diferente a lo que había hecho con Punt Mobles…y algunos de los trabajos que hice para Keytoon Animation Studio. Luego, me lo pasé muy bien haciendo una animación que llamé frenopatic parade (cuya traducción sería algo así como el desfile frenopático), que era una incursión masoquista en el mundo de la rotoscopia y tracking a pelo en Flash…

¿PC o Mac? ¿Qué software y hardware utilizas?

Pc…(de momento). De software, utilizo fundamentalmente After Effects, Flash, Photoshop… Y siempre utilizo para complementar alguna pequeña aplicación, como color picker, (que te permite con cuentagotas picar cualquier color que aparece en la pantalla y puedes guardar la info del color en hexadecimal, rgb y cmyk… herramientita muuuy útil), conversores de fotogramas, calculadoras de DOF y otras pequeñas herramientas de ese estilo que facilitan mucho algunas tareas.
De hardware: básicamente una pantalla de 24 pulgadas una al lado de otra de 19, muy útil para las lineas de tiempo, una tableta Wacom mastodóntica, y un pc Pentium 4 a 3200 Mhz vetusto, vestustérrimo que dentro de poco seguramente virará a un Mac Pro más chulo que un ocho.

¿Cuál es tu metodología de trabajo frente a un nuevo encargo?

Depende bastante de cada caso en particular. Algo bastante importante es que el audio venga dado o no, Si viene dado y cerrado, ayuda a la hora de planificar el timing de las animaciones. Con el audio, junto al guión o sinopsis de lo que se pida, se hace un pequeño storyboard. En mi caso cuatro rayajos o apuntes que en líneas generales me indican los momentos clave para mover la cámara de una manera u otra, o indicar algo del acting de algún personaje.
Generalmente acaba convirtiéndose en una maraña de anotaciones y rayajos que solo yo entiendo y caben en una página de libreta toda rayada.
Una vez hecho esto, hago una lista del material que necesitaré generar o buscar para cada plano. En caso de que sea animación 2d o ilustración, por ejemplo, lo genero en Flash y luego sigo trabajándolo en After Effects. Una vez he recopilado todo el material que me hará falta acabo de componer y hacerle la postproducción todo en After Effects.

¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar en Inglaterra?, ¿muchas diferencias?

Bueno, hasta Londres había tenido experiencias con Usa (aunque trabajando
desde España), que es algo más parecido (al menos mi experiencia) que lo que es trabajar para clientes de aquí… La verdad es que me da mucha envidia como lo tienen montado…lo educado que está el cliente en cuestiones audiovisuales, lo que se valora al creativo, el tipo de proyectos que se hacen, sin miedo a innovar y algo que me llamó mucho la atención, que no tardan ochocientos años en pagar como aquí…

¿Podríais indicarnos un trabajo de Motion que te haya impresionado?

Hace poco vi la película Electroma, de Daft Punk…y me gustó mucho una secuencia en que un personaje cruza la pantalla en slow motion envuelto en llamas, de noche con fondo negro, y el personaje también oscurecido. El efecto es que se ve un fondo negro con unas llamas que recortan la forma del personaje caminando a cámara lenta… una composición genialmente hipnótica.

¿Y un artista de referencia en el campo de los Motion Graphics?

Uf, hoy en día hay tantos tan buenos…!Te digo un par de visionarios que a mi entender son fundamentales en la historia del motion, Len Lye (no os perdáis Rainbow Dance, hecha en 1935!) y Zbigniew Rybczyn•ski …lo dicho, absolutamente imprescindibles.

¿Qué consideras que ha sido lo que te ha proporcionado más difusión y clientes?

Mmm, yo creo que la línea de trabajos sumado a unos buenos contactos pueden ser una buena combinación…

Puedes leer la entrevista completa aquí:saponia

Saponia
www.saponia.com
info@saponia.com
Valencia

Publicada en el especial Spain in Motion de la revita Arte y Diseño por Ordenador

¿Creéis que tener una formación en diseño clásico como la vuestra marca que los motion estén tan bien acabados y pulidos?

Siempre nos basamos en nuestra formación gráfica y como tal la aplicamos a nuestras piezas. Vemos en cada trabajo como un diseñador puede afrontar cualquier proyecto, pero imaginándolo en movimiento.

Hay un gusto fantástico por los detalles, incluso cuando sólo hay geometría conseguís hacer bellos los detalles y centrar la atención del espectador en partes del volumen, en brillos, sombras y perfiles. A mi me parece fantástico pero ¿os resulta fácil vender este tipo de trabajos a los clientes?, ¿os hacen retocar muchas cosas o en general aceptan lo que sale de vuestras manos?

Hay muchos tipos de clientes, pero consideramos que los clientes también tienen que saber ser buenos clientes. A veces, y creo que puede ser un problema generalizado en nuestro trabajo, muchos pueden confundir que seas una productora entonces cuando esto ocurre les tenemos que recordar que no lo somos. Hay clientes que no han llegado a ver nada hasta el final y les ha encantado el resultado, y eso es genial.

Y hablando de trabajos preciosos pero raros, el de Sanofi Aventis junto con el de Nokia se llevan la palma. ¿No os pusieron ningún problema los de Aventis?. ¿Un trabajo tan vanguardista y novedoso como ese para un vídeo corporativo no es muy arriesgado? ¿Les gustó?

Pues la verdad es que fue un proyecto que dudamos si realizarlo o no, porque podía transformarse en un horroroso vídeo de convención. Pero por suerte el director creativo de Saatchi & Saatchi confió y nos apoyó plenamente, y la verdad es que eso nos permitió sorprender al cliente a quien gustó mucho la pieza. Posteriormente ganó un premio Aspid y fue un poco la confirmación de que fue una buena idea hacerlo.

El grafismo de Sputnik lleva mucho tiempo en pantalla, felicidades por la parte que os corresponde pero ¿no consideráis un poco negativo que un grafismo de televisión, por bueno que sea, tarde tanto en actualizarse?

Bueno creo que es más un tema político y económico que creativo. Cuesta mucho hacer entender a un director o responsable de un canal que dispone de un departamento de grafismo de que lo hagan fuera.

¿Quién prepara el audio?, ¿cómo planificáis el trabajo para que quede tan bien entrelazado?

Bueno consideramos que el audio a veces puede ser un 50% de la pieza sin exagerar. No deja de ser lo mismo componer con notas o imágenes y grafismo. Muchas veces el audio lo hacemos nosotros mismos, y suele ser parte de un todo. No nos gusta hacer una pieza y luego ponerle el sonido, puesto que este nos puede también inspirar movimientos, texturas, colores, etc.

Trabajáis mucho el 3D. ¿Qué programa utilizáis y cuáles son la principales ventajas y principales problemas de utilizar el 3D en Motion Graphics?

Usamos el 3D como podemos utilizar una imagen, una tipografía o un color. Es una herramienta más en nuestras manos, y sobre todo nos permite realizar lo que no podríamos de otra manera.

¿Un artista de referencia en el campo de los Motion Graphics?

Tomato… creo que fueron una gran inspiración durante los primeros años.

Hace un tiempo decías que los canales de televisión españoles no invertían lo suficiente en Motion Graphics. ¿Con tantos canales como hay ahora crees que la cosa ha mejorado?

La diferencia es que hay más canales de televisión, pero también hay mucha que más gente que haga esto, o sea, la fórmula es un poco rara

¿Tenéis pensado trabajar para el extranjero?

Ya lo hacemos, trabajamos con Nokia en Londres, y ahora mismo para Pepsi en países árabes y Sudáfrica.

¿Qué consideráis que ha sido lo que os ha proporcionado más difusión y clientes?

Pues empezar en esto cuando te preguntaban que qué era eso de motion graphics… e incluso lo pusimos en el nombre, era duro explicarlo. Después creo que dedicarnos mucho a luchar para que los clientes lo entendieran. Incluso decir que no a proyectos en momentos que no era recomendable hacerlo, pero bueno lo hicimos.

sixis.net
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Barcelona 08024
sixis@sixis.net

Encontrarás el artículo completo en formato pdf aquí: sixis

La conocida productora ha presentado sus últimos trabajos, una pieza de Diogo Kalil para Caja Granada y otra pieza de Nico Casavecchia para la agencia Tapsa, que os mostramos a continuación.

Pero con motivo de estas presentaciones, hemos pensado que era un buen momento para publicar la entrevista que realizamos a boolab con motivo del Especial “Spain in Motion” de la revista AyD.

Tras los vídeos encontrarás el texto de la entrevista así como un enlace a la entrevista original en formato pdf.

Encargada por la agencia Tapsa para su cliente Fundación Castilla La Mancha Tierra de Viñedos, esta pieza dirigida por Nico Casavecchia recrea el mundo de la epopeya más famosa de la literatura española, El Quijote. El hilo conductor de la narración es la caligrafía del escritor, que cobra vida para dar forma a paisajes de viñedos y molinos, así como a las figuras clave de la novela: Don Quijote y su caballo Rocinante, Sancho Panza y su burro, y por supuesto la enigmática Dulcinea. Ya se sabe: vino y literatura siempre conformaron un excelente maridaje.

Con referencias claras al mundo de las máquinas de movimiento continuo de Da Vinci y de los juguetes de finales de siglo XIX, Diogo Kalil firma esta delicada pieza para Caja Granada. Encargada por la agencia El Laboratorio, esta campaña corresponde a la próxima inauguración de la nueva sede corporativa del banco e incluye un segundo spot, pronto por estrenarse. Con un cuidado especial a la dirección de arte en cuanto a texturas, formas y colores, esta primera pieza supuso la creación de numerosas ilustraciones con profusión de detalles, que luego se aplicaron sobre animación 3D.

Encontrarás la entrevista completa aquí: boolab

¿Qué es boolab?

boolab es una productora de Motion Graphics y de animación 2D y 3D básicamente dirigida al mercado publicitario.Venimos de quince años de experiencia en imagen real, lo que nos da una visión en perspectiva del mercado de la producción y de la publicidad.
Lo que pretendemos es crear un “espacio de pensamiento”, un lugar donde todo sea posible.
Partiendo de nuestra etapa y experiencia anteriores, tenemos herramientas, conocimientos y sistemas que integran todas las áreas del audiovisual y ése es, en sí mismo, nuestro objetivo final incluso en la aplicación del medio.

¿Vuestra idea de futuro es algo parecido al estudio AKA de Londres?

Puede que existan similitudes entre ambos estudios, pero no tenemos un modelo hacia el cual dirigirnos. Es más, uno de nuestros fundamentos es la permanente permeabilidad y contaminación positiva. Queremos ser influenciables y moldeables permanentemente.

Tenéis clientes, directores y técnicos internacionales, incluso los gerentes y responsables de boolab son internacionales. No estáis atados a ningún lugar. Entonces, ¿por qué estáis aquí y no en Londres o Nueva York o incluso Tokyo que parecen ser los centros del mundo en este campo?

El nexo entre todos los lugares que has mencionado pasa por el interés de sus gentes y la información que allí se procesa. Barcelona es una marca hacia el mundo y nuestra composición multicultural existe porque estamos en Barcelona. Aquí hay gente interesante. Pero sobre todo, hay dos razones fundamentales.
La primera es nuestro pasado natural: somos de aquí y vivimos aquí.
Segunda es nuestro futuro: queremos ser una productora de referencia en Europa y para eso, aquí, hay infinidad de estímulos. La información que Barcelona procesa no sólo es la misma que los demás “centros” del mundo, sino mejor si cabe. Esto es el Mediterráneo. Luz y color, influencias de pasados pueblos que otras ciudades solamente pueden ver en las fotos. Aquí hay una oportunidad si la sabemos ver.

¿Cómo se seleccionan los directores que trabajan en boolab?

En función de su interés, de su capacidad de trabajar en equipo y de su estilo. Es un delicado equilibrio en el que buscas que, el que piense, sea el hombre. Que la máquina solamente procese. Recibes bobinas que son una demostración de que puede hacer un plug-in. Recibes otras que son un delicado homenaje al trabajo de otros. Nosotros buscamos gente que quiera encontrar su propio camino y que no le dé miedo equivocarse hasta encontrarlo. Para eso es necesario ser humilde y trabajador. Ser artista es un trabajo, no un don.

Fundamentáis parte de vuestro éxito y nombre en los directores que tenéis, pero, siendo estos directores ya importantes, ¿qué garantía tenéis de que los trabajos que hacen para boolab no les sirvan de trampolín para ir a empresas más grandes y perdáis por lo tanto un gran capital humano?

Hasta ahora, la importancia de un director también pasa por el entorno en el que desarrolla su trabajo. No es casualidad la calidad del nombre de los directores que nos acompañan, así como tampoco lo es que sean los que son. Es una criba natural. No nos da miedo pensar que pueden marcharse. Nuestra diferencia no está en la dimensión de la empresa o en el tamaño de los clientes, está en el día a día. En el trayecto que te lleva de un briefing a una pieza. Si alguien se va por otras razones, es que es el momento adecuado y, entonces, pierdes a una persona, no capital humano.

¿Quién decide qué trabajo se encarga a cada director?

boolab

“Barcelona es una marca hacia el mundo”

El spot de Adidas de Stink + Psyop es fantástico, pero ¿cómo gente como Psyop os llega a contactar? Ellos os definen como colaboradores, ¿significa esto que habrá más colaboraciones entre Psyop y boolab?

Bueno, en principio aclarar que boolab está representado en USA y Canadá por Blacklist, empresa propiedad de Psyop lo que nos lleva a estar en permanente colaboración con ellos. Psyop fundamenta su trabajo en los mismos valores que nosotros: innovación, calidad y pasión por lo que hacemos. Desde esa perspectiva es una colaboración natural. Por otro lado, ellos no pueden crecer eternamente, por lo que han buscado en nosotros ciertos desarrollos que para ellos son tremendamente costosos de aplicar sin tener que crecer por encima de su realidad.
Probaron, les respondimos y, sencillamente, han seguido de forma cada vez más intensa.

En algunos trabajos, más que dirección o producción, habéis prestado servicios técnicos dentro de grandes proyectos y además para algunas obras habéis trabajado con grandes profesionales de la animación, la rotoscopia, la ilustración, etc. ¿Os planteáis potenciar también esta área de los servicios o preferís potenciar el trabajo de los directores y dejar los servicios técnico/artísticos para cosas puntuales?

Somos un equipo y actuamos como tal. Los directores son importantes pero no son nada sin el equipo. No podemos aspirar a ser una productora importante si disociamos las partes.

¿Cómo se consiguen los trabajos fuera de nuestras fronteras?, es decir, ¿formáis parte de una red o abrís los contactos vosotros mismos?

Ambas cosas. Relaciones públicas, contactos comerciales y representantes importantes en los mercados. En España es un lujo tener un equipo como el que puede tener boolab, pero en el resto del mundo, y éste parece ser también vuestro mercado, hay ya grandes agencias/empresas/ estudios/productoras.

¿Qué puede ofrecer boolab para captar su atención y mejorar lo que ofrecen los otros estudios?

Bueno, nuestra mejor oferta es que todavía no somos los números uno…

“Queremos ser influenciables y moldeables de manera permanente”

¿Trabajar con diferentes directores hace muy difícil tener un estilo propio?

No, nuestro estilo es el estilo de cada artista. No queremos crear un estilo de estudio que esté por encima o al margen del estilo de cada artista que trabaja con nosotros. Somos la suma de todos ellos y la provocación para que evolucionen. Defendemos una suma de individuales.

En un mundo cada vez más globalizado ¿creéis que todavía hay espacio para los pequeños o que sólo las productoras como boolab sobrevivirán y podrán crecer?

Queda espacio para el talento. Lo que cada vez escasea más es espacio para la mediocridad. Esto no pasa por saber manejar un programa determinado, sino por el trabajo profundo en cada uno de los aspectos que componen una pieza audiovisual y su potencial audiencia.
Parece claro que la evolución en solitario será más difícil por una cuestión de capacidad y evolución técnica. Ideas complejas igual a producción compleja, eso es así, y eso nos lleva al trabajo en equipo. Los pequeños estudios no dependen tanto del mercado como de su propia calidad. Para mí, sólo sobrevivirán los que realmente actúen de forma profesional, crítica y se estructuren en función de lo que quieren ofertar, no como un pasatiempo entre amigos.

Creemos más en los creadores que en las pequeñas estructuras.

boolab
www.boolab.tv
Barcelona (con representación en EEUU y Canadá a través de Psyop/ Blacklist).

Encontrarás la entrevista completa aquí: boolab

Por Anibal de la Fuente

En un número de Arte y Diseño sobre tipografía no podía faltar uno de nuestros exponentes más importantes en este campo como es Alex Trochut.

¿Qué te podemos contar ya que no sepas de él?, quizá que ahora que comparte espacio de trabajo con Dvein y con Michele Angelo da miedo lo que pueda salir de ahí….

Recién actualizado su portafolio tenemos la oportunidad de robarle algo de tiempo de su apretada agenda y charlar un poco sobre tipografía, diseño, publicidad…

Hola Alex, la verdad es que el 2008 ha sido un año para ti de no parar…

Sí, ha sido intenso y lleno de cosas buenas.

Entrevistas, cientos de post en internet, miles de referencias en los círculos de diseño, publicidad, ilustración…mucha gente se pregunta lo solicitado que está profesionalmente Alex Trochut

Trabajar solo, no te permite asumir un gran volumen de trabajo, si uno quiere mantener cierto nivel de calidad, es necesario tener que escoger sólo los trabajos que sabes que puedes hacer bien… Debido a internet y al trabajar en un mercado global, ha sido una tarea difícil a veces, y he tenido que decir que no a cosas, en ocasiones todo llega a la vez y aunque es bueno, en exceso te puede llegar a perjudicar…

Supongo que te alegrará saber que muchos jóvenes hayan conocido el trabajo de tu abuelo a través de ti y no al revés…

Haber podido ayudar a dar a conocer su trabajo a gente más joven me da mucha satisfacción. Creo que el SuperVeloz es una herramienta sumamente didáctica y formativa, a mí me servido de mucho poder conocer la obra de mi abuelo de cerca, gracias al trabajo de investigación que en su día hicieron gente como Raquel Pelta, Andreus Balius, Eskenazi, Jesus del Hoyo o Enric Satué.

Recuerdo que alguien me dijo una vez cuando te fuiste de Vasava que no estabas preparado para marcharte todavía y montarte por tu cuenta, curioso ¿no?

Ja, ja… Sí, bastante supongo… pero te confieso que debió ser la misma sorpresa para el que te lo comentó que para mí…

¿Es más duro trabajar por cuenta propia de lo que la gente se puede pensar?¿ qué tal es tu relación con las agencias?.

La verdad es que se tiende a tenerle miedo al trato con los clientes cuando tienes un jefe. Pero una vez empiezas a controlar a tu manera tu propio proceso y trato con el cliente, todo se simplifica bastante. No obstante creo que es muy necesario aprender de una experiencia previa en otras empresas y equipos, entender como funcionan las cosas y aprender a través de la experiencia de gente que lleva muchos años en el sector.

A la hora de trabajar para otros, como estableces la relación con el cliente, ¿te piden bocetos y previos antes de entregar el trabajo finalizado? La verdad no me quiero imaginar tu cara si cuando presentas una de tus ilustraciones te viene el cliente y te dice que hay que repetirlo por completo…

Procuro compartir al máximo el proceso de trabajo con el cliente o con el Director de Arte, y siempre ser coherente con lo que se pide. Si el cambio no tiene nada que ver con el brief, es que el encargo no estaba bien hecho. De todas formas la mejor manera de minimizar las sorpresas es comunicar de cerca con tu interlocutor, buscar referencias en tu portafolio o identificar posible soluciones antes de ponerte a trabajar a fondo, y ceñirse a un plan previamente establecido.

En varias ocasiones has comentado que la labor del diseñador está infravalorada respecto a otros países de Europa y realmente muchos opinamos igual, ¿se puede decir que una gran parte del sector publicitario en España apenas tira de diseño e ilustración de calidad?

Pienso que a nivel nacional se tiende a ser más conservador y a minimizar riesgos creativamente hablando, más los clientes finales que las agencias. Poco a poco, trabajar de forma global es algo cada vez más común y pienso que paulatinamente los criterios están cada vez menos marcados por una frontera, sino a través de un mundo que no las tiene gracias a internet. Eso nos hace libres para poder encontrar el tipo de cliente que busca lo que nosotros queremos ofrecer.

Quizá seas un poco la cabeza visible de este nuevo resurgir del diseño tipográfico en España, pero realmente se está viendo cada día el trabajo de muchos ilustradores y diseñadores que centran gran parte de su trabajo en la experimentación y trabajo con tipos, ¿a que crees que se debe esta revaloración de la tipografía dentro del diseño o de otros nuevos campos como los Motion Graphics?

Pues supongo que a muchas cosas, pero pienso que en gran parte es debido al hecho de que los diseñadores se están queriendo expresar cada vez más, sumado al hecho de que las herramientas digitales permitan cada vez un uso más personal y que la tipografía es el medio más propio del diseño gráfico (por encima de la fotografía o la ilustración), así que todo suma a que la tipografía se mezcle con la ilustración.

Tus ilustraciones están a la venta desde tu web y a unos precios muy razonables, ¿tu mejor cliente acabarás siendo tú mismo?

El hecho de poder poner precios bajos es gracias a HP. Me ha permitido poder alcanzar un nivel de calidad y tamaño de impresión del nivel más alto con un coste muy bajo, y todos los compradores de todas partes del mundo están encantados con el resultado de los prints. He leído hace poco que en un mercadillo de Bangkok se pueden encontrar camisetas con ilustraciones tuyas… Ja,ja, sí, es increíble, se ve que hay un stand que vende las camisetas de un montón de diseñadores/ilustradores. Hombre, pirateo aparte, es bueno ver que se estén popularizando imágenes de diseñadores hasta llegar al punto que un mercadillo en Tailandia las venda, ¿no? No deja de tener una lectura en el fondo bastante positiva creo…

Apenas muestras bocetos o artboards en tu web, en tus ilustraciones ¿qué porcentaje hay de trabajo a mano y cuanto de digital?

Pues la verdad es que mi herramienta es el ordenador más que el papel i el lápiz, aunque mi primer paso es siempre a lápiz, es lo que me permite trabajar rápido, y poder pensar visualmente. Pero a nivel de % es solo un 10% 20% de todo el trabajo en horas.

Actualizas tu web con nuevos trabajos y la verdad desde que comenzaste tu etapa en solitario se acumulan con gran rapidez, ¿para cuando un libro exclusivo con tus trabajos?

Ui, pues aun no lo tengo nada claro, creo que un libro no se debería hacer sin una buena perspectiva de tiempo que pueda juzgar bien que entra y que no. Es un soporte más atemporal que cualquier otro medio, así que aún lo veo pronto, no te diré que no me ha pasado por la cabeza, pero aún no es el momento.

En muchas ocasiones has hablado sobre tus referentes y sinceramente a veces se ve una influencia del arte urbano ¿alguna concreta dentro del mundo del graffiti?

El trabajo de London Police, Banksy, Inocuo, Swoon, Wk interact o Futura, me encanta y seguro me han influenciado; aunque nunca he pintado en mi vida ni tampoco he sido nunca muy forofo del graffiti old school. Pero sí del trabajo de los arriba mencionados, entre otros más que, de no haber puesto su trabajo en la calle, no hubiese llegado a conocer.

La verdad, ha llamado mucho la atención el trabajo conjunto con Dvein… ¿será cierto eso de que “Dios los cría y ellos se juntan”?

Ja,ja, pues igual sí, la verdad es que me siento muy afortunado de compartir estudio con estos tunantes, tanto a nivel personal como profesional es una muy grata influencia… tal “parra” cual…

Tienes intención de trasladarte a otro lugar de trabajo y compartir el espacio con otras personas, ¿puedes hablarnos un poco de ello?

Bueno, ahora ya sabes que comparto espacio con Dvein, y también Michele Angelo (www.superexpresso.com)

En el plano profesional, cuando no se dispone de tiempo para poder hacer todo aquello que uno quiere o le gustaría, ¿cómo se lleva?

Bueno, decir que es complicado, y cuesta un montón cuando lo que te están proponiendo es algo que te gustaría mucho hacer, pero al final te acaba perjudicando mucho y frustrándote si no consigues llegar a lo que te propones por falta de tiempo. Nadie queda satisfecho entonces, ni tú ni el cliente.

Esta pregunta es obligada y suele marcar el fin de las entrevistas…¿qué planes tienes de futuro a corto plazo?

Pues estoy muy contento de poder irme ahora unos días a NYC, donde me han invitado a ser jurado del TDC, y también a dar una charla en el AIGA. Después de eso, a seguir trabajando y aprendiendo! Muchas gracias Alex, seguiremos disfrutando y aprendiendo de tu trabajo.:) Gracias a ti, Aníbal.

http://dosce.es/

Perfil publicado en AyD 105

¿Podrías describir brevemente tu carrera creativa desde que comenzaste a dibujar?
Antes de cumplir los 14 años quería ser pintor realista (ahora, curiosamente, la pintura realista es la que menos me interesa). A los 14 descubrí el cómic para adultos (Totem, Creepy, 1984 y El Víbora) y fue como si se me abriese un mundo nuevo ante mí. Tuve muy claro que aquello era a lo que me quería dedicar. Cuando acabé el bachillerato me matriculé en la facultad de bellas artes pero nunca acabé los estudios pues enseguida empecé a trabajar en revistas profesionales, y ya nunca dejé de hacerlo.
Participé en revistas semanales de humor infantil, en revistas de humor para adultos, luego en la revista El Víbora hasta su cierre hace pocos años y en la actualidad intento abrirme camino en el mercado franco-belga, que es algo realmente duro y agotador.

¿Cuál crees que ha sido la clave del éxito de “Ce que le vent apporte”?
Creo que la historia consigue introducir al lector en la narración, apartándole por un buen rato de la realidad en la que vive. Puede interesar más o menos el género, el desenlace o el dibujo, pero creo que narrativamente es eficaz. El sentirte trasladado a otro mundo, al leer un libro o ver una película, es algo en lo que estoy especialmente interesado últimamente. No hablo de evasión mediante fuegos artificiales, alienígenas y elementos de ficción pura y dura, me refiero a algo más sutil, a una inmersión lenta, una transición inapreciable que te consiga transportar sin grandes sobresaltos.

¿Qué diferencias existen entre trabajar para una editorial extranjera como Dupuis o para una española como Norma, la que también ha publicado la historia en castellano, “Lo que el viento trae”?
A Norma los tengo unas cuantas paradas de metro de distancia y, al ser una editorial española, la comunicación es más fluida. Además ya había trabajado con ellos a mediados de los 80.
Dupuis es una de las principales editoriales europeas y, en un principio, me intimidó un poco. Luego descubres, como no podía ser de otra forma, que detrás de todo eso siempre hay personas y, en el caso de Dupuis, me he encontrado con un equipo joven y especialmente dispuesto a sacar el máximo partido a las herramientas de que disponen para que el libro se convierta en un acontecimiento. Las diferencias económicas también son grandes, obviamente, porque los mercados en ambos países son también muy distintos.

De todos los eventos y exposiciones que has asistido para la promoción de este último trabajo, ¿recuerdas alguno con especial cariño?
El Festival Internacional de Angoulême fue especial pues pude conocer en persona a buena parte de ese equipo que comentaba antes. Además fue la primera vez que firmaba libros para el público francés y me encantó conocer qué tipo de lectores tenía.

Para darte a conocer en editoriales extranjeras ¿qué es lo más importante: un buen portafolio, contactos, o insistencia y paciencia?
Lo primero es ser exigente y autocrítico con tu trabajo para poder decidir cuándo es el momento de abordar el mercado. A partir de este momento son indispensables grandes dosis de paciencia e insistencia (en este orden). Los contactos sólo sirven, desde mi punto de vista, para saber a qué puerta llamar. Creo que no garantizan nada. Es mejor confiar en tu trabajo y paciencia.

Normalmente el inglés es el idioma internacional de trabajo, ¿con los franceses también se trabaja en inglés o es necesario hablar francés?
Yo me dirigí directamente en francés porque es lo que aprendí en la escuela y porque Dupuis es una editorial francófona (belga). Como pretendo que la relación con este mercado perdure, el año pasado retomé los estudios de francés para que la comunicación sea cada vez más fluida.

¿Qué aporta a tu trabajo la utilización del ordenador y los programas digitales para el acabado final y coloreado?
Actualmente, mediante la combinación de herramientas de software y hardware, realizo más de la mitad del trabajo en formato digital.
Empecé a colorear con un Macintosh LC II en 1992 o 1993, cuando sólo podía pintar viñetas sueltas porque una página entera era casi imposible moverla en aquella máquina que corría a 16 mhz y tenía 4 mb de Ram. En aquella época usaba Photoshop 2.0 y no podía imaginar que acabaría incluso entintando digitalmente. Dibujaba a lápiz, entintaba a pincel con tinta china, escaneaba los originales a trocitos y coloreaba con el ratón. Luego volvía a juntar las viñetas hasta reconstruir la página entera (DinA4 a 300 ppp) y la metía (en JPG) en un disquette de 1,4 Mb. Un disquette para cada página. Todo era lento y tedioso.
Efectivamente, el proceso ha cambiado enormemente. Ahora parto de unos simples bocetos a lápiz sobre papel folio (aquí acaban las herramientas tradicionales) que luego escaneo, importo a Photoshop o Painter, entinto y pinto con una simple tableta Wacom. Después le incorporo los textos en Indesign usando una tipografía que cree en su día con Fontographer, imitando mi escritura manual. Mando todo por internet al servidor de Dupuis y de ahí al departamento de diseño y a la imprenta.

Cómo profesor de la Escuela Joso ¿en que parte del proceso creativo los alumnos utilizan más el ordenador?
En el coloreado de las ilustraciones. Es la parte del proceso creativo en la que el software da más de sí y el usuario lo percibe de forma inmediata. La vistosidad y facilidad para los retoques engancha en muy poco tiempo. El trabajo duro viene después, tratando de evitar ese aspecto “made in Photoshop”.

Gracias a Flash y a otros programas parecidos las líneas entre dibujo estático y animación se están diluyendo. ¿Crees que acabarán uniéndose o seguirán siendo dos mundos diferentes?
Espero que sigan siendo dos mundos diferentes. Cada uno tiene sus códigos y, personalmente, me encanta poder recrearme contemplando una ilustración o llevar la lectura al ritmo que yo quiera.

Este número de Arte y Diseño por ordenador se lo dedicamos a todos aquellos que les guste el cómic y quieran iniciarse en él, ¿les darías algún consejo?¿algún truco técnico? o ¿les recomendarías el uso de algún software o hardware?
Es primordial la autocrítica sincera, la capacidad de poder autocorregirse, la paciencia y la perseverancia. Creo que eso es lo más importante. No hay trucos para aprender a dibujar, sólo dibujar todo el tiempo posible y que te guste lo suficiente como para no aburrirte. Es una profesión que lleva implícita la soledad y muchas horas de trabajo. Hay que estar preparado para ello, pero también tu pareja, pues no siempre es fácil vivir con alguien que está recluido en su estudio haciendo garabatos.
Respecto al hardware diría que cualquier máquina de gama doméstica sirve para trabajar una ilustración, por más que los fabricantes y comerciales se empeñen en vendernos estaciones de trabajo. Mi último álbum lo hice en un minúsculo MacMini con procesador G4 y 500 Mb de Ram. No hace falta tirar tan bajo, desde luego, pero tener al lado una torre llena de ventiladores zumbándote al lado de la oreja tampoco es la mejor opción.
Para pintar uso Painter porque en su día compré una licencia a buen precio y la respuesta con las tabletas Wacom es impecable. De todas formas creo que es un programa que necesita urgentemente una revisión en cuanto a estabilidad y gestión de recursos del sistema, al menos en Mac. Photoshop es un buen software para colorear, jamás da problemas y aprovecha muy bien los recursos del Mac, pero es muy caro. Gimp es software libre, lo que lo hace asequible a todos, pero no me pareció muy fluido. Otra opción es usar técnicas mixtas: pintar a mano, escanear y aplicar efectos digitales, retocar iluminaciones, etc.

Cuando guionista y dibujante son diferentes personas ¿Cómo debe de ser la relación de trabajo?
Sincera, como debería ser cualquier relación humana. Ambos tienen que sentirse cómodos, o mejor aún, identificados en cierta forma con el proyecto en cuestión. Eso siempre se nota y, si se cumple, una buena parte del trabajo ya está hecha y todo irá rodado. Tiene que haber confianza para sugerir cambios en ambas direcciones, flexibilidad y predisposición para introducir mejoras. Se tiene que trabajar como lo haría uno solo.

¿Qué deseas transmitir con tus cómics?
Depende de la historia, aunque, en general, me interesa tratar los conflictos internos de las personas y las relaciones con los demás. Los personajes en situaciones extremas, el retrato de lo absurdo, la parte fea de lo humano en contraposición a su mejor cara. Los contrastes me interesan mucho. No importa si es una historia de miedo o una sobre la gran depresión del 29, siempre hay lugar para tratar esos sentimientos que, por otra parte, son muy agradecidos de dibujar.

¿Quiénes han sido tus referentes? y ¿qué otros artistas nos recomiendas?
Desde que empecé como lector, después durante mi aprendizaje y finalmente como profesional, he seguido a muchos autores por un motivo u otro. Creo que los que siempre han perdurado son Alex Toth (al que considero un dibujante excepcional), Harold Foster (autor del Príncipe Valiente y que fue capaz de sumergirme en su mundo cada vez que leía y releía su obra), Carlos Giménez (de quien traté de aprender el dominio de la narrativa) y Josep Mª Beà (quien tiene el extraño don de contar historias imperecederas al paso del tiempo, que soportan varias lecturas y siempre permanecen frescas).
Actualmente hay tal avalancha de autores que resulta difícil recomendar alguno, aunque últimamente disfruto mucho leyendo a Gipi, un autor italiano que tiene la virtud de sumergir al lector en su mundo. No me importa demasiado qué tipo de historia me cuente, lo que me fascina es que me transporte a otro mundo con esa facilidad.

¿Crees que actualmente se está recuperando el mercado del cómic español?
Es una pregunta que todos se hacen y que empieza a ser cansina porque, como parece que nadie se pone de acuerdo, la cuestión vuelve una y otra vez como un boomerang. ¿Qué quiere decir que “se esté recuperando”? ¿Que en lugar de tiradas de 1000 ejemplares se están haciendo de 2000 o 3000? Pues sí, se estará recuperando… pero no es para saltar de alegría. Soy escéptico porque tiendo a compararlo con el período de bonanza que se vivió en los 80 y tal vez sea ese el problema, que no debería compararlo. Tal vez aquello fue un hecho aislado y extraño, que no se repetirá más, y nunca se debió usar como referente.

¿Podrías citar algunas webs/blogs relacionadas con el mundo del cómic que te guste visitar?
A parte de los amigos y colegas de profesión, para ver en qué están trabajando, siempre me gusta leer lo que se publica en http://concdearte.blogspot.com/. Su autor, a quien no tengo el gusto de conocer, es un incansable blogger que cuelga artículos, entrevistas y ensayos de lo más interesantes. Además también es dibujante ¿De dónde saca el tiempo?

Y finalmente ¿Cuáles son tus futuros proyectos?
Trabajo en dos proyectos a la vez, pero uno está aún en el aire y el otro al ralentí. Uno es con guión del brasileño Wander Antunes y transcurre durante la depresión americana del 29 y el otro es sobre el diario que escribió mi padre en la mili, en África, en 1960, bajo la dictadura. Este último es lo más difícil a lo que me he enfrentado nunca; es una historia demasiado personal y me está costando mucho escribir el guión. En este tipo de historias siempre hay una lucha entre la “persona” y el “autor”: uno quiere preservar su intimidad y el otro quiere contar todas las cosas. Ya veremos como termina.

www.jaimemartin.info
http://blog.jaimemartin.info

Entrevista publicada en AyD 108

David Carvalho es uno de los artistas más emergentes de Portugal, y él junto con ortos artistas están exportando el diseño portugués por el resto del globo, como no podía ser de otro manera, ya que este país cargado de belleza e historia tiene mucho que aportar.

Trabajo:
Diseño & Ilustración

¿Mac o Pc?
Mac & Pc

Tu programa favorito es…
Adobe Illustrator

¿Qué web te ha sorprendido más últimamente?
www.alextrochut.com

¿El mejor lugar para trabajar?
Non Format

¿Para quién te gustaría trabajar?
Diesel, Dolce&Gabana, Versace,  Mtv, Vh1, Adidas, Miss Kittin, Vitalic, The Rapture.

¿Para quién no trabajarías nunca?
George W. Bush

¿Qué es lo que más te obsesiona?
Las formas de la naturaleza…simplemente me despedazan, son perfectas, tan naturales…

¿Una anécdota o experiencia curiosa con un cliente?
Un director de arte/cliemte que no sabía  qué era un degradado de color, se volvi´en uno de los más sensibles, comprensibles y fabulosos clientes con los que he trabajado hasta ahora.

¿Cuáles son tus hobbies?
Viajar, la música, Bodyboard…y muchos más.

Tipografía preferida y odiada:
Yo no soy tipógrafo, pero me gustan los tipos de imprenta, tengo un montón de favoritos, pero uno de mis favoritos es Didot y odio a Comic Sans.

Combinación de colores:
Púrpura y dorado.

Recomiéndanos un libro, una película y un lugar:
Libro: Print Work de Victionary.
Película: Children of Men.
Lugar: Estoy totalmente viciado a las Maldivas.

¿Cuáles son tus influencias, tus fuentes de inspiración?
Bueno, estoy influenciado por múltiples cosas, el día a día me inspira pero también otros artistas y estudios como Alva, Alex Trochut, Non Format…

¿Cómo ves el mundo del diseño y la ilustración portugués?
Solo es una gran competición, hoy en día todo el mundo quiere ser una estrella rock y piensan que el camino más fácil es ser un artista o un diseñador, pero lo que la gente no sabe que para ser un gran diseñador o un artista o ambos se requiere un enorme sacrificio y dedicación.
Portugal añadió un gran auge, que fue el resultado de un duro trabajo y dedicación de algunos colectivos como Musa, Camuflaje. Actualmente vivimos este boom y muchas cosas buenas que salen de ello, todavía tenemos un enorme camino por recorrer.

www.hellokarpa.com

Entrevista publicada en AyD 106 “Diseño portugués”

Cuando le preguntamos por sus influencias nos confiesa que se puede aprender e influenciar de todo el mundo, “la gente lo ve todo desde tantos puntos de vista… me gusta mirar mucho y fijarme en todos los detalles que pueda, en la calle hay de todo”. Aún así tiene sus preferidos, “hay artistas que me encantan como son Alberto Cerriteño, Rébecca Dautremer, Pablo Bernasconi… si tuviera que nombrarlos a todos no acabaría nunca…”.

Aunque como ilustrador freelance no lleva demasiado tiempo, ya que hasta ahora ha trabajado en agencias de publicidad, en muy poco tiempo le han salido bastantes proyectos. Actualmente Miguel reside en Córdoba y se sigue formando con una diplomatura a distancia en artes visuales. “Además tengo muchas cosas en la cabeza esperando salir, no dejo de idear cosas para promocionarme en agencias y editoriales, cada día se me ocurren cosas más raras. De todos modos por ahora están presentes las ilustraciones para una revista trimestral de una cadena de librerías en Andalucía (Librerías Beta) y otros proyectos que están cerca de que se aprueben”.
www.miguelcerrocreacion.com

Perfil publicado en AyD 106

www.grupoacuarela.com

Perfil publicado en AyD 112

¿Cómo nace la vocación por la ilustración?
En mi caso sin enterarme mucho. Empezó desde que era muy pequeña, porque era algo que veía en casa. Mis hermanas y yo siempre hemos dibujado, aunque yo soy la única que se dedica a esto. Lo de la ilustración fue algo que no decidí conscientemente, pero que tenía que ser.

¿Qué condiciones debe tener un buen ilustrador?
No lo sé… Más bien hablaría de las condiciones que tiene que tener una buena ilustración. Para mí, más que la técnica, lo importante es lo que me hace sentir. Que me emocione. O que sea inteligente, que te preguntes: ¿cómo se le ha ocurrido esto? Que vaya más allá del texto… A veces simplemente que sean preciosas…

¿En qué se diferencia ilustrar para un público como son los niños?
No tengo en cuenta a los niños a la hora de ilustrar. Hago lo que me gusta hacer.
Además creo que es un poco limitado hablar de “niños” en plural, como si todos fueran iguales. Lo mismo que decir para “adultos”. Creo que hay que hacer lo que uno siente que tiene que hacer, entonces seguro que llega a quien tiene que llegar.
Hay cosas que sé que no haré para un libro infantil, pero más que nada porque el texto no me lleva a ello.

¿Qué quieres trasmitir con este tipo de imágenes?
Intento transmitir lo que veo en el texto y algo más. Lo que siento. Dar mi punto de vista sin limitarme a dibujar literalmente lo que está escrito.

¿El último libro infantil que has comprado?
“This is Paris”, de M. Sasek.

¿Qué cuento te gustaría ilustrar?
Me han hecho esta pregunta unas cuantas veces y todavía no lo sé…

¿Con qué personaje te quedarías?
Con Pomelo, escrito por Ramona Badescu e ilustrado por Benjamin Chaud.

¿Tus referentes en este mundo?
Arthur Rackham, Lisbeth Swerger, Gabrielle Vincent… y tantos y tantos…

¿Y tu técnica?
Últimamente uso tintas. Empecé empleando algún color de vez en cuando y, sin darme cuenta, casi han desterrado a las acuarelas, que era lo que utilizaba hasta hace poco y que no voy a abandonar… y algo de acrílico… y lápiz…

Y, finalmente, ¿cuáles son tus próximos proyectos?
Ahora mismo voy a empezar un cuento que sucede en el mar, luego tengo otro sobre un bosque…y algunos más. Una exposición…

www.pencil-ilustradores.com/pencil.html

Entrevista publicada en AyD 98

Entrevista publicada en AyD 90

¿Cuándo y cómo comenzaste en este mundo?
Empecé a trabajar en el mundo de la moda a finales de los años 70, con 20 años apenas cumplidos, y como asistente en un equipo de diseño perteneciente a dos firmas de ropa femenina establecidas en Barcelona. En este equipo estuve durante dos años aproximadamente. Posteriormente acepté una oferta de trabajo en Sevilla para desarrollar también colecciones de mujer, y ya allí, conocí a José Víctor Rodríguez y José Luis Medina, es decir, Victorio & Lucchino, los cuales eran propietarios por aquel entonces de la que era la boutique más vanguardista de Sevilla. Poco tiempo después empezaron a crecer y a publicitarse en prensa de moda, y comenzaron a encargarme ilustraciones para su publicidad y algunos otros trabajos para catálogos de sus colecciones.
Después vinieron los desfiles en Cibeles, la presentación de su primer perfume “Carmen”, y con ello sus correspondientes carpetas de prensa, las cuales al llegar a las redacciones de las publicaciones de moda más importantes, sirvieron para que me propusieran colaborar con Cosmopolitan en 1992, y desde entonces mis trabajos aparecen en sus páginas. Asimismo, otras publicaciones como Telva o Elle me encargaron algunas colaboraciones, pero más esporádicamente.
Desde entonces me volqué por completo en el trabajo como ilustrador, pues tenía suficientes encargos para ello y además, me fui dando cuenta que había empezado en el mundo de la moda sin formación académica, simplemente motivado por mi gusto por la moda y por mi afición al dibujo sobre todo, lo cual me hizo ver que disfrutaba más dibujando la moda que diseñándola, así que podemos decir que mi trabajo como ilustrador comenzó hacia 1985 y ya abandoné por completo mis colaboraciones como diseñador. De todos modos, en algún momento y sobre todo en el mundo de los complementos, todavía llevo a cabo algún trabajo como diseñador.

¿Ha cambiado mucho el mundo del diseño y la ilustración en este tiempo?
Pues yo diría que sí, y sobre todo en España, ya que aquí no existía una cultura de moda ni una industria que la apoyase como podría ocurrir en Italia o en Francia. Esto sobre todo dentro del mundo del diseño, pero si hablamos de ilustración, podríamos decir que está más sometida a tendencias que a la dependencia de la industria. Muchos años atrás, cuando apenas existía la fotografía, la ilustración reinaba en las páginas de las publicaciones de moda, y más tarde fue al contrario, la fotografía lo monopolizaba todo, pero ya establecidas las dos, supongo que tanto las publicaciones como las firmas de moda han visto en la ilustración otra opción más para comunicar su filosofía o para plasmar su imagen en prensa. En definitiva, creo que en estos momentos la ilustración esta viviendo un auge, también debido a la proliferación de una gran variedad de posibilidades técnicas que empiezan por los trabajos realizados manualmente, como es mi caso, pero ahora también enriquecidos por las posibilidades que ofrecen los ordenadores y su gran variedad de programas.

¿Siempre has estado vinculado al mundo de la moda?
Básicamente sí, aunque como ilustrador también he realizado trabajos para otros sectores, pero dado que la mayor parte de mis trabajos están relacionados con la moda, cuando viene un cliente con un encargo perteneciente a otro sector, casi siempre es porque pretende darle a su producto un aire de sofisticación o una atmósfera inusual dentro de la imagen habitual de su ámbito, por ejemplo el sector automovilístico o el vitivinícola.

¿La moda se empapa de la realidad o la realidad de la moda?
Pienso que en general puede ser recíproco, pero me parece que es más la moda la que se empapa de la realidad; podemos ver como en muchas ocasiones y en muchas firmas, hay una clara influencia de los acontecimientos que nos trae la realidad, o el mundo o su evolución. Pero vemos también frecuentemente cómo personalidades o personajes con un estilo determinado, marcan tendencia que luego los diseñadores  interpretan a través de sus colecciones, y que más tarde devuelven a la calle, es decir, a la realidad, convertidas en moda.

¿Cómo se consigue trabajar para diseñadores tan importantes del país como Custo o Victorio & Lucchino?
Supongo que tanto para ellos como para cualquier otro cliente de los que forman parte de mi currículum, vieron en mi trabajo un lenguaje o un vehículo apropiado para reflejar su imagen y el estilo de su firma. Con esto quiero decir que aunque conociese a Victorio & Lucchino en Sevilla, si no hablásemos el mismo “idioma” o si mis trabajos para su imagen no reflejasen su estilo, no creo que hubiera  podido trabajar  para ellos ni para otros.

¿Tu experiencia en publicaciones nacionales e internacionales, ha sido fundamental para darte a conocer?
Absolutamente, pues mis ilustraciones publicadas en revistas de moda, además de servir para que el público en general conociera mi trabajo, también hicieron posible que otras publicaciones se fijaran en mí y requiriesen mi colaboración, como por ejemplo firmas como Roberto Verino o Loewe dentro del sector moda, y otras dentro del sector del automóvil como Citröen.
La publicación de mis trabajos en prensa es algo que creo que hace que se consolide mi trabajo de cara al público, pero además es un estupendo escaparate para profesionales que a su vez pueden encontrar opciones  que les puedan interesar para sus fines.

El mundo que ilustras es un mundo lujoso ¿Es un mundo minoritario al que la mayoría quiere acceder?
Diría que muy pocas son las personas que no quisieran poder acceder a un mundo de lujo o cuando menos de estabilidad. De hecho, creo que hoy día el mundo del lujo también se ha popularizado en un cierto sentido, y lo que antes era exclusivo de una minoría hoy se ha democratizado, porque ¿quién se resiste a usar un perfume de alta gama o no se permite el capricho de una cena especial en alguna ocasión? Y eso es lujo también. Lo cierto es que la mayoría no tiene acceso a un estatus de lujo total y no deja de ser algo casi inalcanzable, como los sueños, y  ¿a quién no le gusta soñar?

¿Y qué hay más allá de la mujer estéticamente perfecta de tu obra?
Muchas horas de trabajo. Evidentemente, la parte más laboriosa consiste en la ilustración en sí, ya que mi trabajo es 100% manual y sólo utilizo rotuladores en mis ilustraciones, y muy puntualmente recurro al Photoshop para algunos fondos, pero hay más trabajo detrás, que comienza con la documentación, pues procuro “envolver” a los personajes en el universo que se requiere; no sólo hay que prestar atención a las texturas o los acabados, también hay que tener en cuenta el ángulo en que quedarán mejor las figuras, la composición, los fondos si es que se necesitan, el estilismo, cuestión que a veces el cliente deja en mis manos…

¿Cuál crees que es el éxito de la estética que propones?
Pienso que es esa mezcla de personajes que utilizo, de proporciones totalmente irreales, pero procurando que sus movimientos, gestos, luces y sombras, texturas y movimientos de los tejidos, sean lo más realistas posibles en el acabado, el detallismo. Mi intención es que el cliente se identifique con mi trabajo y lo que pretendo es que no se quede en un dibujo bien hecho de un vestido por ejemplo, sino que intento  enriquecerlo lo más posible para que en esa imagen no se vea sólo un vestido, sino que cuente algo más al que la contempla.

En un momento en que la anorexia es un tema polémico dentro del mundo de la moda, ¿Cómo ves ilustrar un estereotipo de mujer tan extremadamente delgada?
En la pregunta está para mí la respuesta, hablamos de ILUSTRAR, es decir, no es la realidad. Creo que en un dibujo de una mujer con unas proporciones imposibles, no se debe ver un modelo a seguir, sea extremadamente delgada o sea inmensamente gruesa. Es mi forma de expresarme y si a la expresión artística se le limita la creatividad, ya no es arte. Si hablamos de otras expresiones artísticas, ahí están El Greco, Modigliani, Botero o Giacometti, y nunca se ha cuestionado porqué hacen sus figuras con esas proporciones, siempre lo vimos como un estilo personal.
Entiendo que la anorexia es una enfermedad terrible, pero hay que ser coherente, y una cosa es ver una modelo de carne y hueso, y otra un dibujo. Cada figurinista o ilustrador ha realizado sus trabajos llevado por su estilo personal, pero un denominador común en todos suele ser lo estilizado de las figuras.

El hecho de tener una estética tan definida ¿es un problema o una ventaja?
Para mí desde luego es una ventaja. Por ejemplo, si hablamos de firmas de moda reconocidas, y hoy día son tantas, el elemento diferenciador de cada una es su originalidad o un estilo muy particular que automáticamente identificamos con una marca en concreto. Eso les permite diferenciarse de las demás. Evidentemente no le gustará a todo el mundo, pero a la inversa, tendrá un público incondicional. Identifico la uniformidad en este sentido como algo negativo, y pienso que lo mismo ocurre con los diferentes tipos de ilustración. Para mí es un orgullo que, en un mundo tan prolífico en estilos, cuando alguien que ve una ilustración sepa que es mía sin ver mi firma; creo que sólo le veo ventajas o aspectos positivos.

También te has introducido en el mundo de la docencia, ¿qué te aporta y qué aportas tú a los alumnos?
Empezaré por decir que no me considero un docente. Mi labor en el Istituto Europeo di Design es la de un profesional de la ilustración que intenta transmitir cómo lleva a cabo su trabajo y la técnica que utiliza. Procuro mostrar todos los aspectos de mi trabajo, desde el encargo hasta el resultado final, ejercitándoles especialmente en cómo conseguir plasmar diferentes tejidos o texturas con rotulador, aportándoles el conocimiento de otro estilo y otra técnica entre las muchas de las que pueden disponer hoy en día.
Ellos me aportan una gran satisfacción, especialmente aquellos alumnos que transmiten su ilusión por aprender.

¿Cuáles son tus referentes y fuentes de inspiración?
Desde pequeño me atraían los dibujos de los superhéroes y los cómics en general. Más tarde, me recreaba contemplando la obra de Velázquez, de Mengs, o de Sert entre otros; admiraba cómo con tres pinceladas se lograba que la empuñadura de una espada pareciese metal auténtico. Si hablamos de ilustración, mis referentes obligatorios son René Gruau, Stefano Canulli o los croquis de Lacroix. No obstante, encuentro también puntos de inspiración en la fotografía y la publicidad de los años 50, o en la fotografía de moda en general, ya que aunque mis personajes sean irreales, como decía anteriormente, para lograr que mantengan la armonía en el movimiento y todos los efectos de realismo que persigo, la única manera es partir de una foto, o sea, de una imagen real aunque yo luego componga la imagen final según el objetivo que pide el cliente.

¿En qué proyecto te encantaría trabajar y para qué no trabajarías nunca?
Me encantaría hacer algún trabajo enfocado a la imagen de Gucci o Yves Saint Laurent, firmas que admiro por su calidad de diseño e imagen, y que te dan la posibilidad de llevar a cabo imágenes fantásticas, ya simplemente con el hecho plasmar sus productos.
Y ¿para que no trabajaría?… a priori es muy difícil concretarlo, pero supongo que no trabajaría para alguien que quisiera transmitir aspectos incompatibles con mis principios, o para algún proyecto con el que me sintiese realmente incómodo.

¿Hasta dónde te gustaría que llegaran tus imágenes?
Hoy día con el factor internet ya no hay distancias físicas, y podemos decir que las imágenes pueden estar ya en cualquier punto del mundo. Si hablamos de ambición profesional, no me gusta pensar más allá de mañana, pero reconozco que mi mayor satisfacción profesional fue cuando el Ministerio de Cultura adquirió mis ilustraciones como fondos para el Museo del Traje.

Tres recomendaciones  para los jóvenes que quieran introducirse en este mundo:
Honestidad en cuanto a reconocer si tienen o no vocación para ello, y después perseverancia y trabajo, trabajo y trabajo.

www.arturoelena.com

¿Cómo nace la vocación por la ilustración?
Siempre me ha gustado dibujar, pero la vocación surgió cuando cayeron en mis manos los maravillosos dibujos de Richard Corben, con su peculiar estilo repleto de luz: fue la primera vez que contemplé ilustraciones que transmitían vida; a pesar de que sabías que sólo eran dibujos, podías cerrar la revista y seguir viendo a los personajes como alguien con emociones y una vida propia. Después, vinieron Moebius, Bilal, Frazetta, Matthews, con su imaginación sin límites y quedé seducido para siempre por esta profesión.

¿Qué condiciones debe tener un buen ilustrador?
Ante todo, creo que debe tener sensibilidad para los colores y ser buen observador; tiene que poseer imaginación, ya que deberá ser capaz de crear un mundo a partir de un texto transmitiendo lo que pretende el autor. Debe ser paciente, porque este trabajo consiste casi siempre en elaborar un determinado número de dibujos que sean coherentes entre si, donde el texto, y esto es lo más importante, quede bien integrado.

¿En qué se diferencia ilustrar para un público como son los niños?
La Ilustración Infantil te permite más flexibilidad y fantasía. Hay tantas técnicas y modos de hacer como ilustradores, ya que prácticamente puedes dibujar lo que sea. En mi caso, dejo que la ternura, el humor y, a veces, el absurdo lo impregnen todo. Intento que los colores sean luminosos y guarden continuidad de una ilustración a otra, y que los personajes sean expresivos. Cuando tengo que ilustrar para adultos, necesito documentarme y el resultado suele parecerse más a la realidad.

¿Qué quieres trasmitir con este tipo de imágenes?
Sobre todo emociones: maravilla por vivir, sensación de libertad, ternura, alegría…

¿El último libro infantil que has comprado?
La melancólica muerte de Chico Ostra.

¿Qué cuento te gustaría ilustrar?
Caperucita Roja, la versión de Perrault.

¿Con qué personaje te quedarías?
Pinocho.

¿Tus referentes en este mundo?
Quentin Blake, Tony Ross, Rodney Matthews, Forges, Mordillo…

¿Y tu técnica?
Utilizo todo tipo de técnicas: óleo, acuarela, carboncillo, ceras, aunque últimamente lo que más hago es modelado 3D…

Y, finalmente, ¿cuáles son sus próximos proyectos?
En estos momentos estoy trabajando, en colaboración con Javier Requena, en un cuento titulado La guerra de las risas. También está en marcha con Javier Requena y Javier Alonso, un proyecto de animación en clave infantil sobre nuestros vecinos de Marte, que se llamará Marcianopeques. Si será una película o una serie, todavía esta por decidir.

Y, finalmente, ¿cuáles son sus próximos proyectos?
En estos momentos estoy trabajando, en colaboración con Javier Requena, en un cuento titulado La guerra de las risas. También está en marcha con Javier Requena y Javier Alonso, un proyecto de animación en clave infantil sobre nuestros vecinos de Marte, que se llamará Marcianopeques. Si será una película o una serie, todavía esta por decidir.

http://personal.auna.com/restrada
www.tropografik.com

Perfil publicado en AyD 98

Realizó estudios en Bellas Artes de Sevilla que le aportaron una base académica y técnica. Los últimos años los realizó en el extranjero lo que le ayudó a romper con algunos dogmas académicos y acercarse a otras vertientes contemporáneas. 

Compagina el trabajo de ilustrador con el de diseñador ya que para él ambas disciplinas son inseparables en su rutina de trabajo. 

Para comenzar a trabajar trata de recrear una imagen mental previa, una chispa. A partir de aquí se coloca el mono de trabajo y comienza a  mezclar y componer los distintos elementos gráficos (ya sean texturas, dibujos hechos a mano, etc…) similar a un proceso de postproducción audiovisual, va destilando los componentes en el ordenador. Finalmente depura y tira todo lo que no necesita hasta llegar a un resultado óptimo o de desgaste.
Sobre sus inspiraciones dice “creo tener un nudo visceral entre lo clásico y lo romántico. Me interesa el concepto generado por la defensa que hacía Ingres sobre la primacía del dibujo y el carácter subsidiario del color frente a la asimetría, la energía y la carga emocional de Géricault o Delacroix por ejemplo. Trato de definirme en esos parámetros aunque por supuesto tengo una larga lista: Modigliani, Chagal, Alex Raymod, Sigmar Polke, Marcelo Mastroianni, Olaf Hajek, Calvin klein, Luis Gordillo…”
Actualmente se centra en una serie de nueve fanzines denominados “Funámbulo” en los cuales trabajo sobre el concepto de equilibrio. “Es una tesis informal y amena que tiene dos funciones: mostrar mi trabajo y aprender a ser ilustrador. También estoy decorando un local dedicado a la hostelería. He realizado dos ilustraciones de gran formato que espero aporten un toque armonizador y atrevido” añade.

www.martinsati.com

(publicado en el AyD103)

www.miraruido.com

www.davidlloveras.com