L’objectiu era crear el “típic” DVD que es pogués posar en el reproductor de la TV, que tingués un menú amb una foto de fons i un parell de botons per poder escollir entre veure el muntatge dels vídeos o bé un passi de les fotos.

Així que havia de:

1. Buscar un programa per editar vídeos, tallar-los, posar títols, ajuntar-los….
2. Buscar un programa per crear un vídeo a partir de fotos individuals, i ja posats que tingués transicions xules….
3. Buscar un programa per posar els diferents vídeos en un DVD i que a més a més pogués crear el menú amb els botonets per llançar-los.

En el día a día utilitzo GNU/Linux, en concreto Ubuntu, i vaig pensar que amb la quantitat de programes que hi ha segur que n’hi ha algun que faci tot això…, i sí,, n’hi ha i moooolts, però vaig haver de barallar-me amb molts d’ells abans de trobar la combinació perfecta… almenys per a mi.

Els programes que em varen funcionar, i que a més a més es troben en el repositoris d Ubuntu (no sempre en la última versió)  o en PPA varen ser:

1. OpenShot Video Editor. Per a l‘edició de vídeos. En la part inferior hi ha una línia de temps a on pots afegir pistes i a cada pista pots posar-hi un vídeo, transicions, alguna foto estàtica….
2. Imagination – Per a ajuntar fotos i crear un vídeo. Jo el vaig utilitzar de la següent forma:
   1. Importar totes les fotos (les tinc ordenades per data)
   2. Seleccionar totes les fotos i
      1. Indicar que volia que cada foto durés 4 segons.
      2. que els efectes / transicions fossin aleatoris.
   3. Afegir text amb animació en algunes fotos.
   4. Posar efectes de zoom en algunes fotos.
   5. Revisar / retocar algunes transicions.
   6. Afegir diversos fichers mp3 com a banda sonora.
   7. Exportar el resultat como un vídeo MPEG encapsulat en un fitxer amb extensió  .VOB,

   

3. DVDStyler. Per crear el menú del DVD que enllaça amb els diferents vídeos que tenia creats

Alguns programes que també vaig provar d’utilitzar, però que al final vaig descartar (pq. no em funcionaven bé, pq. eren molt complexes, o pq. petaven massa) encara que alguns tenien molt bona pinta, i potser a algú altra l’hi funcionen millor que a mi, varen ser:

• PiTiVi. Editor de vídeo.
• Kdenlive. Editor de vídeo
• Mistelix. “Tot-en-un” – Editor de vídeo, creador de presentacions a partir de fotos i creador de DVD.
• Q-DVD Author. “Tot- en-un”  – El vaig trobar molt confús  (i més potent) que Mistelix, però la idea es la mateixa.

Si tens algun dubte o alguna altra recomanació o comentari ho pots fer en els comentaris… a veure si descobrim alguna altra eina per preparar el DVD amb les fotos i vídeos de l’estiu

El objetivo era crear el “típico” DVD, que lo pudieras poner en el reproductor de TV y te apareciera un menú con una foto de fondo y con un par de “botones” que te permitieran escoger que vídeo  o que pase de fotos querías ver.

Así que tenia que:

1. Buscar un programa que permitiera editar vídeo para cortar algunos trozos, poner algún título, juntar  10 o 15 vídeos pequeños en un solo…
2. Buscar un programa que permitiera crear un vídeo a partir de fotos individuales, y ya puestos con transiciones “majas”, títulos etc….
3. Buscar un programa para poner los distintos videos en un DVD y ademas crear el menú desde donde se lanzara todo…

En el día a día utilizo GNU/Linux, en concreto Ubuntu, y me dije… con la cantidad de programas que hay seguro que hay alguno que haga esto… y si, los hay y muuuuchos, pero tuve que pelearme con unos cuantos antes de encontrar la combinación perfecta… al menos para mi .

Los programas que a mi me funcionaron, y que ademas se encuentran en los repositorios de Ubuntu (no siempre en la última versión) o en PPA fueron:

1. OpenShot Video Editor. Para la edición de vídeos, en la parte inferior tienes una línea de tiempo donde puedes añadir pistas y en cada pista puedes poner los videos, las transiciones, fotos estáticas etc…

   

2. Imagination – Para juntar fotos y crear un vídeo. Como yo lo usé fue:
   1. Importar todas las fotos (las tengo ordenadas por fecha)
   2. Seleccionar todas la fotos y:
      1. Indicar que quería que cada foto durara 4 segundos.
      2. Que los efectos / transiciones fueran aleatorios
   3. Añadir texto y su respectivas animaciones a algunas fotos
   4. Poner efectos de zoom en algunas fotos.
   5. Revisar / retocar algunas transiciones
   6. Añadir los ficheros mp3 que quería como banda sonora.
   7. Exportar el resultado como un vídeo MPEG encapsulado en un fichero con extensión .VOB,

   

3. DVDStyler. Para crear el menú del DVD que enlaza con los diversos vídeos creados anteriormente.

Algunos programas que también intenté utilizar pero que descarté (porque no me funcionaban bien, por complejos o porque petaban demasiado) aunque tenian muy buena pinta, y quizás a alguien les vayan mejor que los que yo utilicé, fueron:

• PiTiVi. Editor de vídeo.
• Kdenlive. Editor de vídeo
• Mistelix. “Todo-en-uno” – Editor de vídeo, creador de presentaciones a partir de fotos i creador de DVD.
• Q-DVD Author. “Todo- en-uno”  – Lo encontré mas confuso (y mas potente) que Mistelix, pero la idea es la misma

Si alguien tiene alguna otra recomendación o comentario lo puede hacer en los comentarios… a ver si descubrimos alguna herramienta para preparar el DVD con las fotos del verano

http://www.javahispano.org/contenidos/es/javahispano_estrena_canal_de_parleys/

Para los que no lo conozcan GWT es:

Google Web Toolkit (GWT) is a development toolkit for building and optimizing complex browser-based applications. GWT is used by many products at Google, including Google Wave and Google AdWords. It’s open source, completely free, and used by thousands of developers around the world.

esto es. con GWT puedes diseñar aplicaciones web “ricas” sin tener que preocuparte de javascript, ajax, hacks para los navegadores ni cosas similares. La idea es que tu programas en “Java” utilizando ciertas herramientas y ciertos procedimientos y después compilas tu código con GWT para obtener tu aplicación web

Nos podéis encontrar en https://twitter.com/DorsumiNews

Referente a la parte técnica, como se puede ver este blog está hecho sobre WP y ahora estamos testeando el plugin Twitter tools para ver como va la integración. Los próximos días serán de prueba a ver que tal.

Pronto el matrimonio descubrió el potencial tan prometedor que suponía la nueva  tecnología y aprovecharon esta nueva herramienta con la que empezaron a diseñar sus primeras fuentes.

Estos primeros proyectos que diseñaron fueron creados a partir de módulos cuadrados (píxeles), variando las alturas y modificando el ancho. Más tarde, estos diseños fueron evolucionando de lo más básico ( Oakland, Emperor, Universal ) a más moderno ( Journal, Dogma ..) y finalmente a una última fase más experimental que dió lugar a lo que más tarde se definió como la llamada ” Legibility Wars “.

En cualquier caso, legibles o no, sus fuentes  se convertirían pronto en un estilo propio muy reconocible  fueron de uso muy común en empresas de la talla de Nike, CBS, MTV…etc.. Además es hecho constatado la devoción que muchos diseñadores sienten por sus fuentes.

En total se publicaron 69 números con una periodicidad variable. Emigre se convirtió en el órgano de difusión de las corrientes postmodernas en el diseño gráfico y tuvo una influencia muy destacada en la práctica profesional y en la enseñanza.

Este libro de 512 páginas es una selección de reimpresiones a partir de archivos digitales originales, que trazan el desarrollo de Emigre desde sus primeros días y cubre el mejor cuarto de siglo de la prestigiosa revista tipográfica. Además incluye entrevistas a, entre otros: The Designers Republic, Allen Hori, Rick Valicenti, Vaughan Oliver, Mr. Keedy, Ed Fella; y ensayos de Lorraine Wild, Anne Burdick, Zuzana Licko, Kenneth FitzGerald, Andrew Blauvelt, Kalle Lasn, Rick Poynor, entre otros muchos.

Por eso quien no tuvo la oportunidad de conocer o de recopilar todas las revistas que publicaron en estos años, no pueden perder ahora la ocasión de obtener este libro.
Para completar, el libro también incluye la siguiente documentación adicional: cuaderno recopilatorio de 32 páginas de Cartas al Editor, CD-Rom con música y vídeos publicados por Emigre y póster conmemorativo de 38 x 50.8 cm.

www.graphicbook.com

SC.006 · INT. CASA DEL ÁRBOL – DÍA

ROBIN, BARRY y MAURICE, con insignias y bufandas de colores, están sentados frente al televisor viendo un partido de fútbol australiano. Hay comida y bebida  esparcida alrededor.

BARRY

[Activando su trompeta] ¡Vamos! ¡¡Machácalo!! ¡¡Pisotéale la espalda y anota en su triste nariz de dingo!!

MAURICE

¡Qué elegancia en su trotar! ¡Qué gracilidad de cintura! [SFX O.S. golpe en la TV. Gira la cara con empatía] ¡Qué manera de arrebatar todos los dientes de un adversario!

ROBIN

[Sin parar de comer] Grumpf, groch, crunch… ¡¡yhaff fon… phuestrofs!!

El  timbre de la puerta suena.

Es largo el camino desde el GUIÓN hasta que podamos verlos en movimiento. La maquinaria creativa no ha hecho más que comenzar… y debe continuar. De aquí pasaremos al STORYBOARD y de éste extraemos los LAYOUTS.

Es en esta fase cuando hacemos uso del PHOTOSHOP para montar la escena y colorear.

El diseño y acabado de los FONDOS y PERSONAJES se ha determinado previamente en un proceso de búsqueda y confección de estilo para la serie que se prolonga en el tiempo durante meses.

Una vez determinado y delimitado este estilo, se aplica a todos y cada uno de los elementos que  componen la serie. Así, en este caso concreto, para los FONDOS optamos por el uso de línea negra con lápiz graso para luego darles colores planos con ligeros toques de pincel aplicados sobre una selección previa con la herramienta de pluma. Reducimos la paleta de colores a emplear y proponemos contraste entre las luces y las sombras. Con los PERSONAJES mantenemos el color que se ha marcado en el período de definición de estilo y aplicamos cortes de sombra para planos cortos.

PHOTOSHOP es perfectamente compatible con los programas de animación 2D y 3D del mercado. De este modo se envían los archivos finales en formato PSD sin problemas para el estudio de animación.

00.- EL STORYBOARD

Lo primero que necesitas es la plasmación gráfica del guión, es decir: el storyboard. El siguiente paso es el layout que es un acabado final de la viñeta con el estilo exacto de línea y color de la serie.

01.- BUSCA EL ENCUADRE

Partiendo de un background genérico extraido de la bíblia de la serie, busca cuál es el encuadre necesario a emplear según marque la viñeta del storyboard. El campo a utilizar viene determinado por unos estándares de producción. En este caso, el de una serie para televisión, nos regimos por los parámetros con proporciones de 3×4. Marca, así, el encuadre a emplear sobre el background.

02.- MONTA LA ESCENA

Para comenzar a trabajar realiza un montaje por capas de los distintos niveles de animación que vas a usar, con objeto de obtener una imagen del resultado final a línea. Así, deberás obtener una composición idéntica a la de la viñeta del storyboard del que partimos con los elementos ya convenientemente dibujados y pasados a limpio según las necesidades del estilo de la serie. En éste caso se ha empleado un entintado para personajes y los distintos niveles de animación y un lápiz graso para el acabado del background.

03.- ORGANIZATE BIEN

Dada la particularidad del acabado de la línea del background y puesto que pretendemos mantener la textura del lápiz graso empleado para su pasado a limpio, escanea el dibujo en escala de grises a 300 ppp y ábrela con Photoshop. Comienza, desde el principio, a organizar convenientemente tus capas nomenclaturándolas, puesto que vas a trabajar con varias de ellas para componer la imagen final.

04.- ESCANEAR EL LAPIZ GRASO

En este detalle de la ilustración puedes observar cuál es la textura de la línea que pretendemos mantener. Su estilo recuerda a los viejos fondos de las series que la U.P.A. realizó durante los años 50 y 60. Siguiendo el antiguo método tradicional de animación, el dibujo tradicional sobre papel y la pintura en acetatos, este estilo se conseguía con el uso de herramientas tradicionales.  Para conseguir este resultado empleando Photoshop deberás tratar el dibujo escaneado siguiendo unos pasos muy concretos.

05.- CAPAS CON MASCARA

Para ello seleccionaremos el blanco como color frontal; en el menú del programa vamos a Selección>Gama de colores y aumentamos la tolerancia al máximo, 200, con objeto de hacer una selección de todo el blanco de la imagen. Borra la selección. Así conseguiremos obtener un documento en el que mantendremos únicamente la línea. Arrastra la capa al modo Máscara. Abre la pestaña Canales y comprueba que has creado una nueva capa con el nombre Capa 0 Máscara.

06.- LISTOS PARA PINTAR

Duplica la capa Canal. Vuelve a la pestaña de Capas y elimina la máscara de la capa de la línea. Vuelve a Canales y, teniendo la capa de la máscara activa, carga la selección de la línea pulsando el icono correspondiente de la parte inferior de la ventana. La línea ya está salvada con la calidad que pretendemos. Selecciona ahora la opción Color RGB en el menú Imagen>Modo y el background ya está listo para pintar.

07.- UN COLOR DE BASE

Comenzamos el trabajo de pintura. Crea una capa nueva a la que podrías llamar Color base. Con la herramienta Pintura rellena con el color predominante del fondo.  Abriendo una nueva capa comienza con los detalles; con la Pluma crea las selecciones que pintarás con el pincel que te convenga.

08.- SIMPLIFICA

Al haber trabajado con tantas capas como detalles hayamos aplicado, te facilitará el trabajo el acoplar todas las capas de color en una sola. Para ello enlaza todas las capas de color que has creado y en el menú desplegable selecciona Combinar Enlazadas.

09.- VUELVE A SIMPLIFICAR

Manteníamos la línea de lápiz en una capa aparte para preservar su textura. Con objeto de facilitar el manejo de las capas combina línea y color convirtiendo el background en una sola. Ya puedes dar el background por terminado. Ahora te ocuparás del resto de partes del layout.

10.- ESCANEAR LA TINTA

Al tratarse de un pasado a limpio entintado los parámetros de escaneado varían. Para obtener la calidad deseada y mantener un aspecto lo más fiel posible al original escanéa el dibujo a 300 ppp como mapa de bits colocando el umbral a 140. Una vez en Photoshop, en el menú Imagen >Modo>Escala de grises. En el menú Selección ve a la opción Gama de Colores. Pon la tolerancia a 200 y guarda. En la pestaña Canales aparece una nueva capa con la selección efectuada. Ya tienes la línea guardada. Vuelve, ahora, a la opción Imagen y en la opción Modo selecciona Color RGB. Listo para pintar.

11.- A POR EL UNDERLAY

Pinta el underlay del sofá siguiendo la misma técnica empleada en el coloreado del background;  realiza selecciones con la herramienta Pluma para crear reservas y pinta con el pincel.

12.- CREA TU PROPIO PINCEL

En la ventana pinceles manipula los parámetros del pincel que más te convenga hasta conseguir el efecto que desees. Para dar una coherencia pictórica al estilo de tu ilustración restringe el uso de los pinceles. Nosotros, en éste caso, hemos empleado un solo estilo de pincel  para conseguir el resultado que deseábamos.

13.- ARMONÍA CROMÁTICA

Emplea una paleta de colores similar a los usados en el background para mantener el estilo de la serie. De este modo conseguiremos también que los personajes prevalezcan sobre todos los elementos de la composición, que los detalles del fondo no destaquen sobre ellos restándoles protagonismo. Una vez hecho esto, ya tendrás el underlay acabado y listo para encajarlo sobre el background.

14.- A TODO COLOR

Compón la ilustración ya coloreada según el layout de línea. Organiza y nombra tus capas para facilitar tu trabajo.

15.- LA HOJA DE MODELS

Para empezar a pintar los personajes debes utilizar la hoja de models. Esta documentación forma parte de la biblia gráfica de la serie y consta de unas cuantas poses del personaje (attitudes) y del desglose de los colores que lleva.

16.- PINTA Y COLOREA

Pinta los personajes actualizando los colores establecidos en la hoja de models.. Como en este caso solo se trata de rellenar con el cubo de pintura podrás utilizar una sola capa sin problemas.

17.- MANTÉN EL RACCORD

Ahora ya tienes los personajes a color. Asegúrate de no haber cometido ningún error con la actualización de colores de la hoja de models ya que eso podría ocasionar un fallo de raccord

con los planos anteriores y con los que siguen.

18.- LA PIEZA QUE FALTA

Coloca los personajes en el fondo, ahora ya puedes ver si la integración general de la escena funciona cromáticamente. Coloca ahora el overlay de la televisión en un primer plano.

19.- LISTO PARA ILUMINAR

Siguiendo la misma pauta que hemos empleado para colorear background y underlay pinta ahora esta nueva capa.

El layout ya está dispuesto para darle luz y atmósfera.

20.- AMBIENTA LA ESCENA

Como la luz que ambientará la escena procede del televisor en primer plano, ilumina el dibujo en consecuencia. Para ello crea una selección sobre el fondo con la herramienta del Lazo Poligonal. La selección que has realizado será la que permanezca con sus colores naturales.

21.- MANIPULA LA LUZ

Con la selección ya hecha crea una nueva capa de ajuste y activa la ventana de Tono/saturación. Dale unos valores tales que reduzcan la luminosidad y la saturación de la escena hasta conseguir la atmósfera que deseas.

22.- INTEGRA A LOS PERSONAJES

Activa la capa de los personajes y comprueba si la iluminación genérica es de tu agrado. Los personajes han de destacar sobre el fondo estando a la vez integrados en el mismo. Ahora dota a los personajes de la misma iluminación que afecta al background para que su integración sea perfecta.

23.- SOMBREA

Aquí no cabe experimentación alguna; vuelve a recurrir a la hoja de models para actualizar el color exacto de las sombras de los personajes. Utiliza la herramienta Pluma para realizar trazados que rellenaremos del color que corresponda a la sombra de cada personaje. Intenta que tus trazados dibujen bien el volumen del personaje.

24.- LISTO PARA ANIMAR

Ya tienes listo tu layout a color. Ahora solo falta que los animadores hagan que tres animales australianos animen sin desmayo a su equipo.

Y como parte del proceso tenemos que poner un codigo… pues aquí está: HKN8W7EZ62DT

“Després de dos mesos donant-hi voltes i treballant-hi, hem aconseguit posar-nos d’acord per llançar Geeks.cat, un blog que pretén ser la guia geek de tecnologia (i internet) en català. Ara mateix som quatre els redactors que dia a dia us presentarem les novetats en el món de la tecnologia fent especial èmfasi en la tecnologia d’aquí, del nostre país. El nostre objectiu és que vosaltres, els nostres lectors, tingueu una visió global i no del tot objectiva del món de la telefonia mòbil, la informàtica i els gadgets en general, amb pinzellades de temàtiques relacionades com internet i les xarxes socials….”

Sort amb el projecte, i a veure si el veiem ben viu!

Por otro lado, muchos diseñadores han visto en el mundo de la moda el sector ideal donde desarrollar su trabajo con más libertad, alejando su tarea de la que hasta entonces se entendía en muchas ocasiones por la labor de un diseñador gráfico; maquetar, diseñar revistas, carátulas de discos y carteles.

La moda en las últimas décadas ha estado buscando siempre innovar; cazando talentos y poniendo su punto de mira en el diseño gráfico experimental, donde diseño e ilustración y arte se entremezclan.

Son muchos los casos de diseñadores gráficos que montan, a la vista del éxito de sus creaciones, su propia tienda de camisetas o sus propias ediciones limitadas sin necesidad de generar su propia marca registrada. Todavía recuerdo la ya inexistente marca de ropa Derush, en la que podías por comprar por Internet camisetas con los diseños de Mike Young, Nathan Flood…

Y es que hablar de diseño y moda es sin duda hablar de camisetas, la famosa t-shirt, lejos de ser ya una prenda de vestir que utilizaban los obreros ingleses de la revolución industrial, se ha convertido en uno de los iconos de la moda, de soporte para la protesta social, de referente del merchandising y en definitiva de un espacio libre de unos 25 cm x 25 en el que cualquier cosa que sea llamativa es válida.

Siempre diseño y moda irán de la mano, ambas beben de las mismas fuentes, la estética, lo visual, lo bello, etc., lo que sería interesante es que algunas grandes corporaciones del mundo de la moda como Zara, Pull & Bear, Springfield y un largo listado de ellas, no se dedique a contratar a diseñadores por dos pesetas para tenerles todo el día plagiando los diseños de artistas y profesionales de actualidad que realmente son los propietarios intelectuales de sus ideas, lo que me lleva a decir que el diseño, al igual que la moda si se quiere de calidad que se pague…

Anibal de la Fuente
planilandia.com
Publicado en AyD 125

En mi opinión hay tres herramientas imprescindibles:

• Web Developer Toolbar: (extensión del Firefox). Añade una barra de herramienta en el FF con distintas utilidades para poder “analizar” una página. Algunas de las cosas más útiles en mi opinión son:
  • Dado un punto cualquiera de una pagina te dice su jerarquía. Outline Current Element
  • Ver / modificar los datos de un formulario.
  • Edición “en caliente” del html y del CSS.
  • Permite mostrar multitud de información encima de los propios componentes de una página.
• Firebug: (extensión del Firefox). Gran extensión que a su vez tiene otras extensiones… en algunas funcionalidades es similar a Web Developer Toolbar
  • Dado un elemento de la pagina puedes deshabilitar los estilos que se le aplican, de una forma muy gráfica
• YSlow:  (extensión del Firebug : Herramienta desarrollada por la gente de Yahoo que permite analizar el rendimiento de una web. Nosotros la hemos utilizado y hemos corregido dos cosas de DorsumiNews
  • Hemos añadido fecha de expiración a todas las imágenes. Por lo tanto el navegador las guarda en la cache. No eramos conscientes de ello, y esta herramienta nos lo advirtió.  Para hacer esto tenéis que manipular el fichero .htaccess
  • Hemos “reducido” todas la imagenes. Aunque ya eran bastante pequeñas, la herramienta Smush It las reduce automáticamente sin “”"perdida de calidad”"”. Realmente es muy cómoda de utilizar… Le indicas la URL, el te indica cuanto ha podido reducir cada imagen, y te permite descargar un zip con toda la estructura de directorios de tu web con las correspondientes imagenes. Así, es muy fácil reemplazar la imagenes del servidor.

Nos queda una similar a YSlow, pero esta vez de la gente de Google. Personalmente no la he utilizado mucho pero también es interessante.

• Page Speed i Page Speed Activity de google. (otra extensión del firebug) Permiten ver todo lo que tiene que hacer un navegador para visualizar una web, permite ver donde “se encalla” y cosas similares.

Para mi estas son imprescindibles, si conocéis alguna mas indicadlo en los comentarios, a ver si entre todos descubrimos alguna cosa interesante.

Anibal de la Fuente
planilandia.com
Publicado en AyD 124

Lo que hace lo hace bien, si, pero solo lo hace dentro de google wave… no avisa por mail, no tiene feeds… nada. Y por lo tanto tienes que conectarte regularmente para ver si alguna de tus “ondas” ha evolucionado o no. Y ademas obliga a las dos partes o mas partes de la comunicación a estar dentro de google wave, no te permite comunicar con el exterior.

Ah, si alguien quiere invitación para google wave que lo comente o me envié un mail y le paso una.

Por los que no lo hayas visto os pongo una captura ….

google wave

…realmente no sé si decir “ya hace 16 años” o “tan solo hace 16 años”….

El autor del blog (Mark Pilgrim) ha recogido y comentado los mensajes que se intercambiaron por esas fecha la gente de la lista www-talk, y gracias a ellos podréis entender por que una aportación de un chico de 22 años, Mark Andreessen, que por ese entonces trabajaba desarrollando el navegador Mosaic en el National Center for Supercomputing Applications, acabo por imponerse a otras propuestas…

Podéis ver toda la discusión que propició la aparición del tag img en el blog:
http://diveintomark.org/archives/2009/11/02/why-do-we-have-an-img-element
Esta bien recogida y con comentarios interesantes sobre los navegadors del momento, y un poco de” quien es quien” en la discusión.

Encontrareis mas información en las respectivas webs así como en la web de exgae.net

Justo hoy leo aquí mismo el articulo sobre realidad aumentada para seguir la progresión de la alpinista Edurne Pasaban y minutos mas tarde en un blog que leo regularmente al autor habla también de realidad aumentada.

En este caso el autor comenta una aplicación para iphone que te muestra sobre la pantalla del iphone información sobre en que dirección y a que distancia se encuentran las estaciones de metro. Su funcionamiento consiste en mostrar sobre la imagen capturada por la cámara información de dirección y distancia.

La aplicación en cuestión se llama “Barcelona Nearest Metro” y os adjunto a continuación las capturas de su propia web donde se ve como funciona.

Posición horizontal

Posición Vertical

Es un producto de 2€ y los autores (Acrossair) han desarrollado lo mismo para Paris, Madrid, Tokio, San Francisco….

La empresa que lo ha desarrollado, Acrossair, tiene sedes en Inglaterra, Estados Unidos y India, esta especializada en este tipo de aplicaciones para el iphone, y como muchas empresas de nuevas tecnologías buscan gente …

Ah, y en la web de la BBC hay un vídeo de 3 minutos donde se puede ver en acción.

http://news.bbc.co.uk/1/hi/technology/8194222.stm

Anibal de la Fuente
planilandia.com
Publicado en AyD 120

A menudo se oye decir que las palabras impresas existen para ser leídas; sin embargo, eso es subestimarlas. La impresión de la misma es una actividad ancestral practicada de múltiples formas y es por ello que a lo largo de los años las piezas que componen estos pequeños jeroglíficos se han ido clasificando con denominaciones distintas y a su vez, estas definiciones han adquirido formas propias con rasgos y acabados muy concretos que las han identificado de forma precisa e individual.

La clasificación de los tipos sirve para aclarar las sutiles diferencias entre estilos de letras, además de ayudar a explicar la razón de dichos cambios. Asimismo, ayuda al diseñador a elegir el tipo más apropiado, ya que las diferencias históricas y culturales inherentes a un tipo de letra suelen proporcionar una importante dimensión adicional a un texto. (David Jury, 2002).  Los distintos diseños tipográficos que aparecen a lo largo de la historia de la tipografía son “hijos” de su propia época y están enmarcados en los gustos, modas y estilos artísticos del momento, por lo que una buena manera de clasificarlos es haciendo referencia a esos periodos artísticos.
Esta forma de clasificación está basada en la creada por Robert Bringhurst, autor del libro The elements of Typographic Style.

Este es un tema en el que los entendidos nunca se han puesto de acuerdo, puesto que hay más de una fórmula para entender este mundo, como la planteada por Thibaudeau en 1921 y que está basada en la forma de los remates; o la de Maximilien Vox de 1954, que posteriormente fue adoptada y mejorada por la Atypi. (unostiposduros.com)

En este caso analizaremos los tipos Industriales o lineales -“según con el ojo que se mire”- por ser uno de los más utilizados y estilizados del momento, y en especial la Helvetica y su hermano pequeño Akzidenz Grotesk.

UN TIPO INDUSTRIAL

También conocidos como grotescos, lineales o Sans Serif. Se trata de las fuentes aparecidas al amparo de la revolución industrial y sus nuevas necesidades de comunicación.
La popularidad de los tipos Industriales se basaba en su falta de remates y en que no estaban apiñados. Eran muy legibles, por lo que resultaban ideales para frases breves y claras. Fueron muy utilizados en carteles publicitarios, pan” etos, catálogos industriales, rotulación, etc.. y más tarde adaptados para el texto continuo. Pero las prisas por responder a la gran demanda social supusieron una disminución de la calidad en las primeras  versiones. Aunque son originales del s.XIX, las características minimalistas y geométricas de los primeros tipos de palo seco ofrecieron, después de la Primera Guerra Mundial, un buen punto de partida para los diseñadores que deseaban establecer una forma de comunicación capaz de reflejar el optimismo de una edad moderna y aprovechar las  ventajas sociales de la mecanización y laproducción en masa. (David Jury, 2002) Uno de los máximos exponentes de principios del s.XX es la Akzidenz Grotesk o Standard, tal y como es conocida en Estados Unidos.
Akzidenz Grotek es un tipo grotesco, de palo seco y sin remates, pesado y voluminoso por definición y de incierta procedencia.
Parece ser que en sus orígenes el concepto Grotesk englobaba una variedad de fuentes con las características mencionadas anteriormente. Ferdinand Theinhardt y Vincent Figgins, con Royal Grotesk y Sans, respectivamente, fueron de los primeros abanderados en representar esta idea.
El concepto Grotesk proviene de Alemania y de la palabra “Akzidenzschrift”, usada para denominar las tipografías sin serifa del s.XIX. en las imprentas comerciales.  Akzidenz Grotesk, tal y como se conoce actualmente, fue diseñada en 1896 por Günter Gerhard Lange para la Fundación Berthold en Berlín, alcanzando gran popularidad entre los tipógrafos del llamado estilo suizo.
Fue sobre todo el gran referente durante la década de los 50 para la construcción de la Neue Haas Grotesk, conocida posteriormente y tras un proceso de modulación más correcto, como Helvetica, que fue diseñada por Max Miedinger y Edouard Hoffman.
Entre otras versiones inspiradas con los estilos grotescos destacan:

- Franklin Gothic: Diseñada por Morris F. Benton en 1908 para la American Type
Founders Company, siendo una de las tipografías sin serif más populares y una de las más usadas dentro del estilo grotesco. En realidad, es una versión de la popular tipografía grotesca que Vincent Figgins diseñó en 1830. (es.letrag.com)

- Trade Gothic: Fue diseñada por Jackson Burke entre los años 1948 y 1962 para ser utilizada en periódicos, especialmente para titulares y anuncios clasificados. (es.letrag. com)

- News Gothic: De 1908. Morris Fuller Benton diseñó las versiones más ligeras helvetica.indd 35 18/2/08 18:09:03 noticias entrevista de esta tipografía para la American Type Founders. El diseño original, con dos modalidades condensadas, es básicamente una versión Light de la Franklin Gothic y muy parecida a otras tipografías sin serif de principios del siglo XX, como la Alternate Gothic. (es.letrag.com)

- Impact: Tipografía pesada y condensada, diseñada en 1965 por Geoffrey Lee y publicada por primera vez por la fundición Stephenson Blake. Este diseño compacto, en forma de bloque y con unos trazos muy gruesos, consigue atraer y fijar el ojo del lector. (es.letrag.com). Otros estilos parecidos al grotesco por sus formalidades son: neogrotesco, geométrico y Humanista.

- Neogrotesco: Es quizá el más parecido o incluso el más difícil de identificar dadas sus características formales. Tal y como dice su nombre, es el primer exponente de la forma grotesca, teniendo sus caracteres un aspecto más formal, digamos “diseñado”, que el anterior. Entre ellas destacan Univers, Folio o Venus.

- Geométrico: Son tipos Sans Serif que siguen las reglas de las formas geométricas minimalistas, inspiradas en el círculo, cuadrado y triángulo y en los postulados y estética de los movimientos vanguardistas de finales del siglo XX como la Bauhaus. Algunos de sus exponentes son, Futura, Kabel o Metro.

- Humanistas: Quizá son el patito feo de la familia, puesto que no siguen muy al pie de la letra a sus antecesores, sino que sus raíces se retrotraen a las inscripciones romanas y  también a la escritura manual de caja baja de los humanistas del Renacimiento. Entre ellas destacan Gill Sans, Optima o Syntax.

MAX MIEDINGER, GRAN MAESTRO

Max Miedinger nació el 24 de diciembre de 1910 en Zurich, y ya de bien jovencito apuntaba dotes de artista. En 1926 empieza a dar sus primeros pasos como aprendiz de cajista en la imprenta “Jaques Bollmann” en Zurich. Cuatro años más tarde completa su formación académica asistiendo a los cursos de noche en la Academia de Artes en Zurich.
En el año 1936 consigue su objetivo y logra trabajar como tipógrafo para la agencia publicitaria de los centros comerciales “Globus”.

Después del fin de la Segunda Guerra Mundial se muda a Münchenstein, cerca de Basilea, para comenzar como comercial en la fundición Haas, pero el director Eduard Hoffmann valora su versatilidad, y sobre todo su gran talento tipográfico, y le encarga la modernización de estilo de un tipo san serif de la propia firma. (xabel.com/Die 100 Besten Schriften)
El tipo era Haas Grotesk y se basaba en la Akzidenz Grotesk de la Fundición Berthold de finales del siglo XIX, que el maestro, con el tiempo, la convirtió en el Neue Haas Grotesk. En verano de 1957 la Fundidora Stempel, en Frankfurt, Alemania, adquiere la Fundación Haas (junto con los derechos de los diseños originales). Los nuevos dueños  (particularmente Walter Cunz) deciden desarrollar una serie completa con diferentes pesos y renombrarla como “Helvetica”. La fundación Stempel la lanza comercialmente para las máquinas Linotype y en poco tiempo, ayudada por su nuevo nombre, alcanza el éxito.
Sale al mercado en 1961 y logra una gran repercusión en los años sesenta, cuando grandes corporaciones crean sus logotipos con “Helvetica”, entre ellas Lufthansa, Bayer, Deutsche Bahn, BASF y BMW.

HELVETICA

Considerada pues, desde casi sus inicios, como la tipografía universal, la Helvetica,  sinónimo de excelencia, impacta por su legibilidad y funcionalidad. Actualmente es  una de las fuentes más desarrolladas para el campo digital y se puede utilizar para todos  los formatos y la mayoría de los idiomas conocidos. Para mejorar aún más la lectura  en su reproducción digital se diseñó la Neue Helvetica, que eliminaba todos los pequeños  defectos del dibujo original, mejorando así su legibilidad.

Con la aparición del formato Opentype llega la Helvetica World, que al ser diseñada con esta nueva plataforma permite la perfecta compatibilidad entre Mac y PC, consigue la posibilidad de incluir hasta 65.000 glifos diferentes y es capaz de soportar hasta 48 idiomas. (BauerTypes para su magazine digital Types or Types (TOT).

Algunos dicen que es aburrida y neutra, mientras otros alaban sus excentricidades, pero lo cierto es que la Helvetica expresa el estilo suizo de los 50, con su máxime en los años 60, siendo un referente actual y un puntal en la enseñanza. Es la tipografía “custom” para los diseñadores. Es noble, con lectura y perfecta en sus acabados, es un tipo seguro.
Hay pocos riesgos, pero si no sabes tratarla correctamente se puede convertir en el objeto más soso del mundo.

¡Usa Helvetica, no seas grotesco!

Bibliografía:
Tipo de Fuentes Editorial Index Book
Barcelona 2002, por David Jury.
La tipografía del siglo XIX, Editorial Gustavo Gili,
Barcelona por Blackwell Lewis
Catedra Langinotti
Esletrag.com
Bauer types magazine digital Types or Types
(TOT)
Periodico ADN
Izofont.com
Unostiposduros.com
Fontfont/Die 100 Besten Schri” en
Fotografías Helvetica to a typeface por
Lars Müller
helvetica.indd 37 18/2/08 18:09:26

Articulo de Jordi Villafranca (Estudi typorvila) publicado en el Especial AyD: Guía Photoshop

Me voy sumergiendo en un pensamiento ingenuo inadvertidamente. Me voy abstrayendo de la realidad…- Y cierro esto ¿Para qué quiero saber quién ha visto las fotos de  perfil ?
Otro vocabulario que se está reinventando es el diseño minimalista. Una corriente -¿Nueva?- que está redescubriendo elementos que recuerdan el estilo clásico del Modernismo gráfico, tales como la impresión de serigrafía, la tipografía clásica, la caligrafía y el arte popular.

Inspirados (repitiendo ciclos inventamos lo nuevo) en  leyendas de la América del siglo XX, como Saúl Bass, el maestro indiscutible de los títulos de crédito, así como el modernista Charley Harper y el artista gráfico y diseñador textil Alexander Girard, un grupo de diseñadores –No agrupados en una escuela, sino dispersos y globalizados- están creando nuevas y sorprendentes imágenes  utilizando llamativos colores y trazos con fuertes componentes folkloristas.
El nuevo lenguaje, desarrollo o tendencia del diseño gráfico está teniendo resultados excelentes en  carteles artísticos, cubiertas de libros y discos y estampado en textiles.

Este espectacular renacimiento de la modernidad clásica en el diseño gráfico contemporáneo, de sencillez aparente, está documentado en un libro que edita Gestalten books. He subido algunas de sus imágenes a mis fotos de perfil y he recibido cinco pulgares y un comentario: “Brutal!”

montse@berlin-libros.com
berlin-libros.com

Crónica del viaje a los Reencuentros Arles 2009

Así lo justifican sus 40 ediciones y sus 66 exposiciones que desde el 7 de julio al 13 de septiembre del 2009 mantienen a Arles en el punto de mira de miles de devotos fotógrafos de todas las edades y de todos los rincones del mundo.
A parte de las 66 exposiciones, el festival también cuenta con conferencias, presentación de libros y firmas, coloquios, entrega de premios,  proyecciones nocturnas, festival de músicas del mundo, venta de fotografías y de libros antiguos en el espacio Van Gogh y un largo etcétera de actividades paralelas que convierten a Arles en un pequeño paraíso de la fotografía en un entorno inmejorable como es la Provenza francesa. En definitiva,  un buen número de motivos para convertir a los reencuentros en un evento multitudinario de 40 años de exposiciones y de cultura de la imagen.
En nuestro quinto año de visita manteniendo la misma ilusión del primer año, Luís, amigo y fotógrafo a ratos libres, Zaki mi mujer y traductora, y yo mismo, Fran, fotógrafo anónimo a ratos y uno de tantos que se preocupa por ver y leer sobre fotografía todo lo que puede, nos hemos desplazo a Arles por unos días para contar a nuestro amigos de Digitalfoto todo lo que ofrece este magnífico festival.
En nuestro primer día nos acercamos a la Rue du Docteur Fanton a recoger los pases de prensa, y de camino nos tropezamos con la primera sorpresa: Joan Foncuberta, sentado en el exterior del edificio y sumergido en una vídeo conferencia con su ordenador como herramienta de por medio, el cual hizo como si no se percatara de que un individuo le fotografiase con insistencia Japonesa.
Las exposiciones mantienen las características de otros años:  poco reportaje de guerra y mucha fotografía de autor con obra personal de muchos artistas noveles y muchos otros ya consagrados. El mayor número de exposiciones sigue estando concentrado en la zona de los parques de los Ateliers, grandes naves ocupadas por fotografías de toda índole que, por unas cuantas semanas, transforman esta zona en pura vida humana y fotográfica.

Es aquí donde encontramos la obra de artistas de la talla de David Armstrong , Marina Berio, Jean-Christian Bourcart, Antonie D’Agata, Lisa Ross, Joan Fontcuberta, Attila Durak, Giorgia Fioro, Laurence Leblanc , Lionel Roux , y otros muchos artistas de la oscura cámara, llamándome la atención de forma especial las fotografías de Giorgia Fioro ya que me recordaron al estilo de Cristina García Rodero. También me sorprendió el trabajo de Leigh Ledare, de una brutal intimidad entre el artista y su madre, a la que fotografía durante años en sus relaciones amorosas con amantes o en momentos de masturbación. Un trabajo de años, de intimidad y de pudor inexistente, un trabajo tan interesante como arriesgado.

A modo de crítica personal, también me gustaría comentar lo mucho que me impresionó, aunque en este caso de forma negativa, la exposición de uno de los fotógrafos consagrados del que no daré nombre por aquello de que yo no quiero criticar de forma abierta a la persona, pero sí a estas fotografías en concreto que, a mi modo de ver y dentro de mi ignorancia me parecieron de poca calidad. Se trata de unas grandes ampliaciones de tamaño sábana de cama individual colgadas de un cable con pinzas y que tienen una apariencia de una pizarra llena de tizas blanquecinas emborronadas en forma de nubes. ¿Tal vez una simple broma del artista ? ¿Tal vez arte en estado efervescente? Que cada cual saque sus propias conclusiones, pero yo me quedé desmontado cuando las vi. Y es que eso es lo que tiene ir de exposiciones, ni todo te va a gustar ni todo te va a parecer malo, pero lo que sí está claro es que la  imaginación de otros es la estimulación de uno mismo y que esto, junto con la meditación de lo allí visualizado tiene que ser utilizado para que cada uno aprenda a mirar y a crecer como artista. El fotógrafo actual  lee  mucho sobre tecnicismos y sobre programas de retoque y se olvida del misticismo del pensamiento artístico para crear imágenes oníricas o no, pero que sean creatividad pura y dura, sincera, intimista, sin artificios innecesarios y con estilo propio (no necesariamente por ese orden).
Ver fotografía es alimento para el intelecto,  disparar es la finalidad imprescindible de todo fotógrafo. La visualización de fotografías nos lleva de la decepción a la máxima de las admiraciones y así cada año con todas las exposiciones. Este contraste inevitable siempre resulta interesante e intenso.

Volviendo a las exposiciones del casco urbano es curioso ver cómo a veces resulta tan espectacular el espacio expositivo que este resta fuerza a las imágenes, quedando por momentos en un segundo plano. Algunos edificios tienen interiores de un encanto fuera de lo normal, tanto que al final tienes que hacer un esfuerzo de concentración para no caer en la tentación de mirar más los techos, los suelos, las lámparas, los mármoles, las bóvedas o los arcos antes que las propias fotografías. Eso es lo que sucede cuando uno asiste a un festival ubicado en una ciudad milenaria. Al final es el conjunto de un todo, Arles es vieja pero hermosa, aquí se estableció la colonia de veteranos de la legión Romana. Aquí nació y murió la mujer que alcanzo los 122 años de edad, Jeanne Calment, récord de edad en un ser humano, la cual llegó a conocer a Van Gogh en la tienda de su padre, frecuentada de vez en cuando por el artista. Y aquí pinto y vivió el artista de pelo rojo durante una época en la que Arles irradiaba la misma magia que ahora. Por último solo mencionar que aquí se encuentran monumentos que han sido declarados Patrimonio de la Humanidad como Las Arenas , el Teatro Antiguo, los Criptopórticos, las Termas de Constantino,  las murallas de Castro Romano y el Museo Arleten entre otros.

Un servidor aconseja la visita Arlesiana una vez superada la primera semana de festival, ya que encontraremos mejores precios de hotel y más habitaciones libres. Por otro lado, hay que decir que la primera semana es más intensa a nivel de actividades, pero viajar fuera de la semana de abertura tiene ventajas,  precios más asequibles y  más tranquilidad. Otra buena opción es viajar en septiembre, supuestamente con menos calor. Si deciden viajar este año esperamos que lo disfruten tanto como lo hemos hecho nosotros.

Autor: Fran Berbel

Imaginemos que sí, que cada alumno se instala en su pupitre todas las mañanas y que el profesor ejerce su tarea, no de educador, sino de manual de usuario. Imaginemos que guía a los chavales para que se descarguen (por un precio inferior al del libro de texto convencional) tal o cual contenido, y que los chavales siguen la lección mirando cada uno su pantalla y avanzando con un click en el interactivo.

Imaginemos también que todo eso, además de significar una reducción real para las familias en coste de libro de texto en soporte papel, no supone una merma real en el proceso y la calidad del aprendizaje de los niños, que eso no aumenta aún más sus errores ortográficos o su dificultad para escribir a mano, que la lectura constante desde una fuente de luz (que ya no es ni la consola, ni el televisor, ni el ordenador de sobremesa de casa ni el móvil) no termina por fundir sus jóvenes retinas, y que el gobierno que quería ahorrar el gasto del libro de texto tiene ahora que inventarse un plan nacional de salud visual, y una subvención para pagar las gafas graduadas de los pequeños miopes.

Imaginemos que ahora que los dentistas han perdido el filón infantil gracias a la higiene bucal y abundante nutrición, ahora que resulta que sí hay una manera de prevenir la caries porque hay una vacuna que antes también existía pero que a nadie le interesaba producir, pues imaginemos que ahora son los oculistas y los oftalmólogos, a los que tampoco les iba mal, los que se hacen con el negocio. Tampoco les iba mal a los técnicos informáticos, tampoco a los fabricantes de software y hardware, ni a las operadoras de telefonía, pero imaginando vemos un futuro mucho más prometedor para su sector. E imaginando que los sistemas operativos no apuntan a ser software libre de código abierto, sumemos.

Imaginemos que nadie roba esas máquinas a caballo entre el portátil y el libro digital, que nunca se rompen, que no se vuelven obsoletas y que, contrariamente a lo que ocurría con el libro de texto, pueden heredarse entre hermanos (oh, no, perdón, cada hermano va a necesitar un terminal). Imaginemos que ese material informático no va nunca a parar a un vertedero, con su batería y sus microchips. Imaginemos que el gobierno no tiene entonces que activar un plan nacional, desde el ministerio de medio ambiente, para gestionar tales residuos.

En definitiva, imaginemos que aquí nunca tapamos un roto con un descosido, imaginemos que aquí sí sabemos que la solución a un problema como el precio moderado de la educación de los más pequeños (libros y material escolar) y la adaptación a las nuevas tecnologías pasa, como todo, por la lógica y el sentido común y no por el efectismo.

Texto e ilustración: Cuático!
www.cuatico.net

Anibal de la Fuente
planilandia.com
Publicado en AyD 119

14-Seleccione de nuevo un área lo suficientemente grande que integre toda la costura junto con bastante carne para que podamos realizar la fusión sin problemas, ya ocultaremos todo lo que sea necesario con la máscara (mas vale que sobre que no que falte, dice un sabio refrán) Arrastre y coloque esta área seleccionada en una capa superior del documento que estamos trabajando, (si no ha cambiado el nombre será “eskua”)

15-En este caso debemos prestar especial atención a la volumetría de la fisonomía de la pierna, entender el volumen y la forma que debe adoptar el cosido que circunda al muslo. Una vez lo tenemos claro, modelamos la costura con el filtro licuar ayudados por la maya para ver la deformación que va a sufrir. Aconsejo que utilice un pincel de 70 aproximadamente.

16-En este pantallazo puede apreciar el aspecto que puede tener la máscara de capa destinada a ocultar zonas de carne de cerdo que se fusiona paulatinamente con la humana, y cómo podemos definir con mucha más precisión algunos contornos que devuelvan nitidez a la imagen.

17-Haremos ahora la costura de la espalda, para lo que buscamos una costura que ya nos ofrezca al menos parte del cosido en un pronunciado escorzo. Para ello utilizaremos la imagen llamada “costura 6”. En este caso también tendremos que modelar mucho la imagen licuándola, así que para empezar intentaremos que coincida la mayor parte posible con su disposición final al colocarla. Esta puede ser la parte más posterior de la espalda.

18-La deformación que debemos conseguir puede parecer una exageración. Con este ejemplo puede hacerse una idea de la cantidad de licuado con el que debemos forzar la imagen.

19-De nuevo aplicamos una máscara de capa a esta última costura para fusionarla mediante diferentes veladuras de grises y manteniendo siempre las cuerdas y las perforaciones bien nítidas. Prestaremos especial atención a aquellas zonas que han sido peor tratadas por el filtro “licuar”, como es la zona dorsal en este caso.

20-Hagamos ahora un ejemplo de ajuste de color de mucha precisión: Para minimizar el sonrosado de la carne de cerdo de la zona lumbar, subiremos muy sutilmente la curva de los verdes “G” fijando en las zonas claras y oscuras unos puntos con igual valor de entrada y salida, mientras que subimos las zonas medias mediante un punto con el valor de entrada 124 y de salida 132. Sirva de ejemplo de la sutileza con la que debemos trabajar.

21-Usamos la imagen “costura7” para el cosido del cuello del mismo modo que hemos hecho hasta ahora. Transformamos, giramos, escalamos, ajustamos curvas (oscurecer bajando la curva de RGB) y aplicamos una máscara de capa para poder fusionar controlando cada zona intentando que parezca que la costura se oculta debajo del pelo de la cabeza.

22-Volvemos a utilizar la imagen “costura6”, por su perspectiva, para seleccionar trozos de costura que nos sirvan para hacer los pequeños cosidos de las puntas de los dedos de la mano grande de arriba. Tendremos que modelar la forma curva otra vez con el filtro licuar. Seguidamente fusionamos las costuras con los dedos mediante máscaras y ajustes de color seleccionando zonas si es necesario.

23-Abra la imagen “cuerda1” y “cuerda2”, seleccione tiras de cuerda lo más largas posibles y vuélquelas sobre la imagen que trabajamos. Empalmaremos trozos y los colocaremos a modo de hilos manejadores de la marioneta. Irán desde las costuras de los dedos de la mano hasta las costuras de la marioneta así que han de ser de grosores similares a las cuerdas de los cosidos.

24-Mediante ajustes como curvas, brillo-contraste, etc, corregiremos el color de la cuerda seleccionando zonas de sombra o de luces dándole más volumen. Construimos uniendo trozos a nuestro gusto. Y finalmente fusionamos los extremos con máscaras o borrando de modo que parezca que los hilos salen de las perforaciones de la carne.

25-Ampliamos el lienzo (tamaño de lienzo) hacia la derecha hasta 33 cm. Abrimos la imagen “aragi” y la volcamos y la insertamos en nuestro trabajo, procurando siempre que lo que integramos quede en la capa más alta. Esta vez lo escalaremos y rotaremos para que se adapte al brazo, para lo cual podemos restarle opacidad a la capa antes de transformar y poder ver ambas cosas.

26-Devolvemos el 100% de visibilidad a la capa y ajustamos el color mediante curvas esta vez aclarando la imagen (subiendo las curvas RGB) y bajando el dominante rojo (bajando la curva R).

27-Mediante máscara de capa fusionamos la carne del cosido con el brazo y de paso podemos hacer un primer recorte del contorno, pero siempre mediante la máscara de capa (mientras podamos hacerlo sin borrar podremos corregir el recorte siempre que queramos)

28-Cuando hemos aclarado la carne del último cosido, hemos perdido contraste en las cuerdas u hendiduras de la costura. Podemos devolverle algo de contraste oscureciendo algunas zonas de sombra con la herramienta “subexponer” definiendo una presión baja para controlarla mejor con varias pasadas.

29-Hacemos una capa nueva y la colocamos en último lugar debajo de todas y la rellenamos de negro para hacernos una idea global de la imagen sobre fondo oscuro. Si el recorte de la carne que vemos en la ilustración es demasiado recortado, podemos suavizarlo aplicándole el filtro “desenfoque gaussiano” a la máscara de capa que lo define.

30-Vamos a ordenar las capas creando conjuntos de capas (carpetas). En la primera “marioneta y mano” metemos todas las capas que componen el cuerpo con sus costuras y la mano, y en la segunda “cuerdas y costura mano” meteremos las capas de las cuerdas, sus inserciones cosidas de los dedos y la costura de la base del brazo de la mano grande de arriba.

31-Abrimos las imágenes “fondo” y “dibujos” (Estos dibujos han sido escaneados del libro “Anatomía artística del cuerpo humano”.  Jeno Barcsay.) y los volcamos sobre nuestra obra en el orden que se puede apreciar en la ilustración superior. A la capa de los dibujos le definimos el modo Trama.

32-Sobre la capa que contiene la textura de colores tierra colocamos una capa de ajuste de Tono, Saturación y Luminosidad oscureciendo casi totalmente la imagen y virando sutilmente los colores hacia los verdes con el valor de tono.

33-Hacemos visibles los conjuntos de capas superiores para trabajar con una visión global y colocamos una capa de ajuste de “curvas” sobre la capa de los dibujos como se indica en el pantallazo sobre estas líneas. Se oscurece mucho pero ya lo aclararemos más tarde.

34-Es hora de recortar definitivamente la figura sobre el fondo. El conjunto de capas “marioneta y mano” contiene pastillas negras que han de ser ocultadas hasta recortar la figura. Añadiremos una máscara de capa a todo el conjunto de capas y enmascararemos todo lo sobrante. Tengamos en cuenta que las cuerdas están en otro conjunto, así que no nos molestarán para pintar sobre esta máscara.

35-Ahora sacaremos diferentes calidades y veladuras enmascarando las capas de ajuste; tono, saturación y brillo, y curvas. Intentaremos que estos tonos acompañen estéticamente a la obra.

36-Últimos retoques: 1- Desenfocar un poco la capa de los dibujos y quitarle algo de opacidad. 2- Capa por capa oscurecer algunas zonas para dar contraste (como en la cabeza de la figura). 3- Dar luz a las cuerdas si se han perdido entre el resto de elementos. 4- Ajustar los colores donde lo requiera (contrastar la mano) Etc.. Como todo está suelto, podemos retocar cualquier capa, parámetro, máscara,… Finalmente puede hacer un duplicado y acoplar la imagen.

“Se trabaja más y se cobra menos”

Esta es la frase síntesis que más se está repitiendo dentro de nuestro  mundillo en estos últimos meses y puedo dar fe porque soy uno de los primeros en soltarlo cuando me preguntan; para ganar lo mismo o menos este año hay que currar más. tanto los grandes como los que somos pequeños…
Era previsible, las agencias han realizado importantes ajustes de plantilla, los clientes cuentan con menos presupuesto y los resultados tienen que ser positivos, mucho o poco pero positivos. Esto se traduce en que hay que hacer más con menos recursos, tanto humanos como económicos.
Un dato, me contaban el otro día amigos que trabajan en algunas de las más importantes agencias de publicidad de España la cantidad de concursos a los que se están presentando este año, y es que yo creo que los clientes, aquellos que mueven la rueda, se están dando cuenta de que se puede jugar a esto con menos dinero y más competitividad. Dicen que muchos cosas después de la crisis no serán iguales, esto no iba a ser la excepción.

Yo creo que no consiste en darle una vuelta de 180º, lo que no se puede ahora es encarnizarnos en una guerra fraticida por conseguir clientes cueste lo que cueste, porque eso a medio plazo no beneficia a nadie y me refiero a cualquiera; freelances, estudios, agencias… lo que sí que hace falta es honradez y transparencia, algo que muchas veces se echa en falta en ambos bandos.
Por cierto, he oído mucho la frase de que sólo con creatividad se combate la crisis, pues miren la creatividad está muy bien, pero también hay que pagarla y sino se paga o se mal paga, los creativos nos la tendremos que guardar para mejores momentos.

Anibal de la Fuente
planilandia.com
Publicado en AyD 116

Cartell de les JPL 09

Las sesiones seran principalmente en catalan, pero tambien hay en castellano e inglés.

Teneis toda la información en la web http://jornadespl.org, donde podeis encontrar el programa completo (pdf dia a dia) o un resumen rapido.

Como cada año habrá distintos tipos de sessiones en las que podreis encontrar un poco de todo. Muchas de las sesiones són tècnicas, però por ejemplo tambien hay  tutoriales sobre Sage (gráficso 2D y 3D), Inkscape (dibujo vectorial), o una introduccion al trabajo multimedia en entornos GNU/Linux.

1. 1. Impacte del programari lliure (GNU/Linux) a Catalunya: Quants fan què?,
   2. strManager: replicador de paquets d’alta capacitat.

• Onze conferencias

1. 1. Science Commons
   2. LocalWeb. Gestió de portals en l’administració local
   3. Business Process Management
   4. Cenatic
   5. GenCat
   6. Sage (gràfics 2D i 3D)
   7. Comunidades Empresariales de Desarrollo de Software Libre
   8. Centro de competencia sobre software libre
   9. GeoGebra – Dynamic Mathematics & Open Source
   10. Selecció i configuració de programari lliure per a xarxes de servidors
   11. Presentació de BulmaGes

• Una mesa redonda

1. 1. Més enllà del Programari lliure

• Quinze comunicaciones cortas

1. 1. Asterisk, proxies SIP, servidores de aplicaciones. . . ¿A qué se puede jugar?
   2. Colaboración entre Personal Docente e Investigador: Estadística y gráficos con R
   3. Mistelix: una aplicació d’autoria de DVD i presentació de diapositives,
   4. La Comunitat Genweb,
   5. I-globalgest, un ERP amb servidor d’aplicacions i entorn de desenvolupament propis
   6. OpenFOAM: dinàmica de fluids computacional,
   7. Model predictiu d’actualitzacions software,
   8. El programari lliure en escoles de Barcelona. Un estudi de cas
   9. Narro: Traduccions col·laboratives via web,
   10. El projecte Sméagol de la Càtedra de Programari Lliure de la UPC,
   11. Zimbra Collaboration Suite: Einaper la comunicació i col.laboració de nova generació,
   12. Gestor de Continguts Web: Joomla,
   13. Programari lliure i educació pel desenvolupament sostenible,
   14. El Corrector: un projecte obert,
   15. Lin.cat: Una xarxa d’empreses de serveis professionals a la linkat

• Quatro talleres (*)

1. 1. Sage (gràfics 2D i 3D),
   2. Treball multimèdia amb Catix,
   3. L’Inkscape – Un editor lliure de gràfics vectorials.
   4. Introducció a Drupal

(*) Recordad que los talleres necessitan una inscripción específica

• Quatro tutoriales

1. 1. ERP iglobalgest, instal.lació, inici ràpid i introducció al desenvolupament
   2. Introducció a Octave i Scilab,
   3. Introducció a Ruby on Rails (RoR),
   4. Què és OpenERP/OpenObject?

• Encuentros de diversas comunidades

1. 1. Trobada de la Comunitat d’ubuntaires en llengua catalana.
   2. Trobada d’usuaris, instal·ladors i desenvolupadors de la xarxa oberta sense fils: Guifi.net

• Sesiones relampago

1. 1. Si quieres explicar tu idea, tu experiència puedes venir directamente.

Una forma de arte que se desarrolló inicialmente como una manera de añadir elementos ilustrativos a la palabra escrita. Hoy en día, utilizamos técnicas similares en el mundo digital, aunque con la inestimable ayuda de Photoshop.
Naturalmente, necesitamos un papel base sobre el que trabajar de modo que crearemos primero esto con una simple capa de Relleno de motivo. Después crearemos el marco de trabajo inicial para la letra con una tipografía estándar de Photoshop, la cual podremos manipular y modificar con la herramienta Pluma.

Los primeros retoques decorativos se añadirán a través de simples trazos. La decoración de verdad empieza con las Formas personalizadas, todas ellas extraídas directamente de Photoshop. Las Formas personalizadas pueden utilizarse de muchos modos distintos, pero las utilizaremos como simples formas de píxeles rellenados, para que actúen como base en la que podamos aplicar luego varios Estilos de capa. Al usar una colección entera de estas formas embellecidas podemos convertir una simple letra en una sinfonía de forma y color.

Ninguna capitular queda está completa sin los respectivos elementos y bordes decorativos. Tener que dibujarlos manualmente sería una tarea monótona y dolorosa, de modo que lo haremos de otro modo. La clave para simplificar esta tarea consiste en crear un Pincel personalizado gracias al cual podremos estampar motivos de borde repetidos. Puedes crear este pincel tú mismo, a través del tutorial. Así pues, si pensabas que los textos eran aburridos, piénsalo mejor y échale un vistazo al ABC de las capitulas.

crea_una_capitular_light

Tutorial Publicado en La Guía Completa Photoshop. El número 13 de esta guía a la venta este Julio

Si deseas saber más sobre los aspectos técnicos de los modos de fusión de Photoshop, te recomendamos que revises el manual de tu programa y te empapes de conocimiento que nunca viene mal, y más si eres nuevo en esta modalidad. Échale un vistazo si te apetece antes de empezar con este tutorial. Te harás una la idea de lo fácil que puede ser (gracias a este tutorial también) crear una retrato a partir de una foto con la ayuda de tus nuevos y fieles amigos, los modos de fusión.

Tienes total libertad para usar tu propia foto y tus propias texturas, así como con los modos de fusión a medida que avancemos por el tutorial que nos ocupa en estas páginas. Así pues, ¡diviértete todo lo que puedas!

A continaución tienes el enlace para bajarte el tutorial en formato pdf.

fundir_retratos_con_grafismo_light

Un proceso que empieza en la construcción manual, fotografiando después la materia y con estos fragmentos construyendo el material imaginario.

Antes de explicar este tutorial, me veo en la necesidad de explicarles algo sobre mí. Practico diferentes disciplinas artísticas como pintura, escultura, dibujo… y creo que mi obra infográfica bebe mucho de mi pasión por la escultura.
Es por esto que cuando construyo en Photoshop comienzo desde el contacto directo con la materia y su manipulación real para conseguir un material gráfico digital que me sirva de base. A veces he usado la expresión de “esculpir la imagen digital” y es algo así lo que haremos en este tutorial.
Esta es una obra realizada expresamente para este número de esta revista planteándome un proceso que pudiera desglosar en pasos bien definidos que pudiéramos seguir a modo de tutorial. Aunque mi obra artística más reciente guarda gran semejanza con la obra que aquí trataremos, quisiera aclarar que no pertenece a ninguna de las series de obras con objetivo expositivo.
En cuanto a las características técnicas, he intentado sacar el mayor partido a recursos sencillos pero sobre todo que puedan ser redefinidos o reeditados en cualquier momento, así que intentaremos no borrar nada sino enmascarar, o aplicar capas de ajustes con máscaras como veremos al final del proceso. Al final todo quedará suelto por capas y cada una de ellas con su máscara. Es la magia de poder volver a estados anteriores y de las infinitas posibilidades por poder siempre hacer, deshacer, editar y reeditar.
Espero que disfruten como yo de este placer de crear ilusiónes desde la fantasía.

Todas las imágenes y textos pertenecen a Dorsumi y Ricardo Laspidea. Por favor, contacta con Ricardo Laspidea o con Dorsumi para cualquier uso comercial que quieras hacer de este material. No hay ningún problema en utilizar este material sin ánimo de lucro, para trabajos personales o para temas educativos no remunerados.

Encontrarás los archivos base para realizar este tutorial al final de esta entrada

Inicio Tutorial. 1ªParte

1-Abra la imagen “eskua.jpg”, defina color negro como color de fondo y cambie el tamaño de lienzo a 26 cm. de anchura por 35 cm. de altura. Active el ancla de la imagen centrada y arriba, así crecerá hacia abajo.

2-Abra la imagen “Txongilo.jpg”, seleccione a groso modo con el lazo, sin calado, el cuerpo sin ajustarse al contorno (sólo procure que la selección pase por áreas negras de la tela de fondo) y arrastre el contenido encima de la imagen “Eskua”.

3-Ubique la imagen del cuerpo hacia la izquierda y abajo de la imagen, con doble clic sobre la capa fondo cámbiele el nombre y gírela con transformación libre hasta que la palma de la mano quede casi en sentido horizontal y sobre la figura de abajo. Guarde la imagen en formato psd.

4-Vamos a transformar el cuerpo en una marioneta con costuras (como las marionetas de trapo) y desde éstas nacerán los hilos manejadores de la marioneta. Necesitamos hacer fotos a trozos de cerdo que nosotros mismos cosemos con cuerda y utilizar este material para generar las costuras de la marioneta.

5-Definimos las zonas de costura y buscamos en el material conseguido en la sesión de fotos los trozos de costuras que mejor se adapten específicamente a cada zona del cuerpo. Debemos fijarnos sobre todo en los claro-oscuros. De momento abrimos la imagen “costura1” y “costura2”.

6-Seleccionamos las zonas de las costuras y la volcamos sobre la imagen “eskua”. Colocamos la costura de “costura 1” sobre la raíz del brazo izquierdo y la costura de “costura 2” sobre la raíz del brazo derecho. Transformamos con transformación libre para que se adapten al tamaño e inclinación. (Una primera aproximación)

7-Seleccionamos ampliamente una zona que comprenda una de las costuras (en la imagen se trata del brazo derecho) para aplicarle el filtro licuar y así adaptar todavía más la carne de cerdo a las proporciones del brazo. Modelaremos mediante este filtro con una anchura de pincel grande, mostrar capas activado y la mayor opacidad posible para las capas que se entreven. Hacemos lo mismo con la costura del otro brazo teniendo en cuenta que después desecharemos zonas mediante máscaras de capa.

8-Intentamos igualar de color la carne de cerdo con la carne humana, así que a las capas que contienen las costuras les aplicamos un ajuste de curvas subiéndoles los valores de los tonos medios a los canales R rojo y G verde. Hay que subir más los rojos. No bajamos valores del canal B azul por que así habremos subido la luz general de paso.

9-Es hora de fusionar la carne de las costuras con el cuerpo humano de forma realista. Aplicamos una máscara de capa a cada capa de las costuras comenzando por una máscara blanca (sin previa selección) para ir enmascarando poco a poco como nos sugiera la propia imagen. Empezamos a enmascarar con un pincel grande (65) y bordes suavizados llegando a una fusión muy general, y después retocamos con pinceles más pequeños devolviendo visibilidad a puntos de interés bien definidos, como las perforaciones de la carne.

10-Tendremos que jugar con fusiones suavizadas en zonas de carne sirviéndonos del grosor del pincel y de la opacidad a la que aplicamos el negro o blanco en las máscaras de capa, y con zonas bien contorneadas con pinceles finos (para las cuerdas y perforaciones) que dibujen y definan bien devolviendo la visibilidad con blanco y opacidades altas. Si es necesario podemos volver a distorsionar las capas para readaptar los bordes, incluso reajustar el color.

11-Repetiremos los pasos de 6 a 10 para generar la fusión de las costuras correspondientes a las muñecas. Para ello podremos utilizar la imagen “costura 3” para la muñeca izquierda y “costura 4” para la muñeca derecha. Esta última tendremos que invertirla en volteo horizontal antes de transformarla por la coherencia de la luz. Además forzaremos más la imagen con el filtro licuar para darle algo de curvatura tridimensional.

12-En cada caso los ajustes serán conforme a las características de la circunstancia, así pues en el caso de las costuras de las muñecas, a la hora de ajustar las curvas no habrá que subir los rojos, al menos, no tanto cómo en el caso anterior.
Podremos utilizar un pincel muy fino para enmascarar y definir un perfil nítido como contorno del cuerpo de la marioneta.

13-En la búsqueda de material gráfico la imaginación y los recursos a nuestro alcance pueden ser ilimitados. Para fotografiar la costura que nos servirá para colocarla en la parte superior de la rodilla derecha, hemos buscado la forma mediante una construcción real de varias partes. Abra la imagen “costura 5” y lo comprobará usted mismo.

MATERIAL PARA EL TUTORIAL

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After Effects es difícil. Puedes coger clips de vídeo e imágenes fijas combinarlos y componerlos en capas en una línea de tiempo y animarlos, editarlos, distorsionarlos y pintar sobre ellos. Puedes controlar completamente todo lo que aparece en pantalla y si entiendes cómo funciona el programa puedes producir trabajos totalmente abstractos a partir de fondos y texturas, crear dibujos animados, o componer efectos
especiales realistas para cine y TV.

Es un programa amplio, repleto de funciones de alta tecnología, que se usa tanto para diseñar animaciones para webs como para trabajar efectos para películas. Nosotros empezaremos con una animación muy simple, daremos vida a un par de sencillos monigotes, introduciremos texto al que también daremos vida, y finalmente haremos que una ligera musiquilla acompañe el movimiento, cuando te hayas familiarizado con esta introducción ya tendrás una buena base para explorar el programa con buenos resultados.

Puedes descargarte este tutorial de Mireia B. P. haciendo clic aquí

Si sois de los que habéis oído alguna cosa, pero no sabéis exactamente de que va podéis empezar leyendo este articulo, y a continuación pasaros por CreativeCommons para echar un vistazo a las posibles licencias de vuestros trabajos

El blog con el articulo:http://derecho-internet.org/node/483

El pdf del articulo en la revista abogados: http://www.cgae.es/portalCGAE/archivos/ficheros/1241003096637.pdf

Javier de la Cueva, el abogado en cuestión.

Javier de la Cueva. ElMundo.es

Es el mismo que inicio la campaña de reclamaciones judiciales del canon en soportes digitales.