Ciutats Intervingudes

La Capella (carrer Hospital 56, 08001 Barcelona)

Participen: Basurama, Can Xalant-Rogelio López Cuenca, consonni-Xelo Bosch i Cyrille Larpenteur, Democracia, Domènec, Walter Gam, Horitzó TV, Verónica Luyo-María Celeste Venica, Priorat Centre d’Art, Patrick Raddatz, Anna Recasens, Tomas Ruiz Rivas, VideoDiàlegs + Projectes tallers iD Barri Calaf | Barcelona

IDENSITAT és un projecte d’art que es desenvolupa en diferents ciutats, amb la voluntat d’aportar mecanismes per l’articulació de projectes creatius que incideixen en l’àmbit de l’espai públic i en relació amb el territori. Constitueix una plataforma de producció i investigació en xarxa, que actua des de l’àmbit de la producció artística, per a experimentar noves formes d’implicació i interacció en diferents espais socials. ??Aquesta exposició reuneix alguns dels projectes que han format part de la cinquena edició d’Idensitat desenvolupada a Calaf, Manresa, Mataró, Sondika, Priorat i Barcelona. Cadascuna d’aquestes ciutats han estat intervingudes per activitats creatives de diferent magnitud, amb objectius propis però amb la voluntat d’incidir en aspectes que tenen a veure amb accions col·lectives que es desenvolupen en els territoris.

Més informació: http://idensitat.net

iD#5 Ciudades Intervenidas

Del 15 de julio al 12 de setiembre

La Capella (calle Hospital 56, 08001 Barcelona)??Inauguración: jueves, 15 de julio a las 19.30h

Participan: Basurama, Can Xalant-Rogelio López Cuenca, consonni-Xelo Bosch i Cyrille Larpenteur, Democracia, Domènec, Walter Gam, Horitzó TV, Verónica Luyo-María Celeste Venica, Priorat Centre d’Art, Patrick Raddatz, Anna Recasens, Tomas Ruiz Rivas, VideoDiàlegs + Projectes tallers iD Barri Calaf | Barcelona

Idensitat es un proyecto artístico que se desarrolla en diferentes ciudades, con la voluntad de aportar mecanismos para la articulación de proyectos creativos que inciden en el ámbito del espacio público y en relación con el territorio. Constituye una plataforma de producción e investigación en red, que actúa desde el ámbito de la producción artística para experimentar nuevas formas de implicación e interacción en diferentes espacios sociales.

Esta exposición reúne algunos de los proyectos que han formado parte de la quinta edición de Idensitat, desarrollada en Calaf, Manresa, Mataró, Sondika, Priorat y Barcelona. Actividades creativas de diversa magnitud han intervenido en cada una de estas ciudades, con objetivos propios pero con la voluntad de incidir en aspectos relacionados con acciones colectivas en los territorios.

Idensitat está impulsado por el Ayuntamiento de Manresa, el Ayuntamiento de Calaf, el Departamento de Cultura y Medios de Comunicación de la Generalitat de Cataluña y la Diputación de Barcelona. Desarrolla proyectos compartidos con Can Xalant – Centro de Creación y Pensamiento Contemporáneo de Mataró, Priorat Centre d’Art, el Ayuntamiento del Prat de Llobregat, consonni (Sondika), La Capella (Barcelona) y Hangar (Barcelona).

Ha contado con la colaboración de Artwork’09 (Departamento de Trabajo de la Generalitat de Cataluña, Fondo Social Europeo y Diputación de Barcelona), Goethe Institut de Barcelona, el Consulado de los Países Bajos y Elisava Escuela Superior de Diseño.

Forma parte de la red de espacios de producción Xarxaprod.

Más información: http://idensitat.net

• Un total de 58 cintas de animación han sido seleccionadas en la categoría de Cortometrajes, destacando la participación española con 8 piezas animadas y de Alemania con 9. Asimismo, el festival consolida su apuesta por la búsqueda internacional del cine de mejor calidad con la selección de cortometrajes de países como Cuba, México, Croacia, Dinamarca, Australia, Letonia, Singapur, Japón, Francia, Estados Unidos, Canadá, entre otras nacionalidades.
• Las Escuelas de animación tendrán, un año más, una importante representación. Su labor como promotoras del arte animado es reconocida por ANIMADRID, que les otorga una sección competitiva propia con una cuidada selección de las 63 mejores creaciones de animación.
• Las cortinillas, con un total de 21 piezas animadas, siempre creativas y muy llamativas para el público fiel a ANIMADRID, aparecen en esta decimoprimera edición del festival con fuerzas renovadas para presentarnos los mejores trabajos dentro del territorio nacional.

Para elegir las mejores obras entre todas las que participan en sección oficial, ANIMADRID cuenta este año con un jurado de excepción, conformado por: Aidan Hickey (ilustradora y guionista de animación) Joana Toste (fundadora de la productora Gomtch-Gomtch) y Antonio Delgado (asesor de Cine en el Área de Gobierno de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid y director de Documenta Madrid) como jurado de la Sección Internacional de Cortometrajes. El jurado de la Sección Internacional de Cortometrajes, realizados por escuelas de animación estará compuesto por Lourdes Villagómez (productora de animación y responsable del proyecto “Grandes”, una serie de cortometrajes con animación hecha a mano), Eladi Martos (ex director del festival Animac) y Doris Cleven (creadora de la organización responsable del festival Anima de Bruselas).

Un año más ANIMADRID pretende dedicar una amplia muestra al cine de animación de un país invitado: este año ha sido elegida la REPÚBLICA DE IRLANDA. Durante el festival se mostrará un trabajo retrospectivo en el que tendrá cabida la exhibición histórica y la realización de actividades que permitan conocer en profundidad su cine de animación. La REPÚBLICA DE IRLANDA es uno de los países que cuenta con una de las cinematografías más activas en la actualidad y de mayor proyección internacional.

Alguno de los ejemplos son Please Say Something de David O’Reilly, que en 2009 ha cosechado el Primer Premio de Animadrid 2009, el Oso del Oro en el Festival de Berlín y el Cartoon D’Or 2009; o Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty, de Nicky Phelan and Darragh O’Connell, nominado al Mejor Cortometraje de Animación en los Oscar de este mismo año. Junto a estos trabajos, el festival dará a conocer su cine de animación a través de las obras y los autores más representativos de todos los tiempos.

Finalmente, no hay que olvidar que durante una semana tanto los aficionados a este cine como los niños podrán disfrutar de las cintas que se proyectarán, así como de todas las actividades paralelas que cada año convierten a Pozuelo de Alarcón en la capital del cine animado.

www.animadrid.com

Entre el 23 de septiembre y el 1 de octubre de 2010

LABoral inaugurará, el próximo 6 de octubre, Pasajes. Viajes por el híper-espacio, una selección de obras pertenecientes a la colección Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (T-B A21) que se muestra por primera vez en España. Integrada fundamentalmente por instalaciones y obras escultóricas de gran escala, la exposición ha sido concebida para estimular un recorrido contemplativo, reintroduciendo al espectador en el centro mismo de la experiencia artística; un viaje inmersivo a otra dimensión perceptiva que activa lo físico, lo sensual y lo cerebral.

Si tradicionalmente el arte ha encarnado una representación del mundo que habitamos poniendo el foco en la capacidad visual, los artistas de nuestro tiempo se orientan más hacia una re-escenificación de fragmentos de nuestro entorno con el objetivo de desencadenar cambios en nuestra comprensión que apelen a la totalidad de los registros sensuales y corporales y que descompongan los paradigmas del sujeto vidente y del objeto de la percepción. Al explorar nuevas formas perceptivas que entretejen lo “real” con lo “virtual”, dan lugar a unas experiencias estimulantes que desatan lo imprevisto y lo impredecible; es decir, aquello que no es totalmente explicable o representable desde conceptos o expectativas preexistentes.

Se trata de un nuevo horizonte vivencial fruto de procesos de aceleración, de la adaptación a las nuevas tecnologías, de la capacidad de enfrentarse al cambio y a la innovación. Y si bien nuestra experiencia del mundo se encuentra cada vez más mediada, nuestro sentido de lo real se ve incluso más distorsionado por los flujos de información -de imágenes, textos o sonidos- que nos llegan de manera continua a través de todo tipo de dispositivos en red. Para hacernos idea de la complejidad del mundo no basta ya una observación detenida del mismo; parámetros no tan fáciles de descifrar plantean un desafío total a esa idea. En cierto modo, el arte sugiere una nueva matriz para la comprensión y relación con nuestro entorno. Las obras de arte establecen una dimensión narrativa que combina con libertad la realidad y la ficción: una especie de realidad expandida.

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial Los Prados 121
33394 Gijón (Asturias)
T. +34 985 185 577
F. +34 985 337 355
info@laboralcentrodearte.org
www.laboralcentrodearte.org

T-B A21

Francesca von Habsburg fundó T-B A21 en 2002 por para apoyar la producción de ambiciosos proyectos artísticos. La Fundación, con sede en Viena, representa a la cuarta generación de una familia dedicada a las artes. Dentro de ese marco se han producido incontables obras en todo tipo de soportes, destacando piezas transdisciplinares que conectan a los creadores visuales con profesionales de, entre otros, la arquitectura, la música, la ciencia. Por otra parte, la Fundación ha auspiciado la creación de un gran número de piezas de live art.

www.tba21.org

Fuente:exitmail

“El lanzamiento de hoy marca un hito importante en el desarrollo de software profesional 3D de MAXON y es un testimonio de más de dos décadas de excelente programación,” ha remarcado Harald Schneider, CEO y cofundador de MAXON Computer.  “Nuestro equipo de desarrollo hizo todo lo posible para conseguir que las características solicitadas por los clientes sean fáciles de usar, estables y potentes. Los creativos profesionales de todos los campos podrán encontrar soluciones sin precedentes para ayudarles a afrontar los retos de los actuales entornos de alta producción y crear contenidos de primer nivel.”

Lo más destacado de CINEMA 4D Release 12

(No todas las características están incluidas en cada configuración. Por favor consulte desglose completo de características en el sitio web de MAXON para más información)

* Potentes Dinámicas Nuevas: CINEMA 4D ahora incluye un sistema completo y fácil de usar de dinámicas de cuerpos rígidos basado en el testeado motor BULLET. Los objetos pueden ser conectados a través de bisagras, muelles y juntas complejas, y con un simple clic, pueden transformarse en cuerpos blandos.

* Características Mejoradas de Render:

o Flujo de Trabajo Lineal y Perfiles de Color: La adopción de un flujo de trabajo lineal es ahora tan simple como activar una casilla. Los colores y la iluminación se mezclan de una manera más realista, y el resultado son imágenes de mayor calidad con menos esfuerzo. Los perfiles de color están ahora integrados en CINEMA 4D para una representación del color más precisa.

o Luces IES: Ahora es posible aplicar precisos desvanecimientos de la luz usando los datos IES directamente de los fabricantes de lámparas. La Intensidad fotométrica basada en el Lumen y Candela también está soportado.

o Unidades  Reales de Medida: CINEMA 4D ahora soporta unidades, asegurando que los cálculos sean precisos y los escalados de escena permanezcan consistentes. Las unidades se convierten automáticamente y la información de escala/unidades se guarda automáticamente en cada documento.

o Cola de Render: El renderizado por lotes se ha racionalizado con este mejorado gestor de tareas de render, completado con capacidad de registro.

o Visor de Imágenes: El avanzado visor de imágenes de CINEMA 4D ahora incluye un reproductor en pantalla completa, un visor y un navegador de histograma.

* Nuevas Herramientas de Personajes: El sistema de Cinemática Inversa (IK) incorpora las nuevas propiedades dinámicas. CINEMA 4D Studio también incluye un potente sistema integrado de pose-mixing y morphing.

* Nuevos Deformadores: Se han añadido varios deformadores nuevos incluyendo opciones para modificar objetos basándose en una jaula de baja poligonización o en el espacio de pantalla.

* Python: Ahora está completamente integrado, un amplio soporte para el potente lenguaje Python permitiendo a los usuarios una gran funcionalidad para crear scripts, expresiones y plugins para un flujo de trabajo creativo ilimitado.

* Otros: Una gran variedad de otras características nuevas incluyendo, doble precisión, transformación dual, soporte OpenGL 3, nuevos shaders de arquitectura, y un sistema L-system de spline paramétrica.

Esta versión también marca una reorganización general en toda la línea de productos de CINEMA 4D R12 con la introducción de cuatro ediciones que ofrecen un flujo de trabajo probado y cuentan con un conjunto de posibilidades dirigido a animadores de 3D profesionales, artistas de motion graphics, arquitectos y diseñadores.

Paul Babb, presidente y CEO de MAXON US, añade, “La reorganización de la línea de productos es un paso práctico que da a todos los clientes, desde aficionados a profesionales de estudio, claras opciones de decidir sobre las características que necesitan para ofrecer resultados creativos impactantes”, dijo. “Los clientes también se beneficiarán de la estructura del producto simplificado y condensado, ya que permite a nuestro equipo dar un mejor enfoque en el desarrollo de nuevas y emocionantes funcionalidades ”

Nueva Línea de Productos MAXON

La línea de productos de la Release 12 de CINEMA 4D incluye nuevas ediciones avanzadas para apoyar las necesidades del flujo de trabajo creativo de los profesionales especializados en el mercado 3D, así como una actualización de BodyPaint 3D, la famosa aplicación de alta gama de MAXON de pintado y texturizado, de la siguiente manera:

* CINEMA 4D Prime: Los Gráficos 3D Profesionales Empiezan Aquí. El núcleo del paquete de gráficos 3D profesional que incluye funcionalidades de modelado básico, animación y render. Adicionalmente ahora la Versión 12 incluye Oclusión Ambiental y muchos deformadores que anteriormente se encontraban en los módulos de MOCCA y MoGraph.

* CINEMA 4D Broadcast: El Poderoso 3D Motion Graphics. Aprovecha las funcionalidades de CINEMA 4D Prime para ofrecer un conjunto de herramientas de motion graphics de gran alcance diseñado expresamente para mejorar el proceso creativo de los profesionales del diseño de Broadcast. La Versión 12 ahora incluye las características del anterior módulo MoGraph, render con IG y una amplia librería de objetos, materiales y configuraciones.

* CINEMA 4D Visualize: La Solución Profesional para Arquitectos y Diseñadores. Aprovecha la funcionalidad de CINEMA 4D Prime para ofrecer una solución profesional para arquitectos y diseñadores. CINEMA 4D Visualize incluye todas las características de las ediciones anteriores de Architecture y Engineering, (los módulos Advanced Render, Sketch and Toon y NET Render 3 más una extensa librería de materiales y objetos.

* CINEMA 4D Studio: Todo lo que Usted Necesita para Animaciones 3D de Alta Calidad. La más completa de las ediciones de la Release 12 de CINEMA 4D incluye todas las funciones disponibles, así como todas las librerías de los paquetes Broadcast y Visualize.

* BodyPaint 3D Release 12: Pintado 3D, Texturizado y Edición de UV. Si bien se beneficia de todos los nuevos desarrollos de su aplicación hermana, CINEMA 4D Prime, BodyPaint 3D Release 12 ofrece un complemento total de herramientas de pintado 3D y texturizado inigualable por otros paquetes del mercado. Entre las nuevas características en la Versión 12 se incluyen los perfiles de color, la opción de renderizar oclusión ambiental en una textura y la conexión de Cineman con RenderMan incluyendo previsualizaciones de render directamente dentro de BodyPaint 3D. Además, cuenta con intercambios actualizados con 3ds Max, Maya, Softimage y LightWave 3D.

MAXON ya no ofrece la venta de módulos individuales.

Requerimientos del Sistema
Los requerimientos de sistema recomendados incluye Windows XP, Vista o 7 funcionando en CPU Intel o AMD con soporte para SSE2; Mac OS X 10.5.8 o superior funcionando en Intel basado en Mac; 1024 MB RAM, unidad DVD ROM. La instalación en DVD puede necesitar 2.5 GB de espacio de disco.

Fuente: www.maxon.net

Este proyecto de carácter cívivo y cultural que nace con la intención de instaurarse como una actividad con periodicidad anual, es iniciativa de arquitecturareversible, una organización establecida en Barcelona y que desde 2003 conceptualiza y desarrolla propuestas relacionadas con la difusión, la enseñanza y la promoción de la arquitectura y el diseño.

Los voluntarios, pieza clave para disfrutar de un fin de semana de arquitectura y diseño

Los organizadores, arquitecturareversible, exponen que para la puesta en marcha y el éxito de un proyecto de la magnitud de 48H Open House Barcelona el voluntariado resulta de una ayuda inestimable. De modo que, desde la web www.48hopenhousebarcelona.org proponen la colaboración voluntaria de todas aquellas personas interesadas y motivadas en formar parte de una experiencia pionera y única hasta el momento en nuestro país.

Las modalidades de participación que se proponen son dos. Por un lado, los Informadores, cuya actuación consiste en organizar las colas, contestar a las cuestiones prácticas que les planteen los visitantes, sugerir visitas a los edificios cercanos al que ellos gestionan, y difundir información genérica sobre OHB 2010. Y por otro, existe la posibilidad de ejercer de Guías, labor que radica en conducir a los grupos en el recorrido de las visitas a los edificios y a través de una explicación introducirles en la arquitectura, la función y la historia de los mismos.

Para la gestión y la coordinación de la red de voluntarios, y tal como también se detalla en la web mencionada, existe un calendario de
encuentros. El pasado 1 de Julio, tuvo lugar la primera de estas citas, la próxima fecha a tener en cuenta es el martes 21 de septiembre, cuando a las 20h en el Auditorio del CaixaForum (Avda. Francesc Ferrer i Guardià, 6-8) los voluntarios entre otras cuestiones a tratar, podrán averiguar el edificio que se les ha asignado y conocerán la lista definitiva de edificios abiertos en OHB 2010.

Quienes se adhieran al 48H Open House BCN, además del enriquecimiento personal y la satisfacción por contribuir a la difusión y proyección del patrimonio arquitectónico y de diseño que ofrece la ciudad de Barcelona, recibirán una serie de contraprestaciones en agradecimiento a su valiosa labor. Ser voluntario durante una tarde o mañana de los días 16 y 17 de octubre permitirá evitar las posibles colas que se formen en otros edificios a lo largo del fin de semana. Además, se podrá compartir la experiencia vivida en “la fiesta de los voluntarios”, que, a modo de clausurá, tendrá lugar el domingo 17 de octubre en un emblemático edificio cuya identidad no se desvelará hasta el mismo día.

16 y 17 de Octubre. Dos días de puertas abiertas a la arquitectura

De entre los más de 150 edificios abiertos se encuentran construcciones de gran valor arquitectónico pero que habitualmente permanecen cerradas al público, como la evocadora Torre del Rei Martí en la Plaça del Rei, un mirador renacentista de cinco pisos de galería abierta que a medidados del siglo XVI se anexionó al Palacio de los Virreyes, actual sede del Archivo de la Corona de Aragón. Emblemáticos bloques como la casa modernista Casas-Carbó en el Paseo de Gracia, obra de 1898 del arquitecto Antoni Rovira i Rabassa. El edificio se realizó por encargo del pintor Ramón Casas, quien estableció allí su vivienda y donde actualmente se ubica la tienda de diseño Vinçon. O la singular volumetría elíptica que Manel Brullet y Albert de Pineda diseñaron para albergar la sede del Parque de Investigación Biomédica de Barcelona y que desde 2006 preside el litoral marítimo.

En cada uno de los espacios, los visitantes contarán con la posibilidad de dialogar con los arquitectos y autores del proyecto, con los usuarios
actuales de dicho enclave o bien con los responsables de la planificación de la zona o área visitada. Una interesante oportunidad para descubrir y comprender las particularidades de cada lugar, que en ocasiones se complementará con actividades y conferencias completamente gratuitas y concebidas en exclusiva para reforzar la participación y promover la reflexión y el diálogo de los participantes.

Antecedentes

Esta experiencia, pionera en nuestro país, tiene sus raíces o antecedentes en la ciudad de Londres, donde el próximo mes de septiembre tendrá lugar la 18 edición del Open House London. Una actividad que en el año 2009 obtuvo el patrocinio de más de 20 entidades y organismos, contó con el apoyo desinteresado de 3000 voluntarios y que alcanzó los 275.000 visitantes, cifras que sin duda, confirman su consolidada trayectoria.
Ciudades como Nueva York, Dublín y Galway también han incorporado la celebración de este evento de puertas abiertas a la arquitectura en su calendario.
Barcelona el 16 y 17 de octubre de 2010, de la mano de arquitecturareversible, se convertirá en la primera ciudad mediterránea que inaugura la que será una convocatoria anual: 48H Open House BCN.

Arquitecturareversible, los organizadores

Arquitecturareversible es una organización cultural con más de siete años de experiencia que acerca la arquitectura a las personas, como un bien que nos rodea, y desde el conocimiento se estimulan puntos de vista críticos y creativos a la vez. “Generamos recursos para explicar el espacio/entorno a las personas. Trabajamos desde un núcleo conectado con equipos multidisciplinares, adaptados a los diferentes targets. Desarrollamos una red participativa entre todos los implicados en un proyecto”.
www.arquitecturareversible.org

48H OPEN HOUSE BCN

*Más de 150 edificios de Barcelona abrirán sus puertas el fin de semana del 16 y 17 Octubre
*Un evento abierto a la participación ciudadana y el voluntariado
*Arquitectos, usuarios y planificadores explicarán detalles sobre cada espacio a los visitantes
*Una actividad divulgativa pensada para todos los públicos y de carácter gratuito

Filme de creación colectiva en el barrio de Lavapiés de Madrid.

10 vecinos del barrio escribirán el guión y cientos de vecinos serán los encargados de grabar los planos de la película, que se repartirán uno a uno entre los participantes.

Durante el rodaje nadie conocerá el guión. Los participantes tendrán que esperar al estreno para ver cómo cada plano individual cobra sentido dentro de la película colectiva.

Un sencillo diccionario de planos te ayudará a grabar tu parte de la película. Además, durante las dos semanas que dure el rodaje, habrá un lugar físico donde acercarse a preguntar dudas y también a través del blog.

Si quieres participar en el taller de guión, escríbenos aqui.
Si quieres rodar algún plano pídenos uno aqui. Es muy fácil.

Calendario

1. Guión (del 20 al 24 de septiembre)

El guión se desarrollará en un taller abierto a 10 alumnos donde aprenderán las nociones básicas para contar una historia en imágenes (el guión cinematográfico).

El guión resultante del taller se descompondrá en planos cinematográficos (guión técnico).

2. Rodaje (del 27 de septiembre al 8 de octubre)

Los planos se distribuirán entre los vecinos de Lavapiés que quieran colaborar y también a través de un dispositivo de participación instalado en la página web del proyecto. link a participar

Cada participante tendrá como misión rodar un plano de la película sin conocer el resto del guión. Ese plano es un fragmento de una historia. Por sí sólo no tiene sentido narrativo, pero unido al resto forma un relato con principio y fin.

3. Proyección: 16 y 17 de octubre

La película se estrenará en la plaza de Lavapiés.
Ninguno de los participantes verá el resultado final antes del estreno:
Los creadores de la historias (guionistas) verán sus historias a través de los planos rodados por sus vecinos del barrio.
Los colaboradores que han grabado algún plano ven como su aportación toma sentido dentro de la historia que ha escrito su vecino.

Octálogo

1.- La película no tiene director/a.
2.- Ninguna persona debe grabar más de un plano del filme.
3.- No hay racord (continuidad cinematográfica) de localización, ni de luz, ni de ropa, ni de idioma, ni siquiera de actores.
4.- No hay un formato definido de grabación. Cada persona puede grabar en el formato que elija.
5.- La película se estrena sin que ninguno de los participante la haya visto. (Estreno total)
6.- La función del editor NO es montar la película, sino simplemente unir los planos.
7.- El texto puede ser interpretado en la lengua que se desee, pero en caso de utilizar otra lengua deben incluir subtítulos aunque estén hechos con carteles en la propia grabación.
8.- El estilo interpretativo es totalmente libre.

¿Por qué. Qué?

¿Qué por qué cada persona sólo puede hacer un plano, por qué no se puede ver antes de estreno, por qué no hay una dirección marcada?

El proyecto muestra cómo una experiencia individual se convierte en película colectiva a través de las miradas de personas ajenas a esa historia.

No queremos ser esclavos del estricto raccord (continuidad cinematográfica) que exigen el método de representación clásico.

Creemos que la mezcla de formatos cinematográficos no empeora ni estropea un trabajo. Da igual mezclar alta definición con la más baja o celuloide con la resolución de un teléfono móvil. Cada uno debe grabar con lo que tenga a mano.

Creemos que el virtuosismo en la técnica cinematográfica mata la frescura de un experimento colectivo.

holaestashaciendounapeli

Entre 1859 y 1905, un grupo de fotógrafos profesionales de gran talento se asentaron en ciudades como Estambul, Smyrna, Luxor, El Cairo, Túnez, Beirut, Damasco y La Meca, iniciando con ello la documentación fotográfica de Oriente Próximo. La construcción visual de esta región se hizo a caballo entre el pasado arqueológico, el imaginario orientalista y el futuro industrial del siglo xx. Fue asimismo fruto del esfuerzo común de diversos grupos étnicos y su mezcla de creencias religiosas: los más de doscientos ochenta fotógrafos comerciales activos en la zona en la segunda mitad del siglo XIX, de origen armenio, egipcio, inglés, turco, francés, griego, alemán, italiano, persa o árabe, reflejaron con un nuevo medio y desde distintas perspectivas la eterna fascinación ejercida por Oriente Próximo, sus culturas y sus gentes.
Es de extrañar que en los últimos treinta y cinco años, en los que ha habido un verdadero redescubrimiento de la fotografía del siglo XIX, no se haya realizado ninguna exposición ni ninguna publicación sobre la fotografía comercial en Oriente Próximo. Por ello, el proyecto Jardines de arena, dirigido por Canopia en colaboración con la editorial Turner, y comisariado por el historiador de la fotografía y conservador de museo Clark Worswick pretende llenar ese vacío, con una selección de obras de gran calidad realizadas por fotógrafos comerciales activos en Oriente Próximo en el siglo XIX. Estos pioneros consiguieron, a través del recién nacido medio fotográfico, atrapar la esencia de una tierra mitificada por la sociedad occidental. El libro Jardines de arena cuenta con la colaboración del historiador de la fotografía y Oriente Próximo Issam Nassar y la experta en orientalismo Patricia Almárcegui. Las imágenes proceden de los fondos de la Colección Clark & Joan Worswick.

El espíritu futurista en la publicidad italiana.

Selección del Massimo&Sonia Cirulli Archive. New York ( 27 de mayo al 12 de octubre).

La exposición, organizada por el MuVIM y Caja Mediterráneo,  se centra en el futurismo y su influencia en la publicidad italiana de la época. Uno de los movimientos de vanguardia más interesantes, que se desarrollaron entre la primera y la segunda década del siglo XX en Italia. Se muestran más de 80 obras, de entre las cuales destacan carteles de gran formato, esculturas, libros, manifiestos, publicaciones y demás obra gráfica, collages y dibujos de los autores más representativos de este movimiento (Alberto Bianchi, Aldo Mazza, Alfredo Cavadini, Antonio Maraini, Carlo Bompiani, Carlo Carrà, Federico Seneca, Filippo Tommaso Marinetti, Fortunato Depero, Giacomo Balla, entre otros).

El futurismo fue lanzado y promovido por Filippo Tommaso Marinetti quien, apremiado por la rápida transformación social que se estaba produciendo, propugnó una amplia revolución cultural que ilustra en el Manifiesto del futurismo publicado en febrero de 1909. Un año después del primer Manifiesto, aparecen los dos manifiestos de la pintura firmados por Umberto Boccioni, Carlo Dalmazzo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini. Y tras la pintura, la atención de Marinetti y de quien lo acompaña se concentra en la música (1911), en la escultura y la literatura (1912), en la fotografía (1913), en el teatro (1913 y 1915), en la arquitectura (1914). Y no faltan proclamas que van más allá del arte y de las artes, deteniéndose en aspectos de la vida social, como la condición femenina (1912), el lujo, la política (1913) y la ciencia (1916).

Todas las diversas experiencias adquieren un carácter unitario cuando, en 1915, Giacomo Balla y Fortunato Depero publican el manifiesto Reconstrucción futurista del universo, en que se evidencia como el espíritu futurista está destinado a permear  todos los aspectos de la sociedad. Y aquí es donde se inserta la muestra El espíritu futurista en la publicidad italiana. Selección del Massimo & Sonia Cirulli Archive, New York, que da cuenta de las novedades que la poética futurista introdujo en el cartelismo publicitario, llevando a la calle invenciones, mensajes, imágenes ciertamente más avanzadas de lo que la gente común estaba habituada a ver. Y el dinamismo típico de la investigación futurista, que asume el mito de la velocidad y el progreso de la tecnología como momentos fuertes de una sociedad que mira al futuro, se convierte en momento de estímulo, de provocación y de arrojo.

Una visión amplia, pues, que narra el devenir de la sociedad a través de una mirada que, aún con intenciones comerciales, ha sido posible gracias a la lucidez de artistas que supieron leer sus tiempos con un vigor narrativo y evocador que con toda seguridad producirá un fuerte impacto.

Nevando Tinta. Fernando Medina (hasta el 12 de octubre).

Nunca pensé en ser diseñador. De pequeño soñaba con ser marino. Y lo fui, pero sin tocar ningún puerto lejano. En mis 30 años de profesión como diseñador he realizado todo tipo de proyectos, procurando mantener un espíritu abierto y una fuerte curiosidad por conocer la manera de trabajar el diseño en otras culturas. Muy pronto descubrí que el concepto era la fuerza motriz del diseño y trabajé siempre bajo el principio: las ideas primero.

Cuando cerré mi estudio de diseño en Madrid en 1985 para ir a residir a Montreal, sentí que tenía que investigar en una línea más personal, fuera de los condicionamientos de los encargos de los clientes. Como inicio de esta nueva etapa, diseñé para The Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York una colección de objetos, entre ellos “The MoMA Clock Kit”. Siguió después un trabajo más amplio y variado sobre los relojes, que se materializó en una colección de 50 relojes, realizados en cartulina y con mecanismos de cuarzo, que titulé “PaperTime”. Otro proyecto personal experimental ha sido “KromaTriom”, un estudio sobre la influencia del color en el ser humano, que incluye aparatos y objetos.

Años más tarde, en 1996, ya en Francia, decidí volver a los fundamentos del diseño para comunicar ideas y pensamientos a través de conceptos gráficos. Adopté entonces un compromiso con la sociedad como diseñador, prestando atención a temas que considero necesario poner en evidencia: las minas antipersonas, la paz, la guerra, la ecología, etc.

En 1997, para realizar el proyecto “Nevando tinta”, encontré un soporte conveniente, un papel irrompible, blanco, poroso, sobre el que utilizo la ancestral y modesta tinta.  Como acabado, arrugo manualmente el papel. “Nevando Tinta” es así una exposición de acrobacias visuales, cavilaciones con pincel y tinta, carentes de ayuda electrónica y medios tecnológicos. Se expuso por primera vez en 1999, en la Galería de Pentagram Design de Londres y, posteriormente, en Cádiz (2001), Jerez (2002) y Sevilla (2002).

No podría definir si lo que estoy haciendo es arte o diseño. Quizás es la fusión de los dos.

MuVIM
+34963883757
C/Quevedo, 10
46001 Valencia
francisco.molina@dival.es
www.muvim.es

En aquesta edició, a més a més, s’exposaran els cartells guanyadors del 4rt Concurs de Cartells organitzat per l’Associació de Salut Mental de Ponent i el Club Social La Bruixola, amb motiu del Dia Mundial de la Salut Mental.

Al mateix temps es mostraran els resultats del Tallers organitzats pel Centre d’Art la Panera al llarg de l’any 2010 com es el cas del Taller Derives Urbanes a càrrec de Francesc Ruiz, o els ta llers d’estiu Clickart i Enganxa’t.

LLAR D’INFANTS EL CARRILET (Albatàrrec), LLAR D’INFANTS JOSEP BORRÀS (Lleida), ESCOLES BRESSOL MUNICIPALS DE LLEIDA (El Rellotge, Balàfia, Secà, Magraners, Raïmat, Cappont, Llívia, Bordeta, Suchs), CEIP SANT JORDI (Lleida),  CEIP TERRES DE PONENT (Lleida), CEIP PRÀCTIQUES II (Lleida), CEIP PARC DE L’AIGUA (Lleida), CEIP ENRIC FARRENY (Lleida), CEIP JOC DE LA BOLA (Lleida), CEIP LA GINESTA (Lleida), CEIP LA MITJANA (Lleida), CEIP ARRELS (Alamús), CEIP SOL IXENT (Corbins), CEIP PRACTIQUES I (Lleida), CEIP PRÏNCEP DE VIANA (Lleida), CEIP MAGRANERS (Lleida), CENTRE D’EDUCACIÓ ESPECIAL PLANÇO (Lleida), EASD Ondara (Tàrrega), COL·LEGI CLAVER (Lleida), IES MÀRIUS TORRES (Lleida), COL·LEGI EPISCOPAL (Lleida), IES JOAN ORÓ (Lleida), UDL, ICE (Lleida), ESCOLA D’ART TRAMA (Lleida), CENTRE CÍVIC BALAFIA (Lleida), AULA HOSPITALARIA DR. ANTONI CAMBRODI DE L’HOSPITAL UNIVERSITARI ARNAU DE VILANOVA (Lleida), UNITAT EDUCATIVA HOSPITALARIA DE L’ HOSPITAL SANTA MARIA (Lleida), ASSOCIACIÓ SALUT MENTAL PONENT. CLUB SOCIAL “LA BRUIXOLA” (Lleida), UNITAT D’HOSPITALITZACIÓ DE REFERENCIA EN PSIQUIATRIA INFANTIL DE L’HOSPITAL SANTA MARIA (Lleida), CENTRE ASISTENCIAL SANT JOAN DE DÉU (Almacelles), FUNDACIÓ ASPROS (Lleida), CIJCA. CENTRE OBERT EL TRAMPOLÍ (Lleida), ALABERG MUNICIPAL. CENTRE D’ACOLLIDA LA PANERA (Lleida), CIBERAULA. ESPAI GAIROLES (Lleida)

PROGRAMA
Dimarts, 7 de setembre,
19 h. Presentació del curs 2010-2011 per als centres d’ensenyament
20 h. Inauguració de les Jornades i Lliurament dels Premis de Llibres d’artista, concurs de contes i de Treballs de Recerca de Batxillerat, convocats pel Centre d’Art la Panera.

Dimarts, 14 de setembre
18:30h. Com treballar l’art contemporani des de l’escola? Presentació d’exemples pràctics per part dels docents que participen de les Jornades de Portes Obertes.

Dissabte, 18 de setembre
19 h. Lliurament dels Premis del Concurs de Cartells del Dia Mundial de Salut Mental.

Centre d’Art la Panera.
Pl. de la Panera, 2. 25002 Lleida | T. (+34) 973 26 21 85 | lapanera@paeria.cat

Comenzaremos con la inauguración de dos exposiciones el próximo viernes 10 de septiembre a las 19:30 horas: la primera es una muestra de alebrijes de Papel Mache realizada por el colectivo mexicano- alemán Mexalem y la segunda, la exposición México 200 del fotógrafo mexicano José Luis Bravo, realizada con motivo de la celebración del Bicentenario de la Independencia de México. Ambas muestras se podrán ver hasta el 25 y 22 de septiembre respectivamente.

Las actividades continuarán el viernes 17 con una lectura dramatizada de escritores y dramaturgos mexicanos a las 20.00 horas a cargo de Dalí Muñoz Blanch. El sábado 18 , el músico mexicano Octavio Beltrán nos adentrará en el fascinante mundo de los instrumentos antiguos mexicanos a través de un taller que comenzará a las 16:00 horas y que tendrá un costo de 4 euros. Los participantes deberán llevar una guitarra o un cajón para llevar a cabo los ejercicios.

Ese mismo día finalizaremos nuestra participación con un concierto de música tradicional y contemporánea a las 20:00 horas, la cual tendrá un costo de 4 euros.

Todas las actividades son de cupo limitado. Reservas al teléfono 933190819 o en el correo: arte@comomevesteveras.com
Más información:

www.comomevesteveras.com/semanademexico2010

www.semanademexico.com/2010

comomevesteveras.com/blog

Como me ves, te verás...
Arte Popular Mexicano
comomevesteveras.com

Tel: + 34 93 319 0819
Sant Pere Mes Alt 36
08003 Barcelona
España

Taller en cinco sesiones, donde se indagará sobre las relaciones entre literatura y fotografía, desde la propia naturaleza de cada lenguaje, en sus incompatibilidades y sus intersecciones. ¿Existe la fotografía literaria? ¿Ha asumido la fotografía las mismas categorías que la narrativa? ¿Cómo se afectan mutuamente la palabra y la imagen? ¿Es antagónica su manera de representar la realidad o cada vez más se injertan uno en el otro creando un nuevo lenguaje? Estas y otras cuestiones irán surgiendo durante estos dos días donde hablaremos de narrativa, poesía, ensayo, diarios personales… en el ámbito de la creación fotográfica.

Taller Propuesto por Mariona Fernández con la participación de los profesores Antonio Ansón, Pedro Avelland, Óscar Molina y Teresa Ortega

Lunes 18 de octubre de 2010
10 h Mariona Fernández
12 h Antonio Ansón
16 h Ana Teresa Ortega

Martes 19 de octubre de 2010
11 h Pedro Avellaned
16 h Óscar Molina

Lunes 18 de octubre a las 10h. Primera sesión introductoria: Mariona Fernández.

Susan Sontag nos decía que la fotografía es incapaz de narrar porque toda narración implica un transcurso, un desarrollo en el tiempo. Nuestra comprensión del mundo según la autora necesita narración y a la fotografía la sitúa en otro ámbito. La fotografía es heredera y consecuencia de toda la historia de la representación occidental anclada en el realismo. Su factura es tan fidedigna a las apariencias que parece haber fundido la distancia, la tensión simbólica que durante milenios configuraba las imágenes. La nitidez y la factura técnica de estas apariencias han originado en la tradición fotográfica una lectura resignada de la realidad, una lectura considerada durante mucho tiempo “objetiva”. La literatura es hija del lenguaje verbal, amparado como causa y consecuencia, en las estructuras que los humanos llevamos marcadas a fuego en lo que llamamos pensamiento. La narración literaria se desarrolla en el tiempo e implica una comprensión —a priori— directa, pero paradójicamente su interpretación conlleva implícita la ficción o como mínimo un alto grado de subjetividad. En esta primera sesión hablaremos de la relación de la fotografía con el tiempo, la identidad, la memoria y de su ”narratividad” específica, o de su gran potencia narrativa: la de generar pensamiento.

Lunes 18 de octubre a las 12h. Segunda sesión. Antonio Ansón. Fotos como álbumes

Referencias del cruce entre literatura y fotografía a lo largo del tiempo. ¿Por qué la fotografía transformó para siempre y de manera radical el curso de la literatura y de nuestras vidas? ¿Hasta dónde llegó su influencia, de consecuencias imprevisibles y para algunos incluso nefasta? ¿Quién se vio implicado en un conflicto todavía sin resolver? El libro en que se basa esta sesión, del mismo título, ofrece claves para entender el decisivo papel que la imagen fotográfica ha ocupado a través de innovaciones, contactos e intercambios, en la historia literaria, estética y social del hombre contemporáneo.

Lunes 18 de octubre a las 16h. Tercera sesión. Ana Teresa Ortega. Fotografía y literatura. Territorios de las memoria.

“Mediante la palabra, la literatura articula narraciones y pensamientos transportándonos a diferentes realidades que nos invitan a la reflexión y a la vez nos permite desarrollar un pensamiento propio. Esta sesión pretende establecer un vínculo entre fotografía y literatura como dos territorios que nos permiten vehicular discursos sobre diferentes aspectos de la memoria”.

La fotografía tiene la facultad de crear y organizar la memoria. Las fotografías de Ana Teresa Ortega indagan en diferentes aspectos de esta facultad en unos ensayos —si se quiere, sociológicos— formalmente cargados de poesía. Como un ejemplo, dos fragmentos que comentan su trabajo.

“Hay una inevitable y consiente referencia a Borges: la biblioteca como contenedor de memoria, como metáfora de nuestra memoria. Una memoria frágil y en constante construcción, que por eso cabe revisar y reactivar. Entre las obras anteriores y esta nueva, Ana Teresa Ortega ha pasado de la reflexión sobre los mass-media a ligar su trabajo al tema de los refugiados de manera más genérica… En definitiva, lo que hacía con aquellas imágenes rescatadas de la televisión era devolverles la memoria que la velocidad informativa les negaba. De esta forma, provoca una especie de recorrido de ida y vuelta, del pasado al presente y viceversa…”. David G. Torres, 1999.

“Sabiendo como sabemos, como se desarrollaron los acontecimientos históricos, la distancia temporal nos proporciona de nuevo un bálsamo pero también un motivo para no olvidar. Usamos la memoria ( o las imágenes que de ella quedan) para tener presente aquello que tan rápidamente se olvida.” Álvaro de los Ángeles, 2008.

Martes, 19 de octubre a las 11h. Cuarta sesión. Pedro Avellaned. Intersecciones

Pedro Avenllaned nos ofrecerá una visión poliédrica de la fotografía. Su relación con el teatro (oralidad), con la literatura (escritura), después con el cine (oralidad, escritura, imagen) enfocan su trayectoria hacia la fotografía (imagen) en los años 70. Esta deriva de lo verbal a lo visual ha afectado su obra que huye de los esquemas a veces demasiado rígidos de las disciplinas que se alimentan de ellas mismas. De estas intersecciones aplicadas a la obra de un creador, se hablará en esta sesión del taller.

Martes, 19 de octubre a las 16h. Quinta sesión. Oscar Molina. Las imágenes latentes

Con mi primera cámara hice sólo un rollo de película. Mi abuelo junto al chamizo con fondo de sombras y árboles en otoño. Mi madre sentada en una silla de madera después de tender la colada. La calle desierta de Manuel Ferrero. Los dos peces rojos en la vieja tinaja del jardín. Mi bicicleta. En total doce fotografías. La película, el revelado y la obtención de copias era demasiado caro para la economía familiar. Así que me dijeron que me conformara con la cámara sin película, mirar por el visor, disparar si quería, y después contarles las fotos que había “hecho”. Y eso hacía. A veces escribía las supuestas fotografías para no olvidarme. Divertido y frustrante a un tiempo. Imágenes efímeras que sólo impresionaron mi retina. A su manera fueron imágenes latentes para siempre. Así, con una cámara sin película, mis primeros contactos con la fotografía tuvieron un comienzo más cercano a las palabras que a las imágenes. Pasó mucho tiempo hasta que pude costearme la película. Entonces fotografías y textos confluyeron en proyectos como “Fotografías de un diario”, “Caja de acuarelas” o más recientemente “Ammonites”. También nacieron trabajos en los que, muy al contrario que al principio, utilizo película sin cámara, e invito a otros al espacio del encuadre, al tiempo y al espacio de la fotografía, a crear y compartir imágenes, palabras y texto. Estas y otras historias conforman la gestación, el desarrollo y la edición de algunos de mis proyectos más significativos. Sobre esto hablaremos en la clase de Emergent.
Inscripciones

Workshop “ Paradojas de la narración: fotografía y literatura”
Días: 18 y 19 de octubre de 2010
Lugar: Escola Municipal de Belles Arts “Leandre Cristofol” (EMBA)
Población: Lleida (España)
Inscripciones hasta el 30 de septiembre en la web del festival
Plazas limitadas

Más información de los workshops:
http://www.emergent-lleida.org/es/Programacio-2010/Tallers

PRÓXIMAMENTE: JOSÉ VILLA

Nacido en 1950 en Santiago de Cuba, Villa se mueve entre el minimalismo y la abstracción matérica, dando como resultado una escultura sobria y sencilla, con gran poder de síntesis y un tipo de composición que tiende a equilibrar los extremos de mesura y violenta expresividad de formas y terminaciones. Se trata de un escultor con gran capacidad de trabajo, conocedor de las posibilidades de expresión de los materiales, de los que obtiene una fuerte comunicación estética, lograda a través de un riguroso dominio de la técnica para otorgar a la forma resultante un concepto geométrico muy personal y a menudo sorprendente. De ahí que en una buena parte de sus obras resalte el carácter totémico y la verticalidad, lo que las convierte en monumentales aunque sus dimensiones no lo sean logrando una imagen inconfundible y absolutamente personal que convierte el totémico de la mayoría de su producción en su seña de identidad. La monumentalidad en la obra de Villa es por tanto, más un concepto que una dimensión, pues piensa la escultura como aspecto de la cotidianidad como acompañamiento de la vida diaria que crean una sensación de recogimiento, de silencio y a la vez de fuerza y conciencia de la belleza en su estado puro.

09/09/10 al 21/11/10

JOSÉ BEDIA. ENTRE DOS MUNDOS

Como los grandes artistas, José Bedia (La Habana, Cuba, 1959), construye espejos en los que nos podemos ver con muy diferentes aspectos y así aprender un poco más de nosotros mismos. No es aventurado llegar a decir que su objetivo se sitúa en enriquecer a las personas ayudándolas a comprender que hay muchas formas de vida diferentes y que de todas se aprende a construir seres humanos en plenitud.

LA COLECCIÓN STEIN

Félix Candela (Madrid, 1910-Durham, Carolina del Norte, 1997) es uno de los arquitectos internacionales más importantes del siglo XX. Con motivo del Centenario de su nacimiento, en 2010, dicha muestra organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales SECC, en colaboración con el IVAM, tiene como objetivo principal celebrar la conmemoración de su nacimiento con una gran exposición que refleje un legado excepcional de sus ideas innovadoras y la sencillez de ejecución en su construcción caracteriza sus obras.

Por ello, el corpus expositivo estará compuesto de imágenes (planos, fotografías, diseños, dibujos), maquetas (con una selección de proyectos), multimedia y materiales utilizados con el objetivo de rendir homenaje a la vida y obra de Félix Candela, analizando también a sus maestros y a sus discípulos, y siempre dando gran importancia a la didáctica para que su aportación a la arquitectura e ingeniería mundial pueda ser entendida por todos los públicos.

28/10/10 al 16/01/11

LA COLECCIÓN JUDITH ROTHSCHILD FOUNDATION CONTEMPORARY DRAWINGS COLLECTION

Fruto del Convenio de Colaboración con el MOMA, esta muestra integrará una selección de obras de las más de 2.600 piezas que componen la Colección, centra en el trabajo de artistas que viven y trabajan en lo que se ha conocido como las cuatro ejes principales de la creación –Nueva York, Los Ángeles, Londres/Glasgow y Belin/Colonia/Dusseldorf-, pero que también incluye artistas de más de 30 países de Europa, Latinoamérica y Asia.como, entre otros, Jasper Johns y Ellsworth Kelly, Joseph Beuys, Philip Guston, Ray Jonson, Anish Kapoor, Brice Marden, Franz West y Hannah Wilke, Kai Althoff, Lee Bontecou, Vija Celmins, Richard Hamilton, Eva Hesse, Martín Kippenberger, Roy Lichtenstein, Agnes Martín, Elisabeth Murray, Neo Rauch, Cy Twombly y Hannah Wilke

09/11/10 al 02/01/11

OBRA SOBRE PAPEL EN LA COLECCIÓN DEL IVAM

La Colección Permanente del IVAM da coherencia histórica a los esfuerzos creativos y a los logros estéticos de los distintos lenguajes y manifestaciones artísticas, por lo que en sí misma se ha convertido en una destacada referencia del arte moderno y contemporáneo al abarcar épocas, conceptos y lenguajes diversos que permiten reconocer la trascendencia del arte contemporáneo en la configuración de la modernidad tanto en el ámbito nacional como en el internacional. Dada su importancia, la colección del IVAM, se presentará este año, bajo el epígrafe “Obra sobre papel en la Colección del IVAM” siguiendo la ordenación en ejes artísticos centrados en la fotografía, las instalaciones y nuevos medios, el pop art, la abstracción y la escultura.

11/11/10 al 02/01/11

PAOLO RIANI

La arquitectura de Paolo Riani bebe en las fuentes de la cultura, de las pasiones, de los instintos, de la intelectualidad más selecta al tiempo que se alimenta de los detalles, de las raíces y de un futuro inmediato que está por venir.

Y son sus ojos, como el objetivo de su cámara, los que seleccionan y engrandecen lo que se presenta accidentalmente ante ellos, permitiéndole disfrutar sin descanso y con extrema intensidad.

Su eclecticismo delicado con el lugar y con las costumbres del lugar, tal y como se reflejará en esta muestra, contrasta en positivo con las “arquitecturas de autor” que suelen caracterizar la obra de estos sólidos personajes más frecuentes que conocidos o reconocidos en el panorama internacional.

El retrato español en el Prado. Del Greco a Sorolla muestra la visión de un género que resulta clave para la adecuada comprensión de la pintura española. A través de 73 óleos, elegidos entre la amplísima colección de retratos que conserva el Prado, puede verse la calidad, la variedad y el interés extraordinarios que alcanzó este género en nuestro país desde sus inicios en el Renacimiento hasta el final del siglo XIX.

En España, el retrato como género autónomo nació en el entorno de la corte, donde sirvió para fijar la imagen del rey y su familia, trasmitiendo no sólo los rasgos físicos, sino un complejo concepto de Estado, de dinastía y de sociedad. Desde mediados del siglo XVI, los retratos de corte mostraban sin apenas variaciones el aspecto solemne, grave y distante de los Austrias españoles, sin que importara el sexo o la edad del individuo. El atrezzo que acompañaba estas imágenes (escenario, muebles, vestimenta, joyas y armas) completaban esa sugestión de poder hasta convertirse en fórmulas estereotipadas que pervivieron hasta bien entrado el siglo XVIII, aunque la llegada en 1700 de la dinastía Borbón a suelo español, introdujo nuevas maneras en la corte.

La muestra describe el desarrollo estilístico del género, las tipologías retratísticas, así como los diferentes significados sociales que ha tenido el retrato en España, un género al que se dedicaron los artistas más importantes de nuestra pintura: el Greco, Sánchez Coello, Velázquez, Carreño de Miranda, Murillo, Goya, Vicente López o Federico de Madrazo y Sorolla, pero en el que tienen cabida algunos de los mejores pintores europeos vinculados en algún momento con nuestro país, comenzando por Tiziano y Antonio Moro, los grandes conformadores del retrato de corte en España.

En el siglo XIX, la consolidación de la burguesía como cliente de creciente importancia produjo un aumento del número de retratos y favoreció la dedicación a ese tema de los principales pintores. En el primer tercio de siglo se muestra, junto al genio de Goya, la brillantez técnica de Vicente López y el rigor de la orientación neoclásica. El segundo tercio revela el esplendor del romanticismo en sus focos sevillano y madrileño, con figuras como Antonio María Esquivel y Federico de Madrazo. A lo largo de las últimas décadas del siglo el camino hacia el realismo y el naturalismo se advierte en las pinturas de Raimundo de Madrazo, Ignacio Pinazo y Joaquín Sorolla entre otros. Un hilo conductor muy claro deja ver la importancia que tiene, a lo largo de la centuria, la referencia a la tradición del Siglo de Oro, en particular a Velázquez, polo de atracción para la mayor parte de los artistas en especial desde la fundación del Prado en 1819.

Tiene especial interés la variedad de tipologías, algunas de las cuales muestran un progresivo declive con respecto a la etapa anterior, entre ellas el retrato real y el ecuestre, en tanto que otras se afirman con fuerza a lo largo del siglo, como el autorretrato, el retrato de grupo y de familia, y el retrato infantil. Todo ello muestra el valor del retrato como reflejo de las transformaciones de la sociedad en esa centuria. Además, la presencia del retrato fotográfico determina, en la segunda mitad del siglo, cambios notables en las convenciones de la representación.

Comisarios: Leticia Ruiz, Jefe de Departamento de Pintura Española (hasta 1700) y Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del siglo XIX

Espacio Cultural Cajacanarias.

Plaza del Patriotismo s/n. Santa Cruz de Tenerife

Bases

1. – El concurso de Cortos Universitarios VIART es de carácter estrictamente amateur, destinado exclusivamente a los estudiantes de pre-grado, institutos de educación superior o escuelas de cine.

2. – Podrá participar cualquier obra, siempre y cuando no haya participado en ediciones anteriores de VIART.

3. – La obra debe haber sido realizada entre enero del 2008 hasta la fecha del cierre de inscripciones de este año en curso (2010).

4. – Los concursantes deben poseer edades comprendidas entre 18 y 30 años, durante la realización del corto.

5. – La obra debe haber sido realizada mientras los realizadores cursen o cursaban sus estudios a nivel superior, por lo tanto, hay que presentar una copia de documento que acredite al cortometrajista como estudiante (copia de inscripción o matrícula, carta de constancia de estudio, carnet de estudiante o planilla de notas con fecha, entre otras, cualquier de las opciones es acetada para validar la calidad de estudiante)

6. – Las obras concursantes únicamente se recibirán en el formato de DVD NTSC y MINIDV NTSC . (2 copias independientes)

7. – VIART no devolverá el material al terminar el concurso, y se reserva el derecho de usarlo para la posterior difusión del evento, sin fines lucrativos.

8. – Los videos podrán inscribirse en cualquiera de las cinco (5) categorías. Cada categoría establece un tiempo máximo de duración (incluyendo créditos), el cual no puede ser excedido. En caso contrario, la descalificación será automática.

* Ficción – Hasta 15 minutos
* Documental – Hasta 20 minutos
* Video Clip – Hasta 5 minutos
* Video Arte – Hasta 10 minutos
* Animación – Hasta 10 minutos

9. – El jurado seleccionador elegirá los nominados o “Selección Oficial”, de donde se obtendrán las obras ganadores, a ser evaluadas por el Jurado Final.

10. – El jurado final seleccionará un (1) video ganador por cada categoría.

11. – Todos los videos nominados competirán por el Premio VIART.

* Premio VIART
* Mejor Cortometraje Venezolano
* Premio del Público
* Mejor Corto Ficción
* Mejor Docuemntal
* Mejor Animación
* Mejor  Video Arte/Experimental
* Mejor Video Clip
* Mejor Producción
* Mejor Dirección
* Mejor Guión
* Mejor Dirección de Fotografía
* Mejor Dirección de Arte
* Mejor Edición
* Mejor Música Original

(Todos los premios constarán de una estatuilla VIART + los premios otorgados por nuestros patrocinantes, se anunciarán a lo largo de la convocatoria)

12.- Las obras concursantes podrán obtener más de un premio VIART.

13.- Cada participante podra inscribir cuantas obras desee.

14. – De considerarlo necesario, el Jurado Final podrá declarar desierto el premio en cualquiera de las categorías.

15. -Los realizadores se comprometen a consignar todo el material (1 copia DVD NTSC, 1 copia MINIDV NTSC, planilla de inscripción, constancia de estudios original expedida por las autoridades de la institución correspondiente o cualquier otro documento que demuestre su status de estudiante), sinopsis, ficha técnica. (CD Informativo)

16. – Los PREMIOS del Concurso se otorgarán directamente al estudiante que inscriba el cortometraje, indiferentemente si es el productor, guionista o director; quedando la persona que inscriba el cortometraje como responsable de poseer los respectivos derechos de autor de la obra audiovisual.

17. – Cualquier violación a estas bases descalificará automáticamente el video en cuestión.

18. – La organización del Festival se reserva el derecho de resolver, como crea mas conveniente, cualquier situación no prevista en estas bases.

19.- Al inscribir un cortometraje y llenar la planilla de inscripción on line por medio de la página web www.festivalviart.com se hace total aceptación de las bases y reglamentación oficial del Festival Latinoamericano de Cortometrajes Universitarios VIART.

Cada participante podrá inscribir la cantidad de cortos que desee.
El Festival se realizará del 5 al 10 de Noviembre.
Para solicitar información adicional pueden escribir a abracadabra.pro@gmail.com o visitar la web de VIART www.festivalviart.com.
Grupo en Facebook: VIART-Festival Iberoamericano de Cortos Universitarios.

El 03 de octubre se presentará un espacio donde podremos conocernos y dar a conocer el trabajo relacionado con Blender y la animación 3D de nuestro país. Para lograr esto, se realizarán charlas abiertas, donde cualquier persona o institución podrá exponer temas relacionados con Blender.

Los días 4 y 5 de Octubre, conferencistas de Argentina, Brasil, Costa Rica, España, Francia y Venezuela hablarán sobre sus experiencias y avances de investigación en producción de cortometrajes, visualización arquitectónica, simulación robótica y desarrollo del propio software Blender

Estudiantes, profesionales, artistas, docentes, investigadores y público en general interesado en los temas de producción audiovisual animada, visualización arquitectónica, diseño industrial, animación de prototipos, diseño en 3D, desarrollo de software 3D o cualquier otra área relacionada, están cordialmente invitados a participar.

Además del Festival y el Simposio, los días 6, 7 y 8 de Octubre, se dictarán talleres de Blender en diversas áreas.
http://blenderven.macuare.org/

En los momentos de confluencia entre prácticas artísticas y prácticas documentales, las narrativas de la no-ficción apelan a estrategias del storytelling (“contar historias”) como género híbrido que se sirve de la fotografía, el video, el sonido, los textos, etc.

El taller pretende explorar los nuevos caminos de la fotografía narrativa a la luz de técnicas creativas y críticas que intervienen en el storytelling.

Para ello, Joan Fontcuberta ha invitado a la reconocida fotoperiodista Susan Meiselas, miembro de Magnum y autora de complejos proyectos documentales; ambos aunarán sus respectivas experiencias docente y profesional para, mediante estilos y propósitos distintos, trabajar sobre las formas de explicar tanto la realidad a través de la ficción como la ficción a través de la realidad.

Este taller, que tendrá un enfoque teórico-práctico, es idóneo para fotógrafos profesionales y aficionados avanzados, artistas visuales, periodistas, estudiantes y todos aquellos con curiosidad por la imagen y la comunicación visual.

Susan Meiselas pertenece a Magnum desde 1976. Ha publicado los libros Carnival Strippers, Nicaragua, Kurdistan: In the Shadow of History, Pandora’s Box, Encounters with the Dani y la monografía recopilatoria In History.

Meiselas es conocida por su trabajo documental vinculado a temas de derechos humanos en América Latina. Sus fotografías están incluidas en importantes colecciones públicas y museos internacionales. Merecedora de numerosas distinciones (Robert Capa Gold Medal, Hasselblad Prize, Leica Award for Excellence…) en 1992 recibió la importante beca MacArthur. http://www.susanmeiselas.com/

Con casi cuatro décadas de prolífica dedicación a la fotografía, Joan Fontcuberta ha desarrollado un trabajo simultáneo de creación y reflexión que analiza los conflictos entre naturaleza, tecnología, imagen fotográfica y verdad. Ha sido profesor invitado en diferentes universidades internacionales y, actualmente, en la Facultad de Comunicación de la Universitat Pompeu Fabra. En 2010 ha publicado La cámara de Pandora. La fotografi@ después de la fotografía y A través del espejo. Su primer largometraje, el documental de ficción Era rusa y se llamaba Laika, fue emitido por el segundo canal de TVE el 15/08/2010. http://www.fontcuberta.com/

Workshop “Memoria, documento y storytelling”
Días: 8, 9 y 10 de octubre de 2010
Lugar: Biblioteca Comarcal
Población: Tàrrega (Lleida-España)
Inscripciones hasta el 25 de septiembre en la web del festival
Plazas limitadas

Más información de los workshops:
http://www.emergent-lleida.org/es/Programacio-2010/Tallers

Charuca

“Por fin os podemos invitar a nuestra primera exposición en solitario.
Será en Atticus BCN, una tienda-galería ubicada en uno de los lugares con más encanto del gótico en Barcelona.
Os enseñaremos nuestros últimos trabajos, recién salidos del laboratorio Charuca, además de alguna sorpresa ^___^.
Venid a la inauguración el jueves 16, de 8 a 11 de la noche. Habrá buena música, la mejor gente y Charuca en cantidad.”

A todos los que penseis pasaros por allí, tened mucho cuidado y no lleveis demasiado dinero encima. Atticus es un vicio y el dinero vuela si además le sumamos las obras de Charuca es como para fundirse la paga del mes en un sólo lugar

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), uno de los artistas más destacados del Impresionismo, trabajó durante su vida con una absorbente pasión por la pintura que le llevó a alcanzar un gran prestigio y popularidad entre sus contemporáneos. El excelente conjunto de 31 obras del artista, las mejores entre las reunidas por el coleccionista norteamericano Robert Sterling Clark (1877-1956), fundador del Sterling & Francine Clark Art Institute (Williamstown), se mostrará en el Prado en la que será la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en España.

El núcleo de la colección de pinturas del Clark Institute corresponde a un gran conjunto de obras impresionistas adquiridas por Sterling y Francine Clark a lo largo de un período de cuatro décadas. Para los Clark, Pierre-Auguste Renoir representaba la quintaesencia del impresionismo y de ahí que adquirieran más de 35 de sus pinturas, incluidas varias de sus creaciones más importantes. Gracias al excepcional préstamo de la práctica totalidad de esta colección, que se exhibirá conjuntamente por vez primera fuera del Clark Institute, la exposición permitirá mostrar en España la amplitud y el interés de las propuestas de Renoir a través de las etapas más destacadas de su trayectoria, entre 1874 y 1900, en los principales géneros que cultivó: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores. En ellos pueden percibirse no sólo las aportaciones de su obra a la pintura de su tiempo sino también la profundidad de su vinculación con las grandes tradiciones pictóricas anteriores.

Como casi todos los impresionistas, Renoir es un artista escasamente representado en las colecciones españolas, sin presencia en ninguna colección pública excepto en la del Museo Thyssen-Bornemisza, con origen en el coleccionismo privado al igual que la del Clark Art Institute.

El Clark Institute se fundó en la ciudad de Williamstown (Massachussets) gracias al generoso patrocinio de los Clark. Su Museo se inauguró en 1955. Comprende colecciones muy ricas y diversas, entre las que destaca la de pintura impresionista. Dentro de ésta es sobresaliente el conjunto de obras de Renoir, núcleo de esta exposición.

Catálogo

La muestra contará con su correspondiente catálogo en el que se publicarán en primicia las fichas catalográficas correspondientes al primer catálogo razonado de la colección de pintura del siglo XIX del Clark Institute, resultado de la investigación realizada por John House, destacado especialista en el impresionismo francés y en Renoir. Además, incorporará un artículo de James A. Ganz, relativo a la personalidad de Clark como coleccionista.

Comisario: Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX

Exposición coorganizada entre el Museo Nacional del Prado y el Sterling and Francine Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts)

Museo Nacional del Prado.

El Museo del Prado otorgará 15 becas para jóvenes profesionales que no superen los 35 años y posean una titulación superior relacionada con los contenidos del curso. La obtención de la beca supone la exención de las tasas de matrícula y la participación obligatoria en una serie de seminarios específicos que profundizan en los contenidos del curso, que tendrán lugar los viernes siguientes a la conferencias a las 10.00 h, en el Centro de Estudios del Museo del Prado (Casón del Buen Retiro, c/Alfonso XII, 28).

Los interesados deberán rellenar la solicitud en el siguiente formulario

Formulario Beca Cátedra del Prado 2010

La selección de los becarios se realizará analizando su expediente académico y su perfil formativo, así como su conocimiento de los idiomas italiano e inglés, elemento esencial para la participación activa en los seminarios. Además deberán presentar con la solicitud un breve texto de no más de 500 palabras como explicación sobre los motivos para realizar el curso.

Plazo de presentación de solicitudes para becas: Del 28 de junio al 30 de septiembre de 2010.

El listado de becarios seleccionados se publicará el 15 de octubre 2010 en la página web del Museo para que puedan acreditar la documentación y los méritos alegados.

Seminarios

Viernes desde noviembre 2010 a abril de 2011

Aula 1 Casón del Buen Retiro

Viernes 26 de noviembre de 2010

La historia de la pintura griega en las fuentes clásicas

Viernes 3 de diciembre de 2010

Algunos vestigios del dibujo en la Antigüedad

Viernes 25 de febrero de 2011

Dibujos de la Antigüedad: el Codex Escurialensis

Viernes 4 de marzo de 2011

Dibujos y textos de Miguel Ángel

Viernes 8 de abril de 2011

Los dibujos de Poussin

Viernes 15 de abril de 2011

Dibujos de Rubens y Van Dyck 1620-1630

Exposición: Del 1 de septiembre al 30 de octubre de 2010
Lunes-Viernes: 10:00 a 14:00h / 16:30 a 19:00h. Sábados: 11:00 a 14:00h.
Lugar: Ivorypress Art + Books C/ Comandante Zorita 48 Madrid
Inauguración oficial: 9 de septiembre a las 19:30h.

Debates:
• Los tiempos con Bucky Fuller: 9 de septiembre a las 12:30h, con la participación de
Allegra Fuller, hija de Buckminster Fuller; Thomas Zung, socio de Fuller; Norman Foster y
Luis Fernández-Galiano, comisarios de la muestra.
• Vigencia de Bucky Fuller: su influencia en arquitectura, arte contemporáneo y
otras ciencias: 11 de septiembre a las 21:00h, con la participación de los arquitectos
Benedetta Tagliabue, Juan Herreros y Alejandro Zaera Polo; Luis Fernández-Galiano
actuará como moderador.

Dentro del ciclo de arquitectura que celebra anualmente durante los meses de septiembre y octubre, Ivorypress Art + Books produce –en colaboración con Foster + Partners– la exposición Bucky Fuller & Spaceship Earth, primera muestra presentada en España sobre el visionario arquitecto, diseñador, filósofo, matemático y cartógrafo estadounidense.

La exposición, comisariada por el arquitecto Norman Foster –que colaboró con Fuller y mantuvo con él una estrecha relación durante los últimos doce años de su vida–, y por Luis Fernández-Galiano, arquitecto y catedrático en Proyectos Arquitectónicos de la Universidad Politécnica de Madrid, revisa la obra de Fuller a través de un recorrido biográfico completo, desde la pionera Dymaxion House hasta sus conocidas cúpulas geodésicas.
Esta exposición, que podrá verse en Ivorypress Art + Books entre el 1 de septiembre y el 30 de octubre de 2010, ha sido posible gracias a los préstamos de The Estate of Buckminster Fuller e instituciones públicas como Stanford University, Southern Illinois University, el Art Institute of Chicago y otras colecciones privadas.
Los inicios de la carrera de “Bucky” coincidieron con la era aerodinámica, un campo que abarcó desde el diseño de dirigibles y aviones hasta coches, trenes e incluso la construcción de viviendas. Por primera vez en España podrán verse los diseños de Fuller que prepararon el terreno para algunas de las propuestas más radicales de las vanguardias del siglo pasado.
Las obras seleccionadas reflejan los capítulos claves de la trayectoria de Buckminster Fuller, utilizando originales –fotos, dibujos, proyectos, maquetas y estructuras–, así como una réplica de su futurista Dymaxion Car #4. Junto con las piezas y proyectos que compondrán la muestra, se presenta un documental producido por Ivorypress específicamente para esta exposición.

La Nave Espacial Tierra
Precursor del ecologismo actual, Buckminster Fuller trató a través de su obra temas que, hoy en día, son vitales para nuestra sociedad.

Sus proyectos reflejaban una profunda preocupación por la fragilidad de nuestro planeta al que, a partir de 1951, se refirió como Spaceship Earth (la Nave Espacial Tierra).

Fuller argumentaba que había que entender la Tierra como el vehículo que nos transporta navegando a través del espacio. Los recursos de esta nave, explicaba, son limitados y por este motivo es fundamental racionalizar su consumo y buscar medios de transporte y estructuras de habitabilidad sostenibles. “Tanto su trabajo como sus observaciones son actualmente aún más importantes de lo que fueron durante su vida”, explica Norman Foster. Dedicó su obra a hacer más manejable nuestro planeta, a conducirlo de un modo sostenible, asumiendo un papel de liderazgo en defensa de la naturaleza y una preocupación por una arquitectura democrática al alcance de todos. El grueso de estas ideas, difundidas con un sentido pedagógico, se desarrollaron en los años veinte y se difundieron lentamente en la sociedad, estando en plena vigencia en nuestros días.

Mucho antes de los primeros movimientos ecologistas o de que fuera acuñada la palabra sostenibilidad, ‘Bucky’ Fuller proyectó los primeros edificios autosuficientes e inventó coches aerodinámicos de bajo consumo, en forma de gota de agua, capaces de transportar a doce personas.

En este sentido, afirma Luis Fernández-Galiano, “en la última etapa de la vida de Fuller, su obra y su persona se convirtieron en un mito para el movimiento alternativo, que adoptó las cúpulas geodésicas como una forma de habitar el planeta mostrando economía de recursos y empatía con la naturaleza”. Buckminster Fuller “llegó a convertirse en un genuino gurú de los grupos contraculturales y ecológicos, que acudían multitudinariamente a sus conferencias”.

El proyecto Dymaxion

La muestra producida por Ivorypress Art + Books presenta una panorámica del amplio trabajo de Buckminster Fuller, enmarcado en el contexto de su época. Parte de las obras expuestas se engloban en el concepto Dymaxion, un término concebido por el departamento de relaciones públicas de los almacenes Marshall Field de Chicago, donde Fuller expuso una de sus primeras viviendas unifamiliares en 1929 (la Dymaxion House). El neologismo une tres palabras que aparecían frecuentemente en las explicaciones del arquitecto Fuller, dynamics, maximum y tension. El término apasionó al arquitecto, que lo usaría para denominar un conjunto de proyectos Dymaxion inspirados en la máxima más por menos.

La historia del Dymaxion Car, una de sus obras más reconocidas, precursora de los vehículos aerodinámicos y de bajo consumo, se recoge en el libro editado por Ivorypress, Dymaxion Car Buckminster Fuller con motivo de esta exposición. Esta muestra presenta la última reconstrucción del Dymaxion Car #4 realizada por Norman Foster especialmente para esta exposición como homenaje al que fuera su mentor y amigo. “Mi punto de partida a la hora de tomar la decisión de crear el Dymaxion Car #4, fue una mezcla de curiosidad y un deseo de rendir homenaje a Bucky, una forma de expresar mi gratitud por su sabiduría y por su valiosa forma de entender las cosas que han ayudado a dar forma a mi propia vida”.

Un documental producido por Ivorypress sobre la obra de Buckminster Fuller contextualiza el trabajo del arquitecto con su tiempo, y recoge testimonios de época poniendo de relieve la naturaleza avanzada de sus ideas en aquel momento.

La sala acogerá distintos desarrollos del Dymaxion, como el Dymaxion Deployment Unit (DDU), un alojamiento de emergencia, “proyectado en 1941 inspirándose en los silos agrícolas de chapa que habían proliferado debido a las políticas agrícolas del New Deal, a los que Fuller añadió ojos de buey y un sistema de ventilación en la cúspide de la cubierta cónica”, explica Fernández-Galiano. De ellos se fabricaron decenas de miles, usados sobre todo por el ejército estadounidense.

La exposición incluirá, asimismo, una muestra de su trabajo como cartógrafo. Los estudios sobre la esfera y las mallas geodésicas darían lugar a un novedoso sistema de proyección para el mapamundi, el llamado Dymaxion Map. Además, se expondrán diversos proyectos de cúpulas geodésicas, “el invento más fértil de Fuller, el que mejor reúne su pensamiento global con su inteligencia constructiva y el que más indeleblemente asociamos a su persona y a su herencia”, según Fernández-Galiano, co-comisario de la exposición.

Propuestas utópicas que llegaron a hacerse realidad, como en el caso del pabellón de Estados Unidos en la Exposición Universal de Montreal en 1967. Una construcción esférica, realizada con su joven colaborador Shoji Sadao, que capturó la atención del mundo, otorgó a Fuller la consagración popular y dio lugar a una proliferación de cúpulas geodésicas.

Bucky Fuller & Spaceship Earth constituirá un recorrido por su obra profética y visionaria que, en palabras de Fernández-Galiano, “contribuyó al florecimiento global de la conciencia ecológica y a la difusión del conocimiento técnico y científico como herramienta fundamental para la salvaguarda y el uso de nuestro frágil planeta azul”.

Debates
En el contexto de la exposición se celebrará un ciclo de debates en los que se reflexionará sobre la vida y la obra de Bucky Fuller.

• Los tiempos con Bucky Fuller:
El 9 de septiembre a las 12:30, con la participación de Allegra Fuller, hija del arquitecto, Thomas Zung, arquitecto y socio de Fuller, Norman Foster y Luis Fernández-Galiano, comisarios de la muestra.

• Vigencia de Bucky Fuller: su influencia en arquitectura, arte contemporáneo y otras ciencias:
El 11 de septiembre a las 21:00, coincidiendo con la Noche en Blanco en Madrid, se celebrará el segundo debate de este ciclo, en la que se reflexionará sobre la vigencia de Fuller y la influencia de sus ideas en las nuevas generaciones de arquitectos, contando con la participación de Benedetta Tagliabue, Juan Herreros y Alejandro Zaera Polo; Luis Fernández-Galiano actuará como moderador.

Ivorypress Art+Books
C/ Comandante Zorita 48
28020 Madrid
T: +34 91 449 09 61

press@ivorypress.com
www.ivorypress.com

Presentado en SIGGRAPH 2010, en el stand de NewTek, LightWave 10 con VCam permite a los usuarios generar imágenes y animaciones con un realismo sin precedente en un escenario virtual en tiempo real, combinando los movimientos físicos de una cámara a un programa completo desde modelado hasta el render final.

LightWave 10 de NewTek incluye, además de la VCam, herramientas de modelado, de animación y de renderizado con funciones de visualización y render interactivos, nuevas herramientas de mapping UV, intercambios de datos ,destacados avances en la dinámica de cuerpos rígidos y nuevas herramientas para juegos y tiempo real

La VCam Intersense permite efectuar rastreos (Tracking) virtuales en tiempo real, facilitando la exploración virtual, el encuadre de planos, el rodaje y la producción de contenido virtual. La VCam permite a los artistas lograr resultados de visualización en tiempo real inalcanzables con los métodos tradicionales. Lo que antes requería días de pre-programación y encuadres de planos, claves (keys) de movimientos de cámara 3D se puede realizar de manera interactiva.

“La tecnología 3D es sin ninguna duda hoy un tema de los más vehementes en materia de producción de películas y video juegos, pero la accesibilidad a este tipo de tecnologías sigue siendo un problema”, declaró Rob Powers, vice-presidente del desarrollo 3D en NewTek. “NewTek e InterSense han cambiado eso con la integración de LightWave 10 con VCam. Estoy muy feliz de aportar mis conocimientos y mi experiencia de la producción virtual en películas como “Avatar” y “Tintin” para ayudar a concebir una solución que lleve el 3D a un nivel superior haciendo que esta tecnología este accesible para todos. Eso es lo que hemos hecho con LightWave 10”.

InterSense Incorporated es una empresa líder en tecnologías de captura de movimientos de precisión. Su tecnología hibrida inerte patentada capta los movimientos con una combinación sin precedentes de posicionamiento en tiempo real, funciones de rastreo (tracking) y de alineamiento, permitiendo una simulación visual de mayor rapidez y de mayor calidad así como aplicaciones de visionado y de navegación superiores. Los productos de tracking de InterSense permiten una interacción en tiempo real y realista con la infografía para mejorar las aplicaciones técnicas de entrenamiento y de simulación, la robótica, la realidad aumentada, visualización virtual en 3D, la producción de películas y el desarrollo de video juegos, la exploración gasífera y petrolífera, el diseño industrial y la imaginería médica. Además su clientela abarca desde la industria militar, la industria del entretenimiento, la investigación, la ingeniería y las ciencias de la vida, InterSense trabaja con una red global de socios propietarios de software, integradores de sistemas, vendedores con valor añadido y socios OEM propietarios de hardware para entregar soluciones adaptadas a las necesidades de cada cliente.

Más información: www.intersense.com.

NewTek Inc. es una empresa líder en sistemas portátiles de producción en directo, edición de vídeo, animación 3D y herramientas de efectos especiales, incluyendo la línea de productos TriCaster™ y LightWave 3D®. Beneficiando a productores y artistas con sus tecnologías innovadoras, NewTek ha ganado numerosos premios de la industria, incluyendo dos premios Emmy ®. Los productos de NewTek se han utilizado en películas y programas de televisión como “Avatar”, “Tintin”, “Alicia en el pais de las maravillas”, “Angels and Demons”, “The Dark Knight,” “Iron Man”, “V”, “FlashForward”, “Battlestar Galactica,” “Lost,” “Fringe” y más. Los clientes de NewTek incluyen Airbus, la BBC, el el Parlamento Europe, France Televisions, Mediaset, RTBF, RTL, SISLive, Twit.TV, Radio CBS, ESPN X Games, Fox News, MTV, Nickelodeon y el NORAD. NewTek Inc. es una empresa privada con sede en San Antonio, Texas.

Situado cerca de la ciudad de Burdeos, Francia, NewTek Europe – 3DStorm SARL se encarga de la distribución, la comunicación y el soporte de los productos de NewTek en Europa, Medio Oriente, África, Rusia y Pakistán. .

Más información:
www.newtek-europe.com
www.3dstorm.eu

El teatro kathakali, venido directamente de Kerala, al sur de la India, de la mano de la prestigiosa compañía Margi, abrirá la presente edición el 16 de septiembre en la Biblioteca Nacional de Catalunya, que junto con el Ateneu Barcelonés, el MACBA, el CCCB y la plaza dels Àngels configurarán los nuevos escenarios del Festival Asia.

La programación artística contará también con la actuación del grupo de percusión de Leonard Eto, el ex miembro de la mítica banda japonesa Kodo. Otros artistas destacables serán el joven grupo de folk-rock chino Shan Ren Band y la estrella pakistaní de bhangra pop Abrar-Ul-Haq.

Como clausura, el domingo 26 de septiembre, el Festival Asia presenta el Día de Asia, una jornada que pondrá el acento asiático a las Fiestas de la Mercè a  través de una programación multidisciplinar pensada para descubrir Asia en familia durante todo un día, en la plaza dels Àngels, la plaza Joan Coromines, el CCCB y el MACBA. Las comunidades asiáticas protagonizarán la programación, compuesta de actividades como un desfile de vestidos y costumbres tradicionales o demostraciones de juegos arraigados en la tradición asiática, sin dejar de lado la profunda cultura gastronómica de Asia, el ritmo del hip hop de los jóvenes filipinos o la caligrafía y el cine asiáticos.

Durante dos fines de semanas consecutivos, el festival reforzará su perfil como única plataforma en todo el Estado dedicada a las artes escénicas y tradicionales de Asia y el Pacífico, al tiempo que mantendrá la línea de trabajo iniciada en las últimas ediciones con el objetivo de hacer partícipes a las comunidades asiáticas ya presentes en nuestra sociedad.

www.festivalasia.es

• Entre el 16 i el 26 de setembre, el festival presenta un programa multidisciplinari amb més de 30 espectacles i activitats de tall asiàtic i orientat a tots els públics.

• La màgia del teatre kathakali del sud de l’Índia, el mite japonès de la percussió Leonard Eto i l’estrella pakistanesa de bhangra pop Abrar-ul-Haq, els principals protagonistes.

• La programació del festival, seguint la línia integradora empresa l’any passat, és fruit d’un estret diàleg amb les comunitats asiàtiques residents a Barcelona.

Barcelona, 28 de juliol del 2010. La novena edició del Festival Àsia, organitzat per Casa Àsia, se celebrarà entre el 16 i el 26 de setembre a Barcelona. La seva àmplia programació destinada a tots els públics, amb més de 30 espectacles i activitats d’origen asiàtic, es podrà gaudir enguany al bell mig de la ciutat. Durant  aquests dies, Barcelona s’aproparà al continent asiàtic a través de disciplines tan diverses com ara la música, el teatre, la dansa, el cinema, el moda, l’esport o la gastronomia.

El teatre kathakali, vingut directament de Kerala, al sud de l’Índia, de la mà de la prestigiosa companyia Margi, obrirà la present edició el 16 de setembre a la Biblioteca Nacional de Catalunya, que juntament amb l’Ateneu Barcelonès, el MACBA, el CCCB i la plaça dels Àngels configuraran el nous escenaris del Festival Àsia.

La programació artística comptarà també amb l’actuació del grup de percussió de Leonard Eto, exmembre de la mítica banda japonesa Kodo. D’altres artistes destacables són el jove grup de folk-rock xinès Shan Ren Band i l’estrella pakistanesa de bhangra pop Abrar-Ul-Haq.

Com a cloenda, el diumenge 26 de setembre, el Festival Àsia presenta el Dia d’Àsia, una jornada que posarà l’accent asiàtic de les Festes de la Mercè a través d’una programació multidisciplinària pensada per descobrir Àsia en família durant tot un dia, a la plaça dels Àngels, la plaça Joan Coromines, el CCCB i el MACBA. Les comunitats asiàtiques protagonitzaran la programació, composta per activitats com una desfilada de vestits i costums tradicionals o demostracions de jocs arrelats en la tradició asiàtica, sense deixar de banda la profunda cultura gastronòmica d’Àsia, el ritme del hip hop dels joves filipins o la cal·ligrafia i el cinema.

Durant dos caps de setmana consecutius, el festival reforçarà el seu perfil com a única plataforma en tot l’Estat dedicada a les arts escèniques i tradicionals d’Àsia i el Pacífic, alhora que mantindrà la línia de treball iniciada en les darreres edicions amb l’objectiu de fer partícips les comunitats asiàtiques presents a la nostra societat.

Del 10 al 26 de septiembre de 2010

Horario: 22.00h

Precio: 3 €

Espacio: Patio

En esta 8ª edición del ciclo “Artes Escénicas y Discapacidad” que anualmente programa La Casa Encendida queremos hablar sobre el potencial creativo y artístico del concepto de “diferencia”

Durante tres fines de semana del mes de septiembre (del 10 al 26), podremos ver a tres compañías de Francia, España y Portugal que, a través de su trabajo, pretenden mostrar al público las  diferentes maneras de abordar la diferencia desde su complejidad, belleza, crecimiento y compromiso

Este año contamos con la presencia de la compañía francesa Compagnie Les Mains, les pieds, et la Tête Aussi con ALI, la producción Cocktail realizada por el grupo Treceacero dirigido por Patricia Ruz y David Ojeda y por último el grupo Dançando com a Diferença con su espectáculo Beatuful people, coreografiado por el artista portugués Rui Horta.

_11 y 12 de septiembre:

Ali, de Compagnie les mains, les pieds et la tête aussi

_18 y 19 de septiembre:

Cocktail, de Treceacero

_25 y 26 de septiembre:

Beautiful People, de Grupo Dançando com a Diferença

“Trash ente amigos”

11 de Septiembre de 2010, con motivo de la Noche en Blanco

“Trash ente amigos” da título a la actividad que La Casa Encendida programa el día de La Noche en Blanco. Y se trata de una proyección comentada de la película de Lucio Fulci “Roma 2072: Los nuevos gladiadores” de la mano del Director de cine Nacho Vigalondo; del responsable de la videoserie Reflexiones de Repronto, Raúl Minchinela; del escritor y guionista Rubén Lardín  y de Señor Ausente, autor del premiado Blog Ausente

“Trash entre amigos” es una variante de expanded-cinema que convierte la cinefilia en performance. Lo consigue mediante el comentario y la explotación, en tiempo real y con público presente, de películas trash: cintas insólitas, cuya despreocupación formal permite al espectador participar en el diálogo y el comentario desprejuiciado. El público interviene, se convierte él mismo en espectáculo retroalimentándose la participación

Exposición Desplazamientos, once proyectos que resumen diez años de arte contemporáneo en España

Del 9 de septiembre al 24 de octubre de 2010

El programa Generaciones se ha convertido en una de las más importantes plataformas para el lanzamiento de jóvenes talentos en el mundo del arte contemporáneo europeo

Madrid, (…) de septiembre de 2010.- Hace diez años, Obra Social Caja Madrid puso en marcha Generaciones. Premios y Becas de Arte Caja Madrid, un programa de apoyo a los jóvenes artistas residentes en España a través de la concesión de premios, becas y adquisición de obra. A lo largo de estos diez años, Generaciones ha ido creciendo y mejorando, siempre con el objetivo de ser una plataforma de promoción del arte actual. Hoy es considerado como uno de los premios de referencia dentro del panorama artístico español.

Para conmemorar estos diez años, Obra Social Caja Madrid presenta en La Casa Encendida, a partir del 9 de septiembre y hasta el 24 de octubre, una exposición con once artistas seleccionados por un comité formado por Estrella de Diego, Rafael Doctor, Aurora García, Carmen Giménez, Oliva María Rubio y Vicente Todolí, de entre todos aquellos que han pasado por Generaciones a lo largo de los diez años del programa. Todos ellos cuentan con una fecunda trayectoria tanto nacional como internacional:

Optica Madrid 2010: The Visual Way of Life

Los días 24,25 y 26 de septiembre

Un año más, el Festival Optica de videoarte regresa a La Casa Encendida. Los días 24,25 y 26 celebramos la tercera edición en Madrid de un festival, con sedes en otras ciudades como París, Buenos Aires, La Paz, Gijón o Córdoba, que ofrece un completo programa de contenidos reflejo de la actualidad audiovisual a nivel mundial.

Además de las secciones Artistas Independientes y Galerías, destacan los ciclos: “Cuerpos deshonrados”, un repaso a los últimos diez años de trayectoria creativa de Juanma Carrillo; “Sentido y sensibilidad”, el ser humano y el sentimiento como medios de expresión artística; “Cybercinema”, una muestra de los mejores realizadores rusos del momento; “Lightrhythmvisuals presenta…”: una interesante selección de nuevos trabajos del catálogo de este reputado sello audiovisual.

La actividad se completa con la performance del creador gallego Fran Brives, diferentes encuentros con artistas y galeristas, presentaciones de proyectos de difusión artística y la participación activa de todos los asistentes.

+ info: www.opticafestival.com

La Casa Encendida

www.lacasaencendida.es

En el corazón de ambas se encuentra el nuevo sensor CMOS ExmorTM APS HD.

En combinación con la última generación del potente procesador de imagen BIONZ, ofrecen una captura continua de alta velocidad, además de una gama sofisticada de funciones de composición y procesado de imagen digital.

Las A580 y A560 son capaces de congelar las escenas más fugaces hasta a 7fps en el modo continuo de prioridad a la velocidad (Speed Priority Continuous Advance). El popular sistema Live View Quick AF es más efectivo que nunca. La previsualización en directo mejora gracias al nuevo sistema de enfoque automático de detección de fases de 15 puntos, que mantiene enfocados los elementos móviles.

Las DSLR-A580 y A560 son compatibles con la gama α completa de más de 30 objetivos intercambiables con montura tipo A Sony y Carl Zeiss, y tienen SteadyShot INSIDE. Este sistema de estabilización interno, que desplaza el sensor, ofrece hasta 4 pasos de exposición de ventaja para corregir los temblores provocados al disparar con la cámara en la mano.

Grabación de vídeo Full HD

Tanto la A580 como la A560 ofrecen grabación de vídeo. Con sólo pulsar el botón de vídeo, grabarás vídeos HD muy detallados con un sonido estéreo claro en el formato AVCHD 1080i o en MP4, más apropiado para Internet. Gracias al sensor de alta resolución CMOS ExmorTM APS HD, es posible grabar clips de vídeo HD impresionantes con efectos de desenfoque de fondo (‘bokeh’) atractivos.

Composición y previsualización sencillas

Las A580 y A560 ofrecen nuevas posibilidades para encuadrar y reproducir fotografías y vídeos de gran calidad.

La luminosa pantalla LCD Xtra Fine de 7,5 cm (3,0″) se puede mover arriba y abajo para encuadrar cómodamente desde cualquier posición, mostrando una imagen contrastada con detalles y colores.

Además, el nuevo modo Focus Check Live View (Live View con comprobación de enfoque) facilita la verificación de los detalles de imagen más finos. Es posible ver la ‘reacción’ del sensor en tiempo real en la pantalla LCD, con una opción de zoom que permite acercarse para confirmar los ajustes de enfoque manuales. En el modo Live View con comprobación de enfoque se puede seleccionar el método Contrast AF.

Los aficionados a las DSLR agradecerán el visor óptico luminoso y de alto contraste con una cobertura del 95% que consigue una visión realmente detallada para encuadrar las fotografías.  Es posible acceder a la previsualización de la profundidad de campo con sólo pulsar un botón.

Ambas cámaras incluyen el Barrido Panorámico 3D, que permite capturar panorámicas amplias repletas de detalles y con un gran campo de visión. Las panorámicas 3D se pueden ver en cualquier televisor 3D HD compatible.

El Auto HDR se ha perfeccionado en comparación con los modelos α anteriores, combinando automáticamente ráfagas de 3 imágenes con exposiciones horquilladas, creando una sola fotografía con más detalles en las iluminaciones y las sombras. La Multi Frame Noise Reduction ‘apila’ una ráfaga rápida de seis disparos, creando una exposición única con menos ruido que amplía las sensibilidades efectivas hasta a ISO 25600.

Las nuevas cámaras son compatibles con tarjetas Memory Stick PRO DuoTM (incluyendo Memory Stick PRO-HG DuoTM) y SD (incluyendo SDHC y SDXC) (disponibles por separado). La velocidad de transferencia de 30MB por segundo de las Memory Stick PRO-HG Duo HX brinda un mayor rendimiento en el modo de disparo continuo o al transferir datos a otros dispositivos.

La nueva réflex digital DSLR-A580 Sony estará a la venta en octubre de 2010. La nueva réflex digital DSLR-A560 Sony estará disponible durante el primer trimestre de 2011.

NH01 El NH01 es tres veces más rápido que los interfaces de los discos duros convencionales USB 2.0. Gracias a su diseño, puede ofrecer velocidades de transferencia de datos de hasta 88 MB/s en lectura y de 81 MB/s en escritura. Este elegante dispositivo de tamaño bolsillo permite al usuario transferir una película en Blu-ray de 24Gb en 4,6 minutos. La tecnología USB 3.0 también permite una mejor interacción entre el dispositivo y el ordenador, garantizando una mayor eficiencia de la energía. El NH01, disponible en capacidades de hasta 640Gb, representa una solución de almacenamiento de gran capacidad perfecta para copias de seguridad o para quienes requieran un acceso a grandes cantidades de datos donde quiera que estén.

NH03 El elegante disco duro externo NH03 3.5’’ ofrece un interfaz SuperSpeed USB 3.0. Su velocidad de transferencia se acelera alcanzando velocidades de hasta 140 MB/s gracias a su software incorporado USB TurboHDD, lo que supone un 400% de mejora de la velocidad de transferencia para el usuario. La codificación AES de 256 bits garantiza la seguridad y confidencialidad de los datos ofreciendo así protección contra intrusiones indeseadas. El dispositivo puede colocarse vertical u horizontalmente y sus ventiladores, situados en la parte trasera y delantera del cofre, mejoran el flujo del aire y la disipación del calor. El  NH03 de ADATA, disponible en capacidades de hasta 2Tb, también incluye un botón de auto copia (one-touch auto backup button) que con un sólo toque permite a los usuarios realizar copias de seguridad de los contenidos o sincronizar los datos entre plataformas de un manera sencilla y eficaz, lo que hace de él una solución increíblemente rápida y de alta capacidad.

N004 Con su innovador diseño de interfaz dual, el N004 ofrece una gran capacidad de almacenamiento de hasta 256Gb. Disponible en un cofre de aluminio de 2,5 pulgadas, el interfaz dual de USB 3.0 y SATA II soporta estándares de SuperSpeed USB 3.0 y SATA. Gracias a su tecnología de 8 canales de memoria, el N004 supera a los discos duros normales ofreciendo una velocidad de transferencia de datos de 200MB/s y 170 MB/s en lectura y escritura respectivamente. El N004 puede instalarse como disco duro en cualquier ordenador de mesa o portátil o utilizarse como disco duro externo. 

N005 La gama de soluciones USB 3.0 de ADATA también incluye la N005, una nueva llave USB 3.0 diseñada para satisfacer la creciente necesidad de los usuarios que buscan una mayor velocidad de transferencia. Aprovecha la mejora del ancho de banda del USB 3.0 y ofrece velocidades de transferencia de hasta 85 MB/s, superando así a las convencionales llaves USB 2.0 en casi un 300%. Disponible en capacidades de 16, 32 y 64GB, la N005 es la elección inteligente para una solución de almacenamiento portátil de gran capacidad y es ideal para acceder y transferir archivos pesados donde quiera que estén.

Más información: www.adata-group.com

Más de doscientas obras de cerca de sesenta artistas mostrarán en el Museo Picasso Málaga el modo en el que los creadores de la primera mitad del siglo XX se interesaron por aproximar las formas y conceptos del arte moderno a los niños.

Pablo Picasso, Giacomo Balla, Henri Cartier-Bresson, Fortunato Depero, Alexandra Exter, Paul Klee, El Lissitzky, Joan Miró, Edward Steichen, Sophie Taeuber-Arp, Alexander Rodchenko y Joaquín Torres-García serán algunos de los artistas representados en esta exposición, en la que, con el juego como hilo conductor, intervienen disciplinas tan diversas como las artes plásticas, la literatura, el teatro, la fotografía, el diseño gráfico o el cine.

Los juguetes de las vanguardias se adentra así en la poco explorada relación entre arte y pedagogía, en los múltiples proyectos que dirigidos a la infancia surgieron en toda Europa durante esta época revolucionaria. Hoy son ejemplos destacados de las corrientes plásticas y literarias que sentaron las bases del arte y el diseño de la actualidad.

Completará la exposición un anexo que reconstruye la muestra que el escritor Blaise Cendrars organizó en París en 1929. Ésta reunirá aproximadamente doscientas obras incluyendo libros, correspondencia, fotografías y carteles dirigidos a los niños y realizados por artistas de la vanguardia rusa durante los primeros años de la revolución soviética.

Producida y organizada por el Museo Picasso Málaga, Los jueguetes de las vanguardias está comisariada por Carlos Pérez, responsable de Exposiciones del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad (MuVIM) y José Lebrero Stals, director artístico del MPM. Asimismo, cuenta con la colaboración de un equipo de asesores internacionales que incluye a Juan Bordes (escultor; arquitecto, profesor, escritor y académico numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid); Cecilia Buzio de Torres (especialista en Torres García); Luigi Cavadini (director del Museo d’Arte Contemporanea di Lissone); Françoise Lévèque (conservadora de Fondos Históricos de la Bibliothèque de L’Heure Joyeuse de París); Iva Knobloch (conservadora del Museo de Artes Decorativas de Praga) y la historiadora del arte y filóloga Medea Höch de Zürich.

Con motivo de la exposición se publicará un libro ilustrado en dos ediciones, español e inglés, que incluirá ensayos tanto de los comisarios como de los citados expertos, así como reproducciones de las obras expuestas.

Palacio de Buenavista
c/ San Agustín, 8. 29015 Málaga, España
Información General: (34) 902 44 33 77
info@museopicassomalaga.org

Horario
De martes a jueves:   de 10:00 h. a 20:00 h.
Viernes y sábados:     de 10:00 h. a 21:00 h.
Domingos y festivos:  de 10:00 h. a 20:00 h.

Erakusketak iraganean prestakuntza hezkuntza-zentroan jaso duten hamalau artistak egindako argazkiak eta bideoak biltzen ditu

Irailaren 10ean, ‘5 y 5. Bostabost’ ekimenak bat egingo du LunaKREA proposamenaren baitan hiri osoan antolatu dituzten 50 jarduerekin

Erakusketa Arte eta Lanbideko Eskolako Irudiaren Sailak zuzendu du eta Araba Aretoan egongo da ikusgai irailaren 3tik 12ra bitartean

http://www.kreared.com/es/

La exposición colectiva ‘5 y 5. Bostabost’ abre el programa LunaKREA

La exposición reúne fotografías y vídeos realizados por catorce artistas que han recibido formación en el centro educativo en el pasado

El 10 de septiembre ‘5 y 5. Bostabost’ se unirá a las 50 actividades programadas por toda la ciudad dentro de la propuesta LunaKREA

La muestra dirigida por el Departamento de Imagen de la Escuela de Artes y Oficios podrá visitarse del 3 al 12 de septiembre en la Sala Araba

http://www.kreared.com/es

Centro Joaquín Roncal (C/ San Braulio nº 5-7)

Duración: 12h

Fechas: 9, 10 y 11 de septiembre

Horario: de 10:00 a 14.00

Precio: 120 euros

El porqué del retoque fotográfico. Diferencias entre retocar y manipular.
El retoque esencial para toda imagen. ¿Qué debo retocar?
Los Flujos de trabajo. ¿Dónde acabo mi fotografía?

Primera clave: como medir la exposición correcta en la toma.
Segunda clave: La configuración correcta de la cámara.
Tercera clave: La configuración correcta del Software.

Acabar la imagen en la propia cámara, el valor actual del archivo JPEG.
Acabar la imagen en ACR, uso correcto y ventajas del archivo RAW.
Acabar la imagen en Photoshop, la interpretación de autor.

El curso está dividido en tres bloques principales. En el primero se explica la teoría de porque y cuando debemos retocar nuestras fotografías así como los pasos adecuados y el orden estricto que debo seguir en los retoques. En el segundo bloque se ven las claves necesarias para obtener una alta calidad en el retoque y mantener esa calidad hasta la impresión final. En el tercer y último bloque es donde se ve en la práctica los retoques y manipulaciones de “laboratorio digital” que permite la tecnología fotográfica digital actual: retoque zonal, trabajo reversible, objetos inteligentes, técnicas de stitching (unión de fotos), fotografía HDR (alto rango dinámico), etc.

INSCRIPCIÓN AL TALLER

Otros talleres en Zaragoza Photo:

Ricky Dávila

TALLER
“La fotografía como visión personal”
8, 9 y 10 de septiembre
Centro de Historia

Taller Biograma

TALLER
“Experiencia Biograma”
Jueves 9 de septiembre
Centro Joaquín Roncal

Estas nuevas cámaras permiten una previsualización de las imágenes a alta resolución en directo con un enfoque automático de detección de fase rápido y exacto disponible en todo momento, tanto a través de la pantalla LCD inclinable La familia de cámaras Sony Alphα con objetivos intercambiables crece con las nuevas α55 y α33, compactas y precisas.

Las primeras cámaras digitales Sony que utilizan la tecnología de espejo traslúcido ofrecen un sistema óptico innovador que abre infinidad de posibilidades de captura. Al contrario que las DSLR convencionales, la tecnología de espejo traslúcido utiliza un espejo traslúcido fijo que divide la vía óptica entre el sensor de imagen principal y un sensor de enfoque automático de detección de fase.

Estas nuevas cámaras permiten una previsualización de las imágenes a alta resolución en directo con un enfoque automático de detección de fase rápido y exacto disponible en todo momento, tanto a través de la pantalla LCD inclinable de 7,5 cm (3”) como del Tru-Finder (visor óptico electrónico) de alta precisión. Esto asegura la nitidez en todo momento, incluso en el caso de elementos móviles, tanto al capturar imágenes fijas como vídeos Full HD.

El primer Quick AF del mundo para vídeo Full HD

El amplio sensor CMOS ExmorTM APS HD que usan ambas cámaras graba secuencias de vídeo HD .

Las α55 y α33 marcan el debut de la grabación en vídeo Full HD con Quick AF Full HD. La tecnología Translucent Mirror Technology (tecnología de espejo traslúcido) permite grabar vídeos AVCHD 1080i con un seguimiento AF de detección de fase fluido y preciso para los elementos móviles. El visor muestra una previsualización de los vídeos en tiempo real, al contrario que en las cámaras DSLR, en las que al levantarse el espejo no llega luz al visor óptico durante la grabación de vídeo.

Composición y previsualización sin esfuerzo

Las α55 y α33 ofrecen nuevas posibilidades para encuadrar y reproducir fotografías y vídeos de gran calidad. Altamente valorado tanto por usuarios de DSLR avanzados como aficionados, el sistema Quick AF Live View de Sony ahora es más efectivo. La previsualización de imagen en directo se combina con el rendimiento extremo del AF de detección de fases, incluso con elementos con movimientos rápidos.

La luminosa pantalla LCD Xtra Fine de 7,5 cm (3.0″) (16:9) se puede inclinar y girar (a un máximo de 270o) para encuadrar desde cualquier ángulo y ofrece unos detalles y un contraste soberbios.

El visor electrónico es preciso, con una resolución de 1,15 millones de puntos que ofrece una imagen luminosa y clara con una cobertura del 100%. Los ajustes de exposición, profundidad de campo y color se pueden previsualizar instantáneamente, tanto en el visor como en la LCD. La composición resulta sencilla gracias a la cuadrícula que se puede activar en el visor y en la pantalla LCD, además de contar con un nuevo calibrador de nivel digital.

Mayores posibilidades creativas

Las α55 y α33 son compatibles con la gama completa de más de 30 objetivos intercambiables A-mount, y tienen SteadyShot INSIDE. Este sistema de estabilización interno que desplaza el sensor ofrece hasta 4 pasos de exposición de ventaja para corregir los temblores provocados al disparar con la cámara en la mano.

Ambas cámaras incluyen la función Barrido Pnorámico 3D, que permite capturar panorámicas amplias repletas de detalles y con un gran campo de visión. Las panorámicas 3D se pueden ver en cualquier televisor 3D HD compatible. La SLT- A55 es la primera cámara Sony α con GPS, permitiendo geoetiquetar las imágenes y los clips de vídeo automáticamente.

El nuevo sensor CMOS ExmorTM APS HD de ambas cámaras acepta una gama sofisticada de funciones de composición y procesamiento de imagen digital. Esto brinda mayores posibilidades artísticas tanto a principiantes como a entusiastas fotográficos.

El Auto HDR se ha perfeccionado en comparación con los modelos α anteriores. Este combina automáticamente ráfagas de 3 imágenes con exposiciones horquilladas, creando una sola fotografía con más detalles en las iluminaciones y las sombras. La función Multi Frame Noise Reduction apila una ráfaga rápida de seis disparos, creando una exposición única con menos ruido que amplía las sensibilidades efectivas hasta a ISO 25600.

Las nuevas cámaras son compatibles con tarjetas Memory Stick PRO DuoTM (incluida Memory Stick PRO-HG DuoTM) y SD (incluidos los formatos SDHC y SDXC) (disponibles por separado).  La velocidad de transferencia de 30MB por segundo de las Memory Stick PRO-HG Duo HX brinda un mayor rendimiento en el modo de disparo continuo o al transferir datos a otros dispositivos.

Las nuevas cámaras α55 y α33 SLT (Single Lens Translucent) de Sony estarán disponibles este septiembre.

Fuente: Sony

TENTACIONES, al cumplir doce años, mantiene la ilusión y esfuerzo por convertirse en un privilegiado altavoz de proyectos representativos que identifiquen por dónde discurren los nuevos caminos de la creación actual y descubrir nuevos nombres que, a buen seguro, serán los futuros referentes en sus respectivos campos de acción.

COMISARIOS: Ha sido el CAC de Málaga quien ha elegido a Sema D´Acosta y Juan Francisco Rueda para que en la edición de este año, la número 12 de esta sección especializada, sean los responsables de su orientación y de la selección de artistas.

CONVOCATORIA DE ARTISTAS

Esta XII convocatoria pública de proyectos quiere fomentar la actividad creadora y por ello apoya a artistas que, individualmente o como colectivo, aporten ideas, nuevos escenarios y nuevas actitudes y usos en torno a diferentes temáticas propuestas. Se les invita a reflexionar e investigar desde los diferentes enfoques conceptuales, narrativos y estéticos que dichas temáticas puedan abarcar, para así facilitar una multiplicidad de lecturas que enriquezcan el planteamiento general de la convocatoria.

Es un interés por la difusión de la creación contemporánea, ESTAMPA lleva desarrollando en los últimos años una estrategia de alianzas y acuerdos de colaboración con las instituciones nacionales e internacionales orientada a facilitar el desarrollo de proyectos y la formación especializada de los artistas participantes mediante la concesión de becas, residencias y ayudas.

El plazo finaliza el 8 Septiembre

Se podrán consultar las bases en www.estampa.org