Arturo Elena

Arturo Elena es el encargado de crear los figurines de moda del departamento de tendencias de muchas revistas nacionales e internacionales y para marcas tan prestigiosas como Custo Barcelona o Vitorio & Lucchino. Además compagina este trabajo con el mundo de la docencia en el Instituto Europeo di Design en Madrid.

¿Cuándo y cómo comenzaste en este mundo?
Empecé a trabajar en el mundo de la moda a finales de los años 70, con 20 años apenas cumplidos, y como asistente en un equipo de diseño perteneciente a dos firmas de ropa femenina establecidas en Barcelona. En este equipo estuve durante dos años aproximadamente. Posteriormente acepté una oferta de trabajo en Sevilla para desarrollar también colecciones de mujer, y ya allí, conocí a José Víctor Rodríguez y José Luis Medina, es decir, Victorio & Lucchino, los cuales eran propietarios por aquel entonces de la que era la boutique más vanguardista de Sevilla. Poco tiempo después empezaron a crecer y a publicitarse en prensa de moda, y comenzaron a encargarme ilustraciones para su publicidad y algunos otros trabajos para catálogos de sus colecciones.
Después vinieron los desfiles en Cibeles, la presentación de su primer perfume “Carmen”, y con ello sus correspondientes carpetas de prensa, las cuales al llegar a las redacciones de las publicaciones de moda más importantes, sirvieron para que me propusieran colaborar con Cosmopolitan en 1992, y desde entonces mis trabajos aparecen en sus páginas. Asimismo, otras publicaciones como Telva o Elle me encargaron algunas colaboraciones, pero más esporádicamente.
Desde entonces me volqué por completo en el trabajo como ilustrador, pues tenía suficientes encargos para ello y además, me fui dando cuenta que había empezado en el mundo de la moda sin formación académica, simplemente motivado por mi gusto por la moda y por mi afición al dibujo sobre todo, lo cual me hizo ver que disfrutaba más dibujando la moda que diseñándola, así que podemos decir que mi trabajo como ilustrador comenzó hacia 1985 y ya abandoné por completo mis colaboraciones como diseñador. De todos modos, en algún momento y sobre todo en el mundo de los complementos, todavía llevo a cabo algún trabajo como diseñador.

¿Ha cambiado mucho el mundo del diseño y la ilustración en este tiempo?
Pues yo diría que sí, y sobre todo en España, ya que aquí no existía una cultura de moda ni una industria que la apoyase como podría ocurrir en Italia o en Francia. Esto sobre todo dentro del mundo del diseño, pero si hablamos de ilustración, podríamos decir que está más sometida a tendencias que a la dependencia de la industria. Muchos años atrás, cuando apenas existía la fotografía, la ilustración reinaba en las páginas de las publicaciones de moda, y más tarde fue al contrario, la fotografía lo monopolizaba todo, pero ya establecidas las dos, supongo que tanto las publicaciones como las firmas de moda han visto en la ilustración otra opción más para comunicar su filosofía o para plasmar su imagen en prensa. En definitiva, creo que en estos momentos la ilustración esta viviendo un auge, también debido a la proliferación de una gran variedad de posibilidades técnicas que empiezan por los trabajos realizados manualmente, como es mi caso, pero ahora también enriquecidos por las posibilidades que ofrecen los ordenadores y su gran variedad de programas.

¿Siempre has estado vinculado al mundo de la moda?
Básicamente sí, aunque como ilustrador también he realizado trabajos para otros sectores, pero dado que la mayor parte de mis trabajos están relacionados con la moda, cuando viene un cliente con un encargo perteneciente a otro sector, casi siempre es porque pretende darle a su producto un aire de sofisticación o una atmósfera inusual dentro de la imagen habitual de su ámbito, por ejemplo el sector automovilístico o el vitivinícola.

¿La moda se empapa de la realidad o la realidad de la moda?
Pienso que en general puede ser recíproco, pero me parece que es más la moda la que se empapa de la realidad; podemos ver como en muchas ocasiones y en muchas firmas, hay una clara influencia de los acontecimientos que nos trae la realidad, o el mundo o su evolución. Pero vemos también frecuentemente cómo personalidades o personajes con un estilo determinado, marcan tendencia que luego los diseñadores  interpretan a través de sus colecciones, y que más tarde devuelven a la calle, es decir, a la realidad, convertidas en moda.

¿Cómo se consigue trabajar para diseñadores tan importantes del país como Custo o Victorio & Lucchino?
Supongo que tanto para ellos como para cualquier otro cliente de los que forman parte de mi currículum, vieron en mi trabajo un lenguaje o un vehículo apropiado para reflejar su imagen y el estilo de su firma. Con esto quiero decir que aunque conociese a Victorio & Lucchino en Sevilla, si no hablásemos el mismo “idioma” o si mis trabajos para su imagen no reflejasen su estilo, no creo que hubiera  podido trabajar  para ellos ni para otros.

¿Tu experiencia en publicaciones nacionales e internacionales, ha sido fundamental para darte a conocer?
Absolutamente, pues mis ilustraciones publicadas en revistas de moda, además de servir para que el público en general conociera mi trabajo, también hicieron posible que otras publicaciones se fijaran en mí y requiriesen mi colaboración, como por ejemplo firmas como Roberto Verino o Loewe dentro del sector moda, y otras dentro del sector del automóvil como Citröen.
La publicación de mis trabajos en prensa es algo que creo que hace que se consolide mi trabajo de cara al público, pero además es un estupendo escaparate para profesionales que a su vez pueden encontrar opciones  que les puedan interesar para sus fines.

El mundo que ilustras es un mundo lujoso ¿Es un mundo minoritario al que la mayoría quiere acceder?
Diría que muy pocas son las personas que no quisieran poder acceder a un mundo de lujo o cuando menos de estabilidad. De hecho, creo que hoy día el mundo del lujo también se ha popularizado en un cierto sentido, y lo que antes era exclusivo de una minoría hoy se ha democratizado, porque ¿quién se resiste a usar un perfume de alta gama o no se permite el capricho de una cena especial en alguna ocasión? Y eso es lujo también. Lo cierto es que la mayoría no tiene acceso a un estatus de lujo total y no deja de ser algo casi inalcanzable, como los sueños, y  ¿a quién no le gusta soñar?

¿Y qué hay más allá de la mujer estéticamente perfecta de tu obra?
Muchas horas de trabajo. Evidentemente, la parte más laboriosa consiste en la ilustración en sí, ya que mi trabajo es 100% manual y sólo utilizo rotuladores en mis ilustraciones, y muy puntualmente recurro al Photoshop para algunos fondos, pero hay más trabajo detrás, que comienza con la documentación, pues procuro “envolver” a los personajes en el universo que se requiere; no sólo hay que prestar atención a las texturas o los acabados, también hay que tener en cuenta el ángulo en que quedarán mejor las figuras, la composición, los fondos si es que se necesitan, el estilismo, cuestión que a veces el cliente deja en mis manos…

¿Cuál crees que es el éxito de la estética que propones?
Pienso que es esa mezcla de personajes que utilizo, de proporciones totalmente irreales, pero procurando que sus movimientos, gestos, luces y sombras, texturas y movimientos de los tejidos, sean lo más realistas posibles en el acabado, el detallismo. Mi intención es que el cliente se identifique con mi trabajo y lo que pretendo es que no se quede en un dibujo bien hecho de un vestido por ejemplo, sino que intento  enriquecerlo lo más posible para que en esa imagen no se vea sólo un vestido, sino que cuente algo más al que la contempla.

En un momento en que la anorexia es un tema polémico dentro del mundo de la moda, ¿Cómo ves ilustrar un estereotipo de mujer tan extremadamente delgada?
En la pregunta está para mí la respuesta, hablamos de ILUSTRAR, es decir, no es la realidad. Creo que en un dibujo de una mujer con unas proporciones imposibles, no se debe ver un modelo a seguir, sea extremadamente delgada o sea inmensamente gruesa. Es mi forma de expresarme y si a la expresión artística se le limita la creatividad, ya no es arte. Si hablamos de otras expresiones artísticas, ahí están El Greco, Modigliani, Botero o Giacometti, y nunca se ha cuestionado porqué hacen sus figuras con esas proporciones, siempre lo vimos como un estilo personal.
Entiendo que la anorexia es una enfermedad terrible, pero hay que ser coherente, y una cosa es ver una modelo de carne y hueso, y otra un dibujo. Cada figurinista o ilustrador ha realizado sus trabajos llevado por su estilo personal, pero un denominador común en todos suele ser lo estilizado de las figuras.

El hecho de tener una estética tan definida ¿es un problema o una ventaja?
Para mí desde luego es una ventaja. Por ejemplo, si hablamos de firmas de moda reconocidas, y hoy día son tantas, el elemento diferenciador de cada una es su originalidad o un estilo muy particular que automáticamente identificamos con una marca en concreto. Eso les permite diferenciarse de las demás. Evidentemente no le gustará a todo el mundo, pero a la inversa, tendrá un público incondicional. Identifico la uniformidad en este sentido como algo negativo, y pienso que lo mismo ocurre con los diferentes tipos de ilustración. Para mí es un orgullo que, en un mundo tan prolífico en estilos, cuando alguien que ve una ilustración sepa que es mía sin ver mi firma; creo que sólo le veo ventajas o aspectos positivos.

También te has introducido en el mundo de la docencia, ¿qué te aporta y qué aportas tú a los alumnos?
Empezaré por decir que no me considero un docente. Mi labor en el Istituto Europeo di Design es la de un profesional de la ilustración que intenta transmitir cómo lleva a cabo su trabajo y la técnica que utiliza. Procuro mostrar todos los aspectos de mi trabajo, desde el encargo hasta el resultado final, ejercitándoles especialmente en cómo conseguir plasmar diferentes tejidos o texturas con rotulador, aportándoles el conocimiento de otro estilo y otra técnica entre las muchas de las que pueden disponer hoy en día.
Ellos me aportan una gran satisfacción, especialmente aquellos alumnos que transmiten su ilusión por aprender.

¿Cuáles son tus referentes y fuentes de inspiración?
Desde pequeño me atraían los dibujos de los superhéroes y los cómics en general. Más tarde, me recreaba contemplando la obra de Velázquez, de Mengs, o de Sert entre otros; admiraba cómo con tres pinceladas se lograba que la empuñadura de una espada pareciese metal auténtico. Si hablamos de ilustración, mis referentes obligatorios son René Gruau, Stefano Canulli o los croquis de Lacroix. No obstante, encuentro también puntos de inspiración en la fotografía y la publicidad de los años 50, o en la fotografía de moda en general, ya que aunque mis personajes sean irreales, como decía anteriormente, para lograr que mantengan la armonía en el movimiento y todos los efectos de realismo que persigo, la única manera es partir de una foto, o sea, de una imagen real aunque yo luego componga la imagen final según el objetivo que pide el cliente.

¿En qué proyecto te encantaría trabajar y para qué no trabajarías nunca?
Me encantaría hacer algún trabajo enfocado a la imagen de Gucci o Yves Saint Laurent, firmas que admiro por su calidad de diseño e imagen, y que te dan la posibilidad de llevar a cabo imágenes fantásticas, ya simplemente con el hecho plasmar sus productos.
Y ¿para que no trabajaría?… a priori es muy difícil concretarlo, pero supongo que no trabajaría para alguien que quisiera transmitir aspectos incompatibles con mis principios, o para algún proyecto con el que me sintiese realmente incómodo.

¿Hasta dónde te gustaría que llegaran tus imágenes?
Hoy día con el factor internet ya no hay distancias físicas, y podemos decir que las imágenes pueden estar ya en cualquier punto del mundo. Si hablamos de ambición profesional, no me gusta pensar más allá de mañana, pero reconozco que mi mayor satisfacción profesional fue cuando el Ministerio de Cultura adquirió mis ilustraciones como fondos para el Museo del Traje.

Tres recomendaciones  para los jóvenes que quieran introducirse en este mundo:
Honestidad en cuanto a reconocer si tienen o no vocación para ello, y después perseverancia y trabajo, trabajo y trabajo.

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